No lo dijo frente a un auditorio cualquiera. Lo escuchaban en la noche del último lunes, en el imponente auditorio del hotel-casino Caesars Palace, de Las Vegas, los representantes más poderosos de la exhibición cinematográfica de todo el mundo: los dueños de las cadenas más importantes de Estados Unidos. Son los organizadores de CinemaCon, la convención que cada año para esta fecha expone como ninguna otra la situación de la industria global del cine.

“Eliminen la publicidad interminable y acorten sustancialmente los largos preshows antes de cada función”, dijo Rothman frente a la incómoda reacción del auditorio, según los testigos de un encuentro que estuvo reservado a los profesionales del sector. Dijo que ahora, gracias a la posibilidad que brinda la reserva previa de las butacas, el público adoptó la costumbre de postergar el mayor tiempo posible la llegada al cine.

“Dejen de lado la publicidad –instó el ejecutivo de Sony-. Quienes van al cine ahora llegan a última hora, casi sobre el comienzo de la función, porque odian tener que ver anuncios interminables, algo que no necesitan hacer en sus casas donde las películas son gratis”. Sobre los anticipos de los próximos estrenos que se proyectan antes de la película principal, Rothman reconoció que la mayoría “ni siquiera los ve”, lo que deja como resultado alrededor de media hora de “atracciones desperdiciadas”.

Los espectadores de las funciones de cine que se realizan en las salas y los complejos de nuestro país no registran instancias previas a cada función tan extensas como las que hoy rigen en sus equivalentes de Estados Unidos en la mayoría de los casos. Unos 15 minutos antes del comienzo de cada función, con la sala todavía a medio iluminar (y en algunos casos con todas las luces encendidas), el público se va acomodando en sus butacas mientras en pantalla desfilan avisos publicitarios, publicidades institucionales de las propias cadenas promocionando sus campañas de fidelización de clientes y anticipos de los próximos estrenos (los clásicos trailers o “colas”).

Ese segmento de variedades apareció toda la vida en los cines de nuestro país. Los más memoriosos recuerdan que el programa de mano incluía para cada función el horario de la película principal y de las atracciones previas, que en otros tiempos se identificaban con un “noticiero”. En realidad, antes de desaparecer definitivamente, ese segmento estaba armado por lo general con imágenes de la actualidad empresarial, con imágenes de algún acto protocolar o presentaciones de nuevos productos.

Paralelamente, hasta llegar a la situación actual, se fue ampliando el número de avisos publicitarios, de promociones de las propias cadenas y de anticipos de próximos estrenos. Un par de décadas atrás no eran más que uno o dos, ahora se multiplican y pueden llegar a cinco o seis, sobre todo en vísperas de las vacaciones de invierno y cuando se esperan las películas más taquilleras del año para todo público.

Rothman fue el primer ejecutivo de un estudio importante que pidió públicamente la eliminación completa de esa práctica como requisito para mejorar la salud de la industria, expuesta como nunca en los últimos tiempos a una crisis de convocatoria y falta de interés frente a muchos de los grandes estrenos programados por los estudios más importantes de Hollywood.

“La asistencia a los cines ha disminuido claramente en comparación con la época previa al Covid-19 y todos tenemos trabajo urgente que hacer. Por nuestra parte, eso significa ofrecer una variedad de películas excelentes a todo tipo de público”, dijo antes de presentar las novedades del estudio, encabezadas por las nuevas películas del Hombre Araña y de Jumanji.

A la vez, Rothman dijo que los cambios que propone no podrían haberse planteado en un momento más oportuno, ya que estima que la taquilla global de 2026 será la mejor de los últimos años. “Este es un momento ideal para impulsar mejoras a largo plazo en la experiencia del público en las salas”, agregó.

Además de pedir la eliminación de las extensas “atracciones” previas a cada proyección de la película principal, el máximo ejecutivo de Sony reconoció que el otro motivo de preocupación real más importante de los estudios es el costo de las entradas. “Ir al cine debe volver a ser más accesible. Sé que la situación económica ha sido y es difícil, no los estoy criticando. Por el contrario los apoyo porque muchos de ustedes han realizado magníficas inversiones para modernizar sus salas de cine”, dijo frente a los organizadores de la convención.

Aunque el rango de variación es muy grande según el lugar (ciudad o región) en el que está ubicada la sala, el valor del ticket promedio para una película en los cines de Estados Unidos es de 16 dólares, con picos máximos en los casos de funciones Premium o IMAX, que pueden superar los 25 dólares. En la Argentina, el precio estándar de una entrada de cine oscila entre los 12.000 y 16.000 pesos, además de las promociones y descuentos aplicados para determinados días o funciones.

Rothman también instó a los dueños de los cines a mantenerse firmes en defender la ampliación de las ventanas de exhibición para garantizar la permanencia de las películas en los cines por más tiempo. Rothman dijo que deben seguir comprometiéndose a no proyectar en sus salas y complejos aquellas películas que estén disponibles muy rápido en las plataformas de streaming.

“Los plazos de proyección exclusivos de las películas en los cines deben ampliarse, inclusive si eso significa que no van a poder proyectarse allí todos los estrenos anunciados”, sostuvo. Y también defendió el valor de las películas originales frente a la invasión de las secuelas y continuaciones. “A pesar del éxito de las películas basadas en propiedades intelectuales ya existentes, la originalidad es esencial para el cine. Ni las salas de cine ni el arte cinematográfico en sí mismo podrían sobrevivir sin algo de originalidad. Al fin y al cabo, no podemos hacer secuelas de la nada”, agregó.

Después del mensaje de su titular, Sony presentó algunos de los próximos lanzamientos del estudio, entre los cuales se destacó Jumanji: Open World, tercera entrega de la actualización de la exitosa comedia de acción y ciencia ficción originalmente lanzada en la década del 90 con Robin Williams como estrella principal.

La nueva aventura, que será estrenada en los cines de todo el mundo en la Navidad de este año, fue presentada en Las Vegas por sus tres figuras protagónicas, Dwayne “The Rock” Johnson, Jack Black y Kevin Hart, que regresan para esta tercera película junto al resto del elenco de los dos títulos anteriores (Karen Gillan, Nick Jonas, Awkwafina, Danny DeVito) y el director Jake Kasdan.

Johnson adelantó que esta nueva entrega (que cierra la nueva etapa de Jumanji) recupera el juego de dados original utilizado en 1995 por Williams en la película inaugural. “Es una muestra de respeto a todo lo que Robin inició y también una forma de honrar su memoria y su legado mientras filmamos nuestra última participación en Jumanji”, dijo Johnson.

Esta tanda de capítulos plantea un momento crucial en la historia, ya que el protagonista abandona la rutina del edificio para ingresar de lleno en los niveles más altos del poder nacional. Allí, la trama anticipa un enfrentamiento definitivo con Matías Zambrano, personaje que interpreta Gabriel Goity, hecho que sugiere un posible desenlace para el destino del encargado más famoso de la pantalla.

La plataforma de streaming presentó el tráiler oficial y el póster promocional como parte de su estrategia de lanzamiento. El equipo creativo mantiene a Jerónimo Carranza como showrunner en conjunto con Cohn y Duprat, mientras que Florencia Momo asume la dirección general y Martín Hodara lidera la realización del episodio final. El guion cuenta con la labor de Emanuel Diez como head writer y el aporte de Diego Bliffeld como colaborador.

El reparto suma nombres de relevancia para esta etapa, como Arturo Puig, quien encarna al presidente de la Nación. Además, el elenco incluye participaciones especiales y presencias recurrentes de figuras destacadas como Luis Brandoni, Benjamín Vicuña y Mirta Busnelli, quienes refuerzan la narrativa de esta temporada.

La apuesta de la franquicia no termina con esta entrega, ya que Disney+ confirmó el desarrollo de un spin-off titulado Zambrano. Esta serie derivada pone el foco exclusivo en la figura del abogado penalista y busca expandir el universo narrativo que construyeron los creadores.

Por otra parte, la plataforma centralizó la totalidad de la obra, puesto que las tres temporadas previas, que debutaron originalmente en la pantalla de Star+, ya forman parte del catálogo actual de Disney+.

Los fanáticos del ciclo esperan este estreno con gran expectativa debido al giro político que toma la serie y la rivalidad histórica entre los dos personajes centrales que definen el conflicto principal de la historia. De este modo, la producción consolida su alcance y se posiciona como uno de los contenidos más fuertes dentro de la oferta de entretenimiento para el público argentino y regional en los próximos meses de programación.

La trama presenta una propuesta directa y tensa que dura 85 minutos. La historia relata cómo un huracán de gran magnitud golpea un pueblo costero, hecho que provoca un ascenso repentino del nivel del mar. Los ciudadanos que no evacuaron a tiempo enfrentan peligros mortales. Más allá de la amenaza del ahogamiento, los protagonistas lidian con la presencia de tiburones hambrientos que acechan en el agua.

Este filme, una producción original de Sony Pictures Entertainment, iba originalmente a ser un estreno en salas de cine tradicionales. No obstante, la compañía decidió cambiar su estrategia comercial. Tal como ocurrió anteriormente con Las guerreras K-Pop, Sony optó por vender los derechos de distribución a Netflix.

Mediante esta operación, el estudio recuperó la inversión inicial y obtuvo un margen de beneficio moderado. Esta elección permitió que el título llegara a una audiencia masiva de forma inmediata, consolidando un fenómeno de consumo digital en tiempo récord.

Los especialistas subrayan que el formato corto y la temática de suspenso fueron piezas clave para alcanzar los números actuales. La película logra mantener el interés del espectador durante su escasa duración mediante un ritmo ágil.

Este estreno reafirma la tendencia de Netflix de integrar producciones externas que fortalecen su oferta de entretenimiento ante un público que busca contenidos de consumo rápido y alta tensión dramática durante los fines de semana. La apuesta de la compañía por este tipo de relatos de supervivencia parece dar frutos sólidos en términos de audiencia y alcance territorial inmediato en todo el planeta.

Desde su cuenta de Instagram, Magaldi subió un carrusel de fotos en las que apareció en un galpón casi vacío, con una mesa y una silla en el medio. Además, se mostró con sus hijos y esposa. Aquella fue la manera de dar anuncio a la expansión de su propia empresa de comunicación, Ritvu.

“Tomar esta decisión no fue fácil. Hubo muchas charlas. Con amigos. Con familia. Con gente que me conoce de verdad. De esas conversaciones donde no hablás solo de números o de trabajo… hablás de miedo, de responsabilidad, de si es el momento o no”, empezó a reflexionar el exconductor.

Según recordó, escuchó “de todo”, desde comentarios positivos y negativos, de aliento y otros no tanto. Sin embargo, aseguró: “Sentí algo muy fuerte: apoyo”.

“Mensajes. Audios. Abrazos. Gente que sin dudarlo me dijo: ‘dale’. Y eso… pesa. Pero para bien", indicó Magaldi, a la vez que reconoció: “Porque cuando estás por dar un salto grande, no lo das solo. Hoy firmé para entrar a esta nueva etapa. Y si estoy acá, es también por ustedes. Mi familia. Mis amigos. Los que estuvieron del otro lado cuando más lo necesitaba”. Hacia el final, concluyó: “Gracias de verdad. Ahora sí… vamos con todo. Nuevo estudio creativo de Ritvu”.

En 2014, Nicolás Magaldi abrió una agencia creativa y productora audiovisual con foco en la Argentina y el mundo. En su perfil tienen diferentes campañas publicitarias realizadas para marcas reconocidas internacionalmente, además de que cuenta con figuras famosas que las acompañan para dar relevancia e impacto en las redes sociales.

En un inicio, Ritvu nació con el propósito de hacer streaming, pero con un concepto que todavía no se concebía como el de hoy en día. Su idea era crear contenido audiovisual e intentó diferentes proyectos para la virtualidad. De esa manera, ofreció sus productos a diferentes medios y así llegaron de a poco las solicitudes. Haber sido una figura conocida en Ideas del Sur le dio un empujón y experiencia para lanzarse por sí solo en este campo. Con el paso de los años, su firma mutó y se orientó a la publicidad.

Además del estudio creativo, el exconductor es dueño de la marca Macavian Sports, un emprendimiento que combina el deporte y la tecnología. Así, no solo depende de la comunicación y tiene otro ingreso en un rubro muy distinto.

De esta manera, Nicolás Magaldi se arriesgó y apostó por un nuevo paso en sus propios proyectos, sin miras de un retorno próximo a la televisión y seguro de preservar el interés por consolidar más aún su firma en el país.

“Claro, Nico querido”; “Felicitaciones, papá”; “Felicidades”; “Otro paso siempre para adelante. Ese estudio va a ser tremendo” y “Proyecto concretado”, fueron algunos de los comentarios que recibió Magaldi luego de hacer el extenso posteo en Instagram.

Juan tuvo que enfrentar el complicado embarazo de su esposa Walky Giménez, ya que durante el quinto mes de gestación recibió un pronóstico desalentador al enterarse que su bebé iba a nacer con síndrome de Down, motivo por el que los médicos les recomendaron abortar. Pese a la mala noticia, decidieron seguir adelante con el proceso y Abril llegó a este mundo con un derrame cerebral y de forma prematura en 2012, algo que determinó que permanezca un mes y medio conectada a una máquina del hospital. Actualmente, posee un tubo en su estómago para poder alimentarse con una sonda y tiene la parte derecha de su cuerpo está paralizada.

En diálogo con LA NACION, el músico dejó en claro que esta crianza le significó muchos cambios en su vida, como dejar temporalmente su carrera en los escenarios para dedicarse de lleno a su pequeña. Al respecto, aseguró que fue muy complicado, pero que no se arrepiente, ya que, afortunadamente, en las redes sociales consiguió un “crecimiento mucho más amplio, rápido y práctico”. A su vez, los ingresos comenzaron a llegar: “Se monetizó mucho mejor, la música del telonero paga centavos”. A su vez, aseguró que “es más fácil ser creador de contenido y hacer música que al revés”, por lo que no descarta su pronto regreso a los escenarios.

Con respecto al momento que se dio cuenta que su vida iba a cambiar para siempre, De Montreal resaltó: “El tema de mi hija me sensibilizó mucho la vida, era mucho más rígido”. Si bien en un principio no lo tenía tan claro, está contento de cómo se dieron las cosas y de la posibilidad que le da su trabajo de que su familia “entre en la ecuación” de las redes y sea parte de su contenido, algo que le “da un panorama de amplitud en lo que vaya a transmitir al público”.

La participación de Abril en sus videos fue muy natural, ya que la pequeña creció con su padre en ese rol, lo que le generó un interés auténtico por estar junto a él y se convirtió en la protagonista de su contenido. Su hija “se transforma” cuando se prende la cámara, algo fundamental para que pueda progresar. Si bien Juan admite que “la decisión fue un poco arriesgada" porque se expone al bullying -habitual en redes sociales-, lo ve como algo que suma en su desarrollo, por lo que aseguró que continuará haciéndolo.

Las enseñanzas de su hija

En este cambio de la música a las redes sociales, Juan de Montreal tuvo la posibilidad de crecer como persona. En este sentido, reconoció que Abril “le enseñó a parar, a ver los detalles”. “Hasta me enseña mucho a saludar cuando me voy, en el ritmo que llevamos a veces nos olvidamos”, explicó.

Y esto funciona de ambas partes, ya que la niña no es argentina y su único vínculo con nuestro país surge a partir de su padre, quien se encarga a diario de que ella sienta ese cariño especial por su tierra, hasta con una prueba de mate incluida. Si bien se le dificulta el aprendizaje del español por su complejo cuadro de salud, entiende lo que le dice su papá y le contesta en inglés. Pero eso no es lo único, sino que la cultura del fútbol está muy presente en su casa: “Sabe que papi ve fútbol, que ve a Boca, ahora está viendo la selección. ¡Ella es de Boca!”.

Pero no todo es positivo, y menos en el universo digital actual donde mucha gente aprovecha para soltar todas sus malas energías al tener una “inmunidad” para criticar e insultar sin consecuencias: “Trato de no subir todos los videos con Abril. Muchas veces se me pasan algunas cosas y hay muchos comentarios sobre eso”. De igual manera, aseguró que su pequeña no entiende, aunque a él le afecta como padre. “Pasan por ahí para tirar su tierra, se van y no aparecen nunca más”, remarcó sobre los “haters”.

Su inminente regreso a la música

Si bien la actualidad lo encuentra con más de 35 millones de seguidores entre sus cuentas de TikTok, Facebook, Instagram y YouTube, Juan de Montreal no quiere que la música sea una faceta que quede en el olvido. “Nunca la descarto, estoy buscando el momento”, comenzó por explicar con respecto a su regreso.

Incluso reveló que ya tiene un proyecto en mente para su vuelta al ruedo: “Grabé canciones con artistas muy conocidos en Argentina y están en stand-by. Tengo dos temas hechos y son cumbias”. Y esto no fue lo único, sino que agregó que está en conversaciones con Karina La Princesita. “Tuvimos algunos encuentros para ir componiendo una canción”, agregó sobre esta posibilidad. También mencionó la chance de aprovechar el interés masivo por el fútbol en Miami tras la llegada de Messi y crear una cumbia dirigida a este público.

Su decisión de apuntar a la música argentina está ligada a su pasado en el país, algo que le marcó su vida en los Estados Unidos. “Soy de Villa Lugano, muy barrial, muy familiar. Hoy en día nos rodeamos de argentinos también, no perdí la esencia. Las culturas contagian, entonces decidí aferrarme a lo argentino de Miami y trato de no perder eso”, detalló sobre su argentinidad.

La responsabilidad ante los millones de seguidores

Ante este escenario masivo de seguidores en todas las redes, de Montreal recibe todo tipo de comentarios, pero algunos que le quedaron marcados para siempre. “Me llegaron dos o tres mensajes de personas que se iban a quitar la vida. Y viendo mis videos, el testimonio es que comenzaron a reírse un poco y les ayudó. El mensaje para esa gente es que se puede disfrutar y se pueden lograr las cosas en vida”, recordó junto con unas palabras de concientización.

Por el lado de la responsabilidad comunicacional, afirmó que la única presión que tiene es la de mantenerse en la misma línea de contenido. Al ingresar en los detalles, explicó: “Tengo que ser muy cuidadoso con lo que subo y darle una doble revisión a lo que hago”. Incluso, mencionó un reclamo de una madre porque compartió una foto de un tatuaje que se había realizado.

A la hora de definirse, Juan aseguró estar contento con su decisión y mencionó que volvería a elegir hacer lo que hace: “Estoy agradecido de los golpes, cada etapa me enseñó muchísimo. Mi madurez se basa en haber fallado tantas veces, ya no tengo nada que perder porque ya perdí. Lo que logré no fue gratis”. Junto con esto, contó que ya lleva diez años dedicado a la creación de contenido y no se aburre, por el contrario, lo disfruta mucho. “Ahora voy a entrar a un reality y me va a costar horrores grabar contenido, entonces va a ser un desafío nuevo para mí”, reveló.

Su sorpresivo ingreso a un famoso reality show

De forma exclusiva con LA NACION, Juan de Montreal reveló: “Voy a ser el primer argentino en Planeta Alofoke”. Este reality se realiza en República Dominicana, comenzó el 13 de abril y se transmite tanto por YouTube como por Univisión. “Tengo mucho entusiasmo porque es el reality más visto de Centroamérica para arriba”, remarcó.

Con respecto a su objetivo en este programa, aseguró que hay mucha expectativa porque se trata de un programa “muy cultural”, donde él se plantea “llevar a Argentina en lo alto”. Incluso, una meta del creador Santiago Matías será ingresar al radar sudamericano, a quien Juan De Montreal describió como “un innovador”.

Para finalizar, mencionó que Planeta Alofoke no es como Gran Hermano en el sentido del encierro, sino que van a realizar “misiones en la calle como hace IShowSpeed”. Esto lo podrán cumplir gracias a las 20 mochilas de internet, que les brindará “mucho más panorama para crear contenido”.

El próximo mes, Binelli cumplirá 80 y por estos lares han decidido homenajearlo. Será con varias actividades que girarán alrededor de una función muy especial. Este miércoles 15, en el Palacio Libertad (Sarmiento 151) habrá un concierto con sus obras, donde participarán Polly al piano, la Orquesta Nacional de Música Argentina Juan de Dios Filiberto, con dirección de Pablo Boggiano y el propio Binelli en bandoneón. ​La entrada será gratuita, pero con reserva previa en la web del centro cultural.

Llegarán desde España, donde viven desde hace seis años. Su estada en Nueva York -larga, de dieciocho años- culminó para dar una vuelta de página a la vida de ambos artistas, aunque las actividades musicales se mantienen, casi al mismo ritmo.

-Daniel, estás en la víspera de los 80 años y en Buenos Aires te reciben con un par de homenajes. ¿Qué se siente?

-No lo vivo como un homenaje. Estoy sentado en una silla de labor, de creación. Lo aprendí con Piazzolla. A partir de eso, funciono. No soy partidario de la jubilación. Mientras esté con salud, trabajo y gano mi dinero y sigo creando. Vivo así. No pienso en apoltronarme. Por eso no le doy tanta importancia al homenaje. Para mi lo importante es aparecer y hacer varios conciertos en la Argentina. Y tener cierta vigencia. Primero porque soy argentino y nací en Buenos Aires. Y porque considero que es un lugar muy importante en el mundo del arte. Hay gente muy interesante. Hay músicos y colegas jóvenes. Hace poco grabé para Fueyerías, de [el bandoneonista] Pablo Jaurena.

-Y me enteré que además de tocar conseguiste las partituras de un arreglo de “Loca Bohemia”, que se presentó a mediados de los ochenta, para un programa especial dedicado a Piazzolla, en Badía y Cía.

-Sí. Piazzolla no tocó ese día, participó como homenajeado. Le pedimos a Roberto Pansera un arreglo para cuatro bandoneonistas: Leopoldo Federico, Rodolfo Mederos, Dino Saluzzi y yo. Lo tocamos y grabamos en la emisión de Badía. Yo le había pedido a Pansera ese arreglo, porque ninguno de nosotros quería hacerlo.

-¿Por qué?

-Porque ninguno quería meter el lápiz cuando se trataba de Piazzolla y porque no teníamos tiempo. Y Pansera, que era un genio, lo hizo en tiempo récord. Fue algo muy emotivo.

-Tengo la sensación de que los bandoneonistas son más fanáticos del bandoneón que los pianistas del piano o los guitarristas de la guitarra.

-El bandoneón es un instrumento que siempre tendió a desaparecer. Tiene como un fantasma. Por otro lado, es complicado. No tiene un teclado sino cuatro, dos para cada mano según se abra o se cierre [el fuelle]. Tiene una mecánica muy atravesada. Si no se estudia no se puede tocar. Y en cuanto al fanatismo, en Argentina lo que se prioriza es su sonido. No pasa en países como Francia. Una vez, un alemán hizo un bandoneón. Vino a la Argentina y se hizo una reunión importante. Leopoldo Federico, que era un gigante del bandoneón, lo probó y lo dejó. “Esto no suena a bandoneón”, y le pinchó un proyecto que estaba bancado por la Hohner. La mecánica era buena, el sonido no. En Argentina hay muy buenos luthiers haciendo bandoneones.

Polly Ferman: -Voy a decir algo en cuanto al fanatismo y al bandoneón. Desde 2008 tengo un proyecto, Glamour Tango, con un grupo integrado por mujeres. Nosotras le rendimos homenaje a Paquita Bernardo, bandoneonista que nació en 1900 y murió a los 24 años. Cuando tuvo que buscar a un pianista para su orquesta, apareció un chico de pantalones cortos.

-Osvaldo Pugliese...

Ferman: -Claro. Y hasta Gardel cantó una de sus canciones. Porque escribió tangos. Pero nadie habla de ella. Como si el bandoneón fuera un instrumento para hombres. Antes de viajar a Buenos Aires nos presentamos en Torrent, Valencia.

-¿Cuánto tiempo llevan en Valencia y por qué dejaron Nueva York?

Ferman: -Yo viví muchos años en Nueva York y con Daniel estuvimos entre 2000 y 2018.

Binelli: -Fue importante eso para nosotros. Polly tenía allá su ONG, tocábamos juntos y yo empecé a escribir mucha música de cámara y sinfónica. Trabajamos con muchas orquestas importantes de Chicago, San Francisco, Filadelfia. Vivimos todo ese movimiento que había en Nueva York.

Ferman: -Pero un día me invitaron a Valencia para dar un recital de piano y al volver le dije: “Daniel, mudémonos. Me enamoré de Valencia”.

Binelli: -“Pero como: si llegado el día vos me habías dicho que querías que tus cenizas se esparcieran por la Quinta Avenida”, le dije. “Y bueno, ahora que sea en el Mediterráneo”, me respondió.

Ferman: -Y la verdad que fue maravillosa la decisión, porque, poco después, vino la pandemia, que no fue fácil en Nueva York para dos músicos que viven de la música.

Binelli: -Esto es un balneario, es como vivir en Mar del Plata, pero en el Mediterráneo.

Ferman: -Y te voy a decir [se tienta de la risa], acá el vino es muy bueno y mucho más barato que en Nueva York. Eso influyó en la decisión [vuelve a reírse], además de que las personas son más humanas y tratan muy bien a la gente mayor. Mucha más educación y respeto por el otro. La calidad de vida es buena. Comparativamente es mucho mejor en ese sentido.

-¿Tuvieron que resignar trabajo musical?

Binelli: -No, ahora voy a tocar tres conciertos con la Sinfónica de Baltimore. El problema es vivir en los Estados Unidos, se ha quitado mucho presupuesto para el artista que, además, si no trabaja en una institución no tiene cobertura.

-Imagino que en estos seis años que llevan en Valencia encontraron otra perspectiva.

Binelli: -Estamos haciendo cosas para involucrar a los valencianos con el tango.

Ferman: -Como los dos somos académicos de la Academia Nacional del Tango de la Argentina, nos dieron la potestad de crear una academia valenciana del tango, donde soy presidenta y Daniel es presidente honorario. Daniel, además, inauguró su orquesta de tango en un lugar muy famoso y todos los músicos son jovencitos valencianos. También hay milongas acá. Hay interés.

Binelli: -Aunque no reditúe económicamente, como proyectos son interesantes. Pero también hay que salir a hacer cosas afuera.

-Tienen varias actuaciones en Buenos Aires...

Binelli: –La del Palacio Libertad. Luego, el 17 de abril, con la Banda Sinfónica de Ciegos y en mayo, el 14, vamos a dar un concierto en el Salón Dorado del Teatro Colón, en trío, con el guitarrista César Angereli.

-¿La música siempre es excusa para volver?

Binelli: -Bueno, yo necesito estar conectado a Buenos Aires por motivos afectivos; ahí están mis hijas y mi nieto. Mi nieto es un gran músico, toca varios instrumentos de viento. No es que me encuentre con hábitos que no tenga acá. Porque acá tomo mate, aprendí a hacer fainá, me gusta cocinar. Hago asado o lo que sea y busco lugares donde comprar algún alfajorcito de maicena con dulce de leche. Empanas, ahora encontrás en todos lados. O sea que si voy a Buenos Aires anualmente es porque necesito estar conectado espiritualmente a la ciudad.

-¿Y vos Polly?

Ferman: -Excepto mis nietos, que están desparramados por el mundo, tengo mucha familia en Uruguay, como mi hija y mis hermanos. Pero no quiero ir para tocar sino para estar con gente amiga y con la familia. Pero, ¿sabés qué es lo que me gusta hacer cuando voy a Uruguay? Tocar en una residencia para ancianos o en lugares de discapacidad. Eso es lo que yo siento que le puedo dar al Uruguay. No ir a que me pongan flores o me aplaudan.

Fueyerías

Daniel Binelli es uno de los bandoneonistas (de una larga lista) que participó en el proyecto de Pablo Jaurena e Ignacio Varchausky, Fueyerías. Se trata de un álbum con algo más de una docena de composiciones, para las cuales se convocó a 31 bandoneonistas de diferentes generaciones. Cada tango y cada grabación tienen su historia y su porqué. Pero, sobre todo, los títulos responden a tres ejes temáticos que se desarrollaron para producir el álbum: el rescate histórico, las nuevas composiciones y los nuevos arreglos.

Pudo haber sido una especie de álbum de Jaurena con invitados, una buena manera de sumarle tango a la era del “feat.” Pero terminó siendo algo mucho más colectivo. “Sí, cada tema es una colaboración, un encuentro. Fueyerías es un proyecto colectivo que, en su espíritu, nació de una motivación y una necesidad artística y personal mía muy profunda -dice Jaurena-. Luego la compartí con Ignacio Varchausky con quien empezamos a darle forma y coproducirlo. Nunca fue pensado como un álbum en solitario. Yo vengo de un disco solista en el más estricto sentido de la palabra, un disco de bandoneón solo (Retrato del aire; 2022) Este álbum, en cambio, siempre fue pensado en conjunto. Y ahí tenía dos caminos posibles. Uno era armar una “banda estable”, con 3 o 4 bandoneonistas amigos, y bautizarlo algo así como el “Ensamble de Bandoneones Pablo Jaurena”. Sin dudas, iba a ser una producción más sencilla y lo hubiéramos grabado en dos días, en lugar de dos años como terminó resultando. Pero eso no era tan atractivo en cuanto a proceso creativo. Me pareció mucho más rico ir eligiendo cada tema y cada invitado como si fuera la pieza de un rompecabezas. Los discos en general son obras donde participan muchas personas, y en los discos solistas muchas veces los músicos participantes, los arregladores, quedan en un segundo plano. En este caso quise que fuera todo lo contrario".

Los bandoneonistas, además de compartir fila en una orquesta típica, a veces se muestran como una especie de cofradía representada en el propio instrumento que interpretan. Y de ahí que parezca más fanáticos de su inseparable amigo que los pianistas, guitarristas o intérpretes de otros instrumentos. “Es probable, creo que hay un sentido de clan, de resistencia, de pertenencia y orgullo por el instrumento que tenemos los bandoneonistas. En mi opinión, el bandoneón es el instrumento más argentino que existe. ¿Por qué? Porque todo su desarrollo técnico se lo debemos a músicos argentinos, su técnica no tiene antecesores clásicos o en otros géneros como el piano, el violín, la guitarra. No se puede contar la historia del bandoneón prescindiendo de la música argentina. Cualquier otro instrumento presente en la música argentina puede prescindir de la misma para contar su historia. En este sentido, creo que el bandoneón no es un instrumento reconocido lo suficiente en esta dimensión, porque no tiene mayor difusión, mayor lugar en los planes educativos oficiales, porque no hay un serio programa de preservación de este patrimonio cultural. El bandoneón necesita visibilizar sus inmensas posibilidades, su repertorio especifico, sus fantásticos creadores, muchos de ellos héroes anónimos sin los cuales la actualidad del instrumento sería otra".

Pero esto es Hacks, y el llorar y el reír van de la mano. A finales de marzo, en un hotel de Los Ángeles, el elenco y los creadores de la serie se juntaban para el que ha sido el principio del final: la rueda de prensa de esta quinta temporada. Sin prisa, durante más de 45 minutos charlaron con la prensa presente —entre ella, El País— y desgranaron sus sentimientos, pero también algunos detalles de cómo acabará la serie. Algunos tan divertidos que prefieren mantener en secreto; otros, que no les queda más remedio, porque todavía estaban terminando la edición del último episodio.

Sus creadores, guionistas y directores, Jen Statsky, Lucia Aniello y Paul W. Downs, junto a las actrices Megan Stalter y, por supuesto, Smart y Einbinder, hablaron del duelo que les ha supuesto tener que decir adiós a sus creaciones (“cada uno estamos teniendo diferentes reacciones”, comentaba Aniello) y lo que no querían que faltara en esta última temporada. Por ejemplo, rodaron en París, confiesan. “Siempre hemos querido hacer algo como una convención de autógrafos, un show estilo Hollywood, la noche de las mil estrellas”, reía Downs, que además de cocreador de la serie interpreta al manager Jimmy LuSaque. Pero prefieren guardar algunos secretos para que el público pueda reír a carcajadas, sin spoilers.

