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FIBA: Artes escénicas de otros mundos que copan Buenos Aires

En distintas sedes porteñas, hoy comienza el 11° Festival Internacional de Buenos Aires que, hasta el 21 de este mes presentará 65 propuestas muy distintas que toman como eje el teatro político y el avance del capitalismo

Jueves 05 de octubre de 2017
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LA NACION
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El trío británico de culto The Tiger Lillies
El trío británico de culto The Tiger Lillies. Foto: M. Tulinus

A 20 años de su primer versión, aquella que contó con la presencia de algunas figuras y compañías fundamentales de las artes escénicas, hoy comienza la 11» edición del Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA). La apertura será hoy, a las 20, en el Teatro San Martín con The Tiger Lillies Perform Hamlet, dirigida por el británico Martin Tulinius.

A partir de este estreno, el encuentro escénico organizado por el Ministerio de Cultura de la ciudad y que este año cuenta con dirección del crítico e investigador Federico Irazábal presentará, hasta el 21 de este mes, 65 espectáculos internacionales y nacionales, en 38 sedes en diversos barrios de la ciudad. Indiscutiblemente, el FIBA es el festival de teatro, danza y experiencias performáticas más importante del país aunque, por el costo de inversión como por el volumen de propuestas que se presentan, a nivel sudamericano no llegue a tener la trascendencia de los encuentros que tienen lugar en Santiago de Chile y Bogotá.

Con una inversión de 45 millones de pesos, este año la programación incluye propuesta de salas, instalaciones, recorridos urbanos de hasta tres kilómetros en los que el paisaje oficia tanto de escenografía como elemento dramatúrgico y obras de larga duración (2666, del joven director francés Julien Gosselin basada en la novela de Roberto Bolaño, dura 12 horas).

La programación internacional está conformada por 19 montajes de distintos tipos que llegan de Europa y América latina. Mañana, por ejemplo, el gran coreógrafo belga Wim Vandekeybus estrenará In Spite of Wishing and Wanting (tal vez, una de las propuestas más esperadas). Entre lo nacional y lo internacional, la oferta de este nuevo FIBA incluye a creadores argentinos que están radicados en otros países. Es el caso del director Pablo Messiez, en la actualidad, una figura clave de la escena española; que estrenará un texto de Santiago Loza. En lo que hace a la oferta nacional el menú abarca una variedad de propuestas ya estrenadas localmente cuyos espectadores de lujo serán los curadores y directores de festivales de otros países que llegarán al FIBA. Y si en las últimas ediciones de este encuentro bienal el foco del festival estuvo dedicado a un creador, esta vez hará eje en la danza contemporánea.

A horas de su inicio, salvo para algunas propuestas para pocos espectadores, son pocas las funciones en las que ya no se pueden conseguir entradas. Será cuestión de aprovecharlo.

The Tiger Lillies por primera vez en la argentina

Una prueba de la gran apertura curatorial de este nuevo FIBA es la apuesta de realizar la apertura con una obra de teatro musical, género habitualmente bastardeado por el "teatro culto". Y esta apertura marca un hito porque trae a la Argentina por primera vez a La banda británica de culto The Tiger Lillies, que unida al Theatre Republique de Copenhague se unieron para montar una de las obras más influyentes de Shakespeare: Hamlet. La trágica historia del príncipe de Dinamarca es reinterpretada en una puesta en escena cargada de música en vivo, efectos visuales y humor negro. La locura surrealista del trío británico siempre tuvo una impronta absolutamente teatral en la que se cruzan el cabaret alemán, el teatro épico brechtiano, elementos gitanos y neopunk. Un baile poético en el aire, un banquete al revés y cuerdas que manejan a los personajes, son parte del poderoso universo visual de este trabajo dirigido por Martin Tulinius, con un elenco de cinco actores daneses, además de la mencionada banda musical.

38 SM, Francia
38 SM, Francia.

Integral Shakespeare de larga duración

Un Shakespeare revisitado (o expandido o en el marco de una gran producción o transdisciplinaria; como prefiera). En otras palabras, 38 SM - Shakespeare material es una performance de larga duración, que empieza el martes y termina el domingo de cada semana. Este único montaje atraviesa las 38 obras de Shakespeare. Cada performance toma una obra del icónico dramaturgo como punto de partida. Cada una de ellas propone una mirada sobre los dispositivos teatrales y sobre la estética contemporánea. En la totalidad de las partes, en esta propuesta del francés Laurent Berger se funde el teatro, la creación audiovisual, la danza y la música. Teatro total que indaga raíces mitológicas e históricas del universo shakespeariano enfrentadas con una mirada contemporánea. Trabajan actores de la talla de Guillermo Arengo, Paloma Contreras, Gaby Ferrero, Stella Galazzi e Iván Moschner junto a intérpretes de UNA y la EMAD que encaran este viaje que copará la sala principal del Cervantes.

