Un vistazo al dandismo, el estilo de moda negra que impulsa la Met Gala
LA NACION
NUEVA YORK (AP) — Iconos de la moda como Dapper Dan, Janelle Monáe y el fallecido André Leon Talley son conocidos por sus enfoques distintivos del estilo sartorial: audaces salpicaduras de color, telas lujosas, confecciones juguetonas, capas, pero los expertos en moda e historiadores coinciden en que un hilo común entrelaza sus modelos a la medida: el dandismo.
El movimiento estilístico cargado de historia será el centro de atención como parte de la exhibición de primavera del Instituto del Vestido del Museo Metropolitano de Arte, "Superfine: Tailoring Black Style" (Superfino: Confeccionando el estilo negro), que comenzará con la noche más importante de la moda, la Gala del Met del lunes.
Inspirada en el libro de Monica Miller "Slaves to Fashion: Black Dandyism and the Styling of Black Diasporic Identity" (Esclavos de la moda: el dandismo negro y el estilo de la identidad de la diáspora negra), la exhibición se centra en el estilo negro y específicamente en la moda masculina desde el siglo XVIII hasta la actualidad, con el dandismo como tema unificador.
Una vez utilizado para describir el estilo aristocrático y las actividades de ocio de figuras como Beau Brummell de la Inglaterra de la Regencia, el dandismo ha sido recontextualizado a lo largo de los años para encarnar la liberación y la resistencia a través de la autoexpresión exuberante.
Esta evolución del término comenzó con el comercio transatlántico de esclavos. Miller, curadora invitada de la exhibición del Met, escribe cómo, en el siglo XVIII, los jóvenes sirvientes negros con estilo dandi en Inglaterra fueron obligados a usar collares de oro, latón o plata con candados y librea fina, uniformes para esclavos y sirvientes, que señalaban la riqueza de sus dueños.
"Querían que la persona esclavizada se destacara casi como si fuera un artículo de lujo", dijo Jonathan Square, profesor asistente de la Escuela de Diseño Parsons y uno de los asesores de la exhibición del Met.
Los esclavos llegaban a América con pocas o ninguna pertenencia. Lo que les quedaba, lo atesoraban, ya fueran cuentas u objetos pequeños y preciosos, escribe Miller.
"Esto es tan cierto para aquellos que fueron deliberadamente vestidos con sedas y turbantes, cuyo desafío era habitar la ropa a su manera, como para aquellos que estaban más humildemente vestidos, que usaban la ropa como un proceso de recuerdo y modo de distinción (y escape simbólico y a veces real de la esclavitud) en su nuevo entorno", explica Miller en su libro.
Despojados de sus identidades, las personas esclavizadas a menudo añadían su propio toque a sus mejores atuendos de domingo para la iglesia o en días festivos.
Después de la emancipación, los afroestadounidenses tuvieron la oportunidad de reclamar su autonomía y forjar nuevas vidas para sí mismos, allanando el camino para el Renacimiento de Harlem.
Los afroestadounidenses huyeron del sur hacia ciudades como Chicago, Los Ángeles y Nueva York en un período denominado la Gran Migración. Desde la década de 1920 hasta la de 1930, el barrio de Harlem en Nueva York se convirtió en un paisaje influyente y fértil para la expresión cultural negra. Desde Langston Hughes y Zora Neale Hurston hasta Duke Ellington y Louis Armstrong, sus mentes prominentes remodelaron el tejido de la cultura estadounidense y desafiaron las creencias prejuiciosas.
El Renacimiento de Harlem le dio alma a la moda, dijo Brandice Daniel, fundadora de Harlem's Fashion Row, una agencia que conecta a diseñadores de color con minoristas y oportunidades de marca.
"Fue este lugar de nacimiento de esta identidad visual que hablaba de lo que ahora llamamos excelencia negra", dijo.
El renacimiento significó vivir y vestirse audazmente para los afroestadounidenses, superando las limitaciones sociales y haciéndose visibles. Añadiendo su propio giro a los looks convencionales, las mujeres lucían pieles y vestidos con cuentas mientras los hombres experimentaban con telas a medida, sombreros fedora impecables, zapatos oxford bicolores y siluetas amplias.
"Muchos de nosotros tenemos una foto de nuestro abuelo vestido con el traje, pero también es la postura y el tipo de presencia y la afirmación de presencia", dijo Tara Donaldson, coautora de "Black In Fashion: 100 Years Of Style, Influence, and Culture".
W.E.B. Du Bois, una figura clave de la era que a menudo aparecía en un traje de tres piezas, un abrigo de levita y un sombrero de copa, entendía el poder de la auto-moda, dijo Valerie Steele, directora del Museo en el Instituto de Tecnología de la Moda. En la Exposición de París de 1900, Du Bois montó una exhibición fotográfica centrada en mostrar las contribuciones económicas, sociales y culturales de los afroamericanos para combatir los estereotipos.
"Ese tipo de auto-moda es una forma de reclamar un sentido de respeto propio que había sido negado por una sociedad que agresivamente decía: 'No, no puedes tener eso'", dijo Steele.
Un estilo que surgió del Renacimiento de Harlem, directamente vinculado al dandismo, fue el traje zoot. El traje, definido por pantalones drapeados de cintura alta y chaquetas sobredimensionadas con hombros exagerados y solapas grandes, era subversivo simplemente por ocupar espacio. Debido a las raciones de tela durante la Segunda Guerra Mundial, poseer un traje zoot, con su uso excesivo de tela, era un acto de protesta, dijo Square.
"Está destinado a ser una provocación", dijo Square. "Pero también es una forma de protección, cubriendo una parte de tu cuerpo, como diciendo, 'No tienes acceso a esto'".
El estilo fue rápidamente adoptado por hombres de origen mexicano y filipino en Los Ángeles. En 1943, militares y policías atacaron a hombres negros, mexicanos y filipinos en lo que se denominó los Disturbios del Traje Zoot. El traje zoot vive hoy en los diseños de género fluido de Willy Chavarria.
El dandismo no se limitó a los hombres. Después de la Primera Guerra Mundial, las mujeres comenzaron a romper las normas de género de la moda. Con su esmoquin y sombrero de copa, la cantante de blues y artista Gladys Bentley personificó cómo las mujeres en el Renacimiento de Harlem desdibujaron las líneas de género y adoptaron estilos de vestimenta más masculinos.
La cantante y actriz Monáe, quien forma parte del comité anfitrión de la Gala del Met de este año, no tiene reparos en destacar en una alfombra roja con sus looks a medida y juguetones. El estilo distintivo de Monáe y sus florituras con sombreros sobredimensionados, trajes ingeniosamente confeccionados y corbatas de lazo ornamentadas personifican el estilo dandi.
A días de que Monáe y el resto de la lista estelar de invitados lleguen con sus looks glamorosos "Hechos a Medida para Ti", el lunes será una noche para recordar a todos los dandis que marcaron estilo.
"Las personas negras, los hombres negros finalmente están recibiendo su reconocimiento por ser verdaderos iconos de estilo", dijo el diseñador Ev Bravado, cofundador de Who Decides War. "Es increíble ver el trabajo ancestral siendo exhibido".
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Esta historia fue traducida del inglés por un editor de AP con la ayuda de una herramienta de inteligencia artificial generativa.
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