Humor absurdo

La quinta y última temporada, explican, será más divertida y luminosa. “La cuarta fue un poquito oscura”, reconoce Smart. “Me preocupaba que la gente me odiara”, ríe, “porque se preocupan mucho por nuestra relación, siempre nos acompañan. Pero en la quinta volvemos a ser profundamente absurdos, lo que es muy, muy divertido”. “Y también está bien que volvamos a estar en el mismo equipo”, replicaba Einbinder sobre la dinámica de las dos protagonistas, que pasan del enfrentamiento a la hermandad, a veces, sin solución de continuidad. “Creo que es muy divertido para nosotras. Tenemos nuestras discusiones a lo largo de todo el proceso, claro, que también disfrutamos”. Para ella, todos esos retos la empujan a “alcanzar nuevas cotas en cuanto a interpretación, y eso es muy estimulante y emocionante”. Durante toda la conversación, interrumpida por sus risas y sus lágrimas, los “gracias” fueron una constante, de actores a los creadores, y viceversa.

Otra de las cuestiones en la que profundizaron fue la aparición de la inteligencia artificial, que tiene una aparición en esta temporada. “Creo que intentamos que esta serie sea muy realista”, arrancaba Downs. “Y, de igual manera, creo que siempre queremos reflexionar sobre lo que está pasando en la cultura, en nuestras vidas. Y nos llena de orgullo no dar por sentada la plataforma que tenemos y querer hablar de lo que está pasando. Porque la verdad es que creo que, cuando uno ríe, eso lubrica tu forma de pensar. Tu mente se abre cuando te ríes. Puedes cambiar tu punto de vista”.

Downs explicaba que, a menudo, exploran temas y conversaciones desde esos distintos puntos de vista para permitirle que el espectador tome su propia decisión sobre cómo se siente con respecto a ciertos temas. Pero no fue así con este asunto. “Obviamente, en cuanto a la trama de la IA, tenemos una opinión muy concreta al respecto. No la dejamos abierta porque creemos que el proceso creativo es algo que no necesitamos optimizar. Es una de esas cosas en las que pensamos: ‘Por favor, dejalo’. Hay muchas cosas que podrían hacerse, pero mejor no vayamos ahí”.

“Hay una presión enorme por parte de la tecnología para optimizar cada aspecto de nuestras vidas”, retomaba Jen Statsky, cocreadora de la serie junto al matrimonio Downs-Aniello. “Puedes hacerlo todo mejor: puedes dormir mejor, caminar mejor, pensar mejor... ¿A qué precio? ¿Hasta qué punto, hasta dónde estamos dispuestos a llegar? No hace falta optimizarlo todo porque la determinación y el esfuerzo forman parte de ello. Es parte del proceso creativo. Es lo que hace que las cosas sean buenas, humanas", reflexionaba, preguntándose exactamente a quién beneficia eso: “A quien saca dinero de ello. Nunca beneficiará al artista, al productor, al arte de contar historias. Así que, que le den, es malísimo, así nos sentimos”, afirmaba, alabada por su equipo. “Y sí, hay muchas maneras en las que la IA puede ser de gran ayuda, en medicina, cosas así. Pero el problema es que en la sociedad en que vivimos solo expulsa a la gente de sus trabajos, hace a los ricos más ricos y todos los demás sufren. Ojalá estuviera en mejores manos, pero no. Y hasta que haya guardarraíles, mecanismos para pararlo y proteger a la humanidad, el arte y las vidas de la gente, no es buena”.

“Es un tren sin cinturones”, remachaba Aniello. Jean Smart afirmaba que es difícil saber qué es cierto y qué no, qué creer de lo que se escucha y se ve, que le preocupa cómo afecta a la imaginación. Y Hannah Einbinder, encendida, afirmaba, entre su propio enojo y las risas de los demás: “Y todo es porque la gente que hace esto son unos perdedores. No son artistas, ni creativos. Lo único que han querido en sus vidas es ser especiales y no lo son, así que intentan robarnos nuestros dones a la gente creativa. ¡Pero no podés! Aunque lo intentés, nunca serés cool. Son horribles, nadie los quiere, solo se les acercan porque quieren poder y acceso más allá de estándares éticos. Son perdedores”.

Deborah Vance, diva e icono televisivo

El personaje de Deborah Vance, interpretado por Jean Smart, ha liderado la serie, convirtiéndose en apenas cinco temporadas en un clásico de la televisión y ella, en una actriz de nuevo reconocida en esta etapa de su vida, tras su paso por Chicas con clase, Frasier, hace un cuarto de siglo, o 24. Vance le ha regalado cuatro Emmys (uno por temporada), tres Globos de Oro (de cuatro nominaciones), premios del sindicato de actores, de los críticos o, en 2022, la estrella en el Paseo de la Fama. Y todo por interpretar a una mujer, una diva clásica, que ha perdido el paso para el gran mundo del entretenimiento, pero está decidida a buscar otros caminos.

Reflexionando sobre ello, Smart afirmaba: “Sobre nuestra industria, creo que atravesamos una época realmente extraña y convulsa, en la que las grandes corporaciones están tomando el control y llevando la batuta, y lo cierto es que da bastante miedo”.

“Tengo un socio productor, y hablando de un proyecto tuvimos que parar y pensar: ‘Sí, pero, ¿esto lo aceptarían los poderes más conservadores?’. Cosas así. Es una época muy extraña". Para ella, además, la quinta y última temporada es un momento donde “por primera vez” se ve a su protagonista, “aunque sea momentáneamente, absolutamente derrotada” “Pero luego se recupera y eso la lleva de vuelta a donde quiere estar, a perseguir lo que quiere”.

“Estaré eternamente agradecida por los papeles de estos últimos años, de esta década”, reconocía, explicando cómo todo empezó a mejorar para ella cuando interpretó a la primera dama de EE.UU. en 24, en 2006. “Creo que ahora hay papeles más interesantes para mujeres que no tienen 25 años”, aseguraba. “Los hombres siguen dominando en todas las películas, hay 10 hombres por cada mujer. Pero solían escribirse historias sobre hombres porque eran ellos los que salían al mundo a hacer cosas”, reflexionaba. “Y empezaron a darse cuenta de que algunas mujeres siempre habían estado ahí haciendo cosas, y a escribir sobre mujeres más bien inusuales, rebeldes, adelantadas a su tiempo. Se están dando cuenta de que las mujeres pueden ser igual de tridimensionales, y de que las mujeres mayores pueden tener el mismo tipo de vidas y deseos que las mujeres de 30 años. Y están empezando a aprovecharlo”.

La serie así lo ha demostrado, de ahí que el adiós, temprano para muchos, en el pico de su éxito, haya sido difícil de gestionar. Reconocía Smart que le fue complicado ir despidiéndose de los decorados, de su casa en la ficción —para la que copiaron una lujosa mansión de la urbanización angelina de Bel Air—, de su dormitorio, de la cocina... “Me dejaron robar pequeños souvenirs de cada set”, confiesa. Megan Stalter reconoce que lo pasó realmente mal al terminar de rodar, que no podía parar de llorar. Y Hannah Einbinder, que ni siquiera ha terminado de procesar que es el final. “Para nosotros son como personas reales”, reflexionaba, emocionada. “Decirle adiós a Ava, a la que no conozco, es raro. Guardo su ropa, y es gracioso. Es como si me pusiera la camiseta de una amiga”.

En su libro Quema tu dieta —y recientemente en una charla reveladora con Marian Gamboa en el podcast de divulgación social A lo grande—, el especialista español Ismael Galancho rompió con los mitos tradicionales del fitness. El nutricionista, que asesoró a figuras como Luis Suárez, sostiene que la clave de una figura saludable como la de Antonela no es un secreto de gimnasio, sino una cuestión de fisiología pura.

Durante su intervención, Galancho fue tajante al explicar por qué obsesionarse con la balanza o el entrenamiento aislado es un error: “Debemos entender la fisiología como un todo que funciona de manera holística y no como partes independientes. Al andar menos, se produjeron alteraciones en la sensibilidad a la insulina y marcadores inflamatorios sistémicos, los cuales también pueden afectar indirectamente y de manera negativa a la ganancia de masa muscular”.

Para el experto, el éxito de Antonela —quien está cerca de cumplir 38 años— radica en entender que “la actividad física quema muchas más calorías que el ejercicio físico”. Galancho utiliza una comparación muy sencilla para derribar la creencia de que basta con una hora de pesas. “Un albañil o una persona que trabaja en correos, es decir, que se mueve durante todo el día, aunque no entrene, va a quemar muchas más calorías que yo, que estoy todo el día sentado y luego me voy una hora a entrenar”, comentó el especialista.

Según Galancho, el problema de la vida moderna es el sedentarismo digital: “Cada vez somos más los que trabajamos delante de una computadora y tenemos que saber que nuestro gasto calórico, pese a que nos machaquemos luego en el gimnasio, no es muy alto”.

Pero el truco no termina en el movimiento; también llega a la mesa. El especialista realizó una serie de recomendaciones a nivel alimenticio para quienes tienen una vida de oficina o muchas horas de escritorio. “No comería demasiados carbohidratos durante el día porque sé que mi gasto calórico no es muy alto y en una hora de entrenamiento, en una hora de gimnasio levantando pesas, por desgracia y por mucho que nos pese, como mucho quemas 400 calorías”, indicó. A raíz de esto es que explico que el gasto calórico es “mucho más elevado” si se alcanzan cifras como los 10.000 o 12.000 pasos.

El vínculo entre Anto e Ismael no es nuevo. A principios de 2023, la empresaria ya había hecho público su agradecimiento hacia el experto, cuya trayectoria abarca desde el alto rendimiento con deportistas de élite hasta el tratamiento de sujetos con obesidad. A través de sus redes sociales, y con una imagen de la obra que hoy es su guía, la influencer fue contundente: "Felicidades por tu nuevo libro, Ismael Galancho. Gracias por guiarme a un estilo de vida más saludable“.

Fue un mago el que puso un cohete en el ojo de la luna. Georges Méliès no inventó el cine, pero sí inventó el cine como maravilla. Viaje a la Luna no es la primera película filmada, sí recibe su crédito como una de las más importantes. Para el visionario francés, el cinematógrafo fue más que una curiosidad de feria. Conjurando el espíritu de la literatura de Julio Verne, Méliès estrenó en 1902 la primera película de ficción científica. Y dio vida al cine como lo conocemos: como espectáculo, con imágenes que hasta el día de hoy conmueven, o se estudian como si se tratara de descifrar símbolos, o simplemente entretienen la mirada. O todo eso al mismo tiempo.

Hijo de la ciencia y las artes, desde su nacimiento el cine soñó con alcanzar la luna. El subgénero de los viajes espaciales es, junto al western, fundacional para las artes cinematográficas. Como lo atestiguan Buzz Lightyear y Woody, el astronauta y el vaquero de Toy Story.

A lo largo de la historia, no fueron pocas las películas que han querido honrar el legado de Viaje a la luna. Pocas lo consiguieron. Filmar una película en “el espacio”, del género que sea, requiere destreza técnica del más alto nivel. Pero no basta con los efectos visuales o los decorados para maravillar al público.

La Guerra Fría que calentó la pantalla grande

Borges observó, con mucha inteligencia, que la llegada del ser humano a la Luna fue la hazaña capital del siglo XX. “Por razones políticas, es decir, circunstanciales y efímeras, la gente tiende a disminuir esa hazaña”, afirmaba en uno de sus diálogos con Osvaldo Ferrari.

El escritor argentino pudo apreciar aquello que muchos de sus contemporáneos, poetas y escritores, no. W.H. Auden, en The New Yorker, desestimó el alunizaje como una competencia nacionalista.

El cine no tardó en subirse al cohete que disputaban las naciones. James Bond fue el encargado de evitar la guerra cuando su archienemigo, Blofeld, secuestró naves espaciales de la NASA y la Unión Soviética. Aunque los efectos visuales de Solo se vive dos veces eran buenos para su época, apenas un año después del estreno, en 1968, parecían hechos por principiantes. El motivo: una de las grandes obras maestras del cine.

El único Oscar que recibió Stanley Kubrick fue por los efectos visuales de 2001: Una odisea del espacio (disponible en HBO Max). Con justicia considerada una de las mejores películas de la historia; injustamente, el equipo que acompañó a Kubrick para diseñar los efectos de 2001... (entre ellos Douglas Trumbull) no recibió el premio.

2001..., como Viaje a la luna, es una película que mantiene intacto su poder para maravillar a los espectadores. Los efectos son tan buenos que incluso hoy asombran. Algunos creen en una teoría conspirativa: el hombre nunca llegó realmente a la Luna, sino que la NASA, luego de ver Una odisea en el espacio, contrató a Kubrick para filmar el alunizaje en un set.

No todas fueron loas. Andrei Tarkovsky calificó a 2001... como una película “pretenciosa”, “fría”, y “estéril”. La respuesta cinematográfica soviética llegó 4 años más tarde. En Solaris (no disponible actualmente) no hay monolitos, ni monos ni una inteligencia artificial tan carismática como Hal-9000. Aunque la película nunca fue tan popular como 2001..., no carece de méritos artísticos.

Los “fracasos exitosos”

“¿Sabés qué amé de tu película?” le confesó Billy Wilder, el gran cineasta detrás de Piso de soltero, a Ron Howard, director de Apolo 13 (se puede alquilar en Claro y en Apple TV). “Que celebra a las personas que no lograron sus sueños”.

Entre los griegos, la Luna tenía nombre y deseo propio: Selene, que se enamoró de un pastor llamado Endimión. Como si fuera “un sueño dentro de un sueño”, escribió John Keats, cobijados por el cielo nocturno, el pastor y la diosa mantuvieron su romance.

George Bailey le promete la Luna a Mary, en el clásico de 1946, ¡Qué bello es vivir!. La Luna, no solo para los griegos, representó el anhelo de lo soñado. Hollywood hizo eco de esta visión romántica y se encargó de darle un giro.

La nave para esta odisea se llama como el dios griego de la curación. Pero el número no parece ser un buen presagio. El rostro de Tom Hanks, suspendido entre la desilusión y la determinación, condensa todo: Apolo 13 no aparenta ser una historia inspiradora. Pero lo es.

La película sobre la misión fallida de la NASA fue una de las más taquilleras de 1995 en todo el mundo. Dejó una frase para la memoria: “Houston, tenemos un problema” y tuvo varias nominaciones a los Oscar.

Pero antes hubo otra película excepcional sobre “los que no llegan”. Los elegidos de la gloria (se puede alquilar en Apple TV) parece un título irónico para representar el trabajo descomunal de los 7 hombres seleccionados para el Proyecto Mercury, el primero de pilotos espaciales en los Estados Unidos.

La película se estrenó en 1983 y, aunque recibió 8 nominaciones al Oscar, fue un fracaso de taquilla. Protagonizada por Sam Shepard, Ed Harris (que también actuó en Apolo 13) y otros, el film recibió su merecido reconocimiento con el paso del tiempo. Aunque casi todo el relato sucede en la Tierra, esta historia sobre “perdedores”, cargada de adrenalina y con una mordaz mirada política, inspiró clásicos como Top Gun y, por supuesto, Apolo 13.

De padres e hijas

“Durante años, la gente me reconocía por Batman: El caballero de la noche. Pero en los últimos 10 años eso cambió por Interestelar, y eso es increíblemente gratificante”. La confesión de Christopher Nolan está cargada de orgullo.

Cuando se estrenó en 2014, la recepción de Interestelar (HBO Max), tanto en lo referido a la crítica como a la taquilla, fue buena pero no extraordinaria. No destacó tanto como otras películas dirigidas por Nolan. Pero el destino tuvo otros planes.

Más de 10 años después, cada vez que la película se reestrena en los Estados Unidos, la Argentina u otros rincones del globo terráqueo, llena las salas. En 2025, en la lista publicada por The New York Times, apareció como una de las mejores películas de este siglo, votada por el público y por directores de cine.

Como 2001: Una odisea del espacio, Interestelar solo ganó el Oscar por los efectos visuales. Para George R. R. Martin es “la película de ciencia ficción más ambiciosa” desde el film de Kubrick. Hasta la fecha, Interestelar es la película más taquillera de todas las de “viajes espaciales”.

El corazón de la película, inspirada en algunos relatos de Borges y diversas ideas científicas, es una historia sobre un padre y su hija, con la marca personal del director que busca esculpir en el tiempo. Si el espacio se mide por el tiempo, en Interestelar son océanos de tiempo los que ahogan a sus protagonistas. “Antes solíamos mirar hacia el cielo y preguntarnos por nuestro lugar entre las estrellas”, afirma decepcionado el papá de Murphy en una de las frases que captura el poético espíritu de cualquier exploración espacial. Y describe lo que sucede cuando la humanidad pierde el norte: “Ahora solo miramos hacia abajo y nos preocupamos por nuestro lugar entre la basura”.

La gravedad y las leyes de Newton

Cuenta la leyenda que fue una manzana la que inspiró la ley de gravitación de Isaac Newton. Como dice el libro Historia de las ideas científicas, con Newton alcanza para viajar y volver a la Luna.

Gravedad (HBO Max) se estrenó en 2013, fue un éxito de taquilla y ganó 7 Oscar. En apariencia, es una historia de acción espacial con Sandra Bullock y George Clooney, filmada con cámaras 3D y un despliegue visual imponente. Pero hay algo más debajo de esos trajes de astronauta y esas instalaciones espaciales que parecen úteros.

Ryan, la astronauta que interpreta Bullock, está deprimida por la muerte de su hija. Trabaja como si estuviera a la deriva en la inmensidad del espacio. Gravedad representa las tres leyes de Newton, metafóricamente y no tanto, cada vez que un imprevisto obliga a la doctora Ryan Stone a moverse.

La llave del espacio

“El espacio está lleno de azar y mala suerte. No coopera. En algún punto, se los prometo, todo lo que pueda salir mal va a salir mal. Van a pensar que es el final. Pueden aceptarlo o ponerse a trabajar. A resolver las ecuaciones”. El monólogo es de Mark Watney, el astronauta que interpreta Matt Damon en Misión rescate (Disney+).

Galileo Galilei, que nunca se graduó pero fue profesor de matemáticas, decía que la humanidad sin el lenguaje de las matemáticas solo conseguiría viajar por un oscuro laberinto. Siglos más tarde, Borges retomó esa línea de pensamiento cuando escribió: “Como la música, las matemáticas pueden prescindir del universo, cuyo ámbito comprenden y cuyas ocultas leyes exploran”. “La imaginación y las matemáticas no se contraponen”, sostenía el argentino, “se complementan como la cerradura y la llave”.

Esa idea sobrevive en Misión rescate. Watney sobrevive, entre papas y música disco, esperando un salvavidas desde el planeta Tierra. La humanidad, en esta comedia dramática utópica, borra límites y nacionalidades en pos de un bien mayor.

Entre el humor y los temas de ABBA, Donna Summer, Gloria Gaynor o David Bowie, esta no parece una historia para Ridley Scott, el director de Alien y Blade Runner. Pero, en 2015, el cineasta consiguió hacer una de las películas más exitosas de su carrera.

¿Por qué alguien querría viajar al espacio, cuando las probabilidades de supervivencia, naturalmente, son más bajas que en la Tierra? Todos lo saben y, sin embargo, no faltan candidatos para ser astronautas. Kennedy, en su discurso en Texas, citó al explorador George Mallory cuando le preguntaron por qué quería escalar el Monte Everest: “Porque está ahí”. El explorador argentino Alfredo Barragán, cuando terminó la exploración Atlantis, afirmó: “Que el hombre sepa que el hombre puede”.

Entre el optimismo, la ciencia y la religión

Misión rescate y Proyecto Fin del Mundo (en cines) comparten guionista (Drew Goddard), fuente literaria (el escritor Andy Weir) y algo más difícil de fabricar: optimismo.

En Proyecto Fin del Mundo, el protagonista es Ryan Gosling como Grace, un hombre que parece estar fuera de lugar entre tantas computadoras y elementos espaciales. La nave es la Ave María. La misión es, ni más ni menos, que la de salvar a la humanidad. Una sustancia misteriosa está apagando al sol, pero nadie sabe cómo resolverlo.

Dante Alighieri en la Divina Comedia describe al sol como un planeta con una corona ardiente con doce espíritus luminosos. La luz del conocimiento. La leyenda dice que Galileo, en su defensa, argumentó: “La religión no nos enseña cómo es el cielo, sino cómo se va al cielo”. Aunque su historia se usa para reforzar la idea del enfrentamiento entre la ciencia y la religión, el propio Galileo no las veía como fuerzas antagónicas sino complementarias.

Los primeros, pero no los últimos

La historia de las artes está emparentada con la contemplación del espacio. A Johannes Kepler se le atribuye la primera novela de ciencia ficción de la historia, El sueño. Cuando Artemis II captura el lado oscuro de la Luna, es difícil no pensar en Pink Floyd.

El cantante de jazz Gil Scott-Heron compuso “Whitey on the Moon”, una canción de protesta que denunciaba la realidad económica y social de los negros en Estados Unidos mientras los “blanquitos” iban a la Luna.

En El primer hombre en la Luna (HBO Max), otra película de viajes espaciales con Ryan Gosling, pero con un tono muy distinto al de Proyecto Fin del Mundo, se escucha esa canción antes de la llegada a la Luna, cuando el gobierno gastaba millones para un programa espacial que nadie sabía si iba a funcionar o no.

En esa película Gosling interpreta a Neil Armstrong. Hace su propio viaje a la Luna. El título de la película hace referencia a una novela de H. G. Wells, el autor que pensaba en viajar al espacio como algo tan fantasioso como viajar en el tiempo. Gosling viaja para algo más que hacer un duelo.

Kennedy no vivió para ver el “pequeño paso para el hombre”. Pero en la película su voz resuena en segundo plano, como si hablara desde otro tiempo: “Elegimos ir a la Luna no porque sea fácil, sino porque es difícil”. El cine de viajes espaciales existe, en el fondo, para recordarnos que esa frase pertenece a nuestra época.

En la novela de la escritora Adriana Riva (Seix Barral), Ruth la protagonista, escribe breves comentarios sobre las obras de algunos artistas. Uno de ellos que no se retoma en la puesta en escena reza lo siguiente: “Joseph Kosuth, ¿qué es más real? ¿la silla, el cuadro o la definición de la silla?“. La mujer se pregunta por lo real frente a la obra Una y tres sillas. Ese interrogante es ideal para pensar la puesta. ¿Desde qué perspectiva se interroga por lo real? El sentido común puede poner en el centro lo funcional, al fin y al cabo, la única que sirve para sentarse es la silla, la de madera, la de respaldo y cuatro patas. Pero eso ¿la hace más real? La imagen de la silla es real, la definición verbal de la silla también lo es. Ruth (ambas, la novela y la obra de teatro) se deslizan no solo por un lugar corrido de “lo real”, sino también sobre la cuestión de los lenguajes.

La novela está escrita en primera persona, pero en la puesta hay dos actrices, una representa a esa mujer que, adulta mayor, pasa sus días en la soledad de su departamento y otra actriz que va cubriendo los roles de todos los personajes con los que la protagonista se cruza o dialoga: sus amigas coetáneas, sus dos hijos (identificados como el del perro y el abogado, nunca serán pronunciados sus nombres), las nietas, la profesora de arte y el psiquiatra.

La mujer, viuda, que vive en camisón, elige la cocina como lugar favorito de su casa y sostiene que se dedica a matar el tiempo. Hasta que el tiempo, finalmente, termine con ella.

En términos temáticos podría decirse que la vida cotidiana de Ruth transcurre entre crucigramas, clases virtuales de arte y alguna que otra salida (al Teatro Colón, a algún café, a un turno médico). Podría decirse que tiene una agenda con múltiples espacios vacíos, pero cada una de las cosas que toca despliega planteos casi existenciales.

El detalle focaliza, pone en primer plano. Así aparecen: una palabra aprendida, una olvidada, la voz de una cantante, el juego entre recordar e inventar en qué circunstancias conoció a su marido.

El arte como supervivencia

Ana María Bovo y Elvira Onetto encarnan las palabras de Riva devenidas dramaturgia de la mano de Javier Berdichesky y de Andrés Gallina -sobre una idea del primero y de Maite Caballero-. Ambas actrices encuentran múltiples modos de sostener lo mínimo, lo pequeño, lo que dejaríamos caer por su apariencia insignificante; y sin embargo lo convierten en la verdadera razón de todas las cosas. El detalle es el que permite la supervivencia. Pero además y de un modo muy conmovedor y particular lo hace el arte: Ruth es una mujer que disfruta de la cultura en general.

La referencia a los lenguajes se convierte en evidencia en la puesta en escena, por ejemplo, cuando ella dice que permanece en su cocina y habla de su vínculo con el color azul y señala que se dedica a analizar el arte, ese ambiente es una sinécdoque de cocina -la parte por el todo-. Así, se desplegará y permitirá la proyección de las obras pictóricas que en la novela son pura palabra.

El humor es una parte fundamental de la propuesta, un humor tal vez un poco diferente, porque se inscribe sobre la vejez, las pérdidas de toda clase, la muerte y los olvidos.

En el inicio de la obra de teatro una amiga invita a Ruth a viajar (así sin el destino), el cierre es una búsqueda de balance entre las ventajas y desventajas de hacerlo. Pero lo que despierta el deseo en la protagonista de la historia es pensar que podrá ver sus amadas obras de arte y los lugares posibles son aquellos donde estas se encuentran.

Para viajar, las zapatillas fluorescentes que usará son indispensables. No importa a qué aeropuerto del mundo arriben. Ver a las dos mujeres que visten el traje de la vejez con esas zapatillas y con la mirada pícara de quien se enfrenta a algo con deseo es profundamente esperanzador.

4 stars

Después de esos años frenéticos entre rodajes, discos de estudio y giras internacionales, Ratner tuvo que afrontar una especie de reinicio, un volver a empezar marcado por su fuerte deseo de evitar roles que la encasillaran como actriz juvenil aunque, paradójicamente, eran casi los únicos papeles que le ofrecían. Así, continuó su camino por los escenarios del teatro independiente, que ya había transitado con anterioridad; escribió su propia obra de teatro (Lo normal) durante la pandemia en búsqueda de nuevas oportunidades, participó en algunas series, hizo la película mexicana El niño Dios (2023), potenció su faceta como influencer (acumula más de 3 millones de seguidores en Instagram) y se lució junto a Florencia Peña en la adaptación teatral de Mamma mia!, donde el papel de Sophie (que en la película interpreta Amanda Seyfried) le valió una nominación a los Premios Estrella de Mar.

Ahora, la actriz es una de las protagonistas de Verdad o Shot, la ficción vertical que inauguró el lanzamiento de Shorta, la primera plataforma argentina de series para ver en el celular ideada por Armando Bo, Tomás Escobar (creador del sitio Cuevana) y el empresario tecnológico Ariel Arrieta. Se trata de un thriller psicológico con tintes eróticos que sigue a un grupo de amigos en un fin de semana que escala hacia el descontrol, exponiendo secretos, vínculos ocultos y dinámicas de poder. Bajo la dirección de Alejandro Ciancio (En el barro y El marginal), el elenco se completa con Tatu Glikman, Lautaro Rodríguez y José “El Purre” Giménez Zapiola, pareja de Ratner hace seis años y su flamante marido (se casaron en noviembre pasado).

-¿Cómo fue la experiencia de hacer tu primera ficción vertical?

-Es completamente distinto. Verse en formato vertical ya es diferente y actoralmente fue un re desafío porque son muchos capítulos pero duran muy poco. Es decir que cada un minuto y medio o dos pasa algo, por lo que actoralmente estás al palo todo el tiempo.

-¿Cómo se maneja esa intensidad?

-Fue duro porque además se graba bastante rápido. Teníamos que estar muy concentrados y enfocados, con todo muy ensayado para llegar al rodaje bien afilados. Grabamos todo en una semana y media, fue intenso. Para eso también fue clave que entre nosotros cuatro ya éramos amigos y compartíamos y charlábamos mucho en el hotel donde nos estábamos hospedando en Uruguay, donde filmamos. Además, estaba con mi pareja.

-Imagino que la labor de un director como Alejandro Ciancio fue fundamental.

-Tenerlo fue espectacular. Yo lo admiraba mucho y ahora que trabajé con él, lo admiro aún más, es superhumano, simple, muy profesional. Está con vos todo el tiempo para que saques lo mejor de vos y a la vez te da la confianza y las herramientas para que trabajes tranquilo.

-La historia es un thriller erótico. ¿Cambia la forma de filmar escenas de sexo en este formato?

-Por suerte tuvimos una coordinadora de intimidad, que es una figura clave. ¡No entiendo cómo hacíamos antes sin eso! Charlás la escena antes con ella, con tu compañero, con el director, hay un equipo reducido y ciertos elementos de protección. Entonces la hacés mucho más tranquila. Y Ale [Ciancio] también fue clave porque me generó mucha confianza, me explicaba cómo iba a ser el plano. Al ser formato vertical es más difícil porque se ven más cosas y él me dejó muy tranquila y después me dijo si quería ver el resultado y darle el visto bueno. El equipo era como en cualquier serie o película que grabé, mega profesional; lo mismo con las cámaras, el vestuario. Todo era premium. Eso, para mí, es lo lindo de Shorta, que está haciendo contenidos en formato vertical pero manteniendo el estándar bien arriba.

-Con El Purre, tu pareja, ya habían trabajado varias veces juntos. ¿Cómo se encontraron en este proyecto?

-La primera vez que trabajamos juntos me acuerdo que todo el mundo nos decía: “Chau, esto es un antes y un después”, así que lo encaramos con mucho miedo, pero por suerte nos llevamos bárbaro trabajando y nos apoyamos mucho. Esta vez también la pasamos muy bien y fue divertido que estuviéramos intercambiados; yo hacía de pareja de Lauti Rodríguez y él de Tatu. Es gracioso porque fue una especie de luna de miel para nosotros, viajamos a Uruguay a grabar una semana después de nuestro casamiento.

-¿No hay celos o una actitud diferente al trabajar en pareja?

-No, cero. También nos tocó hacer escenas de sexo juntos y era loquísimo porque, por un lado, nunca voy a tener tanta confianza con alguien a la hora de hacer ese tipo de escenas, pero por el otro lado era como si estuviéramos revelando parte de nuestra intimidad. Pensaba en si la gente nos iba a mirar como diciendo “esto es real” [se ríe], pero también estaba la coordinadora de intimidad para mantener el eje de que todo fuera súper pautado.

“Tuve que entender que la vida no era eso”

“Soy Luna fue mi primer papel importante”, afirma Malena Ratner sobre la tira protagonizada por la actriz mexicana Karol Sevilla que regresará en julio, diez años después de su primera emisión, con una cuarta temporada y por la pantalla de Disney+. “Yo estaba en la compañía de teatro musical de Ricky Pashkus y fui bailarina en algún episodio de Violetta. De hecho, cuando estaba grabando los videos Dance Along de Violetta ya había hecho el casting de Soy Luna y el coreógrafo era el mismo. Durante los ensayos, él vino y me dijo que también estaba ensayando con los finalistas de la nueva serie, entonces yo creí que no había quedado", recuerda Ratner durante su encuentro con LA NACION.

-Pero quedaste y cambió tu carrera...

-Literal, fue un antes y un después en mi vida. Cuando te llaman de Disney te dicen: “Bueno, tenés tres temporadas, o sea, tres años de filmación, gira por Latinoamérica y por Europa, discos”. Era mucha información junta y es algo que ya no existe tener asegurados tantos años de trabajo sin parar. La experiencia fue increíble y de mucho aprendizaje, y también tuve que entender que la vida no era eso.

-Cuando terminaste la serie te habrás encontrado con otro panorama laboral.

-Totalmente, fue volver a hacer castings porque podés tener un nombre en Disney pero tampoco es que te conoce todo el mundo; justamente, el público eran chicos y jóvenes. A la vez, obviamente, estaba la desesperación de querer salir de ese universo, de no encasillarme, pero todos los trabajos que me llegaban eran de ese estilo. Por suerte era consciente de que mi laburo era así, como un electrocardiograma, y siempre abracé mucho el trabajo. A mí cuando me preguntan qué quiero hacer digo trabajar. Disfruto haciendo teatro, una serie, una película, y hoy en día tener trabajo es un montón.

-¿Cómo se maneja la frustración frente a los rechazos o la escasez de ficción audiovisual?

-Es durísimo. Si alguien encontró la fórmula que me la pase porque a veces no tenés ni idea de cuándo vas a volver a trabajar. Creo que es clave que te guste lo que hacés. Si no te gusta y no te podés acostumbrar a esta inestabilidad, estás al horno. También soy muy partidaria de hacer cosas, de buscar otras facetas. En pandemia, cuando nadie tenía laburo, me puse a escribir una obra, a producirla y a dirigirla. Eso atrae otras cosas, no hay que esperar siempre a que suceda porque si no la pasás mal. Necesitás algo para ocupar la cabeza. También trato de seguir formándome y me encanta tomar clases de actuación grupales. Para mí, la actuación es en equipo, yo me agarro mucho de mis compañeros.