Una escena de 2666
Una escena de 2666. Foto: Simón Gosselin

12 horas de representación, un desafío para el espectador

¿12 horas viendo una obra teatral? Así es. 2666 es no sólo la gran curiosidad del FIBA sino el gran desafío. ¿Podrán los espectadores resistir tantas horas frente al hecho artístico? El francés Julien Gosselin pensó que si se necesita esa cantidad de tiempo para leer la novela de Bolaño, se podría tomar el mismo tiempo en representarla. Para adaptar esta novela al escenario, mantuvo la estructura de la obra, las cinco partes. Bolaño trata de separar esas historias lo más posible, pero también le deja al lector la posibilidad de establecer vínculos entre ellas. Esta posibilidad será activada en algunas partes, y en muchas otras no. El espectáculo que resulte de esta adaptación durará ocho o nueve horas. "Quiero darle al espectador lo que se le da al lector: algo enorme, impresionante, interminable, excitante y a veces turbulento. Quiero concebir este espectáculo como una experiencia completa y total, un cruce durante el cual participen los actores y los espectadores", dice Gosselin.

He nacido para verte sonreír
He nacido para verte sonreír. Foto: José Puertas

Una madre desesperada, un mundo inaccesible

Pablo Messiez fue uno de los actores más reconocibles de su generación en el teatro porteño durante veinte años, hasta que hace una década decidió emigrar a España. Allí, se convirtió rápidamente en uno de los directores y dramaturgos más influyentes. Esta vez vuelve a su país para presentar He nacido para verte sonreír, una bellísima pieza del argentino Santiago Loza. Una madre se despide de su hijo, mientras esperan al padre que vendrá a buscarlos; enseguida partirán hacia un viaje largo, aunque de alguna manera el hijo ya se fue hace tiempo. El padre lo llevará a un hospital y lo dejará internado para que se cure de su trastorno mental. Ella busca palabras para despedirse, sin recibir respuesta alguna por parte del joven. Los recuerdos lo golpean, insistentes, evocando así ante él y ante el público la historia de una mujer desesperada, que ha nacido únicamente para ver sonreír a su hijo, quien no sólo no lo hace jamás sino que permanece ausente, ido, o tal vez habite un mundo que es inaccesible.

Remote Buenos Aires, de Alemania
Remote Buenos Aires, de Alemania. Foto: Mike Vonotekov

La ciudad como marco escenográfico

El suizo Stefan Kaegi es un conocido de Buenos Aires. Produce obras de teatro documental, programas de radio y proyectos en entornos urbanos. Hace unos años, dirigió en la ciudad ¡Sentate!, una propuesta en la que "actuaban" mascotas con sus dueños (o al revés, poco importa). Su última propuesta aquí fue de tono panorámico: se llamaba Mirador y transcurría en la terraza de un edificio del microcentro. El público llegaba ahí, luego de subir ascensores y escaleras hasta el mismo tanque de agua, guiados por un músico no vidente. Ahora presentará una "caminata sonora inmersiva" que ya ha presentado en diversas ciudades. Aquí hará Remote Buenos Aires. Comienza en el Cementerio de Recoleta. Para cada función (de alguna manera hay que llamarla) serán unas 50 personas con sus auriculares y una voz que dirigirá los movimientos y las miradas de este grupo anónimo por un paisaje urbano reconocible para cualquier porteño aunque, esta vez, quizá depare otras perspectivas.

In Spite of... Bélgica
In Spite of... Bélgica. Foto: Danny Willems

La fascinante y perturbadora magia del sueño

En 1999 el gran coreógrafo belga Wim Vandekeybus montó un obra protagonizada exclusivamente por hombres. Se llamó In Spite of Wishing and Wanting. Tenía música de David Byrne, monólogos sobre el miedo y sobre la espantosa magia del sueño y un cortometraje basado en dos historias de Julio Cortázar. Aquello fue una bomba detonada por esas fieras escénicas dispuestas a todo (una marca de este creador). Cuando se presentó en Barcelona, Rodrigo Fresán publicó una excelente crónica en Página 12 que terminaba así: "El final llega como un bienvenido respiro y -después del estruendo de aplausos- resulta fascinante ver el modo en que el público abandona la sala: en cámara lenta, como si fueran yendo de la cama al baño a mojarse la cara diciéndose en voz baja que por suerte nada más fue un sueño y qué lástima que nada más fue un sueño". Aquel montaje icónico tuvo una nueva versión. Las fieras escénicas son otras. Las sensaciones, viniendo de este gran creador, prometen ser las mismas.