-Mamma mia! también fue un proyecto importante que te dio mucha visibilidad...

-Fue un boom tremendo. Cantar en vivo era un desafío nuevo para mí y la verdad es que tengo suerte con los compañeros con los que me tocó trabajar porque ahí estuve con Flor Peña que fue una madraza y una figura clave para acompañar ese proceso. Después me tuve que bajar para hacer el regreso de Soy Luna [hizo dos temporadas y se despidió en marzo de 2025] porque no podía coordinar las dos cosas.

-¿Desapareció ese temor a quedar encasillada?

-¡Sí! Aunque al principio pensaba: “¿Cómo voy a volver a hacer este personaje que dejé en un cajón hace 10 años?”. Pero cuando empezamos a grabar todo fluyó. A mí, Soy Luna me dio toda mi carrera, o sea, gracias a eso vino todo lo que hice después. Entonces, abrazo al personaje y me encanta. Me parece muy loco ir por la calle y que todavía me griten Delfi. Claramente marcó algo en la gente y, por ende, marcó algo en mí. Lo valoro muchísimo, no reniego de eso.

La vuelta tiene valor propio dentro de la agenda internacional del rock: se trata del regreso local de una banda con más de medio siglo de historia y un repertorio atravesado por clásicos que definieron parte del sonido del blues rock estadounidense. Según la producción, la formación actual está integrada por Billy F Gibbons, Frank Beard y Elwood Francis.

Cuándo y dónde es ZZ Top en Buenos Aires

• Fecha: 24 de noviembre.
• Lugar: Movistar Arena, Ciudad de Buenos Aires.
• Gira: The Big One!.
• Preventa: 16 de abril a las 10.
• Venta general: 17 de abril a las 10.

Cómo comprar entradas para ZZ Top paso a paso

1. Ingresar al sitio oficial de Movistar Arena
2. Iniciar sesión o crear una cuenta en la plataforma de la ticketera oficial.
3. Buscar el recital de ZZ Top en la agenda del estadio y seleccionar la opción de compra correspondiente. En la cartelera oficial ya figura el show del 24 de noviembre.
4. Esperar la instancia habilitada de venta: primero la preventa del 16 de abril a las 10 y luego la venta general del 17 de abril a las 10.
5. Completar la operación con los datos solicitados por la plataforma. Según la ticketera oficial, los e-tickets se envían por mail.

Un regreso con historia

ZZ Top se formó a fines de 1969 en Texas y construyó una carrera marcada por discos como Tres Hombres y Eliminator. En 2021 murió Dusty Hill y su lugar pasó a ser ocupado por Elwood Francis, quien ya venía trabajando desde hacía años con la banda.

La última visita del grupo a la Argentina había sido en 2010, por lo que este recital reabre el vínculo con el público local después de una larga pausa. La promesa de esta nueva escala en Buenos Aires, de acuerdo con la producción, es una noche centrada en los grandes clásicos y en el sonido que convirtió al trío en una referencia del rock.

Juan Cabral (Two/One) pensó en Cazzu para interpretar a Sara, una madre soltera con una hija de 10 años a la que deja al cuidado de un peculiar vecino (Peretti) cuando tiene que irse a trabajar, incluso antes de haberla visto actuar. Algo de su energía le decía que era la persona que buscaba y, cuando la conoció por videollamada, lo reafirmó. “Creo que Sara y Julieta tienen familiaridades de todo tipo. Es una mamá joven, un poco rockera. Es más parecida a lo que yo podría ser como mamá”, reflexiona la cantante de 32 años, quien es madre de Inti (2), fruto de su relación con el cantante mexicano Christian Nodal.

Ambientada en Ushuaia, la película sigue a Risa (Elena Romero), una niña de 10 años que descubre una cabina telefónica que sobrevivió a un incendio ocurrido una década atrás. A simple vista parece abandonada, pero la gente hace fila para usarla porque a través de ella pueden hablar con un ser querido que murió. Además de los paisajes patagónicos, el film se construye a través del sonido: desde el viento, el mar y los pájaros hasta las canciones de Babasónicos y un ensordecedor timbre telefónico. Llega a las salas de cine el jueves 16 de abril y posteriormente estará disponible en Netflix.

La experiencia

La propuesta de la película le llegó a Cazzuchelli en un momento que ella misma definió como “complicado”. Estaba planeando su regreso a la música con Latinaje, su último disco, y con el que en unos pocos días empezará su gira por los Estados Unidos y luego continuará por América Latina y Europa. Inicialmente, se preguntó si la inversión de tiempo “en algo que no era mi trabajo principal, que no sabía cómo hacer ni si iba a salir bien” iba a valer la pena. Sin embargo, hubo una suerte de “hipnosis” cuando recibió el guion que marcó su decisión.

Al ser consultada por LA NACION por el proceso al que se sometió para componer el primer personaje de su vida, la intérprete de “Con otra” reflexiona: “Fue un poco confiar en la visión de Juan, que estaba convencido de que Sara habitaba dentro de mí, en algún lugar. Creo que es diferente o especial cuando uno no sabe hacer lo que está a punto de hacer, pero todos a tu alrededor quieren que lo logres y que te sientas bien haciéndolo. Ese sentimiento predominó en todo el rodaje”.

Más allá del nerviosismo propio de un debut, gran parte de su preocupación, al igual que el resto del equipo, estuvo en Elena, la pequeña actriz de 10 años que debutó con un protagónico: “Yo podía estar insegura y sensibilizarme, pero es diferente cuando hay una personita tan pequeña en el set que es más vulnerable. Si en mi vida yo lo hago bien o lo hago mal, no lo sé, pero para mí era un poco hacerme fuerte y decir: ‘Vamos a intentarlo’”. Asumió el proyecto con compromiso, responsabilidad y la conciencia de que estaba introduciéndose “en un mundo al que sentía que no pertenecía”. Pero estuvo dispuesta a explorarlo, convencida del proyecto, con la validación de la presencia de Peretti en el elenco y acompañada por un equipo de trabajo.

“Ahora siento que soy actriz”, dice con una risa que refleja su cautela por estar en una sala de cine y no en un estadio, pero a la vez también su satisfacción por haberse animado a incursionar en un mundo desconocido. “Una está en el foco de muchas opiniones y de mucha conversación y no le gusta fallar. Pero el arte tiene eso, te metés y no sabés qué va a pasar”, reflexiona.

Su debut tuvo una recepción positiva. Risa y la cabina del viento, producida por Labhouse e Industria del Milagro, ganó como Película Joven en el Stockholm International Film Festival Junior de Suecia y se impuso en las categorías de película y dirección de la 40° edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. También se llevó el premio del público del 4° Festival La Fiesta del Cine de Francia.

El rodaje

El rodaje se realizó el año pasado en Tierra del Fuego y duró un mes y medio. Sin embargo, para que Cazzu pudiera participar, lograron que sus escenas se concretaran en solo dos semanas. Se instaló en la Patagonia con su hija y cada vez que pisaba el set, una multitud se acercaba a verla. Para ella, significó una oportunidad para descansar y permitirse bostezar, pero no por aburrimiento, sino como señal de relajación total. Por primera vez, su día estaba organizado en su totalidad.

“Mi estancia en la Patagonia representó calma, paz y poco ruido. Me daban horarios, algo que nunca en mi vida tuve, ¡y se cumplía! Iba, grababa y, cuando volvía, simplemente descansaba. Creo que también romantizo la experiencia porque no es mi trabajo principal y porque tuve mucha suerte de haber confiado en las personas correctas”, sostiene. “Como artista, me siento orgullosa de ser parte de esta película. Creo que mi desenvolvimiento es gracias a mis compañeros y a la atmósfera que se generó. No estoy segura de que mañana, en otro rodaje o en otra cosa, pueda desenvolverme de la misma forma. No lo sé, porque para mí todo tiene que ver con el contexto. Y en este caso estuvo lleno de amor y propiciado para que realmente yo pudiera lograrlo”.

“Problemas que fueron subyaciendo”

“La verdad es que nosotros tuvimos una relación muy hermosa y mucha gente que nos conoce desde hace mucho tiempo y nos vio ser pareja nos dijo: ‘Yo pensé que ustedes nunca se iban a separar’”, sostuvo Emilia Attias durante su paso por Ángel responde (Bondi Live) al ser consultada por el final de su relación con el Turco Naim.

En este sentido, reveló qué fue lo que los llevó a separarse. Dijo que hubo “problemas que fueron subyaciendo y de a poco fueron siendo más protagonistas en la relación”, pero que no fueron sencillos de reconocer. “Es difícil porque uno está en una inercia y a veces no te das cuenta tan rápido. Te empezás a sentir medio incómoda o mal con determinadas cuestiones, hasta que empezás a sentir cosas que no te hacen bien”, se sinceró.

En este sentido, hizo énfasis en la valentía que hay que tener para hablar, reconocer y aceptar ciertas situaciones dentro de una relación de tantos años. En su caso, les costó mucho tomar la decisión de separarse y aseguró sentirse tranquila de que ambos hicieron todo lo posible “dentro de lo que podíamos con los momentos que cada uno estaba atravesando”. Sin embargo, dijo que no sintió culpa, puesto que sentía que era lo mejor para la familia.

En cuanto a cómo está el vínculo entre ellos actualmente, aseguró que, si bien se quieren mucho y siguen siendo familia aunque de una manera diferente, “no es todo color de rosas”. “No nos llevamos increíble, pero bueno, nos acompañamos con respeto y cada vez las cosas están mejor”, aseveró y con honestidad reconoció: “No creo que fue un desamor, no fue dejarnos de querer, fueron temas que a todos nos pueden pasar y cuando suceden, a veces se pueden superar y otras no”.

Por otro lado, durante la entrevista también se refirió a su noviazgo de casi un año y medio con el economista Guillermo Freire. “No me lo esperaba tan rápido y fue un proceso que me tomé muy tranquila. De las dos partes fue así“, sostuvo sobre cómo fue rehacer su vida sentimental tras terminar una relación de 19 años. ”Fue muy natural y muy fluido, pero porque siento que nos tomamos mucho tiempo para cada cosa”, reflexionó.

Todo comenzó cuando la joven tuvo una descompensación mientras se encontraba encerrada en su celda. Al advertir que no se sentía bien, el resto de los participantes rodeó el lugar y los gritos de desesperación no tardaron en aparecer: “¡Seguridad! ¡Ay, Dios mío! ¡Vengan! No se encuentra bien”.

Las primeras palabras de la correntina reflejaron la gravedad del cuadro: “No puedo respirar. No sé qué me pasa”. Ante esto, sus compañeros supusieron de inmediato que se trataba de un ataque de pánico e intentaron asistirla a través de las rejas mientras exigían atención médica urgente.

El registro del momento captó la contención de los otros concursantes ante la imposibilidad de ayudarla de forma directa: “Sé fuerte. Respirá hondo. Nadie te va a hacer nada. Estoy contigo”, le aseguró una de sus amigas del reality minutos antes de que abrieran las rejas y pudiera abrazarla.

El episodio que sufrió en estas últimas horas no es un hecho aislado en su vida. En agosto de 2023, se sentó en el sillón de invitados de Intrusos (América TV), donde se refirió a sus problemas de salud mental. “Me cambió mucho la cabeza en todo y me complicó mucho. Me volví mi propia enemiga. Tenía 40 comentarios lindos y uno feo y me centraba en el feo”, reveló en relación a la fama que le dejó el reality y el hate en las redes sociales. “No podía levantarme. Hoy en día no estoy bien. Quiénes se creen ellos para condenarte o decirte como sos y juzgarte. No hay persona que no tenga más ganas de salir adelante que yo. Yo lloraba mucho en la casa, pero no se veía”, reconoció.

“Me da miedo no poder aguantar y no cumplir ese sueño de chiquita, me da miedo no poder disfrutar y es difícil. Mi mamá llora todo el tiempo también porque me ve así”, explicó la correntina en aquel momento, y reconoció con angustia: “Me llegué a cortar, no llegaría a decir ‘intento de suicidio’ pero me llegué a cortar para sentir alivio. Todavía se están curando las heridas, no fue hace mucho. Estoy mal, quiero volver a ser yo y recuperar mi brillo”, cerró, entre lágrimas.

Este colapso ocurrió poco tiempo después de que la ex Gran Hermano protagonizara un violento cruce con su compañera, La Falete. Todo comenzó por un reclamo de la argentina ante la falta de cortesía de la española. “¿Qué pasó? ¿Qué dijiste de mí? ¿Por qué desde que llegué no me saludaste? La educación ante todo”, lanzó Coty, dando inicio a un intercambio que escaló rápidamente.

El enfrentamiento subió de tono hasta terminar entre gritos y con una frase contundente de la joven correntina: “A mí nadie me pasa por arriba, no me importa que seas española”.

La influencer es amante de los animales. Junto al campeón del mundo tienen dos bulldogs franceses llamados Galo e India, a quienes les dan todo su amor y atención. Este sentimiento la llevó a alzar la voz cuando se enteró de que la ONG Caballos Quilmes necesitaba ayuda. Se trata del único hospital de caballos del país. Cuenta con terapia intensiva y ya rescató a más de 1500 animales.

“Ellos no tienen voz, pero nosotros sí. Caballos explotados, abusados, descartados como basura y usados hasta el cansancio”, expresó Calvagni en un posteo de Instagram. “Caballos Quilmes los rescata y los devuelve a la vida. Hoy nos necesitan más que nunca para salvar el hospital. Los invito a que entren y puedan ver todo el trabajo que hacen”, sentenció junto al hashtag Salvemos el hospital.

Sus palabras estuvieron acompañadas por varias imágenes en las que se la pudo ver durante su visita a la ONG abrazando a algunos de los caballos que fueron rescatados. Además, compartió los datos de las cuentas bancarias para quienes puedan realizar donaciones.

Caballos Quilmes enfrenta una compleja situación, puesto que el predio en el que están asentados está bajo un comodato que quedó en pie tras la muerte de su dueño. Como los herederos quieren vender las tierras, su objetivo es comprarlas, pero la suma de dinero que piden excede sus posibilidades. Para conseguir el dinero, decidieron hacer una colecta. Según detallan en su página web oficial, si 216.000 personas donan $10.000 cada una, lograrán comprar el campo y evitar que más de 80 caballos queden en la calle.

Si bien les propusieron mudarse a otro campo, la directora y representante legal de la ONG, Karina Dotto, le explicó a LA NACION en agosto de 2025 que eso no es una opción. Una mudanza significaría perder todo lo invertido y no solo en términos de dinero y esfuerzo, sino que la organización también funciona como un espacio de formación para estudiantes de veterinaria de la Universidad de Buenos Aires y de La Plata.

Dotto contó que el lugar cuenta con cinco veterinarios, una neonatóloga y un oculista. “Somos entre 30 y 40 personas y hay guardias las 24 horas del día. La mayoría somos ad honorem. Muchos son estudiantes de veterinaria que hacen sus prácticas preprofesionales con los profesores que vienen a nuestro refugio y se terminan sumando como voluntarios”, explicó.

Se puede colaborar con la ONG Caballos Quilmes a través de:

Transferencia bancaria – Desde la Argentina (Banco Comafi)

• Titular: Asociación Civil Libertad para los Caballos de Quilmes
• CBU: 2990002400200225470004
• Alias: hospital.campo

Transferencia bancaria – Desde el exterior

• Titular: Asociación Civil Libertad para los Caballos de Quilmes
• CBU: 2990002400212671670219
• Alias: save.hospital

Mercado Pago

• link.mercadopago.com.ar/caballosquilmes

PayPay

• paypal.com/paypalme/caballosquilmes

Tal como el propio grupo difundió en sus redes sociales, el show pautado para el quinto mes del año ya tiene entradas a la venta, debido a que ayer culminó el período de preventa y ahora entró en vigencia la etapa de venta general de entradas.

La particularidad en la compra de los tickets es que se pueden utilizar todos los medios de pago a partir del martes 14 de abril a las 12 horas, y existe el beneficios de seis cuotas sin interés con tarjetas de crédito del banco BBVA.

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Airbag en Vélez: la fecha de los shows, precios y cómo sacar entradas

• Fecha: 23 de mayo y 24 de mayo. Aunque el grupo difundió solo la primera fecha, el sitio oficial de venta de entradas adicionó el día domingo para el segundo concierto.
• Lugar: estadio José Amalfitani (Club Atlético Vélez Sarsfield), Avenida Juan B. Justo al 9200.
• Compra de entradas: a través del sitio oficial de All Access.
• Precios: desde $55.000 hasta $110.000, según la ubicación, a lo que se adiciona el costo del servicio.

¿Cómo comprar entradas para Airbag en Vélez?

• Ingresar a All Access.
• Elegir el evento al que quiere asistir y esperar el turno en la fila virtual.
• Tras realizar la fila virtual, seleccionar la tarifa y la cantidad de las entradas que se desea comprar.
• Seleccionar el método de entrega de la compra.
• Confirmar la reserva del show y elegir el medio de pago correspondiente para realizar la compra.

Las presentaciones de Airbag en el interior y fuera del país

La gira El Club de la Pelea I culminará en abril con una serie de presentaciones por el interior del país, incluyendo fechas en La Rioja (Superdomo), San Juan (Playón del Estadio del Bicentenario), San Luis (Club Sportivo Estudiantes), Catamarca (Estadio Bicentenario) y Santiago del Estero (Playón Madre de Ciudades).

Luego, la presentación oficial de apertura de la nueva etapa tendrá lugar en el Estadio Vélez Sarsfield.

Recientemente, se presentaron en el Vive Latino en México con un show explosivo que los ubica como uno de los fenómenos más potentes del rock latinoamericano y que supo consolidar la conexión con el público mexicano. Tras esta presentación, la banda confirmó que volverá a México en octubre con un nuevo show en el Pepsi Center.

La noticia fue confirmada por Diego Gareca, secretario de Cultura mendocino, quien publicó un sentido mensaje en sus redes sociales. “Con profunda tristeza despedimos al querido Felipe Staiti, un talento inmenso de nuestra tierra y pieza fundamental de la historia del rock mendocino. La cultura de Mendoza pierde a uno de sus guitarristas más brillantes e irreemplazables. ​Recordaremos para siempre tu música. ¡Hasta siempre, Felipe!“, escribió.

Staiti era el único miembro fundador de Enanitos Verdes desde la muerte de Marciano Cantero, en septiembre de 2022, por problemas renales. A partir del fallecimiento de su compañero, el guitarrista asumió el desafío de convertirse en el vocalista principal de la banda.

Desde entonces, la agrupación continuó con su recorrido, con Staiti como figura principal. Hasta el momento de su muerte, el líder estaba planificando una gira por Estados Unidos junto con el grupo español Hombres G para junio y julio, en plena época mundialista. Sin embargo, su proyecto se vio condicionado por problemas de salud. La banda también trabajaba en la realización de un álbum de grandes éxitos con invitados nacionales e internacionales, donde iban a reversionar sus canciones más conocidas.

Enanitos Verdes estaba de festejo porque, días atrás, a finales de marzo, la icónica canción Lamento Boliviano superó las 1000 millones de reproducciones en Spotify y se convirtió en el primer tema de rock nacional en alcanzar un hito de tal magnitud.

De qué murió Felipe Staiti, guitarrista y fundador de los Enanitos Verdes

Felipe Staiti estaba internado en el Hospital Italiano de la provincia de Mendoza hacía un mes y falleció el lunes por la tarde, tras sufrir complicaciones de salud. Fue ingresado tras sufrir un episodio de deshidratación profunda.

Según informó el medio local Los Andes, a finales de 2024, después de una gira por Latinoamérica en festejo de los 40 años del primer disco de la banda, Staiti sufrió una infección bacteriana en México, que se combinó con su condición de celíaco y derivó en una grave crisis de salud.

En ese momento, el guitarrista definió a la crisis de salud que sufrió como una “reseteada” física y contó que llegó a perder 15 kilos, además de padecer problemas en su musculatura vocal. La banda, por su parte, debió cancelar shows en festivales como Santiago Rocks en Chile y fechas en Colombia y Perú.

Los planes de la banda para este año estaban frenados a la espera de la recuperación de la potencia vocal de Staiti, quien en los últimos años se volvió el vocalista de la banda tras la muerte de Cantero.

Del Boca no tuvo el mejor paso en el reality, luego de las críticas de parte de los jugadores por su pasado político y la urgencia con la que salió para realizarse chequeos médicos; ahora, el accidente que le provocó una herida en su dentadura la dejó sin poder continuar con la competencia. Pese a ello, se mostró entusiasmada en participar e influir desde sus redes sociales gracias al apoyo que recibió de sus seguidores.

En un reciente posteo apareció en su cama junto a su hija Anna y a su perro labrador. A pesar de que se cubrió la boca, escribió: “Mimos que todo lo curan. Estoy bien, reponiéndome. Pronto haremos un vivo”, adelantó la actriz e insistió: “Gracias por tanto amor y apoyo”.

A continuación, compartió otra foto en el mismo contexto que la primera, pero en esa ocasión reclamó: “La Andreaneta pide: Braian al 9009”, en dirección a que el público elija al exfutbolista para que sea el próximo en dejar la casa más famosa del país. “Voten, voten, voten”, reiteró.

El accidente de Del Boca consistió en que ella se tropezó en la cocina y no llegó a amortiguarse con sus manos. Acto seguido, su cabeza se golpeó contra uno de los muebles y luego contra el suelo. Cuando se levantó, su boca sangraba y rápidamente sus compañeros la asistieron hasta que ingresó el personal médico. Según se dio a conocer, sufrió el desplazamiento de piezas dentales y cortes en el labio.

Debido a la velocidad con la que dejó el reality, Anna Del Boca ingresó a la casa para retirar las cosas de su madre que quedaron dentro. Esto se dio en el primer “Congelados” y tras ello, recibió críticas de parte del afuera. “Me llama la atención que la gente que hace tele ponga en duda que tengo una cucaracha en la oreja. Chicos, alguien tiene que decirme cuándo irme. En el clip se ve que estaba haciendo mi saludo triunfal y tuve que volver a entrar”, explicó más tarde desde sus redes.

De esta forma, la producción comunicó la salida de la actriz del programa, aunque todavía mantiene un contrato con el canal y se espera, o al menos existe la ilusión de parte de sus fans, de que pueda volver en algún momento bajo el formato de repechaje.

Grecia Colmenares por Andrea Del Boca

El reemplazo de Andrea Del Boca en Gran Hermano lo ocupó Grecia Colmenares, la actriz de las telenovelas, famosa en América Latina y de origen venezolano, que conquistó al público argentino desde la década de los 80.

El lunes 13 de abril apareció en el estudio con una mezcla de emoción y nervios, y enseguida dejó en claro lo que significaba este momento para ella: “Gracias Argentina. Después de 14 años piso el mismo estudio de Manuela”, expresó, en alusión a uno de sus personajes más recordados.

Ya en ese clima cargado de expectativa, cuando Santiago del Moro le dio paso para ingresar a la casa, la actriz no pudo ocultar su felicidad. Con una sonrisa y visiblemente movilizada, lanzó: “Estoy feliz”. De esta manera dejó ver la intensidad de un regreso tan inesperado como significativo para la televisión argentina.

Hoy, a los 58 años, sigue más vigente que nunca, algo que, aunque pueda sonar sencillo, es en realidad muy difícil, sobre todo en una industria tan exigente en la que todo el tiempo aparecen caras nuevas. Y eso no solo se debe a su renombre, y a que a la audiencia le encanta verla en la pantalla, sino también a un minucioso trabajo que hizo desde siempre para mantenerse sana, activa y en forma, lo cual le permitió decirle que sí a las diversas propuestas laborales.

Julia Roberts es una de las estrellas de Hollywood más reservadas en lo que a su vida personal respecta. Siempre buscó que la conocieran por su trabajo delante de la cámara y no por polémicas o escándalos. Sin embargo, sus fanáticos siempre están deseosos de conocer aunque sea un poquito de lo que ocurre en su día a día. Y hace un tiempo, ella misma lo contó. Parte de su jornada está abocada al entrenamiento, algo que, si bien no le simpatiza del todo, considera esencial para su salud.

“No me encanta hacer ejercicio, pero sí me encanta cómo me siento después. Satisfacción, claridad mental, energía, fuerza, alegría... Todo esto lo consigo a través del entrenamiento, y lo noto en todo lo que hago”, le admitió a The Irish Independent en 2010, y reveló que su rutina incluía tanto pilates como yoga y ejercicios de fuerza.

Pero hubo una persona que la ayudó a sentirse a gusto con la actividad física: su personal trainer Kathy Kaehler, a quien conoció a principios de los 2000 cuando se preparó para el rodaje de La pareja del año (America’s Sweetheart). “Entrenar con Kathy cambió mi vida de una manera maravillosa, sutil y constante”, aseguró Roberts.

¿Cómo se entrena la ganadora del Oscar? Kaehler, quien también fue elegida por otras celebridades como Jennifer Aniston, Cindy Crawford y Drew Barrymore, reveló en diálogo con Elle en 2010 que la rutina de Roberts incluía de 20 a 40 minutos de ejercicios aeróbicos con step y luego 40 de entrenamiento corporal como abdominales, plancha y flexiones de brazos. Asimismo, también se incorporaron actividades acuáticas y natación porque, según explicó la profesional, “son excelentes para desarrollar resistencia porque la sensación de ingravidez permite menor resistencia y mayor amplitud de movimiento”.

Para que fuera un momento de relajación y conexión con el cuerpo y no uno de sufrimiento, la personal trainer contó que mientras ejercitaban escuchaban música o charlaban. Incluso en el pasado, cuando los gemelos Phinnaeus y Hazel y Henry, los tres hijos de la actriz con su marido Daniel Moder, eran pequeños, solían mirar televisión mientras su madre entrenaba en la misma habitación. De esa manera podía ejercitarse mientras seguía de cerca a los niños.

La semana pasada las modelos fueron invitadas al mismo evento, pero antes de coincidir en el mismo espacio, hablaron con la prensa. “Nos encontramos en muchos eventos, está todo bien. Nos saludamos, siempre, obvio”, aseguró Paula Chaves en diálogo con Puro Show (eltrece) y remarcó que “el rencor no tiene que ver con el reencuentro”.

Asimismo, confirmó la información que dio Ángel de Brito en LAM (América TV): que Zaira Nara dejó de ser la madrina de Filipa, su hija menor con Pedro Alfonso, nacida el 4 de julio de 2020. “Una de mis hijas era su ahijada. No tenemos vínculo hace muchos años, ya está. Pasa en la vida con muchas personas, incluso amigas mías, que dicen que no vieron más a su padrino o a su madrina y está todo bien”, remarcó Chaves y dejó en claro que esta decisión data de “hace muchos años”.

En este sentido, le preguntaron si su hija tenía una nueva madrina, y aunque evitó confirmarlo, su expresión dio cuenta de que ya habría elegido a otra persona para ocupar el lugar de Nara: “Lo dejamos todo en lo privado. Está todo más que bien”.

Por otro lado, en cuanto al final de su amistad con la modelo, reflexionó: “Yo creo que pasó mucho tiempo y ya está. Hablamos lo que teníamos que hablar y todo en lo privado”. En este sentido, le preguntaron por su decisión de exponer públicamente una conversación privada que mantuvo con su examiga. Aseguró que no estaba arrepentida y, aunque admitió que en situaciones puede enojarse y actuar de forma impulsiva, este no fue el caso: “No expuse nada de otra persona, sino que eran chats míos”.

Lo que generó un quiebre en la amistad de las modelos fue la relación de Nara con Facundo Pieres. ¿El motivo? El polista fue pareja de Paula Chaves entre 2008 y 2010 y a ella no le habría simpatizado para nada que una de sus mejores amigas saliera con su ex. Aunque el nuevo noviazgo que empezó a fines de 2023 llegó a su fin, el vínculo entre ellas no se recompuso.

A mediados de marzo de 2026, en una entrevista con Puro Show, Nara dio a entender que tuvo el “visto malo” de Chaves cuando empezó a salir con Pieres. Este comentario colmó la paciencia de Paula, quien decidió publicar la captura de una conversación de WhatsApp entre ellas.

En el mensaje del 26 de septiembre le pidió tanto por ella como por Pedro Alfonso que dejara de mencionarlos públicamente: “(...) Nadie me había nombrado en esto, en ningún lado, y me mandan tu recorte de que fuiste vos la que me nombraste. Por favor, por la linda relación que tuvimos y el cariño, no me metas más en el medio”. Nara le respondió con un audio de 2:10 minutos. Aunque no se pudo saber qué le dijo con precisión, de la desgrabación de la aplicación se pudo leer: “Hola, Pau, ¿cómo andás? Por acá todo bien. Bueno, primero, gracias por mandarme un mensaje. Me parece que está bueno y desactiva un montón y no sé qué…”.

La artista venezolana Grecia Colmenares, recordada por sus protagónicos en telenovelas como Topacio y Chiquititas, y con experiencia en realities como Grande Fratello, fue la elegida para ocupar el lugar de Del Boca. La decisión no tardó en generar sorpresa y opiniones cruzadas, especialmente porque la actriz lleva años alejada de la televisión argentina, más allá de su paso por Bailando por un sueño en 2012.

Así fue el ingreso de Grecia Colmenares a la casa de Gran Hermano

El lunes por la noche, apenas unos minutos transcurridos de la eliminación de Lola Tomaszeuski en el duelo frente a Brian Sarmiento, Santiago del Moro sorprendió al anunciar el ingreso de una nueva participante. Grecia Colmenares apareció en el estudio con una mezcla de emoción y nervios, y enseguida dejó en claro lo que significaba este momento para ella: “Gracias Argentina. Después de 14 años piso el mismo estudio de Manuela”, expresó, en alusión a uno de sus personajes más recordados.

Ya en ese clima cargado de expectativa, cuando el conductor le dio paso para ingresar a la casa, la actriz no pudo ocultar su felicidad. Con una sonrisa y visiblemente movilizada, lanzó: “Estoy feliz”. De esta manera dejó ver la intensidad de un regreso tan inesperado como significativo a la televisión argentina.

Como era de esperarse, el ingreso no pasó desapercibido dentro de la casa: los participantes quedaron completamente sorprendidos y la recibieron en medio de una mezcla de asombro y emoción, conscientes de que su llegada podría cambiar el rumbo del juego. Con la salida de Andrea del Boca y el desembarco de Grecia Colmenares, el reality apuesta a renovarse.

“El gimnasio de mis sueños”, tituló el español a su reel de poco más de un minuto de extensión y dio paso a una presentación de cada rincón, al tiempo que señaló las máquinas que lo componen y para qué sirven.

“Este es mi nuevo gimnasio, valorado en 500.000 euros, la gran inversión de toda mi vida. Hice unas obras que duraron ocho meses y no lo pagué yo entero; las máquinas me las regalaron. Toda esta zona que ven antes era un salón gigante de yoga y un garaje", describió al principio.

“Tiene todo esto: un sofá verde, otro sofá y un rack que vale para todo. Muchísimas mancuernas (estas de Nike están bastante guapas), una barra olímpica, muchos pesos, una barra Z y una barra hexagonal para hacer peso muerto. También está la multipower (qué recuerdos al cambio físico), el pec deck, press inclinado en máquina, remo en T y el mítico remo Gironda”, indicó Llanos.

Además, agregó: “Otro histórico del cambio físico es el jalón al pecho. El banco sirve para muchas cosas: tríceps, bíceps unilateral, bíceps sentado y fondos. Hay una máquina que no pedí, pero como me la enviaron gratis, no me quejo. También cuenta con una pantalla gigantesca de 60 pulgadas. En la zona de pierna hay máquinas para cuádriceps, isquios y hip thrust, además de la jaca (hack squat) con 50 kg de base”.

Por último, anunció: “La semana que viene me llega la prensa, una bici, dos cintas de correr y una elíptica. El baño tiene una ducha y agua fría a 5 grados. Como extra, está la casa de los perros, una canasta y una cancha de pádel al lado. Si querés venir un día a entrenar conmigo, dejame un comentario y entrenamos juntos. Me estoy poniendo fuerte”.

Ibai Llanos está inmerso en un entrenamiento constante por bajar de peso y hacer de su físico más saludable. En 2024 adoptó hábitos que cambiaron su vida e incorporó el ejercicio en su rutina diaria.

En tan solo cinco meses bajó 35 kilos como parte de un reto. El bienestar que eso le generó lo incentivó a seguir por esa senda, que culminó en abril de este año con la apertura de un gimnasio en su propia casa.

La primicia sobre el inesperado romance la dio el portal TMZ. El medio publicó una serie de fotos donde se ve a la pareja en la cocina de un restaurante en Las Vegas en diciembre de 2025 durante la celebración de Año Nuevo. Lamas y Locklear posaron con el chef Barry Dakake en Barry’s Steakhouse, un local ubicado dentro del Circa Resort and Casino.

Según el medio, Lamas, de 68 años y Locklear, de 64, están juntos hace varios meses. La relación está tan afianzada que incluso los artistas ya planean realizar una presentación oficial con los hijos de ambos.

Un galán “renegado”

Lamas se casó por primera vez en 1981 con la modelo Victoria Hilbert. Sin embargo, su matrimonio duró apenas dos años. Fue “una mala decisión”, dijo quien en 1983 volvió a dar el sí con su agente de prensa, la joven Michele Smith. Con ella tuvo sus dos primeros hijos, Alvaro Joshua y Shayne, pero su vínculo también terminó al cabo de un par de años y de la peor forma: ella lo denunció por violencia de género y acoso.

En 1989 la estrella de acción volvió a intentarlo: intercambió anillos con Kathleen Kinmont. Esa unión generó un fuerte escándalo: la joven era la hija de 18 años de Abby Dalton, su compañera en El renegado, quien reaccionó con furia a la relación. El enojo de Dalton tuvo, años después, su explicación: en ese momento se rumoreaba que Lamas era el padre de la hija de Daphane Ashbrook, otra de sus compañeras de elenco. Esa información se confirmó tiempo después. El actor se divorció de Kinmont en 1993.

Su cuarta esposa fue la modelo de Playboy Shauna Sand. Con ella, Lamas volvió a convertirse en padre de tres hijas: Alexandra, Victoria e Isabella. Si bien fue uno de los matrimonios que más le duró (estuvieron casados desde 1996 hasta 2002), también fue uno de los más escandalosos: su mujer le había sido infiel con su hijo mayor A. J. La relación, por supuesto, también se rompió.

Tras varios años de soltería, el actor volvió a apostar al amor en 2011, cuando se casó con Shawna Craig en Cabo San Lucas. Su quinta esposa no solo fue su compañera durante siete años, sino la mujer que llevó en su vientre a su nieto durante nueve meses. Al parecer, su hija Shayne no podía volver a quedar embarazada y entonces su madrastra se ofreció a ayudarla. Casi un año después del nacimiento del pequeño, el actor descubrió que su mujer lo engañaba con un fisicoculturista.

Aquella traición no hizo que Lamas dejara de creer en el amor. A mediados de 2021 anunció su sexto compromiso. “Es el amor de mi vida. Ambos sentimos que nos tocó la lotería. Desde nuestro primer abrazo, ella me mantuvo cautivo”, declaró en un romántico posteo de Instagram para presentar a su nuevo amor, una modelo y escritora -casi 30 años menor- llamada Kenna Nicole Scott. En julio de 2025 el actor fue a Tribunales y solicitó el divorcio por “diferencias irreconciliables”. Quizá Heather Locklear sea, por fin, la definitiva.

Amor por los rockeros

Locklear, por su parte, estuvo casada dos veces: primero desde 1986 hasta 1983 con Tommy Lee, el baterista de Mötley Crüe Tommy Lee y exesposo de Pamela Anderson. Luego, la actriz inició una relación con el guitarrista de Bon Jovi Richie Sambora, con quien se casó en 1994. La pareja le dio la bienvenida a Ava en 1997. Una década después, Locklear y Sambora se divorciaron.

La actriz también estuvo brevemente comprometida en 2011 con su compañero de reparto en Melrose Place, Jack Wagner. Su relación más reciente fue con Chris Heisser, con quien se comprometió en junio de 2020 y de quien se separó en mayo del año pasado.

Además, este viernes estrena en España La mujer más rica del mundo (aún sin fecha de estreno en Argentina) una aproximación a la historia de Liliane Bettencourt, dueña del imperio L’Oréal, que al final de su vida regaló cientos de millones de euros al fotógrafo François-Marie Banier, a quien la familia de la anciana empresaria terminaría acusando en los tribunales de aprovecharse de ella de forma abusiva. El escándalo finalizó en un acuerdo extrajudicial en septiembre de 2017, pocos días antes de la muerte de la millonaria a los 94 años. Huppert está contenta con el resultado. Y a Cannes irá con Historias paralelas, el nuevo film francés del iraní Asghar Farhadi.

A la leyenda europea de la interpretación, que empezó en el teatro y que acumuló un currículum asombroso y una colección de premios impresionante (ganó dos veces en Cannes y otros dos César del cine francés tras 17 candidaturas; tiene los premios de honor de Venecia y Berlín, obtuvo Globos de Oro, un Bafta, tres premios del cine europeo y fue candidata al Oscar por Elle), nada parece resistírsele. Trabajó con los grandes cineastas franceses y con directores de todo el mundo como Michael Haneke (fue su intérprete fetiche), Andrzej Wajda, Hal Hartley, Raúl Ruiz, los hermanos Taviani, David O. Russell, Wes Anderson, Paul Verhoeven y Hong Sangsoo.

Puede que solo se le resista su admirado Pedro Almodóvar por la diferencia idiomática, aunque fue la presidenta del jurado que otorgó el León de Oro de Venecia a La habitación de al lado. Al inicio de su carrera, su rival era Isabelle Adjani; hoy solo mira de igual a igual a Juliette Binoche. Todo eso, sin abandonar las tablas.

Sentada en un salón del madrileño hotel Ritz, con la profesionalidad como arma de destrucción, la francesa se muestra más simpática de lo habitual. Si en Bérénice actúa constreñida por un texto en versos alejandrinos y un escenario que la separa del público con un telón traslúcido, en La mujer... son la riqueza y el vestuario de empresaria-guerrera los que acorazan al personaje. “Nunca me lo había planteado así. Para mí, la puesta en escena de Castelucci no es un límite, sino que aporta libertad ante el verso alejandrino. Y mi millonaria de cine toma su libertad en su encuentro con el fotógrafo. Se aleja del poder del dinero. En la toma de libertad sí que veo un paralelismo entre ambos trabajos”.

Ambas interpretaciones muestran a dos mujeres envueltas en desafectos amorosos. Bérénice es la princesa judía que se iba a casar con Tito, hasta que el Senado lo obliga a elegir: el amor o el nombramiento como emperador. Y con Antíoco, el amigo íntimo del romano, también enamorado de la oriunda de Cilicia, el triángulo sentimental está servido. Bettencourt, por su parte, encontró en el fotógrafo homosexual un amigo que le abrió a nuevos mundos, que le permitió, pasados sus ochenta años, una diversión postrera. “Son, efectivamente, amores contrariados. Esas relaciones ponen en peligro equilibrios en los sistemas en los que habitan, se alejan de las razones de Estado que han regido sus existencias. Las dos tienen que renunciar”.

Son, también, ejemplos de mujeres renunciando porque los poderes masculinos las obligan. Un clásico de la historia de la humanidad. “Desde luego, aunque lo que es interesante es que en la obra, Tito es tan víctima como Bérénice, porque ella decide irse. Y en la peli, ella no se muestra como víctima hasta el final. Al menos, no se mueren, lo que ya es un avance [carcajada de Huppert]”.

¿Por qué cree Huppert que a la humanidad nos atraen los retratos de poder y de la riqueza? “Bueno, en el arte también nos interesa la miseria humana, la soledad... Aunque sí, la riqueza genera muchas fantasías en el ser humano, y la miseria solo provoca pena”. Inconsciente o conscientemente, casi todos los humanos ansían poseer poder y/o dinero. “Curiosamente, provocan muchos interrogantes. Son casi tan inalcanzables, que quienes los tienen son sospechosos de forma automática”.

Asegura el mito francés que, para ella, el trabajo emocional no cambia, sea su actuación en cine o en teatro. “Obviamente, en el resto de los detalles, no tienen nada que ver. Dentro de una puesta en escena de Castellucci, que aparenta tanta limitación, la libertad es infinita, o al menos mucho mayor que en el teatro realista. Cada día interpreto a Bérénice de manera distinta; me lleva a terrenos inagotables. Lo he hecho ante todo tipo de público, y el resultado siempre es extraordinario. Los grandes formalistas me ofrecen muy a menudo la posibilidad de encontrarme conmigo misma, mi sueño más preciado”.

También es cierto que una intérprete de teatro controla lo que ofrece emocionalmente, mientras que una actriz de cine crea a expensas del vaivén del posterior montaje. “Uf, sí, es la etapa más complicada, y le puedes guardar rencor al montador [risas]. En el escenario, nadie me controla”. Huppert entiende que la película no le “pertenece”, pero sí le gusta ver sus trabajos terminados. “En un film siempre hay varias películas: la que tenés en la cabeza, muy íntima; la que hacés, la del director y la que se estrena. Muchas veces veo mis largometrajes y los reconozco, aunque no sean exactamente lo que yo imaginé”. Y vuelve a Castellucci: “Comprende que hay un personaje y a la vez la realidad de una actriz viviendo un drama. Por eso, al final de la obra, en un momento dado, en vez de decir ‘Bérénice’, suelto ‘Isabelle‘”.

El mito se suelta. Prefiere reflexionar sobre engranajes de su profesión antes que circunscribirse a un cuestionario sobre un film. “Digo mucho que no a películas y obras de teatro. Mucho más que sí. Y eso que no paro. Cuidado, es formidable tener el privilegio de responder que sí”. ¿Y por qué razones acepta un proyecto? “Es un conjunto. Principalmente, me guía la intuición, y es una buena pregunta a la que no puedo contestar de manera clara. El camino de una actriz se expresa más por lo que una rechaza que por lo que una elige. Raramente me equivoqué aceptando proyectos”.

Al finalizar la entrevista, Huppert sigue deshojando la margarita de su salto a la dirección. “Admiro demasiado a los directores, albergan mucho aguante y valentía. Por otro lado, me divertiría aceptar dirigir algo para poder confirmar que no soy capaz de hacerlo”. Y apostilla: “Me gusta pasármelo bien. Por eso extraño a Claude Chabrol [con quien rodó siete películas], porque era un disfrutón. La situación actual es desesperanzadora, aunque seguro que Claude, con su enorme inteligencia e ironía, tendría mucho cine que aportar”.

Si bien son contadas las ocasiones en las que Bigi se deja ver en público, en esta oportunidad el joven de 24 años decidió asistir con su familia a la promoción del film producido por Graham King. Para la ocasión, tanto él como Prince decidieron homenajear a su padre con brazaletes alusivos. Además, los dos lucieron una corona dorada en el pecho, cocida sobre los sacos negros de sus trajes.

Con su presencia, tanto Bigi como Prince dejaron en claro su apoyo a la película. Paris, en cambio, no estuvo en ninguno de los eventos promocionales de Michael y dejó así en evidencia su intención de no formar parte del proyecto.

La vida del Rey de pop, en la gran pantalla

Dirigida por Antoine Fuqua, Michael tiene como protagonista a su sobrino Jaafar Jackson. La película se adentra en la historia personal y profesional del cantante y comienza por su infancia y el fuerte impulso familiar que tuvo para que triunfara en la música.

En el trailer, que vio la luz el 3 de febrero de este año, aparece primero junto a sus hermanos como parte de los Jackson Five, el mítico grupo que revolucionó la música funk en los 70. Con el correr del tiempo, el relato muestra cómo Michael se transforma en una estrella mundial, decide emprender su carrera solista y se separa del grupo familiar, donde tenía total influencia su padre, Joseph Jackson.

El trailer también incluye cuidadas recreaciones del artista en el estudio de grabación, escenas de ensayos y sus emblemáticos shows frente a multitudes, que marcaron distintas etapas de su carrera. Además, se destacan por su exactitud los particulares looks que usaba el artista como ícono de la música pop.

También se presenta el recorrido ascendente de la carrera de Jackson, su trabajo junto al histórico productor Quincy Jones, la filmación del icónico videoclip de Thriller, sus primeros recitales en estadios y numerosos momentos de creación musical.

La biopic se estrenará el 24 de abril en los cines de Estados Unidos. Nia Long, Laura Harrier, Miles Teller y Colman Domingo son algunas de las figuras que integran el elenco. El guion estuvo a cargo de John Logan, mientras que la producción es de Graham King, John Branca y John McClain.

Lo que se sabe de la vida de Bigi

Prince Michael Jackson II, nacido en 2002 y conocido mundialmente como Blanket, tomó la decisión de cambiar su nombre a Bigi en 2015, una elección que reflejó su deseo de distanciarse de la sombra de su infancia y de ese apodo que lo acompañó durante tanto tiempo. Asimismo, aunque no rechaza el legado de la gran figura que fue su papá, su camino está marcado por la conservación ambiental.

El cambio de nombre no fue solo un acto simbólico, sino una muestra del deseo de Bigi por redefinir su identidad. En una entrevista realizada en 2021 por Bright Side, Bigi expresó su preocupación por el cambio climático y su compromiso para generar conciencia sobre este problema global. “Quiero hacer cosas que la gente disfrute, pero que también mejoren sus vidas”, declaró, mostrando su deseo de influir positivamente en el mundo. Este anhelo, por un lado, lo alejó del espectáculo y, por el otro, lo acercó a un camino de activismo social.

Luego de la muerte de Michael Jackson en 2009, Bigi fue criado junto con sus hermanos, Prince Michael Jackson I y Paris Jackson, por su abuela Katherine Jackson. A pesar de las dificultades que enfrentaron tras la pérdida, él demostró resiliencia y determinación al construir una vida independiente. Actualmente, vive en una mansión en California.

Baldwin habló de su presente y de sus planes a futuro en el último episodio del podcast Awards Chatter del medio especializado The Hollywood Reporter. En una charla que tuvo lugar frente al público en el marco del Festival Internacional de Cine de Boulder, la estrella de Hollywood repasó aquel fatídico 21 de octubre de 2021. Ese día, en el rodaje de Rust -un film que él no sólo protagonizó sino que además produjo— ocurrió un trágico accidente: le entregaron un arma supuestamente descargada que él aseguró que no disparó, pero que lanzó una bala que mató a Hutchins.

Lo que siguió para el actor fue un calvario: en enero de 2023 fue acusado de homicidio involuntario, cargo que fue retirado tres meses después. En enero de 2024 lo volvieron a acusar y en julio de ese mismo año, tres días después del comienzo del juicio, todos los cargos en su contra fueron desestimados porque el juez determinó que las autoridades habían ocultado deliberadamente pruebas a su equipo de defensa. “Fue una tragedia indescriptible, pero Alec Baldwin no cometió ningún delito”, dijeron sus abogados, Luke Nikas y Alex Spiro.

“Tuvimos este incidente, esta tragedia, en Nuevo México, donde Halyna Hutchins fue asesinada en el rodaje de la película, y fue increíblemente difícil de sobrellevar”, se sinceró el actor frente a decenas de personas que lo escuchaban con atención. “Por la situación en Nuevo México, que fue muy dolorosa, terminé quedándome mucho tiempo en casa. Estuve en casa con mis hijos durante tres años y medio. Apenas trabajé, y eso está cambiando ahora”, sumó.

Baldwin contó, en ese momento, que tiene varios proyectos en carpeta y va a “salir a hacer un montón de cosas”. Sin embargo, sus planes a corto plazo son muy distintos. “Estuve mucho en casa y me acostumbré, y ya no quiero salir. No lo sé. Ya no quiero trabajar. No lo sé. De verdad que no. Quiero jubilarme y quedarme en casa con mis hijos”, compartió en una especie de confesión pública.

El juicio de Alec Baldwin

Por último, el actor hizo referencia a El juicio de Alec Baldwin, el nuevo documental dirigido por Rory Kennedy. “La película, creo, muestra que fue más que un exceso de la fiscalía; hubo personas que cometieron un delito. Cometieron un delito al ocultar pruebas durante mi juicio, y eso me afectó en todos los sentidos: económicamente, en mi carrera, a mi esposa, a mis hijos, a mi salud. Estaba muy enfermo”, confió.

Baldwin explicó que como parte de un acuerdo con el esposo de la víctima tuvo que volver a Montana para terminar Rust. “Le entregamos la película y le dijimos: ‘Vendela, hacé lo que quieras con ella’”, explicó. “Yo estaba realmente muy enfermo. Tenía una afección nerviosa que te agarra cuando tomás medicación para la presión arterial, hipotensión ortostática, que hace que te desmayes. Me desmayé tres veces durante el fin de semana de San Patricio de ese año y una vez caí encima de mi esposa. Fue una locura. Fue horrible”.

“Entonces me metí en la cama. Estuve en cama ocho días. No podía levantarme. No podía caminar. Tuve que hacer fisioterapia durante dos semanas. Y tuve que subirme a un caballo y volver a Montana para terminar la película, o me iban a hacer un juicio terrible”, agregó.

Antes de despedirse de la audiencia, el actor habló de una conspiración en su contra. ”Intentaron atraparme y no me pillaron, y me hicieron trampa e infringieron la ley para atraparme, y ha sido muy duro”, aseguró. Luego, agarró su teléfono celular y le hizo una videollamada a Hilaria Baldwin, su mujer: “Les dije que si no fuera por ti, no habría sobrevivido a toda la situación de Rust, así que gracias”.

Hoy, ese recorrido se expande en múltiples plataformas: arranca sus mañanas en el streaming de Olga junto a Elizabeth Vernaci, continúa en la pantalla de Telefe con A la Barbarossa y El noticiero de la gente, luego integra el panel de Argenzuela con Jorge Rial y en unos días se sube a las tablas con Cena Macabra, una obra que habla sobre los fantasmas de los expedientes judiciales.

—¿Cómo se hace para trabajar tanto?

—Yo soy un tipo que desarrolla falsas promesas familiares. Empecé el año prometiendo que iba a trabajar menos, pero me ofrecieron cosas que, la verdad, me gustan; lo hago con placer. Arranco la mañana con la Negra Vernacci y con Marquitos Aramburu en Olga...

—Paremos ahí… ¿Qué significa para vos estar en un streaming y trabajar con la Negra?

—Yo empecé con la Negra hace como diez años y siempre voy y vengo por cuestiones de horarios, pero la verdad es un placer. Es una amiga que siempre te está enseñando. Es muy divertida y muy creativa. Por ejemplo, el que me ve ahora me ve como el periodista de policiales que también se atreve a otras cosas y eso lo aprendí con ella. Te vas acostumbrando a hacer crónicas policiales (que son duras) desde otro lugar y la verdad es que lo disfruto.

—¿Cómo es un día laboral tuyo?

—A las 5.30 suena mi despertador. Leo algún tema, algo que me llega por teléfono, me tomo un café y un remís a Olga. Ahí estoy con la Negra y con Marcos y algunos días me quedo un ratito más para contar algún policial con Nati Jota, Toto y todos los chicos de Sería increíble. Ya después me voy a Telefe.

—¿Notás la diferencia con el público del streaming?

—Claro, es otro público y otra forma de contar una historia. A nosotros que venimos de otra generación, de otra escuela, nos obliga a tener otro lenguaje para otro público que en televisión abierta no nos miraba.

—Sigamos con tu rutina: después viene el programa de Georgina y recientemente te sumaste al noticiero de Telefe...

—Sí. Yo noticiero hice en el año 2005, 2006 en Telenueve y después no hice más porque el formato tan estructurado me cansa. A mí me gusta contar historias y el noticiero son títulos. Me ofrecieron esta oportunidad cuando Mauro (Szeta) se fue a América y dije: “Dame unos meses para probar”. Probé y me encantó porque la verdad que El noticiero de la gente es distinto. Es un grupo de amigos sentados alrededor de una mesa, charlando de todo un poco. También me sumé al de las 20 presentando informes. Ahora estoy recorriendo barrios picantes. La verdad es que me gusta porque encontrás una realidad tremenda.

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Fascinación por los policiales

—¿Por qué creés que la gente consume tantos policiales?

—Hay países como los Estados Unidos que son más parejos y les gustan siempre. En la tapa de los diarios y en los portales siempre estuvieron los asesinos seriales porque a la gente le interesa eso. En la Argentina es cíclico, pero empezó allá por los 90 esa moda y no se fue más. De cinco títulos, tres tienen componente policial.

—¿A quiénes de tus colegas admirás?

—Hay varios que son muy buenos. “El Turco” Sdrech, Canaletti... No sé si alguna vez hablé cara a cara con él. Me parece un crack. Mauro Szeta es excepcional. Le tengo una enorme admiración por la precisión, la búsqueda del más mínimo detalle. Yo tengo una visión más analítica de la información. Facundo, mi hijo, es la obsesión por la precisión de la información. Yo no comparto tanto eso. Hay que tener una enorme búsqueda de información, la fuente hay que chequearla, pero tenemos que tener cierto momento de desconocimiento para poder sorprendernos y preguntar para que la noticia llegue al televidente o al oyente.

—¿Consumís el trabajo de tus colegas?

—Poco. Voy bastante a la fuente. Chequeo con el fiscal, con el juez. Hay un grupo de WhatsApp de todos los que hacen policiales, pero trato de no nutrirme de ahí. Sí participo, si hay algo que necesito, lo pido, pero trabajo más desde el análisis de la información.

—¿Tu voz te ayudó mucho en este trabajo?

-Yo creo que sí. A los 14, 15 años hablaba más grueso que ahora. Incluso antes hablaba más serio que ahora. Creo que me ayudó porque me identifica. Yo estudié locución y periodismo, pero la verdad es que ni siquiera tengo el carnet. Pero sí me favoreció tener esta voz para contar una historia y lo trato de usar. Usar las pausas, los tonos. A mí me gusta comunicar. Mi tono básico para contar un expediente lo empecé a desarrollar cuando salté a la televisión porque yo venía de la gráfica y de la radio. Empecé a contar un caso policial como le contaba un cuento infantil a mis hijos: “Había una vez una nena llamada Caperucita Roja. A las 22.30 llegó la víctima a tal lugar”, la cadencia es la misma y después le iba buscando matices.

Los primeros pasos

—Naciste en Gualeguay, Entre Ríos, ¿cómo empezaste tu carrera?

—Me gustaba la radio y tenía un familiar que era dueño de la radio Gualeguay, Gustavo Carbone, que ya falleció. Me invitaron a participar a los 14 años como cadete y me tiraban unos mangos. Hacía de todo un poco. Hasta que un día salí con los resultados del fútbol al aire. A los 15, ya escribía noticias y a los 16, ya era informativista. Un día me fui a estudiar a Concepción de Uruguay. Ahí seguí trabajando en radio y empecé en gráfica, en policiales.

—Pero a nadie de tu familia le gustaba...

—No, la familia de mi mujer viene más de ese lado. Mi mamá era docente y mi papá almacenero, pero era una familia informada; eran grandes lectores y la radio siempre estuvo cerca. Fue algo que empecé a jugar de chico. Tenía un amigo que tenía un grabador y empezamos a grabarnos como si hiciéramos transmisiones de radio, relatos de fútbol. Yo era el relator y mi hermano el comentarista. Nos gustó y nos metimos en el periodismo.

—¿Y a los viejos les gustaba?

—Sí, mi vieja era re cholula. Me alcanzó a ver con Mirtha Legrand. Mi viejo no me alcanzó a ver. En mi familia, indirectamente terminé metiendo a todos en la misma. Pedro, mi hijo mayor, es diseñador multimedial y tiene algo que ver con la comunicación desde el diseño. Diego es fotógrafo y hoy está trabajando en la producción conmigo. Mientras yo estoy charlando con vos, me está haciendo un punteo del caso que tengo que contar. Facu es periodista y Joaquín vive en Italia, pero también le gusta la comunicación.

—¿Y cómo se dio esto de venir a Buenos Aires?

—Yo trabajaba en un diario. Recuerdo hasta los montos: me pagaban 300 pesos (estamos hablando en el 90 y pico) y tenía otras changuitas que completaban los 600 pesos. Ya tenía dos nenes. Mi mujer queda embarazada del tercero, Facundo, y la cuenta me daba que necesitaba $800 para pagar el alquiler y comer hasta fin de mes. Entonces me entero a través de un amigo de Concepción del Uruguay que Raúl Kraiselburd, el dueño del diario El Día (de La Plata) y Diario Popular, entre otros medios, andaba buscando un periodista de policiales. Me ofrecían $1000. No era mucho, pero para mí era una fortuna. Al mes y medio me pasaron a jefe de policiales del diario y empecé a ganar $1350. El Día tiene mucha producción local y eso me dio mucho entrenamiento. Y también mucho contacto con los periodistas. La Plata es una ciudad que tiene mucha resonancia en cuanto a la información, entonces así empezaron mis salidas para otros medios.

—¿Qué creés que tenías de diferente siendo tan joven y con tan poca experiencia para convertirte en el jefe de una sección?

—Tenía mucha precisión. Siempre tuve la habilidad de encontrar el título. No es que lo entrené, me sale naturalmente. Yo te cuento una noticia que sé cuál es el título hasta el día de hoy. Eso me llevó a la televisión y a permanecer tantos años en esto.

—Después te permitiste jugar un poco más como fue en MasterChef...

—Es que yo soy más así, soy más eso. Trabajo de periodista de policiales, pero soy el que dice los chistes burdos. Y me gusta cocinar, así que me permití todo.

—¿Cuál fue el primer trabajo con el que sentiste que eras famoso?

—Bueno, con MasterChef entré en todas las casas. Salía a la calle y un nene me decía: “Hola, Paulo”. Telefe tiene una masividad que te tratan como familiar en la calle. Olga es más reciente y con otro segmento, pero también me pasa. Yo voy a un lugar muy paquete y me conocen. Voy a grabar a un barrio picante y me conocen; y me tratan igual en los dos lugares.

—¿Un buen periodista de policiales tiene muchos contactos con la justicia y es amigo de los policías?

—A lo largo de los años, vas conociendo gente. Y como te conocen, ya te atienden directamente. Yo nunca traiciono una fuente. A mí me respetan por eso. El juez, el fiscal, el policía que habla conmigo sabe que no va a salir.

—También tenés que tener una personalidad muy especial porque todo el tiempo estás hablando de hechos sobre gente que está sufriendo...

—Yo aprendí eso hace mucho. Vi muchos periodistas (mucho mejores que yo) que cambiaron de sección y se dedicaron a otra cosa porque les hacía mal. En un momento hay un quiebre en la carrera de un periodista de policiales: o lo tomás como una historia que contar con mucho respeto y mucho compromiso, pero no es tu problema, o dejás... Si una noche no podés dormir porque te angustia un caso, es el momento de cambiar de sección. Yo llego a mi casa y veo videítos de humor para desconectar.

Su historia de amor

—Contame de la Garibotti, esa mujer que conociste hace más de 30 años... ¿Es verdad que era la hermana del DJ de la bailanta?

-No, era la hermana del novio del DJ. Yo conocía a la familia de ella, pero no a ella y ahí empezamos a salir. Nunca más nos separamos, ya van 33 años. Ella fue muy generosa conmigo [se emociona]. Ella dio un paso atrás para dejarme crecer. Ella tenía sus cosas, sus intereses, pero se dedicó a criar a los chicos. Ella se quedó en el mismo lugar mientras yo crecía. Ella se dedicó a estirar la guita para mantener a la familia y a criar a los chicos para que yo pudiese crecer.

—¿Y nunca te reclamó nada?

—Ahora sí, cuando vea esto algo me lo va a reclamar [risas].

—Le ofreciste casamiento en el medio de MasterChef, ¿qué pasó que no se casaron?

—Sí, pero no se dio. Fue un juego en MasterChef. Ya estamos bien así. Tenemos cuatro hijos, tres nietos; ya está. Si nos casamos, nos separamos.

—¿Cómo es el reencuentro ahora como pareja con los chicos grandes?

-Ahora disfrutamos desde otro lado. Somos una pareja grande; nos entendemos. Capaz nos peleamos más ahora, pero por chiquilinadas. Pero disfrutamos desde otro lado, viajamos más.

—¿Cómo sos como abuelo?

—Soy un buen abuelo. No es difícil ser buen abuelo porque el abuelo hace todo lo bueno, lo malo, lo conflictivo o lo engorroso, no es tu responsabilidad. Mis nietos son divinos. Paulina, que es mi informante, tiene 5 años. Pasa algo y me dice: “Abuelo, ¿sabés lo que me enteré?”. Es tremenda. Después, vino Antonia, la hermana de Paulina, que tiene nueve meses y me compró. Y Salvador, yo le digo “el Torito” porque es todo morrudo, es el hijo de Pedro.

—¿Tu lugar en el mundo es Entre Ríos?

—Sí, soy de ahí y mi tumba estará ahí en algún momento. Es mi lugar de descanso. No voy tanto ahora por la cantidad de trabajo o porque también disfruto de salir en Buenos Aires. Pero los fines de semana mi cable a tierra es Gualeguay, el río, ir a pescar con mi lancha y mi hermano.

—Contame algo de tus hermanos...

—Somos ocho. Somos una banda grandota y cuando podemos nos juntamos; nos llevamos bien.

—¿Tienen grupo de WhatsApp?

-Sí, se llama “Los Kablan”. Son muy elitistas, para estar ahí tenés que llevar el apellido [risas].

Historias policiales

-Además de la tele, vas a hacer teatro...

—Sí, Cena Macabra es la obra y la estamos haciendo una vez al mes. Empezamos el 24 de abril en Club Casa Blanca. Hay dos cantantes líricos, hay bailarinas y todo va transcurriendo en historias o en crónicas policiales que cuento yo, pero en el medio te aparece un fantasma. Cuando pasa mucho tiempo, te quedan fantasmas en los expedientes judiciales. Yo cuento esas historias que valen la pena ser escuchadas.

—¿Te gusta el teatro?

—Sí, me encanta. La paso muy bien y aparte lo disfruto con Facu, que es mi presentador. Hasta tiro un pasito de baile. Me gusta que se juntan todos los públicos, gente que me ve en Telefe y chicos de Olga.

—¿Cómo fue trabajar con Oriana Sabatini en estos episodios que grabaron para Olga?

—Son cuatro en total y estamos esperando que venga Oriana para grabar algunos más. La verdad, un placer hacer true crime con ella. Yo la conozco mucho a la mamá (con Cathy estuvimos en MasterChef) y al papá, son gente divina. Oriana es una chica muy preparada, muy generosa que sabe mucho. Le gustan los crímenes, le gustan las historias y estar informada. Grabamos la presentación, elegimos los casos y los hicimos. Además, hay un tercer profesional (puede ser desde un perito hasta un abogado) que nos ayuda a explicar lo que uno no puede hacer desde el periodismo.

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—Si tuvieras que elegir dos o tres casos que te hayan marcado a vos, ¿cuáles serían?

-A mí me gustan los casos históricos. Todo lo que sea caso viejo me encanta. En casa, tengo una habitación llena de archivos que la Garibotti me quiere tirar [risas]. De los más recientes, Barreda (lo entrevisté varias veces en la cárcel y estando libre), Nora Dalmasso, María Marta García Belsunce, que fueron grandes papelones judiciales. Familias que fueron destruidas por las malas investigaciones.

—¿Consumís historias policiales en ficción?

—No, poco. Los miro para ver de qué se tratan, pero ni siquiera termino los capítulos. Me gusta leer los casos policiales. Leo casos viejos; siempre ando buscando información.

Como todas las noches, cada canal juega sus mejores fichas para poder competir por la atención de los televidentes. Ayer Gran Hermano Generación Dorada promedió 14 puntos en su primera parte y 10,5 puntos de rating en la segunda. En tanto, el programa de Guido Kaczka, Es mi sueño, logró 7,2 puntos y Mario Pergolini con Otro día perdido, hizo 4,5 puntos.