La velocidad de la luz, Argentina
La velocidad de la luz, Argentina. Foto: N. Repetti

La historia de un barrio contada por sus mujeres

En La velocidad de la luz las protagonistas son mujeres. Mujeres mayores habitantes de la villa 31. Como sucede con otras propuestas que transforman al paisaje urbano en una especie de escenografía, los espectadores recorrerán junto a ellas espacios vinculados con lo cotidiano de estas mujeres: sus calles, sus casas, la parroquia del padre Mugica en la que se reúnen, sus lenguas, sus cantos, sus recuerdos del pasado, los distintos desalojos, los ecos de la dictadura, la violencia y las eternas promesas de un barrio mejor. Quien dirige este trabajo es el creador audiovisual y escénico argentino Marco Canale. En otros encuentros escénicos de fama, ya ha presentado trabajos comunitarios de estas características. Como sostuvo en un reportaje, la ficción se le fue quedando corta ante ciertas cosas que iba viendo o viviendo, y se sumergió en este tipo de creaciones en las que conviven elementos biodramáticos como los contextos sociales y políticos tanto históricos como actuales.

Obrafutura, Argentina
Obrafutura, Argentina. Foto: J.M. Carrasco

La obra futura de tres bailarines de enorme presente

La oferta del FIBA versión 2017 incluye dos coproducciones coreográficas de creadores locales que fueron elegidas por concurso. Una de ellas se llama Obrafutura y está a cargo de tres performers que vienen trabajando juntos desde hace cinco años. Son Carla Di Grazia, Pablo Castronovo y Sebastião Soares. Los tres son intérpretes de paletas expresivas muy diversas y de un alto nivel de producción (de hecho, Carla también integra el plantel de La Wagner y Pablo, de ¡Adentro!, dos magníficas propuestas coreográficas programadas en el festival). Los intérpretes y creadores prometen que en Obrafutura "los bordes entre la ocupación real de los bailarines y los espejismos se mezclan". Hay infinidad de motivos para creerles. La otra propuesta coreográfica local que se estrenará estos días se llama Hemos abandonado nuestra carrera de campeones. Lleva la firma de Diego Velázquez y Eugenia Estévez, otros dos creadores de enorme peso en la escena coreográfica porteña.

Numeroso elenco en Nathan!?
Numeroso elenco en Nathan!?. Foto: Samuel Rubio

La recuperación de la dignidad y la fe en la humanidad

Otra propuesta multinacional es Nathan!?, del director alemán Nicolas Stemann, basada en el texto homónimo del escritor Gotthold Ephraim Lessing e intervenida por Elfriede Jelinek, austríaca ganadora del Premio Nobel de Literatura. Hace mucho tiempo, la esposa de Nathan y sus hijos murieron en un incendio. Sólo Nathan sobrevivió, condenado a vivir a pesar del vacío y de la ausencia. Lessing describe así la recuperación de la dignidad y la fe en la humanidad de un hombre herido. El autor alemán comienza su drama con un nuevo incendio que destruye nuevamente el hogar de Nathan: otra experiencia dura para el avejentado hombre. Nathan recupera su vida a través del amor que siente por su hija adoptiva Recha. Lo sorprendente es que Nathan el Judío adoptó a una niña cristiana a pesar de que fueron los cristianos los que provocaron el incendio y destruyeron a su familia. Nathan educa a la joven Recha como si fuera su propia hija y es a través de ella que se convierte en sí mismo.

Five Easy Pieces
Five Easy Pieces. Foto: Phildeprez

Una pieza perturbadora, con 16 niños actores belgas

Perturbadora, como cualquier noticia tremenda que pueda escucharse en un noticiero es Five Easy Pieces, creación del dramaturgo, director, periodista y cineasta suizo Milo Rau. Cultor de una suerte de un teatro documental y periodístico, que excede lo meramente testimonial. Rau es considerado por muchos críticos como una de las voces más controvertidas y necesarias de la actualidad. Sus 15 obras pasaron ya por los principales escenarios internacionales. En este trabajo lleva a escena la historia de Marc Dutroux, el asesino de niños que conmocionó Bélgica en los años 90. Un detalle también controversial de este proyecto ambicioso es que involucra en su elenco a chicos de entre 8 y 13 años. En esta pieza aborda los límites de lo que los niños saben, sienten y hacen, esos mismos niños actores enfrentan al espectador con sus propios miedos y deseos. El autor utilizó la biografía del mayor criminal belga para dibujar una breve historia de Bélgica, en escenas movilizantes.

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