El minuto a minuto

La competencia de la noche comenzó con los especiales con famosos de Pasapalabra, en el que jugaron Silvina Chediek, Mercedes Ninci, Vicky Xipolitakis versus Belu Lucius, Carmela Bárbaro y Liliana Franco, con 8,7 puntos, liderando la franja. Del otro lado, en Es mi sueño se lució Criss Maguna, que interpretó “Man! I Feel Like a Woman” de Shania Twain; conquistó a los cuatro jurados y logró el verde perfecto. Más de 200 participantes de todo el país se presentarán ante el jurado, que los evaluará según sus actuaciones. El voto de cada uno desbloquea un escalón, por lo que aquellos participantes que consigan los positivos suficientes accederán al “Palco del Ópera”. En esa instancia, el talent show de eltrece marcaba 8 puntos. Por su parte, LAM se ubicó tercero, con un pico de 4 puntos, y Bendita llegó a los 3,4 puntos.

Pasadas las 22.30, comenzó la gala de eliminación de Gran Hermano, con un piso de 13,2 puntos que le dejó Pasapalabra, con la expectativa por saber quién se iría de la placa que conformaban Brian Sarmiento, Lola Tomaszeusky y La Maciel. El ciclo que conduce Guido Kaczka obtuvo una marca máxima de 8,7 puntos y le dio pie al comienzo de Otro día perdido, en su tercera semana al aire. Por su parte, Bienvenidos a ganar quedó en el tercer puesto en la franja, con un pico de 2,6 puntos y detrás BTV con 2. En eltrece, Mario Pergolini recibió a Ricky Sarkani para su entrevista mano a mano, en la que se refirió a su carrera y adivinó el talle de zapatos de gran parte del público. Luego sumó a Alejandro Almada y Esteban Pasinetti, de la Federación Argentina de Curling. La marca máxima fue de 5,1 puntos.

Una de las semanas más intensas de GH

La salida de Cinzia Francischiello modificó las alianzas y estrategias dentro de la casa. Cuando el público decidió salvar a Yisela “Yipio” Pintos dejó un mensaje claro para los dos grupos marcados que hay en el reality. Por otro lado, Andrea del Boca fue nuevamente noticia por la caída que tuvo, que la obligó a abandonar el juego. Su hija, Anna, fue protagonista del primer “Congelados”, en el que dejó explícito que hay mucho más de la actriz. Nazareno Pompei ganó la prueba del líder, pero sus beneficios fueron anulados por el Gran Hermano porque adelantó e hizo pública su jugada. La placa de nominados quedó integrada por La Maciel, Lola, Brian, Manu Ibero, la Pincoya, Titi Tcherkaski, Nazareno y Daniela de Lucía. El domingo, en medio de una cena de nominados en la que todos apuntaron contra el futbolista, cinco jugadores fueron salvados por el público.

Este lunes, la primera en salir de la placa fue La Maciel, con el 26,9 % de los votos. Por la expectativa del ingreso de Grecia Colmenares y el participante eliminado, el rating subió a los 14 puntos. Finalmente, Lola quedó fuera de juego con el 52,2 %. Pasadas las 23.15, la protagonista de Más allá del horizonte entró y fue recibida por todos los jugadores, que en realidad esperaban al participante de La casa de los famosos de Miami. “Quiero conocerlos de acá”, dijo mientras señalaba su corazón y agregó: “A disfrutarlos, no importa si nos peleamos como una familia. Es una emoción enorme para mí porque estos son los estudios donde filmé la telenovela Manuela”, contó la actriz.

La marca máxima del reality fue de 14,4 puntos, liderando la franja.

Una situación teatral para sacarle el jugo: un matrimonio en crisis se encuentra en un pub a beber y charlar un ratito antes de cada sesión de su terapia de pareja. Con buen olfato, el británico Nick Hornby parte de ese cuadro para escribir una serie de comedia estilo sitcom, de 10 minutos cada capítulo. La serie lleva el titulo State of the Union y la dirigió Stephen Frears para el canal Sundance TV: la primera temporada, en 2019, la protagonizaron Rosamund Pike y Chris O’Dowd; y la segunda, en 2022, Patricia Clarkson y Brendan Gleeson.

Hay más. Después de la primera temporada de la serie, Hornby rearmó ese material en una novela, El estado de la unión. Un matrimonio en diez partes, que Anagrama publicó en español en 2023. Es a partir de esta novela organizada por las conversaciones anteriores a la visita a la psicóloga, que Andrea Garrote y Gonzalo Heredia realizaron la versión teatral estrenada en el Picadero donde, además, ella dirige y él actúa junto con Eleonora Wexler.

No es la primera vez que estos dos intérpretes trabajan juntos: ya lo hicieron en la telenovela Valientes (2009), en la película Omisión (2013) y, también como una pareja, en la obra teatral La mentira (2024-25), de Florian Zeller y dirección de Nelson Valente. Y se nota porque este vínculo de confianza entre ellos se refleja en el escenario con fluidez.

Matías y Ana Laura llevan alrededor de 15 años de matrimonio, tuvieron hijos y se quieren, pero el tiempo y la rutina hicieron su lento y demoledor trabajo. El futuro ya no parece el imaginado. ¿Tendrá sentido seguir intentando? ¿Para ir hacia dónde? ¿Cómo reinventarse cuando ya parece que no hay nada nuevo por descubrir? ¿De qué tipo es la fractura cuando aparece el síntoma de la infidelidad? ¿Qué hacer con todo lo construido y valorado?

Matías es crítico musical y Ana Laura, que trabaja en el área de la salud, es el principal sostén económico del hogar, cuestión que es mencionada pero no tanto como el adelgazamiento de la pasión sexual, a quien nadie sabe cómo alimentar. Sin embargo, no es la discusión acerca de estas cuestiones lo más interesante de este texto de Hornby, quien con tanta graciosa precisión había captado algo de la masculinidad de fin de siglo, algo de esa blandura, de esa indecisión y falta de certezas enmascarada detrás de la pasión por la música o el fútbol: es el autor de las novelas Alta fidelidad, Un gran chico y Fiebre en las gradas, todas llevadas al cine (la primero la dirigió Frears, el mismo de la serie).

En El estado de la unión, lo más jugoso resulta el modo en que se plantea una charla enmarcada por la brevedad. En esta sucesión de encuentros, con cambios de vestuario entre cada uno, no sabemos de qué hablarán con la psicóloga después ni a qué conclusión llegaron en la sesión anterior. No sabemos hacia dónde van, pero sí que hay un vínculo construido, con pasado y con expectativas, cuyo “estado” presente se revela unos minutos antes de entregarse al ejercicio de la terapia. Hay atisbos de sus temores cuando se comparan con otras parejas que salen del consultorio, a las que observan por la calle desde el bar o cuando las escuchan porque se ubicaron en otra mesa, momentos muy bien jugados por Wexler y Heredia.

Cómo estos intérpretes aprecian y aprovechan este texto es lo mejor de la obra dirigida por Garrote. Tal vez, Hornby tampoco tenga demasiado más qué decir acerca del amor y el matrimonio salvo detectar esos pequeños momentos que, en definitiva y entre dos, suman una historia.

–¿Cómo nació Día 3?

–El plan era hacer un Mesa dulce 2. Grabé 12, 13 tracks. Estaba re bueno ese disco, pero una de las canciones me abrió un camino nuevo y automáticamente empezaron a aparecer ideas que modificaron el concepto inicial del disco. Era casi un disco entero de funk, y tuve que dejar que brote eso.

–¿Entonces?

–Terminé grabando 26 canciones, dos álbumes full, con cuerdas, vientos y todas las melodías. Son outtakes, van a salir en algún momento. Pero apareció una energía diferente que de alguna manera tenía un blend, una mezcla más melancólica por momentos. Empezaron a aparecer ideas tangueras, bolerísticas. La canción “Solos en la oscuridad” la escribí en el estudio una noche. Grabé la guitarra y la voz y me fui del estudio a las 6 de la mañana con la canción terminada.

–¿Y qué pasó al día siguiente cuando la escuchaste?

–Cuando la escuché dije: “Esta canción va al disco”. Empezaron a aparecer brotes emocionales que no se podían detener. Esta especie de relación con la inmensidad del espacio. Hay una parte del disco que es medio espacial: “Starlight”, “Universos”, “Soldado espiritual”. Es más futurista, pero conectada a través de un escape de la realidad. Se armó una narrativa muy fuerte de amor y desamor. Me tuve que separar dos meses del material y dejar de escucharlo para tomar la decisión de qué temas iban.

–¿Por qué Día 3?

–El número tres ya había aparecido en Pirámide y me pareció que completaba una especie de trilogía con Puñal y Mesa dulce. Y el lado espiritual: el día 3 es el día en que la vida vence al caos, el día en que se cumplen las promesas y la resurrección de Cristo. Tenía un lado muy espiritual de conexión con el amor, con volver a hacer los discos con la conciencia de que hay algo súper importante a nivel energético a cuidar en la música. En un mundo que cada vez es más sintético, hay que volver a conectar con la humanidad, con las cosas buenas y las malas.

–Cómo nace la impronta de un bolero?

–En los últimos años escucho mucha salsa, bolero, José Feliciano. Lo que más escucho desde hace 5 años es salsa: Fania All-Stars. Hay influencia del dramatismo de los boleros. Como el tango, es el corazón en la mano y eso es muy atractivo para mí. Después lo mezclé con la parafernalia urbana, porque no sé si hacer un bolero estandar me copaba. Quería hacer algo que en vivo pudiera sentir, que tuviera la crudeza del hip hop, lo mismo en “Pensando en ella”, que podría tener un arreglo tanguero y quedar entero, porque la letra es eso, pero siempre me gustó jugar con las épocas, ir al pasado y al futuro, pero que hubiera un hilo conductor emocional en el disco. Pasa en el disco que hay canciones re producidas que contrastan con otras como “Solos en la oscuridad”, que es una guitarra y una voz. Hay un hilo conductor que arranca con “Pensando en ella”, que es el momento de la ruptura. “Maldito frenesí” habla de la ansiedad, cómo estamos perseguidos por los algoritmos y nuestra cabeza manipulada con tanta información, y cae en “El reset”: todo lo que fuimos se borra con un botón. Después viene el momento donde empezás a salir a la calle de nuevo, “El plancito”: volver a conocer gente.

–“El plancito” nació para ser hit. Es la canción más sensual y sexual del disco...

–Y después viene la parte reflexiva, el escape: “Soldado espiritual”, “Universos”, y cae a la tristeza, al después de la joda. “Solos en la oscuridad” representa el momento en el que te sentís vacío y estás solo en tu casa. Está esa narrativa en el álbum y tiene que ver con esta epidemia de soledad y de ansiedad que hay en el mundo. Estamos cada vez más separados porque estamos todo el tiempo viendo el celular. Te juntás a comer con amigos y llega un momento en que hay un silencio. Levantás la cabeza y ves a todos mirando el celular. Eso pasa en los vínculos familiares, de pareja, en todos.

–¿Por qué creés que te surgieron ahora estas reflexiones?

–La edad y la experiencia tuvieron que ver. Mis hijos ya son grandes y volví a vivir solo. Es muy loco eso, después de veintipico de años estoy solo como cuando tenía 18. Empezás a pensar en el mundo que se está edificando mentalmente, socialmente, para tus hijos, para tus nietos. También veo cómo se está torciendo la industria musical con este algoritmo inhumano. A mí me encanta la IA, me parece genial, pero no la usé en el disco; capaz algún día sí, ¿por qué no? La voy a poder usar como una herramienta como el sample. A lo que voy es a algo más vincular. Día 3 es el día en que empezamos a elegir con inteligencia emocional el desarrollo de nuestras vidas en vez de pensar en lo que nos vamos a comprar.

–Prince sigue muy presente en tu música, se lo siente en Día 3. Hay que tocar bastante para sonar a Prince...

–La banda es la misma de Mesa dulce. Pablo González en batería, Mati Méndez en bajo y Axel Introini en teclados. Yo arranco siempre con la producción, los beats, las guitarras y las voces y cuando vienen a grabar escuchan los temas por primera vez. Yo ya sé como capitán del barco a quiénes les doy la responsabilidad. Son músicos increíbles que escuchan la misma música que yo. Lo mismo con el ingeniero, Saga (Oscar “Saga” Herrera" y Mariano (López) en la mezcla. Después está Claudio Cardone en las cuerdas. “Pensando en ella” lo grabamos en ION porque es tanguero y queríamos que tuviera la impronta de Buenos Aires. Y el resto de lo orquestal lo grabamos con la Filarmónica de Praga vía satélite.

–¿Por qué la Filarmónica de Praga?

–Es una Filarmónica muy grosa y eficiente en tiempo y grabación. Es mortal, vos estás acá en Buenos Aires conectado en video con Praga y escuchás en tiempo real en tu consola lo que están tocando allá. Entonces hacés las correcciones en el momento. Y tienen una afinación increíble. Los vientos están grabados en Minneapolis con Michael B. Nelson, que fue durante muchos años el arreglador de Prince y con quien hace varios años que trabajo. Es una bestia funkera. Cuando le mandé “Maldito frenesí” le dije que quería unos vientos más Old School, que el arreglo tuviera una impronta más Sly. Los arreglos que hizo en “Te quiero” son súper princeros, muy de la época de 1999. El hacía los arreglos de muchos de esos temas, ¡qué le voy a decir!

–Participa Juanse del disco y cuando lo escuché por primera vez recordé la colaboración de tu papá con Ratones Paranoicos: “Sacrificio japonés”...

–¡Si! A Juanse lo conozco desde hace muchos años, pero no lo vi tanto de chico. Me acuerdo de cuando mi viejo estaba haciendo Pelusón of Milk. Yo tenía 14, 15 años y estaban los Ratones en el estudio con Andrew Loog Oldham. Mi viejo les mostró “Seguir viviendo sin tu amor” y Andrew le produjo una versión, pero mi viejo no usó nada de eso, la hizo a su manera. Y recuerdo de ir solo a ver a los Ratones a los 15 a Obras. Yo ya era re rapero, pero siempre me encantaron los Ratones y cómo escribe Juanse. Ahora nos veníamos encontrando, me había dicho que le había copado Mesa dulce. Estaba haciendo esta canción, “Me quedo acá” y la melodía automáticamente me remitió a él.

–En esa canción también hay una referencia a Charly García, al sample de “No me dejan salir”.

–Es que usé el mismo sample que usó Charly en ese tema. No lo sampleé a Charly, encontré el original y lo usé también como tributo a él y al funk argentino; a Spinetta Jade, a Fito (Páez), cosas re funkeras que hicieron ellos. Es que con ellos tenemos una influencia en común: Prince. El tema con Juanse es uno de mis favoritos del disco. Juanse vino al estudio con unas cadenas, con imágenes religiosdas increíbles. Escribió su parte y después metió unas violas que quedaron increíbles.

En diciembre, Dante cumplirá 50 años. Sí, el nene de 8 que irrumpió en el escenario de su papá junto a su amigo Emmanuel Horvilleur y a los hermanos de ambos bajo el nombre de Pechugo para cantar “El mono tremendo” en un abrir y cerrar de ojos llega al medio siglo de vida. El que edificó con su compañero de mil batallas Illya Kuryaki & the Valderramas (hoy simplificado como IKV) y que de tanto en tanto vuelve a ese repertorio y esa energía para repasar sus clásicos. “Este es mi momento, es mi vida. No aprovechar el don que te dio Dios y hacer las cosas a medias, para mí no va”, reflexiona ahora y cuando lo hace vienen al recuerdo papá Luis Alberto y mamá Patricia Salazar. “Perderlos tan jóvenes, 63 tenía mi papá y 64 mi mamá, me hizo respetar mucho el valor del tiempo, de la misión. Más allá de si es un éxito comercial o no lo que hago, cuando me acuesto en la cama sé que estoy en el camino correcto. Es el camino del amor por la música, que eso es lo que me transmitieron mis viejos y lo aprendí de ellos.

–Y comercialmente con Mesa dulce te fue muy bien...

–Nunca tuve siete nominaciones a los Gardel y gané cuatro; una locura. Dos nominaciones a los Grammy: gané uno y toqué por todos lados. Ahora ya tengo una gira armada a partir de mayo: México, España, Chile, Colombia.

–Se cumplen 35 años de Fabrico cuero, el primer disco de Kuryaki. Lo produjo tu papá. Él toca en el disco y tu tío Gustavo, también. ¿Tenés tiempo de ir para atrás, de repasar hitos como estos?

–Es que no me olvido de nada, todo eso es parte del camino hecho y del disfrute de la vida. Haber trabajado con mi papá, con mis amigos, con los músicos de mi papá, con mi tío Gustavo, que siempre fue como un amigo más; de golpe estaba de gira con Kuryaki con él y nos cagábamos de risa. Es una bendición. Cómo me voy a quejar y no voy a dar todo de mí, cuando hay gente que está revolviendo en la basura o los viejos que no pueden comer dos veces al día. Me da vergüenza los músicos que se quejan del éxito. ¿En qué mundo viven? Hay que mantener lo pies en la tierra. Y eso lo aprendí en casa. Estate agradecido que te colgás la viola y la gente te aplaude y tenés comida en la mesa. Hacé las cosas desde el agradecimiento. Lo vi a mi viejo hacer las cosas así, la vi a mi vieja y lo vi al Diego (Maradona) saludándome como si me conociera de toda la vida.

–¿Como fue eso?

–Lo conocí un fin de año en una fiesta en Punta del Este. Nos invitaron, yo estaba con Emma (Horvilleur), con el Turquito (Eduardo “Dylan” Martí) y mi hermano Valentino. El Turquito conocía a Guillote (Coppola). Ellos estaban en un lugar que era como un jardín de invierno. Afuera, en una carpa, estaban todos los personajes del momento. Y nosotros llegamos en la época de Kuryaki de fines de los 90. El Turco le golpea la puerta a Coppola, lo ve, lo saluda y nos invita a pasar. El Diego nos reconoció, nos saludó y nos quedamos hablando. Eran como las once y media de la noche. De golpe se escuchan “pa pa pa”, fuegos artificiales y brindamos ahí con el Diego. “¡Feliz año!“. Éramos cinco ahí, los demás estaban del otro lado. ¿De qué me puedo quejar?

–Y recientemente tuviste una experiencia con Messi...

–Con Brando [su hijo] fuimos a ver al Inter de Miami y lo conocimos a Leo. Brando le contó que había jugado en Sacachispas, que llegó hasta la primera y que dejó y Messi le preguntó por qué había dejado. Nos tiró la mejor, con mucha humildad. Hay que aprender de esa energía. A mí la energía del rock, del ego, del “soy un rapero y me la creo”, no la compro. Soy más fan de los héroes reales.

–Hace unos días se viralizó el recuerdo que compartiste de tu infancia. Contaste que se mudaban muy seguido y que casi todos los años empezabas en un nuevo colegio...

–Era la época de Interdisc de mi viejo. Él era casi indie en ese momento. Tocaba en jams solo con la guitarra y los discos. Era difícil para el rock nacional, con excepción de Charly [García], que era más popular. Para mi viejo era difícil y no nos faltó la comida nunca, pero la situación era inestable. Éramos muy nómades. Me acuerdo de mi viejo en Castelar. Tenía un mercedes antiguo, una camioneta e íbamos a colegio privado y dos años después ya no teníamos auto, íbamos a un colegio del Estado, no teníamos muebles... Saltábamos de una cosa a la otra y mi viejo no era un quemado, laburaba todo el tiempo, hacía discos todos los años; y qué discos. Me acuerdo de mi viejo a las puteadas porque una vez se encargó un multipistas para poder grabar. Iba a ser su primer estudio móvil para poder grabar y ahorrarse la plata de los estudios, y un bagayero le cagó la guita.

–Pero nunca bajó los brazos...

–Lo que yo vi en mi viejo es un guerrero incansable que seguía su camino, y mi vieja rearmaba toda la organización para encajar y seguir. En ese momento éramos tres hermanos [Catarina, Valentino y él], Vera vino después. Recién en los 90 tuvimos casa propia y antes vivimos un año y medio en lo de mis abuelos. Éramos medio nómades, yo aprendí un montón de eso también. Aprendí a encajar en lugares diferentes, a conocer gente diferente. Fue un ejercicio social no tan grato por momentos. Era duro despedirme a fin de año de los amigos que me había hecho. De golpe me había hecho un mejor amigo y los últimos días no quería ir al colegio porque me angustiaba la idea de tener que despedirme de ellos. Es al día de hoy que me cuestan mucho las despedidas, prefiero desaparecer en la oscuridad, como Batman.

En aquellos años mudarse de barrio era como mudarse de país. Barajar y dar de nuevo. “No teníamos guita pero sí una videocasetera. Veíamos a [Herbie] Hancock todo el día y Purple Rain de Prince. The Wall no era una película para chicos, pero yo tenía 15 años y ya la había visto 15 veces.

–Tiene su lógica, empezaste a hacer música a los 10, a los 16 ya estabas bien metido y dejaste el colegio...

–Crecí con una ética de trabajo fuerte, igual que Emma, que vivió una realidad parecida a la mía. Dylan [su papá] era y es fotógrafo y Mercedes, la mamá de Emma, productora de moda. Tenía unas revistas de moda increíbles y acceso a ese mundo y nosotros mirábamos cómo estaba vestido Prince o la identidad que tenían los músicos de hip hop. De todos fuimos aprendiendo algo y venimos de familias de mucho trabajo. Yo a los 14 años ya estaba sampleando, haciendo beats. Los beats de Fabrico cuero son míos, los programé yo. Iba a los ensayos de Fito [Páez] a aprender, veía qué usaban los guitarristas, chequeaba la pedalera del Negro García López, que era el que más me gustaba en un momento. Lo iba a ver a [Ricardo] Mollo, era muy fan; le pedía la púa y hablábamos. Hace poco coincidimos regresando de un festival y estuvimos dos horas hablando de violas y pedales. En Argentina tenemos esas bestias y no hay que dejar de aprender de ellas. Sigo escuchando a Fito, a Charly; veo a Mollo, a [David] Lebón. Que Lebón me invite a tocar un solo es una locura. Que me diga: “Cómo tocás la viola, man”, me da impresión.

–Tu papá insistía mucho para que tocaras más la viola...

–Mi viejo insistía, si. Yo, como productor, hago lo que necesita la canción. Hay temas en los que no toco la viola, pero también toco otros instrumentos como el piano. “El plancito”, por ejemplo, todos los synthes los grabé yo y el beat es mío. La guitarra es el hacha. Como instrumentista arranqué con la batería, entonces mi concepción rítmica es una de mis prioridades.

Durante la emisión del domingo, Santiago del Moro bajó de placa a cinco de los ocho nominados y quedaron solo tres participantes: Brian Sarmiento, Jessica “La Maciel” Maciel y Lola Tomaszeusky. Esta última fue quien dejó el reality la noche del lunes.

Tomaszeuski quedó eliminada en la séptima semana de Gran Hermano Generación Dorada. La participante cayó ante Brian Sarmiento tras haber recibido el 52,2% de los votos del público para que abandonara la casa.

“Antes de irme quiero decirles algo: sigan dándolo todo, fue un gusto conocerlos a todos y obvio que voy a dar todo para volver”, les expresó Lola a sus compañeros, momentos antes de tomar su valija y salir de la casa.

Quiénes son los eliminados de Gran Hermano 2026

Hasta el momento, ya son siete los concursantes que salieron expulsados del juego por el voto de la gente. Los eliminados son:

• Gabriel Lucero
• Tomás “Tomy” Riguera
• Carla “Carlota” Bigliani
• Nicolás “Nick” Sícaro
• Kennys Palacios
• Franco Poggio
• Cinzia Francischiello
• Lola Tomaszeuski

Dónde ver en vivo Gran Hermano, Generación Dorada

El programa principal se emite por la pantalla de Telefe de lunes a jueves a las 22:15. La señal de aire ofrece las galas de eliminación, los clásicos debates y los desafíos semanales bajo la conducción de Santiago del Moro. Los espectadores también podrán verlo a través de operadores de cable, que cuentan con frecuencias específicas para sintonizar la señal en todo el país.

La transmisión por 24 horas de forma gratuita ocurre a través de la plataforma DGO. Este servicio de streaming pertenece a la empresa DirecTV y permite un seguimiento constante de la convivencia sin cortes publicitarios. La aplicación funciona en dispositivos móviles, tabletas y televisores inteligentes de manera directa.

Existen otras alternativas digitales para el público que consume contenidos bajo demanda. La plataforma Prime Video integra los programas en su catálogo de forma simultánea. De esta forma, los episodios quedan guardados en este sitio para su visualización posterior en cualquier momento del día.

Por su parte, los canales oficiales de YouTube y Twitch bajo el nombre de Streams Telefe ofrecen una cobertura complementaria. Este espacio digital presenta las reacciones en vivo de figuras como La Tora y Fefe Bongiorno junto a otros creadores de contenido.

En qué canal se puede ver Gran Hermano

La sintonía de la competencia varía según el proveedor de servicios de televisión por cable que posea el usuario. Las principales operadoras del mercado argentino ya definieron las ubicaciones en sus respectivas grillas:

• DirecTV: canal 123 y 1123 en su versión de alta definición.
• Cablevisión y Telecentro: canal 12.
• Flow: canal 10.
• Telecentro Play: canal 12 y 1001.

Cómo votar en Gran Hermano

En este caso, para participar hay que votar al concursante que se quiere dejar en la casa, es decir, darle un voto positivo. Así, se debe enviar GH al 9009 o ingresar a ghglobal.ar para ejercer la elección.

“Hace mucho tiempo, mamá, papá, Mary y Laura dejaron los grandes bosques de Wisconsin y se mudaron a la pradera, donde una nueva vida les esperaba”, dice el personaje de la joven Laura en el trailer lanzado por la plataforma este lunes 13 de abril. Mientras transcurren algunas imágenes de lo que será este reboot, la protagonista anticipa cómo será esa nueva vida: “Cada día y cada noche era una aventura. Y aunque estaban solos y se veían muy pequeños ante el cielo y las estrellas, eran felices porque eran una familia y estaban juntos”, concluye el pequeño adelanto.

La trama retoma el punto de partida clásico: el traslado de la familia Ingalls desde Wisconsin hacia las vastas praderas del Oeste en el siglo XIX. A partir de allí, reconstruye su proceso de adaptación, las dificultades cotidianas y el fuerte vínculo que los mantiene unidos. “Este drama familiar esperanzador, en parte una épica historia de supervivencia y en parte un relato sobre los orígenes del Oeste americano. Ofrece una visión caleidoscópica de las luchas y los triunfos de aquellos que forjaron la frontera”, explica la sinopsis oficial de esta historia liderada por Rebecca Sonnenshine, reconocida por su trabajo en series como The Boys y The Vampire Diaries.

“Honrar su esencia”, es el objetivo de esta showrunner y productora ejecutiva que ha crecido leyendo los libros de Laura Ingalls Wilder, aunque también promete profundizar en los matices de la historia. “Los personajes hablan de su vida antes de llegar a la pradera; puede que nos encontremos con algunos personajes de su pasado”, comentó quien se enamoró profundamente de estos libros cuando tenía 5 años. De hecho, fue esta saga literaria ( que vendió más de 73 millones de ejemplares) la que la inspiró a convertirse en escritora y cineasta.

“Me siento honrada y emocionada de adaptar estas historias para una nueva audiencia”, señaló. “Esta serie es una historia de amor sobre una familia. Es una familia con la que quieres estar, a la que quieres conocer, con la que quieres pasar tiempo. Esa es la esencia de La casa de la pradera: una familia que se apoya mutuamente, que se cuenta historias, que cuenta historias sobre sí misma”, agregó entusiasmada.

Este reboot además cuenta con el respaldo de CBS Studios y la participación de Trip Friendly, hijo del productor original Ed Friendly. “Mi sueño siempre ha sido volver a los libros, hacer una adaptación original e incorporar también la historia de la época”, dijo Friendly en el evento realizado para fanáticos con motivo del 50 aniversario en diciembre pasado. “Estudié historia en la universidad, me encanta la historia y creo que esa época —los años 1860, 1870 y 1880— es una parte fascinante”, concluyó.

Los nuevos Ingalls

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A lo largo de sus nueve temporadas y más de 200 episodios, la serie tenía como protagonistas principales al matrimonio Charles y Caroline Ingalls, interpretados por Michael Landon y Karen Grassle, y sus hijas Mary, Laura y Carrie, encarnadas por Melissa Sue Anderson, Melissa Gilbert y las gemelas Lindsay y Sidney Greenbush.

El corazón de esta historia vuelve a ser la familia, ahora interpretada por una generación de actores no tan populares. El papel de la protagonista absoluta, Laura Ingalls (esa niña brillante, honesta y rebelde con una mirada curiosa sobre el mundo que la rodea) recaerá sobre Alice Halsey, una niña de 10 años que trabajó en la serie Lecciones de química de Apple TV+ (interpretando a la hija del personaje de Brie Larson), en el culebrón Days of Our Lives e hizo el doblaje en la serie de Disney Junior Kindergarten: The Musical.

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Su elección fue elogiada por Melissa Gilbert, quien no sólo le dio su “bendición” a la actriz sino que expresó que estaba “muy ilusionada por pasarle el papel”. “Se conocieron y conversaron”, contó Rebecca Sonnenshine, quien también tuvo grandes palabras para la jovencita: “Es muy madura, muy talentosa y ha asumido por completo el personaje de Laura”.

Luke Bracey será el encargado de encarnar a Charles, el padre de familia, un hombre resiliente que lidera a los suyos en medio de las adversidades del territorio fronterizo. Este australiano, de 36 años, es conocido por haber interpretado a Trey Palmer en la serie Home and Away y a Jerry Schilling en la película musical Elvis.

El rol de Caroline, esa madre que se vuelve sostén emocional del hogar, será ocupado por Crosby Fitzgerald, una actriz recordada por su papel de Sylvia en la serie Palm Royale y por participar del true crime Amanda Knox: una historia retorcida. Skywalker Hughes dará vida a Mary, la hermana mayor y más sensible del clan es conocida por ser Sheridan Pickett en el drama Joe Pickett.

Diferencias con la serie original

Aunque toma como base los mismos libros, esta reversión introduce varias diferencias respecto de la recordada serie emitida entre 1974 y 1983. Mientras que todos coinciden en que este proyecto guarda mayor fidelidad al material original con una narrativa más cercana a las memorias de Wilder, el tono con el que se tratarán los temas son más realistas y amplios: “Se propone una visión caleidoscópica de las luchas y logros de los pioneros, abordando con mayor profundidad el contexto histórico”, explican desde la producción.

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Respecto a los personajes y arcos narrativos, esta adaptación incorporará figuras inéditas que expanden el universo de la familia. En cuanto a la estética, la historia apostará por una producción más cinematográfica y una mirada actual sobre los temas sociales.

Con una segunda temporada ya confirmada antes de su estreno, la apuesta de Netflix es clara: volver a contar una historia que marcó a millones, pero desde otro lugar. Una reinterpretación que dialoga con el pasado, pero busca resonar con nuevas generaciones.

Durante la charla, Solá da detalles del accidente cerebrovascular que sufrió, reflexiona sobre otros problemas que tuvo a lo largo de su vida y cómo tuvo la pulsión de recuperarse y seguir adelante. Además, cuenta su historia de amor con Fátima, una joven diseñadora de vestuario y pintora a quien conoció hace un par de años haciendo la obra Mi querido presidente. Todavía se ayuda con un bastón y tiene un hablar pausado. Dice que a veces tarda en acomodar sus ideas, pero conserva la fuerza y las convicciones que lo caracterizaron toda su vida. Y tiene muchas ganas de vivir.

—¿Te hace bien volver a trabajar?

—Es necesario, me hace bien a mí y espero que le haga bien a la gente. Ya había hecho esta obra en España y ahora tengo una compañera maravillosa; el trabajo de Mercedes es hermoso. Es una gran artista. Y es un ser entrañable además.

—Y te dirige González Gil, con quien trabajás desde hace muchos años...

—Y es un gran amigo también. Hace más de treinta años que trabajamos juntos con Martín Bianchedi. Somos la cooperativa MiMaMa, por Miguel, Martín y Manuel [risas]. Hicimos durante muchos años Los mosqueteros del rey, después El diario de Adán y Eva, Doble o nada y Por el placer de volver a verla. Esta es una comedia muy delirante por momentos, muy bonita, pero además es un material sensible, una historia de amor de una madre y un hijo. Es como un viaje al pasado porque la mamá ya no está. Se arma con recuerdos, con los momentos de convivencia. En realidad, él es escritor gracias a la madre. Es un tipo del arte gracias a la madre. Y ella... ¡qué bien está! ¡Qué actriz y qué linda es!

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—¿A Funes la propuso el director?

—Sí, y también mi mujer, Fátima, porque la conocía y me dijo que es extraordinaria.

—¿Tu mujer es actriz?

—No. Es pintora y hace un trabajo que emociona hasta el tuétano.

—¿Cómo se conocieron?

—En el teatro, porque además ella es diseñadora de ropa y es vestuarista. Fue asistente de vestuario de Mi querido presidente, la obra que estrenamos hace dos años en el Teatro Apolo. Y nos enamoramos.

—Debe ser un apoyo muy importante en tu recuperación...

—Mucho. Mis seres queridos me han hecho una guardia pretoriana de amor y de arte. Estoy peleando con las secuelas que me ha dejado esto, pero estoy bien. Tengo una parte mía que está muy bien y otra parte que dice: “Señor inquilino, salí de acá adentro y andate” [risas]. Necesito un año más de rehabilitación kinesiológica porque todavía uso bastón.

Resiliente

—Tuviste varios problemas de salud a lo largo de tu vida y siempre te recuperás. ¡Sos un Ave Fénix!

—Sí, tuve malos momentos, muchos accidentes y fui saliendo. El primero fue durísimo y es el que me pasa factura ahora también porque me afectó todo el sistema nervioso. Me rompió la médula y en ese momento me dijeron cosas muy feas. Y, sin embargo, salí adelante. Es buen cuerpo el mío. Pero también es buena la mente porque uno puede recuperarse con el cuerpo, pero la mente tiene que acompañar. Tenés que ser muy fuerte y tener ganas de salir adelante. No te queda otra. Si querés seguir viviendo, tenés que empujar. Y seguir viviendo significa no solamente transcurrir, como dice la canción, sino meterte y vivenciar. Tenés que pensar también en la calidad de vida que querés. Con este accidente que tuve en Canarias no quería vivir, porque me dijeron que iba a quedar tetrapléjico y cómo le iba a dejar ese desastre a mis hijas. Y salí. Y acá estoy.

—Tus tres hijas viven en España, ¿se visitan? (María Luz y Cayetana fruto de su relación con Blanca Oteyza y Adriana de su última relación con Paula Cancio)

—Son muy caros los pasajes. Es muy cara la vida allá y es muy cara la vida acá. Entonces, a mí me cuesta, pero la menor va a viajar a mitad de este año y la mayor va a viajar un mes después. Estoy muy contento.

—Durante muchos años viviste en España, ¿ahora decidiste quedarte en Buenos Aires?

—Me tuve que ir en los 90 porque amenazaron de muerte a mi hija mayor, María Luz, que en ese momento era muy chiquita. Había estado allá diez años antes, trabajando. Pero no fue una elección vivir en España. Después ya tuvo que hacerlo porque acá tampoco podía vivir.

—¿Y por qué sucedió este último regreso?

-Porque me llamó Gustavo Yankelevich para trabajar en Mi querido presidente y allá no tenía trabajo, entonces vine aquí a trabajar. Hice la obra y después me ofrecieron otro proyecto que no me sedujo. Entonces aparecieron mis amigos Manuel y Martín con Por el placer de volver a verla. Y no solo eso, también me ayudaron muchísimo: Martín me prestó la casa de su hermana para vivir durante un tiempo y luego Manuel me prestó la casa de su hija menor, Manuelita.

—Venís de un largo linaje de artistas, ¿es verdad que sos la novena generación de actores?

—Sí. No había chance de hacer otra cosa [risas]. La cuestión era no defraudarlos y mantener alta la calidad artística de mi tía Luisa Vehíl, de mi mamá Paquita. Esas fueron las últimas generaciones y nacieron aquí. Un tío nació en el camarín de un teatro en Córdoba y Luisa en Montevideo, también en un camarín. Y mi mamá no nació en un camarín porque la metieron en una ambulancia a la abuela y la mandaron al hospital.

—¿Creés que tu destino estaba marcado y que mantuviste la vara alta?

—Espero que sí. Tuve suerte, la verdad, mucha suerte. Hoy los jóvenes actores no van a tener esa escuela porque no hay cine, no hay ficción. Y eso, en nuestra época, era cosa de todos los días. Creo que nuestra generación fue la última que pudo desarrollarse de esa manera. Después hubo un pequeño resabio, pero pequeño. Una generación más, aunque acostumbrados a una técnica diferente. Trabajé con Diana Álvarez, con María Luisa Avellaneda, con Alejandro Doria. He tenido maestros muy buenos. Fueron directores integrales que ponchaban las cámaras y respiraban con el actor. Era maravilloso.

—¿Tenés nostalgia?

—Claro, por supuesto. No solo había laburo y se podía elegir, sino que además aprendías muchísimo de todos los compañeros. Tuve una escuela muy linda que se continuó con la de mi casa. Por eso digo que tuve mucha suerte. Los actores nos hermanamos todos en que lo queremos hacer lo mejor posible y de acuerdo a nuestros criterios y a nuestras capacidades. A veces lo logramos mejor. Otras veces nos agarra fiaca o no tenemos ganas. Y sin embargo, somos unos privilegiados y no nos damos cuenta. Por suerte tenemos las ganas todavía y está el teatro. Nosotros debutamos el 17 de abril en el Teatro Coliseo de La Plata y seguimos de gira por toda la provincia de Buenos Aires. También vamos a estar en Córdoba, Mendoza y Rosario. Y estamos esperando sala para estar en julio en un teatro de la calle Corrientes.

“Optimista informado"

—¿Qué mirada tenés de nuestro país?

—Yo soy un optimista informado. Entonces, creo que esto hay que hacerlo a pesar de todo. Le duela, a quien le duela, porque si no hay cultura, no hay vida en un país. Si no hay medios, si no hay información, no hay nada. Es imposible hacer desaparecer lo que no tiene ganas de desaparecer. Y eso va a depender de lo que decidamos los argentinos. No depende de una persona, de locuras ni de delirios de un gobierno. Depende de toda una sociedad.

—¿Entonces...?

—Algunos se creen la mentira de que hemos vivido de arriba toda la vida. Y no es así porque hemos estudiado, hemos invertido horas y horas y dinero y salud en el trabajo, buscando una mejor perspectiva. Y la cultura podía avanzar. Siempre ha habido crápulas y se los combate con honestidad, con decencia y con luz. Por eso invito a todos a ver Por el placer de volver a verla, porque es una obra muy intimista; un reencuentro. La relación madre-hijo va a existir hasta que termine la vida en este planeta. Es el afecto más importante, con sus más, con sus menos, con sus idas y venidas, sus locuras o no locuras. La mamá es la mamá.

—Si vos tuvieras el placer de volver a tu mamá, ¿qué le dirías?

—¿A mi mamá? Te quiero. Te quiero. ¿Qué puedo decir? Otra artista. Y le diría que ahora tengo este gran proyecto y tengo que lograrlo. Sé que la gente lo va a disfrutar, lo va a sentir como un regalo. Durante mucho tiempo convirtieron el teatro en una especie de “jajaja” y pensaron que lo que importa es que la gente se ría y se olvide. No es así porque la gente también tiene sentimientos que no tienen que ver con la risa, sino con lo profundo de las ganas de abrazar, de besar, de querer. No estoy en contra de la comedia. Me encanta la comedia, pero como decía Borges: “Me encanta el ajo, pero no me gusta el ajo obligatorio”. Entonces, si no tiene un lugar profundo donde asentarse, la comedia hace agua y llega un momento en que se transforma en una mueca, en la mascarada de lo que es la risa.

—Si mirás en retrospectiva en su vida, ¿qué balance hacés?

-Cumplí. Hice un trabajo bueno, no me entregué al enemigo. Nunca. Y soy admirador de Serrat, no admiro a cualquier persona. Soy admirador de Manuel González Gil, no admiro a cualquier persona. Soy admirador de los talentos, de la gente con capacidad, de quien ha invertido su tiempo, su vida y su dinero en esto. Manuel me dio de comer a mí y a cientos de actores durante toda su vida. Y además, en muchos casos, como en el mío, me aportó calidad de vida y de trabajo. Y Martín, la otra pata de este juego, ha sido un hombre que a través de su música me hizo sentir que es posible proyectar el vuelo. Hay gente que no sabe qué es el vuelo y le cuesta mucho asociarlo con la condición humana. Pero desde Leonardo da Vinci hasta hoy el hombre vuela.

Para agendar

La obra Por el placer de volver a verla se presenta en La Plata este viernes 17, en Devoto el 18, el 19 en El Palomar y el 24 en Villa María. En tanto, el 25 y 26 de abril harán funciones en la ciudad de Córdoba. El 2 de mayo, en San Fernando, el 3 en Mercedes, el 8 en Banfield, el 9 en San Justo, el 10 en Canning, el 15 en Quilmes, el 16 en Morón y el 17 en San Miguel.

Cuándo es el Bafici 2026

El festival Bafici 2026 es desde el 15 hasta el 26 de abril. En estas fechas habrán distintas actividades, que van entre proyecciones hasta mesas de discusión.

Dónde es el Bafici 2026: todas las salas

Este festival de cine tendrá varias sedes. Estas son:

Cómo comprar entradas para la edición 27 del BAFICI

Para acceder a la programación del festival, se deben seguir las siguientes instrucciones y considerar las modalidades de venta y acceso vigentes.

El acceso a los tickets puede gestionarse a través de dos vías:

• De forma digital: de manera directa en el sitio web oficial bafici.org.
• De forma presencial: en el Teatro San Martín, en el horario de 10 a 21:30 o en las sedes oficiales (Cine Teatro Alvear, CC 25 de Mayo, Cinépolis Plaza Houssay, Cinépolis Recoleta, CineArte Cacodelphia y Cine Gaumont), desde 30 minutos antes del inicio de la primera función de cada jornada.

Los valores de las localidades se encuentran sujetos a las siguientes categorías:

• Entrada general: $5000.
• Tarifa diferencial: estudiantes y jubilados acceden a un valor de $3500.
• Abono BAFICI: se ofrece un paquete de 10 entradas por un valor total de $30.000.
• Beneficio Banco Ciudad: se dispone de una promoción de 2x1 abonando con tarjetas de crédito o débito de dicha entidad en todos los canales de venta (sujeto a disponibilidad de sala).

• Con reserva: las entradas para funciones gratuitas se habilitan 48 horas antes de cada evento a partir de las 10, tanto en la web como en boleterías físicas.
• Sin reserva: el ingreso se realiza por estricto orden de llegada y queda limitado a la capacidad de cada sala. No se requiere acreditación previa.

Al momento de planificar la asistencia, se sugiere tener en cuenta las siguientes normas:

• Puntualidad: no se permite el ingreso a la sala una vez iniciada la proyección. En dicho caso, la entrada pierde su validez de forma inmediata.
• Restricciones de edad: la programación general está dirigida a mayores de 18 años, con excepción de la sección Baficito, calificada como Apta para Todo Público (ATP).
• Idioma: todas las producciones extranjeras cuentan con subtitulado al español.

Su menuda figura -que se agiganta en escena- pareciera ser más etérea en el enorme hall del primer piso del Teatro San Martín, donde desde el sábado 18 de abril protagonizará Invasiones 1: no bombardeen Buenos Aires, ópera rock escrita y dirigida por Ricardo Hornos, en torno al ideario de las Invasiones Inglesas y narrada a través de las canciones de Charly García. A priori, el planteo resulta tan extravagante como atractivo. “Es un espectáculo enorme”, describe desde el vamos la actriz y cantante.

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“Es un musical con treinta personas en escena, que nunca se hizo, es un estreno absoluto, creado para el Teatro San Martín. Aún estamos probando, recalculando y trabajando mucho”, describe la mujer que sedujo al público del mundo encabezando el musical Evita, de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice, en Londres y Nueva York y quien también le diera cuerpo, alma y voz a Edith Piaf en el musical de Pam Gems que contuvo la fragilidad del personaje abordado y la fortaleza ejecutante de su protagonista.

Procesos creativos

“Estoy agotada”, sostiene en referencia al trajín de sus dos últimos meses, donde su vida estuvo esmerilada por los ensayos intensivos, esos que desembocarán en el inminente estreno en la sala Martín Coronado.

“Me parece importante poder hacer un musical, que es a lo que me dedico, en torno a una historia argentina y en un teatro como el San Martín, de carácter público y con un equipo creativo argentino y música de uno de los más grandes del rock nacional”.

El elenco, que fue seleccionado a partir de audiciones abiertas, está conformado por lo más granado del género, al servicio de una historia que irá en busca de la primera Invasión Inglesa acontecida en estas tierras rioplatenses en 1806, un hito trascendental en la historia del país. “No vamos a tirar aceite por los balcones, porque eso sucedió en las segundas Invasiones”, aclara Roger.

“Acá nos paramos en esos 45 días de los ingleses en Buenos Aires, que llegan para capturar el botín de plata que venía de Potosí y se estaba yendo para España”.

La obra cuenta con arreglos musicales de Murci Bouscayrol y coreografía diseñada por Elizabeth de Chapeaurouge. “Lo logramos en dos meses, pero, en el exterior, un musical de este tipo lleva mucho más tiempo de producción”, sostiene.

La dirección musical es responsabilidad de Javier López del Carril y la vocal se encuentra a cargo de Ana Carfi, profesionales de innegable trayectoria en el género. Asimismo, la curaduría histórica de la pieza fue responsabilidad de Felipe Pigna. En cuanto a sus compañeros de escena, Roger no duda en afirmar: “Tenemos a los mejores, talentosos, dispuestos, con ganas y una energía única, no pueden ser más lindos”.

En el plano de la cotidianidad de su vida, no deja de valorar la ayuda de su marido, el actor Mariano Torre. “Hace malabares, porque él también está ensayando, pero entiende que, en este momento, soy yo la que tiene la tormenta en la cabeza. Hacemos un equipazo familiar”.

-¿Dormís?

-Sí, eso lo hago bien, pero durante pocas horas. Se vive. Nada que no hayamos hecho en otro momento de nuestras vidas, aunque la obra está en la cabeza todo el tiempo, siempre aparece algo nuevo para proponer, no sólo sobre mi personaje, sino sobre la totalidad de lo que estamos creando.

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-Ser la cabeza de compañía también implica la multiplicidad de roles.

-Después de tantos años de trabajo, uno tiene una mirada del total, un concepto. Me gusta opinar, sobre todo, en esta etapa de mi vida con cincuenta años encima, donde tengo que decir lo que me surge. Estoy nerviosa y ansiosa, pero con muchas ganas de estrenar.

-La narración a través de los temas de Charly García es toda una curiosidad.

-Él es tan genio que me da pudor hacerlo, sobre todo cuando algunas letras suyas fueron cambiadas en función de lo que estamos contando.

-¿Él estuvo cerca en el proceso creativo?

-No de manera directa, pero, con mucha generosidad, dio los derechos de sus canciones para que se pudiera hacer la obra. Me pregunto si le gustará lo que hicimos, si no le faltamos el respeto, porque es un artista tan increíble, pero me parece que su música es perfecta para contar lo que estamos contando.

La actriz no duda en subrayar la valía artística de Ricardo Hornos a la hora de desarrollar su obra en torno a un hecho histórico acontecido en el siglo XlX y amalgamado con la poética del autor de “No bombardeen Buenos Aires”.

“Se trata de contar una historia dentro de otra”, adelanta Roger, quien interpreta a Cassandra -referencia inequívoca al ideario de Charly García-, una joven mujer que, por razones que la exceden, encuentra refugio entre los faroleros que cumplen su tarea en aquellos tiempos de premura virreinal.

“El eje está puesto en mi personaje y en un soldado inglés. Contamos las dos caras de la moneda”.

-¿Cómo considerás que puede interpelar la obra al espectador actual, en un contexto social y político como el que atraviesa nuestro país y el mundo?

-Cuando hice Evita empecé a despertar en el mundo de la política y en lo que nos enseñan en la escuela sobre quiénes somos y en cómo nos ensañamos con el país, sin entender que somos parte de un mundo y de un plan.

-Un plan muchas veces nefasto...

-Siempre es nefasto, así es el sistema; no nos va a favorecer, va a venir a sacarnos recursos. Estudiando estas Invasiones Inglesas te das cuenta de eso, vinieron a sacarnos un botín. Es un patrón que no se rompe nunca. ¿Qué sucede hoy con los glaciares y con las mineras? Por otra parte, el tema de la minería nunca dejó de pasar.

-Hay tiempos donde se visibiliza la cuestión de manera más enfática.

-Siempre fuimos y somos un lugar para venir a buscar nuestros recursos.

Con todo, la actriz entiende que Invasiones l, no bombardeen Buenos Aires busca “contar una historia, describir eventos” y hace hincapié en el rescate del lugar de la mujer en aquellos tiempos primigenios de nuestra nación.

“Hay muchísimas historias de mujeres que han quedado en el olvido, que han dado la vida por el lugar donde habitaban. ¿Qué sucedió con las originarias? ¿Cómo se comportaron los conquistadores con ellas?”.

Cassandra, el personaje al que le da vida Roger (y que se viste de hombre y se hace llamar... Charly) nació en el seno de una familia de la aristocracia, pero su destino es la calle debido a un hecho de seducción no muy bien visto por los suyos. “Termina adoptada por los faroleros. Es una historia que honra a la mujer”.

-Ricardo Hornos, el autor y director es psicólogo. ¿Hay algo de ese campo que se embeba en el material?

-Siento que su cuento es muy cerebral, va a sorprender. Hemos tenido nuestras peleas, intercambios de opiniones, como debe suceder cuando se está creando algo, pero su idea es muy interesante. Siento que hará historia.

Ricardo Hornos se ha desarrollado como productor, autor y director con experiencia en los circuitos teatrales de Broadway y el West End de Londres. Recibió el aspiracional premio Tony en producciones como El curioso incidente del perro a medianoche y, en el ámbito audiovisual, fue guionista y productor de los films El robo del siglo y En la mira, entre otros.

Consciente del devenir de la historia del género musical en el teatro argentino, Elena Roger no deja de reconocer que “se han hecho musicales argentinos sobre nuestra historia; de hecho, Pepe Cibrián hizo Invasiones Inglesas y ahora se está haciendo una obra sobre (Juan Bautista) Alberdi. Lo que me parece innovador es la envergadura de este proyecto, en un teatro público y que el rock esté en función del relato”.

La actriz reconoce el valor que Invasiones l, no bombardeen Buenos Aires se realice en un teatro público: “El valor de las entradas será accesible para que mucha gente pueda ver un musical de esta envergadura”.

Ciudadana del mundo

Si bien su protagónico de Evita la premió con la trascendencia más allá de las fronteras de nuestro país, el camino fue arduo y no sólo por el proceso de audiciones que debió afrontar, sino también porque implicó desandar su propio itinerario ideológico. La posibilidad de permanecer un tiempo prolongado en Nueva York no le resultaba una opción seductora. “Nunca dije que no, directamente no quería hacerlo”.

-¿Es cierto que esa postura tenía que ver con la posibilidad de no compartir determinados valores en torno a la sociedad que te tocaría habitar?

-Sentía que iba a pasarla mal, que sería mucho ruido para mi ser, pero conocí gente muy hermosa en medio de ese ruido, gente que, justamente, no era ruidosa. Pude ver a la sociedad en el lugar de mayor consumo, también con sensibilidad y cabeza. Ahora adoro Nueva York, es un lugar increíble, pero me gusta más el teatro inglés y me siento más identificada con los ingleses.

-Toda una paradoja siendo la protagonista de un material como el que estrenarás.

-Hace poco escuché a excombatientes de Malvinas decir que no querían que se los llamara “chicos de la guerra”, porque habían estado bajo el cuidado de soldados ingleses de 16 años, ya que hay países donde el servicio militar se hace a esa edad. Hay que entender que las cabezas de las guerras son las que tienen el problema y nosotros somos utensilios, es algo que nos llevan a cometer.

-¿Cómo fue tu experiencia personal en Londres?

-Resultó uno de los mejores momentos de mi vida, la gente no tenía ningún problema con los argentinos, incluso detestaban a la (Margaret) Thatcher. Además, el ciudadano de a pie no conoce sobre las Invasiones Inglesas, no sabe lo que hizo la Corona en aquellos tiempos.

-En lo cotidiano, ¿nunca viviste una situación incómoda?

-Jamás. Algunos ingleses me llegaron a decir que pensaban que las Malvinas, a las que llamaban Falkland, quedaban cerca de Irlanda.

Sola con su repertorio

Cuando no se encuentra abocada a un espectáculo de relato ficcional, Elena Roger recorre la escena con su concierto acompañada en piano por el maestro Nicolás Guerschberg, transitando la experiencia con un repertorio diverso, en el que no faltan algunas referencias ineludibles a los grandes musicales que protagonizó, pero también desandando el camino del cancionero popular latinoamericano.

-La experiencia del recital te permite romper la cuarta pared y un conocimiento del espectador que te ve sin la mediación de una criatura de ficción.

-Cuando canto las canciones aparece un personaje, pero también me permite hablar con la gente, ser yo. En mis primeros conciertos, no sabía qué decir, me costó un montón lograr esa situación de pararme y hablar.

-Se percibe mucha complicidad con los espectadores y hasta te permitís bajar a la platea.

-Eso es hermoso, aparece el humor.

-Tiene que ver con la madurez personal y en la escena.

-En la entrevista anterior te comentaba sobre cómo ahora me siento más cómoda en las entrevistas, lo mismo me sucede en el escenario. Para algo tienen que servir los 51 años que tengo.

-Con todo, continuás conservando un perfil muy bajo y sólo te exponés en función de tu trabajo.

-No me gusta lo otro, soy tranquila. No podría ser de otra forma.

-Gozás de un lugar de prestigio y respeto muy bien ganados. El año pasado, en España, los medios te presentaban como la “gran referente del musical argentino”. ¿Cómo te llevás con ese tipo de categorizaciones?

-Creo que hice algunos proyectos que tuvieron mucha relevancia, fui muy afortunada en eso, pero no me hace más talentosa. Es cierto que pude afrontarlos y defenderlos, tenía material, dignidad y personalidad para hacerlo, pero no deja de ser una fortuna haber podido audicionar en el exterior.

-Estuviste a la altura de las circunstancias.

-Sí, es cierto, pero también tuve la oportunidad. Me siento orgullosa de haberlo podido hacer. Estas tres cosas grandes que hice son todo en mi carrera, me hicieron quien soy como artista. Haber trabajado cuatro o cinco años en Inglaterra me dio mucha experiencia, he aprendido un montón.

-Debe ser complejo, cuando se llega a determinado estándar artístico, pienso en Broadway y en Londres, tomar decisiones con respecto al futuro.

-A veces me pesó, sentía algo así como “no puedo jugar más”. Además, soy muy exigente conmigo misma, entonces la pregunta era: “Si pifio, ¿me van a bajar del lugar en el que estoy?”. Eso me ha llevado a no hacer cosas, para no errar, a pesar de sentir el deseo. Algo he cambiado, de hecho, Invasiones l tiene que ver con esos riesgos, es una jugada, pero hoy siento que ya no me importa si sale mal. Pongo todo, hago lo mejor que puedo, eso es lo importante. Luego, puede gustar o no.

Elena Roger tomó decisiones a la hora de la elección del elenco que la secunda, conformado por artistas de trayectoria en el género y otros que van a debutar en las grandes ligas. “Me da felicidad que mucha gente pueda trabajar en un proyecto en el que yo también estoy”.

En relación a eso, no deja de reconocer el buen momento que vive el musical argentino del circuito comercial, en una temporada donde varios títulos se disputarán las preferencias de los espectadores (Annie, Charly y la fábrica de chocolate, Hairspray, Billy Elliot, entre otros proyectos).

“Está lleno de musicales muy lindos, me parece fantástico, encantador. Un amigo, que suele organizar reuniones entre los artistas del género, en diciembre nos reunió a unos cuantos y, curiosamente, todos estábamos con proyectos. Eso no sucede siempre. Hay mucho talento, somos una de las capitales de la comedia musical de habla hispana”.

Antes de la despedida, una humorada, que no está exenta de verdad, permite despertarle una carcajada y hasta olvidarse, durante pocos segundos, del trajín de un estreno inminente.

-¿Es cierto que, cuando hacías Evita en Broadway, muchos colegas argentinos te iban a visitar al camarín, pero, mientras conversaban con vos, miraban de reojo hacia afuera esperando que pasara tu compañero Ricky Martin?

-Es cierto.

-¿Lo percibías?

-Me daba cuenta de eso. Me decían: “Hola, Elena” y miraban para el pasillo. Está bien, era obvio, querían conocer a Ricky Martin más que saludarme a mí.

-Gajes del oficio.

-En Londres no me vino a saludar nadie, en Broadway me visitaban todos; tonta no soy.

Veterano de Hollywood que dirigió más de 70 películas, DeMille conocía muy bien la industria cinematográfica. Sabía que esa introducción era inusual y podía resultar pedante, pero su cine nunca optó por la humildad. Al contrario, sus producciones eran faraónicas, gigantescas, donde en cada plano se tenía que notar hasta el último centavo de los miles de millones de dólares invertidos en producción, sets, maquillaje, utilería o actores.

En esta presentación atípica, primero advierte a la audiencia cuál es el tema de la obra: “¿Son los hombres propiedad del Estado o son almas libres de Dios?”. Luego, avisa que la película dura 3 horas con 40 minutos, pero “habrá un intermedio”. La pantalla se funde a negro para dar por finalizada la presentación. Y luego, como si fuera una ópera, se escucha el tema principal de la película. Finalmente aparece el logo de Paramount, como si la montaña de la empresa fuera el mismísimo Monte Sinaí. Aunque ya empezó con esa introducción, ahora la película está por comenzar. Recién en este momento se escucha la voz de Dios: “Hágase la luz”.

El actor que fue elegido “por una nariz”

No era la primera vez que DeMille adaptaba Los diez mandamientos para la pantalla grande. Ya lo había hecho en 1923, pero consideraba que la revolución del sonido y el color en las películas ameritaba una nueva versión. El público se renueva. Con Henry Wilcoxon, el actor y productor con el que había trabajado en películas como Cleopatra y Sansón y Dalila, empezó a diagramar la que iba a ser la producción más grande de su vida. DeMille consideraba que no había relato bíblico más grande que la historia de Moisés, así que el primer desafío era encontrar a un actor al que no le quedaran grandes las sandalias.

“¿Y ese quién es?”, le preguntó DeMille a su secretaria. Estaban en las calles de los estudios Paramount cuando pasó un joven actor manejando un convertible. Desde el auto, el muchacho le hizo un gesto de saludo al director. “Ese es un actor de Broadway, usted lo conoció hace 10 días”, le dijo la secretaria leyendo la agenda. “Pero no le gustó. Su nombre es Charlton Heston”. “Ahora sí me gusta, quiero conocerlo”, dijo el jefe.

Lo que llamó la atención de DeMille fue el perfil de Charlton Heston. Cuando el director y su productor asociado, Wilcoxon, empezaron a buscar candidatos para interpretar a Moisés, usaron una escultura italiana como referencia. “Dios mío, es Moisés”, dijo cuando comparó una foto de Heston con una de la estatua hecha por Miguel Ángel. El director hasta tenía una réplica de la escultura italiana sobre su escritorio. Sin darle ni siquiera el guion, mandó a llamar a Heston y le ofreció un papel en su próxima película.

Heston desconocía qué rol iba a interpretar, pero aceptó encantado. Sabía que podría convertirse en una estrella en una producción con la firma de DeMille. Durante las primeras entrevistas, el cineasta le mostró las maquetas, bocetos y pinturas que iban a inspirar la remake de Los diez mandamientos.

DeMille no lo recordaba, pero ya había trabajado con Heston en El espectáculo más grande del mundo. Pero esta vez la exigencia era distinta. Sobre la imagen de este actor desconocido iba a caer todo el peso de una producción enorme. Moisés era un profeta. El único que había conocido a Dios cara a cara. Heston sabía que era una figura muy importante y empezó a estudiar las Sagradas Escrituras antes de ni siquiera tener un guion.

Para dar con Ramsés, DeMille viajó en tren hasta Nueva York. Fue al teatro en Broadway. Cuando terminó la obra, El rey y yo, se acercó a uno de los actores: Yul Brynner. Y le dijo: “¿Te interesaría interpretar al hombre más poderoso del mundo en una película?”. El actor ni lo dudó.

El resto del elenco de Los diez mandamientos se conformó con algunas estrellas que ya acumulaban años de experiencia frente a cámara, y otras que eran nuevos rostros. Edward G. Robinson -quien consideró que el rol de Datán había “salvado” su carrera-, Vincent Price y John Carradine también formaron parte del elenco.

Para el papel de Nefertiti, DeMille quería a Grace Kelly, pero MGM no permitía que la actriz se fuera a trabajar para Paramount. La segunda opción era Audrey Hepburn, pero había un gran problema: Hepburn no daba la apariencia de mujer egipcia. El rol finalmente recayó sobre Anne Baxter.

El director era famoso por involucrarse en todo el proceso creativo de sus películas. Desde el diseño de los sets y el vestuario, hasta la elección de los actores más jóvenes. A una joven actriz de 15 años, le dijo antes de contratarla: “Vas a hacer el nexo entre la película y los adolescentes que estén en el público. Te ofrezco el papel si me prometés no ponerte mal si llego a gritarte durante el rodaje, y además venís todos los días a ver cómo se hace una película”. Para DeMille era importante que todos conocieran cómo se hacía “la magia” del cine, pero más importante era que todos supieran cómo trabajaba él.

Para hacer el vestuario, contrató a cinco expertos. Por un lado, quería veracidad histórica. Por el otro, quería diseños vistosos. Los diseñadores hacían bocetos y DeMille devolvía anotaciones antes de mandar a confeccionar cada prenda. Solo para Anne Baxter tardaron 5 meses en diseñar los trajes.

La voz de Dios: ¿un misterio resuelto?

Su médico personal le advirtió con mucha seriedad: “Si vas a filmar a Egipto vas a morir”. El director le respondió: “Entonces moriré filmando una película”. DeMille tenía 73 años y había sido diagnosticado con una enfermedad cardíaca cuando decidió filmar gran parte de Los diez mandamientos alejado de la comodidad de los estudios de Hollywood.

Quería filmar en Egipto: “En los mismos lugares donde el pueblo elegido estuvo”, decía. Visitó las pirámides y mandó a construir sets gigantescos, como si fueran los estudios de Paramount en otro continente. El campamento era enorme, parecía un despliegue militar para albergar a cientos de actores, técnicos, animales y vehículos.

Durante el rodaje, DeMille tuvo un ataque al corazón, pero lo mantuvo en secreto. No quería que nadie se enterara porque sabía que si Paramount conocía su situación personal, podía cancelar el proyecto o, peor aún para él, darle el trabajo de dirección a otra persona.

La producción era tan grande, que cuando filmaron la escena del éxodo, DeMille tenía que disparar un revólver para hacerse escuchar. Había más de 800 extras, ciudadanos de El Cairo, que susurraban “¡Moisés!” cada vez que veían a Heston llegar al rodaje totalmente vestido como el personaje.

El Monte Sinaí era el clímax. Para llegar al Monte Sinaí había que viajar tres días. DeMille lo escaló antes de filmar, acompañado por un equipo pequeño. Montaron campamento, cenaron bajo las estrellas y entrevistaron al abad del monasterio como si estuvieran preparando, ellos también, una especie de éxodo.

Heston tuvo dos ideas cuando visitaron el monasterio. La primera: Moisés iba a descender del monte descalzo, porque un hombre que había conocido a Dios “no se detendría para preocuparse por algo como el calzado”. La segunda: él mismo podía ponerle voz a Dios.

Aunque el abad del monasterio aprobó ambas ideas, DeMille no compartió la segunda propuesta. “Ya tenés el rol de Moisés, ¿todavía querés más?”. La voz de Dios, finalmente, se mantuvo como una incógnita. En los créditos de la película figuraba un signo de interrogación. El actor que puso la voz permaneció en el anonimato, aunque según Heston, el trabajo lo hizo un tal Donald Hayne.

Heston confesó que filmar la orgía bajo el Monte Sinaí fue un desafío. “No podían filmar desnudos, y tuvieron que fingir estar de fiesta durante más de 3 días de rodaje. La broma que hacían los actores, exhaustos, era: ‘¿A quién hay que coger para salir de esta película?’“.

Filmaron la orgía en un set. Cuando DeMille retó a dos chicas que hacían de extras, porque estaban hablando mientras él daba indicaciones, les pidió que dijeran para todos los presentes cuál era el motivo de la charla. “Le preguntaba a mi compañera cuándo nos va a dejar parar para almorzar ese viejo pelado hijo de puta”, contestó una de las mujeres. Todos los actores rieron, y el director, en complicidad, dijo: “Hora del almuerzo”.

El único Oscar que ganó la película

Aunque Los diez mandamientos tuvo 7 nominaciones a los premios de la Academia, incluyendo mejor película, solo ganó una estatuilla dorada: mejores efectos visuales. La producción combinó efectos hechos durante el rodaje con otros que se hicieron en posproducción.

Por ejemplo, para las plagas que azotaron Egipto, usaron distintos trucos frente a cámara: el granizo, en realidad, era pochoclo. Las aguas que se transforman en sangre se lograron con trucos de cavidades especiales y colorantes. Para la plaga de sapos, el departamento de utilería hizo cientos de sapitos de goma. Para el hijo muerto de Ramsés usaron un muñeco de cera.

Sin embargo, el mayor desafío durante los 14 meses de postproducción fue la división del Mar Rojo. John Foulton tuvo una idea que no era necesariamente innovadora: reutilizar la técnica de la versión de 1923. Dejaron caer cantidades enormes de agua en los tanques de Paramount, y luego usaron ese material filmado, pero en retroceso. De esa manera, parecía que las aguas “se abrían” ante los actores.

El estreno de una producción inmensa

La música fue el último eslabón. Victor Young, el compositor que trabajaba siempre con DeMille, estaba muy enfermo. El director decidió contratar, por una semana, a Elmer Bernstein, para hacer música incidental. “DeMille era un perfeccionista y no era sencillo trabajar con él, porque exigía perfección”, reveló Bernstein. Casi 30% de la música de Bernstein fue reescrita a pedido de DeMille, que hacía sugerencias tan extrañas como que “si la música se acelera, entonces el público mira más rápido cada escena”. Finalmente, el director decidió extender el contrato de trabajo para Bernstein, no sin antes preguntar: “¿Vas a poder soportarme seis meses más?”.

“El público es el mejor crítico”, solía repetir DeMille. “Si la audiencia de Utah disfruta la película, va a funcionar en todo el mundo”. La premiere fue en Nueva York y la reacción de la audiencia fue muy positiva. Aunque el director fue crítico con la actuación del protagonista: “En general es impresionante, muchas veces es buena, pero a menudo no era lo que necesitaba”, dijo sobre el trabajo de Heston.

Aunque la crítica no solía ser benévola con las películas de DeMille, Los diez mandamientos tuvo una buena recepción entre los especialistas. Pero el director atesoraba sobre todo el desempeño en la taquilla: la película se convirtió en una de las más taquilleras de la historia hasta ese momento. A DeMille empezaron a llegarle elogios y cartas desde todo el mundo. Pero la que más atesoró no venía de nadie importante. Decía, simplemente: “Esta película hizo que Dios fuera real para mí”.

El primer tráiler de la cuarta temporada de El encargado, presenta a Eliseo (Francella) en una nueva etapa de su carrera. Luego de vender su negocio por una millonaria suma, su próximo desafío será ni más ni menos que asesorar al presidente de la Nación. Ese notable ascenso, como no podía ser de otra manera, será motivo de incordio para Zambrano (Goity), quien llevará a cabo una estrategia legal para entorpecer los planes del protagonista. Y como bien adelanta el avance, todo indica que la muerte alcanzará a Eliseo, a menos que él demuestre que su ingenio es incluso capaz de ganarle a la parca.

Uno de los mayores atractivos de esta cuarta (y presumiblemente última) temporada de El Encargado, es la incorporación de Arturo Puig. El querido actor compondrá a ese presidente que encontrará en Eliseo a un volátil aliado, una combinación que seguramente derive en un inesperado final. Por otra parte, este lanzamiento también servirá como antesala para el spin off de la serie, dedicado al personaje de Zambrano y sus casos en Tribunales.

La cuarta temporada de El Encargado se estrena el primero de mayo en Disney+.

Francella y una importante distinción

Guillermo Francella será homenajeado por su amplia trayectoria en los Premios Platino 2026, los galardones que reconocen al cine y a la producción audiovisual iberoamericana y cuya 13ª. edición se realizará el próximo sábado 9 de mayo en el Teatro Gran Tlachco del Parque Xcaret, en la Riviera Maya.

El actor de ficciones como El secreto de sus ojos y El robo del siglo, que acaba de estrenar en teatro una adaptación de la novela Desde el jardín, viajará a México para recibir el Premio Platino de Honor por su “sobresaliente carrera audiovisual” y su contribución “a la memoria sentimental del gran público iberoamericano”.

En 2023, había ganado en la categoría Mejor interpretación masculina en miniserie o teleserie por su trabajo en El encargado, mientras que en 2016 había sido premiado por su interpretación como Arquímedes Puccio en la película El clan, de Pablo Trapero.

“A lo largo de más de cuatro décadas, Guillermo Francella se ha consolidado como uno de los intérpretes más populares y reconocibles de la Argentina, desarrollando una carrera sostenida en cine, teatro y televisión que lo ha situado como una figura central del audiovisual iberoamericano”, expresaron desde la organización de los premios.

“Se reconoce no solo una carrera de extraordinaria amplitud y popularidad, sino también la contribución de un intérprete que ha sabido acompañar la evolución de la industria, enriqueciendo con su trabajo el patrimonio cultural común del audiovisual en español”, señalaron a través de un comunicado oficial.

La lista de figuras que previamente fueron galardonadas con la estatuilla de plata está conformada por Eva Longoria (2025), Cecilia Roth (2024), Benicio del Toro (2023), Carmen Maura (2022), Diego Luna (2021), Raphael (2019), Adriana Barraza (2018), Edward James Olmos (2017), Ricardo Darín (2016), Antonio Banderas (2015) y Sônia Braga (2014).

Luego de saludar al público, Santiago del Moro rompió el hielo anunciando que revelaría quién de los tres nominados, era el primero en quedar afuera de placa. Brian Sarmiento, “La Maciel” y Lola eran los nombres que estaban en la cuerda floja. Y en un clima de mucha tensión, Del Moro reveló: “Baja de placa en esta noche tan especial, y continúa en la competencia más apasionante, en la casa más famosa, quien sigue en Gran Hermano es…. ¡Maciel!”. De esa manera, Brian y Lola seguían con sólidas chances de quedar afuera del show.

Unos minutos después de las once de la noche, Santiago del Moro llamó al estudio a la escribana, para leer el nombre de quien finalmente era el eliminado. Con el sobre en mano, el conductor pidió ingresar a la casa, a través de la televisión que se encuentra en el living, para hablar con todos los participantes y anunciar al eliminado. “Ya han legado hasta acá que no es poca cosa, pero así es la competencia” exclamó Del Moro, y luego agregó: “Es rara esta noche porque hay que despedir a un jugador, pero también hay que estar con los brazos abiertos, porque esto sigue. Ahora viene el momento de la definición. Abandona la competencia, y se va de esta Generación dorada…. ¡Lola!”.

Luego de saludar entre lágrimas a sus compañeros, Lola los miró a todos y expresó: “Antes de irme quiero decirles algo. Chicos, sigan dándolo todo, fue un gusto conocerlos a todos. Obviamente voy a intentar volver, voy a dar todo para volver. Jueguen, sean ustedes mismos, y vivan esta experiencia al máximo. Jugué como pude jugar, di lo mejor de mí, tengo una vida por delante y se me viene lo mejor. Yo voy a seguir jugando desde afuera, ¡rómpanla y no se olviden de mí!”.

La entrada de Grecia

Otra de las grandes sorpresas de la noche, fue la llegada de Grecia Colmenares. “Acá la tienen, una estrella de telenovelas. Muy amada por el público, ¡fuerte el aplauso!” exclamó Del Moro a medida que la actriz ingresaba al estudio, al encuentro con el conductor. Con gran entusiasmo, la intérprete comentó: “Gracias Argentina, después de catorce años piso el mismo estudio de Manuela!”. Y luego de un abrazo, Santiago envió a Grecia al reality.

Con los participantes expectantes con respecto a alguna novedad, todos se reunieron en el jardín por pedido de Santiago, a la espera de ver quién se asomaba por la puerta. Y en medio de una profunda incertidumbre que atravesaba a todos los hermanitos, en una pantalla se proyectó un breve recorrido de la intérprete venezolana, para que luego se abrieran las puertas y apareciera Colmenares.

Los jugadores se mostraron muy sorprendidos, y mientras algunos de ellos la reconocían, otros no podían evitar una expresión de curiosidad al desconocer la trayectoria de la actriz. Grecia fue muy amable, saludó a todos y puso el acento en la importancia de conocer el corazón de sus nuevos compañeros.

Mientras recorría la casa, Grecia dijo: “Quiero compartir, quiero disfrutarlo. La realidad supera la ficción, la ficción es la telenovela, pero esto es la vida misma, y si nos peleamos no importa”. Finalmente y entre risas, Colmenares le dijo a Gran Hermano: “Espero portarme bien y si me porto mal, me llamás”.

La competencia de la noche comenzó con los especiales con famosos de Pasapalabra, en el que jugaron Silvina Chediek, Mercedes Ninci, Vicky Xipolitakis versus Belu Lucius, Carmela Bárbaro y Liliana Franco, con 8.7 puntos, liderando la franja. Del otro lado, en Es mi sueño se lució Criss Maguna, que interpretó “Man! I Feel Like a Woman” de Shania Twain; conquistó a los cuatro jurados y logró el verde perfecto. Más de 200 participantes de todo el país se presentarán ante el jurado, que los evaluará según sus actuaciones. El voto de cada uno desbloquea un escalón, por lo que aquellos participantes que consigan los positivos suficientes accederán al “Palco del Ópera”. En esa instancia, el talent show de eltrece marcaba 8 puntos. Por su parte, LAM se ubicó tercero, con un pico de 4 puntos, y Bendita llegó a los 3.4.

Pasadas las 22.30 comenzó la gala de eliminación de Gran Hermano, con un piso de 13.2 puntos que le dejó Pasapalabra, con la expectativa por saber quién se iría de la placa que conformaban Brian Sarmiento, Lola Tomaszeusky y La Maciel. El ciclo que conduce Guido Kaczka obtuvo una marca máxima de 8.7 y le dio pie al comienzo de Otro día perdido, en su tercera semana al aire. Por su parte, Bienvenidos a ganar quedó en el tercer puesto en la franja, con un pico de 2.6, y detrás BTV con 2.0. En eltrece, Mario Pergolini recibió a Ricky Sarkani para su entrevista mano a mano, en la que se refirió a su carrera y adivinó el talle de zapatos de gran parte del público. Luego sumó a Alejandro Almada y Esteban Pasinetti, de la Federación Argentina de Curling. La marca máxima fue de 5.1 puntos.

Una de las semanas más intensas de GH

La salida de Cinzia Francischiello modificó las alianzas y estrategias dentro de la casa. Cuando el público decidió salvar a Yisela Yipio Pintos dejó un mensaje claro para los dos grupos marcados que hay en el reality. Por otro lado, Andrea del Boca fue nuevamente noticia por la caída que tuvo, que la obligó a abandonar el juego. Su hija, Anna, fue protagonista del primer Congelados, en el que dejó explícito que hay mucho más de la actriz para rato. Nazareno Pompei ganó la prueba del líder, pero sus beneficios fueron anulados por el Big porque adelantó e hizo pública su jugada. La placa de nominados quedó integrada por La Maciel, Lola, Brian, Manu Ibero, la Pincoya, Titi Tcherkaski, Nazareno y Daniela de Lucía. El domingo, en medio de una cena de nominados en la que todos apuntaron contra el futbolista, cinco jugadores fueron salvados por el público.

Este lunes, la primera en salir de la placa fue La Maciel, con el 26.9 % de los votos. Por la expectativa del ingreso de Grecia Colmenares y el participante eliminado, el rating subió a los 14 puntos. Finalmente, Lola quedó fuera de juego con el 52.2 %. Pasadas las 23.15, la protagonista de Más allá del horizonte entró y fue recibida por todos los jugadores, que en realidad esperaban al participante de La casa de los famosos de Miami. “Quiero conocerlos de acá”, dijo mientras señalaba su corazón y agregó: “a disfrutarlos, no importa si nos peleamos como una familia. Es una emoción enorme para mí porque estos son los estudios donde filmé la telenovela Manuela”, contó la actriz. La marca máxima del reality fue de 14.4 puntos, liderando la franja.

“Con profunda tristeza despedimos al querido Felipe Staiti, un talento inmenso de nuestra tierra y pieza fundamental de la historia del rock mendocino. La cultura de Mendoza pierde a uno de sus guitarristas más brillantes e irreemplazables. ​Recordaremos para siempre tu música. ¡Hasta siempre, Felipe!“, escribió.

Según informó el medio local Los Andes, a finales de 2024, después de una gira por Latinoamérica en festejo de los 40 años del primer disco de la banda, Staiti sufrió una infección bacteriana en México, que se combinó con su condición de celíaco y derivó una grave crisis de salud. El músico tuvo un episodio de deshidratación profunda, por la cual estuvo un mes internado en el Hospital Italiano de Mendoza.

En ese momento, el guitarrista definió a la crisis de salud que sufrió como una “reseteada” física y contó que llegó a perder 15 kilos, además de padecer problemas en su musculatura vocal. La banda, por su parte, debió cancelar shows en festivales como Santiago Rocks en Chile y fechas en Colombia y Perú.

Staiti era el único miembro fundador de Enanitos Verdes desde la muerte de Marciano Cantero, en septiembre de 2022, por problemas renales. A partir del fallecimiento de su compañero, el guitarrista no solo tuvo que lidiar con el duelo de la pérdida, sino también asumir el desafío de convertirse en el vocalista principal de la banda.

Desde entonces, la agrupación continuó con su recorrido, con Staiti como figura principal. Hasta el momento de su muerte, el líder estaba planificando una gira por Estados Unidos junto con el grupo español Hombres G para junio y julio, en plena época mundialista. Sin embargo, su proyecto se vio condicionado por su proceso de recuperación de su potencia vocal.

La banda también trabajaba en la realización de un álbum de grandes éxitos con invitados nacionales e internacionales, donde iban a reversiones su icónicas canciones.

Enanitos Verdes estaba de festejo porque, días atrás, a finales de marzo, la icónica canción Lamento Boliviano superó las mil millones de reproducciones en Spotify y se convirtió en el primer tema de rock nacional en alcanzar un hito de tal magnitud.

“Espero que tengan un hermoso nuevo año, un 2026 lleno de esperanza y sueños cumplidos. Gracias por este año maravilloso y lo mejor siempre está por venir, felicidades”, había declarado Staiti a sus seguidores a modo de cierre de 2025 y agradecimiento por el apoyo a la banda.

En una entrevista con LA NACION en 2019, Staiti había hablado acerca del esfuerzo que hizo la banda para salir adelante en sus inicios. “Al principio, en los 80, hacíamos giras de conciertos y de promoción, porque íbamos con el disco abajo del brazo para ver si les interesaba editarlo. Todavía el terreno era muy virgen, mucho más under y todo era a pulmón. Si bien en todos los países había bandas de rock, la Argentina fue el primero en exportarlo”, recuerda Staiti.

“Fue un trabajo de enanos, realmente, y también fue como hacer un poco de patria. Pero ahora viéndolo en retrospectiva uno ve que fue un paso necesario para poder estar en el lugar que hoy estamos. Los Enanitos han trascendido las fronteras argentinas para convertirse en una suerte de referente del rock latino, de una identidad que representa, especialmente en los EE.UU., a quienes vivimos de este lado del mundo y cantamos en español”, relató.

Su decisión no fue casual y hubo un hecho que lo marcó. Mientras su presencia mediática aumentaba, en 2012 sufrió un violento robo cuando se encontraba arriba del auto junto a su hijo, en el barrio porteño de Caballito. Si bien este hecho no fue el desencadenante de su elección de emigrar, sí formó parte de los múltiples motivos que lo impulsaron a buscar una mejor calidad de vida.

“Elegimos en aquel momento Valencia porque era una ciudad mucho más relajada que Madrid y Barcelona y con mayor proyección, y por sobre todo porque era (y hoy lo sigue siendo) la tercera ciudad en importancia en España”, aseguró en diálogo con LA NACION.

Aunque la decisión no fue complicada, sí fue muy pensada. “María, mi esposa, era una empresaria del calzado y contaba con seis locales dedicados a eso. Y yo estaba en un lugar de privilegio, que me había ganado con esfuerzo y dedicación”, aseveró. Es que si bien Manuel es Martillero Público, siempre quiso pertenecer al medio e hizo lo posible para cumplir su anhelo. “Por intermedio de un amigo le vendí a Campi su primer departamento, a eso me dedicaba, tenía mi oficina a la vuelta de Telefe”, reveló.

En ese sentido, destacó la ayuda que le brindó el reconocido humorista, quien le presentó a varias personas que oficiaron como eslabón para su desembarco en televisión. “Me ayudó muchísimo, presentándome a los chicos de La tribuna de Nico, también me abrió las puertas de VideoMatch y de casualidad conocí al que en ese momento era el Director de Arte del canal, Miguel Ángel Pérez Alfaro, hoy uno de mis mejores amigos”, añadió.

Decime cuál cuál cuál es tu nombre

Se podría decir que, a ciencia cierta, el primero en darle una oportunidad fue Pablo Codevilla, quien lo convocó para la segunda temporada de Decime cuál cuál cuál es tu nombre, el ciclo que entretenía al público en 1996 con juegos interactivos y sketches.

“Un día en un vivo del programa le di una respuesta certera y Codevilla preguntó quién era yo y qué hacía en el estudio”, reveló sobre aquella intervención por la que tiempo después le ofrecieron un puesto de productor para Feliz Domingo (Canal 9).

Luego del reconocido formato que entretenía a los televidentes con “El Cofre de la Felicidad”, el “Ping Pong de preguntas y respuestas” y el premio del viaje a Bariloche para los estudiantes de secundario, siguió con la producción de Cosa de locos (Canal 26) hasta que finalmente llegó el llamado que lo llevó a Ideas del Sur. Allí hizo Totalmente -con la conducción de Miguel del Sel-, y La venganza de José María. Sin imaginarlo, aquella productora de medios se convertiría en su casa durante 27 años.

Hola, Valencia: cómo fue su desembarco en España

La decisión estaba tomada: Manuel, junto a su familia, dejaba atrás aquellos pasillos conocidos para embarcarse en una nueva aventura, pero no por eso con pasos menos firmes.

Así fue que ni bien se instaló junto a su familia en el Viejo Continente, abrieron dos negocios de venta de pizzas y empanadas. “El emprendimiento gastronómico fue motivo inicial para no descapitalizarnos y para conocer el sistema impositivo, comercial y económico de España. Pero mi idea de base era invertir en propiedades una vez que estuviéramos instalados. Sabía que era una muy buena opción de negocio”, aseguró.

En ese sentido, comentó que, como la inversión se había triplicado, aprovecharon para vender la franquicia. “Yo soy un convencido de que los negocios se venden cuando funcionan”, subrayó al mismo tiempo que dio detalles de su actual trabajo: “Hoy mi ocupación es buscar inversiones que me permitan generar renta segura. A lo que me dedico en España, en EE.UU. se denomina Flipping House, dicho de otra forma, se trata de comprar una propiedad deteriorada a un precio por debajo del valor de marcado, reformarla para aumentar su valor y luego venderla para obtener un beneficio o alquilarla rápidamente para generar renta”.

En cuanto a las ventajas que encontró para invertir en España, destacó los valores de las propiedades y la posibilidad crediticia que da la estabilidad. “Hoy la Argentina está en un camino de recuperación y creo que va a lograr recomponer muchas de las cosas que se habían perdido por muy malas administraciones a lo largo de muchos años”, añadió.

Navarrete: “Uno nunca sabe lo que te depara el destino”

Sin embargo, él no es el único empresario en la familia. María, su esposa, tenía seis zapaterías en Argentina y hoy sigue su emprendimiento del otro lado del charco. “Es muy emprendedora y conoce a la perfección el negocio del calzado. Reconstruyó su camino con base en su profesionalismo y al estudio de las tendencias europeas, las cuales son muy distintas a las de Argentina”, puntualizó.

Manuel y María no están solos. Su hijo Lorenzo, quien hoy tiene 19 años, los acompaña. “Está muy afianzado, vino con 14 años, era una criatura... Hoy con 19 está enfocado en sus estudios, creó vínculos e hizo amigos, y con mi esposa estamos muy convencidos de que este es el camino”, dijo.

Para los seguidores del clásico programa de Tinelli, el rostro de Navarrete es familiar, incluso en España, donde los argentinos abundan. “Las personas que emigraron no hace mucho me saludan, saben quién soy. El reconocimiento es más para Marcelo que fue el hacedor de mi popularidad... digo que fui popular, no famoso, famoso es Guillermo Francella, Marcelo (Tinelli), Ricardo Darín... Yo fui más mediático que otra cosa”, reconoció.

Los mates con sus padres, el arroz con leche de su madre, los asados con amigos y el ir a ver a San Lorenzo a la cancha son las pequeñas grandes cosas que extraña. No obstante, cada vez que puede pisa suelo argentino. “Es muy reconfortante cargar las baterías con tus raíces”, comentó al mismo tiempo que se sinceró sobre un posible regreso: “Lo veo muy lejano... sería muy difícil. Pero uno nunca sabe lo que le puede deparar el destino”.

Aunque está metido de lleno en el mundo de las inversiones, no descarta la posibilidad de sumergirse nuevamente en los pasillos de alguna que otra productora y, por qué no, en el Viejo Continente. “No dudaría ni un segundo en volver a sentir esa adrenalina, que solamente conocemos quienes amamos hacer televisión y producir en vivo”, subrayó.

“¿Cuáles son tus proyectos en carpeta?”, fue la última pregunta de la entrevista. Así, casi como un mantra que repite todos los días a primera hora de la mañana y cuando apoya la cabeza en la almohada, respondió: “Disfrutar que la vida son solo dos segundos. El que lo dijo no se equivocó, yo me lo tomé siempre muy en serio, y no pienso dejar de hacerlo”.

A lo largo de su trayectoria como modelo, Demner supo construir una imagen sólida en los medios de comunicación y a eso se debe su fuente principal de ingresos. Sin embargo, existen otras como la publicidad en la que participó para una empresa de telefonía con alcance regional. De acuerdo a lo que dijo, todavía colocan cartelería gráfica con su rostro pese a que ella ya no es la de antes. Por cada instalación, recibe un monto que supera los tres mil dólares.

“¿Cuál fue la plata más fácil que ganaste?”, preguntó Álvarez y Demner contestó: “Ponele, una campaña que yo hice cuando era muy, muy chiquita que sigue estando al día de hoy en un montón de lugares y me siguen pagando por eso. Entonces, plata muy fácil. Tenía 17 años”.

“Ahora tengo 35 años y me siguen pagando por eso”, sostuvo la influencer entre risas. “Es muy gracioso porque… Es como que te diga en Perú, Paraguay, no sé qué. Nunca me voy a enterar de qué están esos carteles, pero ellos me llaman y dicen: ‘Stefi, pusimos un nuevo cartel, así que te va a estar llegando esta plata’”, detalló la modelo.

Respecto a la antigüedad de aquella campaña, Álvarez indagó: “¿No les conviene hacer fotos nuevas?”. “Y se ve que les gustaron demasiado; aparte, es de una telefónica, ¿viste? Que los de la telefónica son como tradicionales”, respondió al conductor.

“¿Es más de 3000 dólares?”, consultó Álvarez y Demner afirmó: “Es más. Sí, el monto se va renovando. Vos me preguntaste por la plata fácil; eso es plata fácil. Está en todo el país”.

“Guido está robando”

Durante la entrevista con Pollo Álvarez, Demner habló de cuestiones privadas y su actualidad laboral. En esa sintonía, el conductor indagó acerca de su vínculo de pareja con Guido Pella, padre de su hija.

“¿Quién roba? ¿Guido o vos?”, preguntó Álvarez y la influencer contestó: ”Para mí Guido, porque yo tengo la autoestima muy alta. Yo se lo digo en joda también, porque siempre le digo que soy un minón. Mis amigos se burlan porque tengo muchas frases de ‘soy un minón’. Entonces, le digo: soy buena, soy dulce, soy atenta, soy independiente, soy trabajadora, soy una madraza. Le empiezo a nombrar todas las cosas que soy y él es un minón".

Stephanie y Guido comenzaron su relación en 2018 y, cuatro años después, dieron la bienvenida a su hija Arianna. El 13 de diciembre del 2024 se casaron en Villa Devoto.

Acerca de cómo se conocieron, en diálogo con LA NACION, Demner dijo: “La realidad es que lo vi por Instagram. Estaba mirando las historias de un amigo en común y apareció Guido. Me encantó, así que le pedí a ese amigo que me hiciera el contacto. Como no me dio mucha bola, recurrí a otro amigo que también era tenista para que averiguara si estaba soltero. Poco tiempo después recibí un mensaje de Guido disculpándose por su atrevimiento y diciendo que le habían dado mi número y que le gustaría conocerme. Comenzamos a hablar por WhatsApp y, después de un mes, nos vimos. Desde ese día, nunca más nos separamos”.

“Estoy bien, estoy tranquila. Tuve un mes muy sentimental, complicado. Me mantengo en el celibato, aunque no me crean. Lo juro… Entonces estoy tranquila”, sostuvo la Reini con una sonrisa.

De pronto, le consultaron si había escuchado a Pettinato en una conversación que tuvo por streaming y en la que dijo: “No puedo asegurar que no vuelva a intentar algo con ella. Yo sigo enamorado, de eso no hay duda”. Al respecto, Gonet lo negó y se mostró reacia a querer otro noviazgo con el streamer.

“Es verdad que intentamos volver en su momento, por decimoquinta vez. Ahora realmente estamos en contacto cero. No nos volvimos a encontrar, ya hace tiempo”, explicó la influencer y admitió: “Yo estoy haciendo mucha terapia, cuatro veces por semana”.

Asimismo, la Reini sostuvo que ella no sigue enamorada de Pettinato y justificó: “Para mí ya pasó, no creo que él esté enamorado de mí tampoco. Para mí miente. Ya pasó, estamos intentando soltarnos y tenemos contacto cero”.

Por último, desmintió los rumores de haberse reunido con su ex en Cariló semanas atrás y dejó en claro: “Antes nos encontramos, es verdad. Intentamos volver; de por sí no funcionó. Nos llevamos mal. Así que no, no volvimos. De todas maneras, terminamos bien, normal”.

Más adelante, le consultaron por Ian Lucas, luego de que diera a entender en una entrevista que le gustaría conocerlo. Sin embargo, fue contundente con ello: “Es muy lindo y es mi amigo. Primero estoy haciendo terapia, porque imaginate que si lo agarro a Ian, pobrecito… No estoy buscando estar en pareja. No me veo estando con él porque es mi amigo”.

¿Qué pasó entre la Reini y Homero Pettinato?

A finales del año pasado, Sofía Gonet le recriminó a Homero Pettinato no tener contacto con ella durante casi un día después de que él fuera visto en un recital junto a una joven. Este episodio desató una disputa digital que escaló con acusaciones de acoso, manipulación y amenazas de ambos lados.

Como reacción, la influencer expuso mensajes de Pettinato donde él le decía: “Te detesto. Quién te creés que sos para decirme tantas cosas. Qué peli te comiste”, a lo que ella le respondía: “Sos un mentiroso total, ya te saqué la ficha. Te despertás todos los días a las cuatro de la tarde porque te la pegás, sos un desastre total” y lo acusó de tener el síndrome de creerse “superior y más intelectual y culto y sos recontra pelot... y vago”.

Luego de la difusión de los mensajes, el streamer publicó un video en sus historias de Instagram y relató el presunto acoso que recibía de parte de su ex. Como resultado, ambos se alejaron de la escena pública por un tiempo y mermaron las idas y vueltas. Incluso, como dijo la misma Gonet, tras esa pelea mediática intentaron recomponer la relación, pero no funcionó.

El viernes, Perry fue vista junto a su pareja, Justin Trudeau, en el Festival Coachella de California. Allí, la artista disfrutó junto al exprimer ministro canadiense del recital de Justin Bieber, y un divertido comentario que hizo entre el público se viralizó rápidamente. Fue precisamente en el marco de un artículo compartido por Complex, donde contaba este chiste de Katy que la volvió tendencia durante todo el fin de semana, que Rose utilizó su red social Threads para hablar de este hecho que tanto la marcó en el pasado. “Me ha tomado casi 2 décadas decir esto públicamente”, escribió antes de contar con lujo de detalles el presunto incidente de abuso que vivió junto a la artista musical.

“Katy Perry me agredió sexualmente en el club nocturno Spice Market en Melbourne. ¿A quién le importa lo que ella piense?”, lanzó sorpresivamente la australiana en la sección de comentarios de dicha publicación. Enseguida, contó que ella tenía “solo poco más de 20 años” en el momento del supuesto incidente y relató lo que escondió durante tanto tiempo: “Me vio ‘descansando’ en el regazo de mi mejor amiga y se agachó, se apartó la ropa interior y frotó su asquerosa vagina en mi cara hasta que se me abrieron los ojos de golpe y vomité sobre ella”, confesó Rose, quien dijo que en su momento no supo cómo afrontar la situación y la consideró una “anécdota de borrachera”.

“Aunque estoy muy agradecida de haber vivido lo suficiente para encontrar mi voz, esto solo muestra el impacto que tienen el trauma y el abuso sexual”, dijo la intérprete de John Wick: Capítulo 2 mientras resaltaba que como mujer, por una infinidad de razones, abrirse sobre la violencia y el abuso sexual de mujeres contra mujeres es “100 veces más difícil que hablar de los depredadores masculinos”.

Inmediatamente, la estrella dijo que no está interesada en presentar una denuncia por esto sino que la única intención al hacerlo público es “sacar” ese hecho de su interior para evitar daños emocionales mayores. “No necesitas que la gente te crea, solo necesitas sacarlo de tu cuerpo antes de que te cause cáncer”, explicó.

Respecto a la contraofensiva que puede tomar Perry, expresó: “Es más que bienvenida a demandarme (no lo hará, porque pasó, tengo fotos y fue literalmente en público y presenciado por varias personas). Además, hay mucho más que sucedió en los años previos a su tonta canción que no querrá que yo discuta. La manipulación psicológica fue fuerte con esa persona”, dijo respecto a la disputa que ambas tuvieron en Twitter en 2017 cuando Rose criticó su canción “Swish Swish”.

Ante la repercusión que generaron sus dichos, Katy Perry prefirió el silencio. Sin embargo, uno de sus representantes salió a negar las acusaciones públicamente. “Las acusaciones que Ruby Rose está difundiendo en las redes sociales sobre Katy Perry no solo son categóricamente falsas, sino que son mentiras peligrosas e imprudentes”, advirtió en un comunicado publicado este lunes por Variety. Y agregó: “La Sra. Rose tiene un historial bien documentado de hacer graves acusaciones públicas en redes sociales contra varias personas, afirmaciones que han sido repetidamente negadas por aquellos mencionados”.

Durante una charla celebrada en el War Memorial Gym de la Universidad de San Francisco el pasado sábado 11 de abril, la actriz, de 58 años, reveló que está formándose para convertirse en “doula de la muerte”. En una conversación con la periodista de investigación graduada de la USF, Vicky Nguyen, que formó parte de la serie Silk Speaker Series que organiza la misma universidad, explicó que la idea “puede sonar un poco extraña”, pero que sus planes surgieron tras la muerte de su madre, Janelle Ann Kidman, quien falleció en septiembre de 2024 a los 84 años.

“Mientras mi madre fallecía, se sentía sola, y la familia solo podía ofrecerle contención hasta cierto punto”, dijo Kidman a los asistentes. La familia es grande, ya que la estrella de Holland tiene cuatro hijos, mientras que su hermana menor, Antonia Kidman, de 55 años, tiene seis, sin embargo por momentos faltaba compañía.

“Entre mi hermana y yo tenemos muchos hijos, nuestras carreras y nuestro trabajo, y a pesar de todo ambas teníamos el deseo de cuidar de ella porque mi padre ya no estaba con nosotros, y fue entonces cuando pensé: ‘Ojalá hubiera gente en el mundo que estuviera ahí para sentarse de forma imparcial y simplemente ofrecer consuelo y cuidados’”, reflexionó. “Así que eso forma parte de mi crecimiento y es una de las cosas que voy a aprender”.

Las doulas de la muerte, también conocidas como doulas de fin de vida, brindan apoyo a las personas y a sus seres queridos en los últimos momentos de la vida. Según la Asociación Internacional de Doulas de Fin de Vida, “una doula de fin de vida defiende la autodeterminación y brinda cuidados psicosociales, emocionales, espirituales y prácticos para potenciar la dignidad a lo largo del proceso de la muerte”.

La estrella de Hollywood se hizo eco de la triste noticia de la muerte de su madre mientras participaba del festival de cine de Venecia, en donde fue nombrada como mejor actriz.

Ni bien se enteró de los hechos, se tomó un vuelo de regreso en Australia para estar con su familia y dejó un comunicado que leyeron de forma pública en donde agradecía el galardón y contaba el motivo de su ausencia. “Estoy en shock y tengo que ir con mi familia. Pero este premio es para ella. Ella me formó, me guió y me hizo ser lo que soy”, dijo Kidman en un escrito leído por la directora holandesa de Babygirl, Halina Reijn. “La colisión entre la vida y el arte es desgarradora. Y hoy, mi corazón está roto”, culminaba.

“Mi hermana y yo, junto con nuestra familia, queremos darles las gracias por las muestras de cariño y amabilidad que hemos sentido esta semana”, escribió la actriz en Instagram en un comunicado compartido con su hermana Antonia. “Cada mensaje que hemos recibido de aquellos que querían y admiraban a nuestra madre ha significado más para nosotros de lo que nunca seremos capaces de expresar. Gracias de parte de toda nuestra familia por respetar nuestra privacidad mientras nos cuidamos mutuamente”.

Kidman y su madre tenían una relación muy estrecha. En varias oportunidades, la actriz resaltó cómo su progenitora la apoyó en su carrera y la gran influencia que ejerció en ella y sus decisiones. Nicole nació en Honolulú, Hawai, y fue criada en Sidney por Janelle y su padre, el psicólogo Antony Kidman, quien falleció en septiembre de 2014.

Cuando murió su papá, la actriz admitió que le daba miedo que volviera a sucederle algo así. “Me tocó la muerte como algo muy repentino, no me pasó esto de cuidar a alguien en un proceso lento, simplemente la vida me quitó a la gente de un momento a otro. Me ha pasado tan repetidamente, que me asusta un poco, porque me aterroriza que vuelva a suceder. Es algo que todavía me da mucho miedo”, admitió en su momento, sin saber que la partida de su madre iba a ser algo similar.

Claro que mientras esas gestiones se ponían en marcha y los Ellison anunciaban sus proyectos para el nuevo mega estudio y la posibilidad de unir las plataformas Paramount+ y HBO Max, un movimiento de resistencia empezó a surgir desde la cima de Hollywood. El primer resultado público de esa iniciativa es la carta abierta publicada hoy, en el diario The New York Times, entre otros medios norteamericanos, firmada por algunos de los nombres más destacados de la industria del cine y la TV.

Joaquin Phoenix, Jane Fonda, Kristen Stewart, Mark Ruffalo, Ben Stiller, Bryan Cranston y Javier Bardem, entre muchos otros, son algunos de los actores que pusieron su firma en el comunicado que también incluye a algunas de las voces creativas más destacadas del Hollywood actual como los directores y productores David Fincher, Denis Villeneuve, J.J. Abrams, Yorgos Lanthimos y David Chase. Más allá de la notable fuerza que ostentan en Hollywood muchos de los que adscriben a la carta, también llama la atención que algunos de los firmantes como Abrams, Villeneuve y Chase tienen vínculos contractuales con Warner.

En total más de mil integrantes de la industria entre artistas y técnicos suscribieron al texto que expresa una “rotunda oposición” a la fusión. “Estamos profundamente preocupados por los apoyos que tiene esta fusión que prioriza los intereses de un pequeño y poderoso grupo de accionistas por sobre el bien común del público en general. La integridad, independencia y diversidad de nuestra industria se verá severamente comprometida. La competencia es parte esencial para una economía y una democracia sanas”, se puede leer en el texto disponible también en la página https://blockthemerger.com/openletter, donde figura la lista completa de firmantes.

“Como realizadores, documentalistas y profesionales de todas las áreas del cine y la televisión escribimos esta carta para expresar nuestra unánime y rotunda oposición a la propuesta fusión Paramount-Warner Bros. Discovery. Esta transacción profundizará la concentración que ya existe en nuestra industria, reduciendo la competencia en un momento que tanto nosotros como las audiencias para las que trabajamos menos pueden afrontarlo. El resultado serán menos oportunidades para los creadores, menos trabajo para todo el espectro del ecosistema de producción, costos más altos y menos opciones para el público norteamericano y del resto del mundo. Nos parece alarmante que esta fusión suponga reducir el número de estudios de cine estadounidenses solo a cuatro. Nuestra industria ya está bajo severa presión. Fuimos testigos de cómo declinó la cifra de films producidos y estrenados, además de la limitación del tipo de historias que se cuentan. Cada vez más un pequeño grupo de poderosas entidades determina qué se hace y qué términos, dejando a los creadores y a los productores independientes con menos opciones para sustentar su trabajo”, dice el texto que aún no tuvo una respuesta oficial de parte de Paramount ni Warner.

La carta abierta concluye mencionando que “por fortuna, alguien está haciendo algo con todo esto” en referencia al fiscal general de California, Rob Bonta, que está investigando la transacción y considerando los recursos legales necesarios para bloquearlo. “Estamos agradecidos por su liderazgo. Estamos listos para apoyar todos los esfuerzos para preservar la competencia, proteger el empleo y asegurar el mejor futuro para nuestra industria, la cultura estadounidense y nuestra exportación más significativa”.

Para apreciar cabalmente las cualidades de Los testamentos, lo primero que se debe hacer es sacarle, por un rato, la mochila de ser una continuación de The Handmaid’s Tale: El cuento de la criada. Claro que lo es, y no hay dudas de que quienes hayan visto las seis temporadas del blockbuster creado por Margaret Atwood (quien también es responsable de este regreso) encontrarán en esta nueva producción su mismo espíritu. Pero esta serie recientemente lanzada en la plataforma Disney+ logra establecer una distancia narrativa y tonal suficiente como para merecer un análisis independiente, sin caer en comparativas odiosas ni pases de facturas (dentro de lo posible, claro). Lo anterior es muy bueno, pero malo también.

El planteo inicial sigue todos los parámetros de esas historias que van de la adolescencia a la madurez. Gilead sigue en pie, quizás más ordenado en sus preceptos y rituales. Agnes (interpretada por la talentosa Chase Infiniti) es una criada dentro de una familia importante de la comunidad, y seguidora fiel del régimen de corrección impuesto por la tía Lydia (Ann Dowd), convertida en figura mítica con estatua incluida. A la chica le dan como tarea cuidar a Daisy (Lucy Halliday), una recién llegada al sistema de Gilead.

3 stars

Las dos adolescentes parecen congeniar, aun cuando la diferencia de escalafón interno entre ellas termina generando una serie de inconvenientes. Sin embargo, el relato esconde una capa de complejidad aún mayor: Daisy tiene un pasado, secreto para todos salvo para los espectadores, que está directamente ligado a la muerte de sus padres y a la presencia de June (Elisabeth Moss), otro regreso que ayuda a tender puentes entre la historia anterior y esta. No es casual que Daisy haya llegado a Gilead, la pregunta es: ¿Para qué?

En los primeros capítulos, el relato se mueve entre la vida de ambas chicas, alternando flashbacks con el pasado de la segunda frente al presente de la primera, quien comienza a verse envuelta en una sombra de duda y deseo, en forma de decisiones íntimas, que hacen tambalear sus convicciones.

Agnes personifica la educación y el adoctrinamiento dentro de Gilead: escuelas de esposas, ceremonias, abrazar un destino que otros diseñaron previamente. Al mismo tiempo, y aquí está lo más interesante de su presencia, el guion le reserva una sucesión de detalles cotidianos que le brindan cuerpo y carnadura: la amistad vigilada, los secretos susurrados, la duda que provoca el miedo a desviarse de los mandatos. El primer capítulo explota muy bien estos elementos, no así los siguientes. Daisy tiene un color completamente distinto: por momentos sumisa, por momentos espía, muestra una dualidad fascinante entre dos mundos totalmente distintos, que aportan información de manera lenta pero sostenida. A priori, son dos personajes que parecieran no tener nada en común y, sin embargo, conforme avanza la historia, se entiende que no pueden estar el uno sin el otro.

Desde lo visual, Los testamentos no solo mantiene el alto estándar de producción de The Handmaid’s Tale: Los cuentos de la criada, sino que en ciertas secuencias hasta logra superarlo. La uniformidad de colores, permanente y opresiva; una puesta en escena al servicio de la trama, con una cámara siempre protagonista, y decisiones de dirección que potencian la atmósfera sin resultar agobiantes, son todos aciertos del equipo de dirección, al mando de Mike Barker y con Bruce Miller como showrunner.

Paradójicamente, donde se revela algo fatigosa la propuesta de Los testamentos, es precisamente en su respeto al universo anterior. La saga en la que se apoya fue lo suficientemente disruptiva como para quedar en la memoria de los que la vieron. Por lo tanto, los espectadores que se acerquen a esta secuela con ese bagaje previo, inevitablemente sentirán que muchas situaciones, dinámicas y conceptos “ya fueron vistos”, ya sea narrados de otra forma, con personajes diferentes o con cambios tan sutiles que, en realidad, mantienen intacta aquella esencia primigenia. Es decir, hay un desgaste lógico que, en pos de no traicionar al original, no se ha querido modificar tanto, perdiendo en el camino algo de impacto.

Los testamentos es una respetuosa continuación, muy bien trabajada desde el guion, la actuación y los aspectos técnicos de puesta en escena. Su punto más flojo es que se impulsa gracias a una inercia precedente para construirse a sí misma, en lugar de aventurarse a un camino distinto. Todavía tiene tiempo para consolidar una identidad propia (luego de los tres primeros episodios recién lanzados, la idea es presentar uno por semana hasta completar los ocho anunciados), aunque, por lo que ha mostrado hasta ahora, parece más una puesta al día de elementos ya vistos que la búsqueda genuina de nuevos caminos que avalen plenamente su existencia. Quizás todavía pueda sorprender, o quizás no había otra manera de hacerlo. Si se tratase de esto último, cabría preguntarse si no habría sido mejor dejar la historia como estaba, en lugar de bucear en una reinvención que, por momentos,tiene el sabor a un plato sabroso, pero demasiado conocido.

La entrerriana desembarcó en California para cantar el sábado en el Empire Polo Club de Indio como invitada de la brasileña Luísa Sonza, con quien interpretó sus hits “Bunda” y “Motinha 2.0″.

Para la ocasión, Emilia lució una monoprenda strapless con escote vértigo, flecos y detalles de pedrería firmada por la diseñadora griega Celia Kritharioti, que complementó con medias de red y botas de caña alta.

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“Gracias amiga por dejarme ser parte del Sonzachella”, expresó Mernes en un posteo de Instagram que acompañó con imágenes del detrás de escena, desde el momento en el que estuvo tomando mates mientras la peinaban, pasando por su trayecto en auto hacia el festival, su performance, el show de Justin Bieber desde el público y otras postales del viaje. Aún no se confirmó si repetirá su participación el sábado 18, cuando Sonza vuelva a subirse al escenario Gobi para el segundo fin de semana de Coachella.

Luísa Sonza tiene 27 años y es oriunda del estado de Río Grande del Sur. El pasado 7 de abril, antes de su performance en el festival, lanzó su quinto disco, Brutal paraíso, que incluye colaboraciones con Sebastián Yatra y Young Miko y que compuso, según dijo a AFP, para “hablar sobre las dificultades y las bellezas de la vida”. “Hacer un espectáculo con el nuevo álbum fue casi como estar al inicio de mi carrera de nuevo. Fue muy especial, un sueño que se volvió realidad”, aseguró.

El descargo de Emilia Mernes tras su distanciamiento de Tini Stoessel

A fines de marzo, después de una semana de rumores que hablaban de una fuerte pelea entre Tini Stoessel y Emilia Mernes, que se destapó cuando la ex Violetta dejó de seguir en Instagram a su colega y amiga, Mernes rompió el hermetismo con un sorpresivo mensaje.

“Hace una semana que están diciendo cosas que no son verdad, replicando mentiras que se instalan en redes sociales e inventando noticias sin criterio, sin parar. Intenté mantener el silencio creyendo que los mensajes agresivos y las falsas acusaciones iban a parar, pero cada día que pasa veo un nuevo invento. Ni yo ni ninguna de las mujeres involucradas tenemos por qué tolerar este nivel de odio”, sentenció la cantante en referencia a los trascendidos que circularon sobre los supuestos motivos de su enfrentamiento.

“Las diferencias que haya tenido con mis colegas, como puede tener cualquier persona, las hablé en su momento con ellas y entendí que habían quedado aclaradas. Desde mi lugar, siempre estará abierta la posibilidad de volver a hablar de lo que sea necesario”, señaló en alusión a Stoessel y Becerra.

“Por favor, les quiero pedir que paren, es muy doloroso para mí y para toda mi familia ver cómo dicen cualquier cosa sin pensar un segundo en cómo repercute tanta violencia en cualquier ser humano. Estoy muy angustiada y asustada por el nivel de odio que manejan en las redes sociales. Por favor, basta”, concluyó Emilia Mernes en su comunicado.

La idea de una comedia que gira en torno a Hollywood no es nueva. Todo lo contrario. De la película Jay Kelly, de Noah Baumbach, a las series como El estudio, The Comeback y Hacks, por citar los ejemplos más recientes, muchos parecen fascinados con reírse del detrás de escena donde habitan los jefes de los estudios, las estrellas y los creativos que los padecen. Los resultados son proyectos que intentan equilibrar la autoindulgencia con algunas observaciones brillantes, a veces hilarantes, sobre el quehacer de la industria audiovisual.

Cuando el balance funciona, como sucede en El estudio, The Comeback y Hacks, la comedia se eleva más allá de las preocupaciones narcisistas y ombliguistas. Cuando la receta no está del todo calibrada, como en el caso de Jay Kelly, ni siquiera la aparición de estrellas interpretando versiones de sí mismos puede salvar el proyecto. Si George Clooney con su carisma intacto y la sensible actuación de Adam Sandler no lograron rescatar a Jay Kelly de sus desaciertos, mucho menos lo consigue Keanu Reeves en Outcome, el film estrenado hace pocos días en Apple TV.

Dirigido y escrito por Jonah Hill, quien también interpreta en la película a uno de los personajes más insoportables de una carrera en la que encarnó a unos cuantos, el film vuelve a fustigar sobre los estragos que causa la fama y la fortuna y el sistema construido para proteger las reputaciones de quienes muchas veces no merecen esos tratos. Lo que intenta ser una sátira sobre el Hollywood actual donde “la cultura de la atención” y las redes sociales moldean una sociedad vacía y caníbal, termina por ser uno de los largometrajes más fallidos de su tipo.

2 stars

La trama de Outcome gira en torno a Reef Hawk (Reeves), un actor consagrado que logró superar la etapa de estrella infantil para convertirse en uno de los intérpretes más queridos, y exitosos del cine mundial. Hawk no solo fue protagonista de las películas más taquilleras sino que además ganó dos premios Oscar, un dato que él se ocupa de recordarle al entrevistador de turno. La inseguridad y baja autoestima del actor tienen una explicación: tras cinco años alejado de la vida pública, un tiempo en el que se dedicó a luchar contra una adicción a la heroína de la que el público no sabe nada, el actor está listo para retomar su carrera.

Desde el comienzo del film y luego casi en todas las escenas que lo componen se repetirá que los únicos que acompañaron a Reef en su larga batalla fueron Xander (Matt Bomer) y Kyle (Cameron Diaz), sus amigos desde la escuela secundaria. Esos que lo protegen del mundo exterior y, más habitualmente, de sus conflictos internos. Es que como le dice una exnovia a la que abandonó hace tiempo, Hawk no es una buena persona. O por lo menos hace décadas que no actúa como tal.

En plena campaña de regreso al primer plano, Ira (Hill), el abogado especializado en crisis de relaciones públicas de Reef, le anuncia un desastre inminente. Alguien tiene un video que podría destruir la carrera y la vida del actor, pero nadie sabe quién es el extorsionador ni qué imágenes contiene el video en cuestión.

Así, Reef debe enfrentarse con la realidad que todo su entorno se esforzó por ocultarle: la lista de quienes lo odian y podrían querer perjudicarlo es tan larga que su asistente personal la dividió en diferentes categorías. En pánico, el actor decide emprender una gira para disculparse con quienes ofendió y maltrató en el pasado y de paso averiguar si alguno de ellos es el responsable del video que pende sobre su cabeza.

Planteado el conflicto de manera algo tosca pero interesante, especialmente gracias a las interpretaciones de Reeves, Diaz y Bomer, al momento del desarrollo del relato la película pierde inmediatamente el rumbo que no recupera nunca. Con un estilo de puesta en escena que tiende a los planos cerrados y sofocantes y una fotografía que pasa de los tonos cálidos y saturados a la iluminación plana del neón sin solución de continuidad, Outcome incluso se da el lujo de desperdiciar la participación de Martin Scorsese. El realizador, que dirigió a Hill en El lobo de Wall Street, interpreta a Red Rodriguez, el representante de Hawk cuando era un actor infantil y el primero en recibir las disculpas del Reef adulto.

Esa secuencia rebalsa sensibilidad pero rápidamente queda olvidada cuando Hill reaparece en escena para boicotear su propia película a fuerza de poner a sus personajes a pontificar sobre “el capitalismo de la víctima” y reírse de los activistas de las redes que confunden un clic con la verdadera participación. Una bajada de línea que pretende causar gracia y no llega ni siquiera a provocar una sonrisa.

Mientras cursaba su octavo mes de embarazo, se animó a interpretar a una mujer que vende contenido erótico online y que se ve obligada a tomar fuertes medidas para sobrevivir. En una charla con LA NACION, reflexiona sobre su rol en el largometraje y sobre los momentos más duros que tuvo que atravesar en su etapa como modelo.

-En la película te tocó interpretar escenas eróticas y desnudos mientras cursabas el octavo mes de embarazo. ¿Te costó aceptar y traspasar los tabúes que puede haber alrededor de eso?

-Es una película que aborda temas que son muy actuales y que están muy presentes en las conversaciones, sobre todo en la juventud. Esta protagonista está embarazada y ocupa un lugar que no está muy presente en los roles de las mujeres en el cine. Obviamente que hay películas donde hay mujeres protagonistas que llevan adelante grandes hazañas, pero acá hay combinación de muchos factores que la hacen especial: es una mujer que vende contenido erótico y que está cursando su octavo mes de embarazo. Yo estaba embarazada tanto en la realidad como en la ficción.

-¿Investigaste mucho el universo de las plataformas que venden contenido erótico para el personaje?

-Hoy por ahí estás compartiendo la mesa familiar con primas y sobrinas y puede que muchas tengan Only Fans y que nadie lo sepa porque utilizan una identidad falsa. Encuentran ahí una actividad económica, un cuentapropismo. Estas plataformas te permiten administrar tu tiempo y generar tus ingresos, pero no deja de ser un espiral donde muchas veces es difícil generar el ingreso prometido.

–¿La película está basada en hechos reales?

–Sí, está basada en hechos reales. Hay muchos testimonios y anécdotas reales de chicas que que tienen cuentas y algunas dejaron la aplicación porque nos decían que era un rulo que cada vez te va exigiendo más. Entonces, por ahí un día a una de las chicas le ofrecían dinero, bastante dinero por tomarse una botella entera de alcohol y una vez que ella accedía a eso su conciencia no era la misma. Con alcohol encima, sus límites estaban corridos y generalmente la llevaba a hacer cosas que ella no quería. Hay un gran lado B y las riquezas las siguen teniendo los mismos: los dueños de estas plataformas que van mutando, que son los mismos dueños que quizás antes manejaban la industria pornográfica.

-¿Hablaste con chicas que venden su contenido en ese tipo de plataformas?

-Soy de una generación en la que muchas pares mías sí tienen cuentas eróticas. Incluso tengo dos amigos varones que son community manager de algunas cuentas de chicas de esa plataforma.

-¿Cómo es eso?

-O sea, él, como varón, maneja varias cuentas de divas de la plataforma. Y me contaba, por ejemplo, que se encargaba de subir las fotos que le mandaban las chicas y las administraba. Además de subirlas también chateaba y hablaba con los suscriptores. O sea, hay hombres que se hacen pasar por las chicas de las fotos. Hay chicas que solamente generan el contenido audiovisual y después hay una persona que se encarga de hablar por ella, generar toda esa fantasía. Entender eso me rompió la cabeza. Me pareció reloco. El deseo sigue operando de una forma falocéntrica y moldeado por el deseo del hombre. Con el contenido de las plataformas eróticas, las chicas todo el tiempo piensan en el deseo del hombre, lo que le va a gustar, y sus fantasías. Por eso un hombre puede hacer ese trabajo de chatear en la plataforma perfectamente.

-No era un tema tabú en tu entorno...

-Claro, estaba súper presente. De hecho hay mucha gente que por ahí lo juzga, lo señala con el dedo, pero es consumidor.

-Tenés un recorrido como modelo en varios concursos de belleza nacionales e internacionales. Ahí también había una conexión con el capital erótico de las mujeres...

-Sí, claramente. Cuando comencé con los concursos de belleza era muy chica, tenía 16, 17 años. Recuerdo que en los primeros concursos todavía estaba en el colegio. Actualmente estoy escribiendo mis memorias respecto a todo el universo de las misses, porque también tiene un gran lado B y está construido en base al deseo del hombre. Eso me ha pasado, me parece que es un factor común en la sociedad, no solo en en el mundo de las plataformas. En los concursos de belleza e incluso en los noticieros, ¿no? Porque a una la hacen estar parada en tacos y eso se sabe que es para que se vean las piernas. La mujer tiene que estar parada diciendo las noticias y y los varones sí pueden estar sentados detrás del mostrador.

-Se habla mucho de las exigencias y del lado B de los concursos de belleza. ¿Qué cosas fuertes viviste participando de ellos?

-A los 18 años, cuando viajé a Londres un mes entero por un concurso, me llamaron mucho la atención algunas cuestiones. Por ejemplo, hubo una única cena donde nos brindaron alcohol y nos designaron a cada una un asiento en una mesa con otras chicas con las que no compartíamos idioma. No podíamos conversar entre nosotras, pero había unos espacios libres en el medio nuestro en el que luego se sentaron hombres que daban la sensación de ser jeques árabes. Era muy raro. A mí me asombró. Algunas eran menores. La situación era rara, ellos mostraban su dinero.

-¿Te dio miedo en ese momento?

-Fue muy raro, incluso con mis 18 años. Fue el primer viaje que hacía afuera y me pareció desagradable.Después siguió esa fiesta y yo me fui. El mundo de las misses es un mundo de Grand Slam. Ahora hay un cambio de imagen en la nueva Miss Universo que tiene toda una actitud muy feminista y ojalá que así sea, pero de alguna manera las plataformas eróticas y los concursos de belleza son parte de un mismo mundo, lo que pasa es que en los concursos está más solapado. Pero todo responde a lo mismo, al deseo del hombre. ¿Quiénes son los que tienen siempre el control sobre nuestros cuerpos, sobre la money que generan nuestros cuerpos y lo que genera la fantasía de la miss? Hay chicas a las que les viene bien, pero hay una prensa que manifiesta un falso empoderamiento. En la plataforma vos no sos dueño realmente de la imagen y de lo que genera tu imagen. No sabés después dónde va a terminar. La plataforma es dueña de ese contenido porque vos cuando entrás tenés que aceptar que todo lo que vos ponés ahí pertenece a la plataforma. Se queda con mucho dinero y se queda con tu imagen.

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-¿Qué fue para vos lo mejor y lo peor que te dio tu belleza?

-Hay muchas experiencias que pude tener en parte gracias a mi belleza, pero también siento que es una trampa. Vivimos atados a ciertos patrones y muchas veces terminan todas con la misma cara. Incluso en los lugares de privilegio en los que he estado, en los que he accedido por esa belleza entre comillas, siempre ha sido una belleza perfeccionada. En esos lugares donde estaban las mujeres más hermosas del mundo, las más bellas de cada país, siempre había una falta, había insuficiencia por parte de las mujeres y de la belleza que poseían. Siempre había algo. No se sentían bien.

-¿Estaban muy presionadas?

-Sí, incluso para esas mujeres que tienen el título de las más bellas del mundo había cosas a perfeccionar y nunca estaban satisfechas.

-¿A vos te pasó?

-Sí, a mí me pasó, claro. En un momento me han dicho que no tenía una linda risa. No la podía operar, pero sí podía entrenarla para generar una risa diferente. ¿Pero por qué? Es la pregunta. Eso me bajoneaba, me generaba inseguridad. Había realmente muchas mujeres preciosas que te decían: “Me operé acá, me operé allá, pero todavía tengo que operarme esto”. Mucha obsesión.

-¿Había mucha competencia entre ustedes o también había apoyo, hermandad?

-No, no había hermandad. Veníamos de culturas totalmente distintas y nos ponían a competir. Había jugadas sucias, vestidos quemados, cortados, de todo. Una vez una concursante me pisó con el taco aguja a propósito y yo hasta hoy tengo la uña del dedo gordo traumatizada. Tuve que desfilar con el pie medio ensangrentado. Pasaba de todo.

-¿Qué fue lo peor que te pasó en un concurso de belleza?

-En Costa Rica estábamos en un concurso en el medio de la selva. Era la compentencia de la Reina Internacional de los mares y del turismo. Tenía que salir de mi habitación para ir a concursar y me encuentro en el medio del camino con una boa amarilla gigante. Casi me infarto, no sabía qué hacer. No había celular ni forma de comunicarse con nadie. Después descubrí que la Miss Costa Rica había hecho eso para que no lleguemos al evento. Obviamente esa chica no estaba bien. Además tenía todo un séquito, no estaba sola como yo. Al final me animé a saltar la serpiente y llegué, pero fue terrible. También me han robado los regalos que ganaba. Me pasó de todo.

Es un lugar que tiene una capacidad para alrededor de 15.000 personas y es uno de los escenarios más convocantes en los últimos años. Sus próximas fechas incluyen tanto artistas nacionales como internacionales. En este sentido, muchos se preguntan cuál es la agenda de shows para esta semana.

Quién toca en el Movistar Arena hoy: todos los recitales de la semana del 13 al 20 de abril de 2026

Esta semana en particular, hay cuatro shows. Estos son:

Dónde queda el Movistar Arena

El Movistar Arena se encuentra en el barrio porteño de Villa Crespo, junto a la cancha de Club Atlético Atlanta. Más precisamente, su dirección es Humboldt 450. También cuenta con una entrada de ingreso Av. Corrientes 6094.

Cómo llegar al Movistar Arena

La ubicación que tiene este estadio le permite tener una gran accesibilidad, especialmente en transporte público. A continuación, todas las formas de llegar al Movistar Arena y sus principales accesos:

Colectivos:

• 19, 34, 42, 55, 65, 71, 76, 78, 90, 93, 111, 127, 176. También hay paradas del Metrobus en avenidas cercanas como Av. Corrientes y Av. Juan B. Justo, en cercanía al Movistar Arena.

Trenes:

• San Martín (estación Villa Crespo).
• Urquiza (estación Federico Lacroze).

Subte:

• Línea B (estación Dorrego).

Estas opciones permiten llegar al Movistar Arena desde diferentes puntos de la ciudad y son las vías recomendadas para los asistentes a los eventos.

A su vez, se puede ir en auto al estadio, aunque puede ser difícil encontrar lugar para estacionar por la alta demanda de la zona. Los accesos vehiculares principales son Av. Corrientes y Humboldt. Desde el centro porteño se recomienda tomar Av. Corrientes hacia el oeste hasta llegar al barrio de Villa Crespo. También es posible acceder desde el norte por Av. Juan B. Justo.

Cabe recordar que el Movistar Arena cuenta con un estacionamiento dentro de su predio exclusivo para los asistentes de sus shows. Este está gestionado por Seeker Parking, donde se puede reservar y asegurar el lugar con anticipación. Su valor ronda los $8000 por evento.

Lo que se desconocía hasta hoy es que mientras la actriz protagonista de telenovelas históricas de la televisión tuvo que ser internada por un tema crónico en las vértebras que la tiene a maltraer desde hace un tiempo, Brandoni también estaba internado producto de un accidente que tuvo en su casa mientras estaba en tratamiento médico vinculado con un cuadro cardíaco.

La actriz el miércoles y jueves tuvo fuertes dolores que motivaron su internación el viernes. El problema que padece no se puede resolver con una cirugía, lo que implica que ella esté entonces bajo un cuidado constante. Ayer domingo le dieron el alta, pero debe moverse con cautela. Por indicación médica, recién podría volver al escenario a partir del miércoles.

En paralelo, el sábado a noche Luis Brandoni se cayó en su casa, motivo por el cual fue hospitalizado. Hasta el momento, se espera un parte médico para saber cuáles son los pasos a seguir en su caso. Por lo pronto, sigue internado en el Sanatorio Güemes. Producto del golpe tuvo un hematoma que hay que controlar hasta su absorción.

En vista de este panorama, pasado el mediodía de hoy el productor Carlos Rottemberg, amigo personal de Brandoni, informó en sus redes sociales: “Retomaremos la temporada a partir del día miércoles 22, para tener más días a los efectos de una mejor recuperación”.

📣 Por respeto a la organización del público, al no poder garantizar el regreso de las funciones en esta semana ante la dolencia que aqueja al Sr. Luis Brandoni, retomaremos la temporada a partir del día miércoles 22, para tener más días a los efectos de una mejor recuperación. https://t.co/m1Whzu0UXr

— Multiteatro (@multiteatro) April 13, 2026

A fin del año pasado ya habían tenido que suspender las funciones de ¿Quién es quién? que estaban realizando en el Teatro Liceo por un problema de presión que afectó al actor. Ante el abrupto fin de temporada todo estaba previsto para que llevaran la obra a Mar del Plata. Aquello no se pudo concretar. A la sala que iban a ocupar Brandoni/Silveyra fue a parar, a último momento, la obra El secreto, con Ana María Picchio y Gerardo Romano.

Fue así que el coprotagonista de la película Parque Lezama, que dirigió Juan José Campanella, se quedó en Buenos Aires para poder continuar con su tratamiento. Por las noches, él cumplió su propio rito de sanación que es estar arriba del escenario del Multitabarís. “Es que si no hago teatro me muero”, le había confesado a su amigo Rottemberg cuando estaban en pleno momento de cambio de planes y enroque entre estas dos obras protagonizadas por duplas de actores sumamente queridos por el público.

En Mar del Plata, El secreto, la obra que entró a último momento a la cartelera porque iba a continuar su temporada en Buenos Aires, fue el espectáculo que apagó la luz de la temporada de verano 2025/2026 que había iniciado su recorrido a principio de enero. En pocos días, seguramente, se conocerá la fecha de su vuelta a la cartelera porteña.

La semana de estreno de El secreto en Mar del Plata coincidió con el inicio de segunda temporada de ¿Quién es quién? en la cartelera porteña. Aquella noche, como había sucedido durante tantas funciones, el público los ovacionó. Para ese momento, Soledad Silveyra, atenta en todo momento a su compañero, se emocionó hasta las lágrimas. Brandoni saludó muy agradecido a quienes lo acompañaron desde la platea en un noche tan especial.

“Vivimos este estreno con muchísima alegría -apuntó su compañera de escena en medio de los aplausos-. Yo me emocioné mucho porque a este hombre lo tuvimos muy enfermito y se recupera. Lo único que lo recupera es el teatro”, dijo ella, emocionada, la noche de la vuelta al escenario. “Me hace emocionar Solita -devolvió la gentileza el actor y director-. Ella se emociona y también emociona al público. Los aplausos son una prueba incuestionable. Es un gusto enorme trabajar con ella”.

Nunca habían compartido un escenario ni un set televisivo. Ella ya cumplió 60 años en la actividad. Él, algo más. “Somos como Mirtha Legrand”, ironizaron cuando estaban por estrenar ¿Quién es quien?. Más allá de cuestiones de edad o achaques, son dos trabajadores. Justo un año atrás hacían 6 funciones semanales y estaban entre los espectáculos con mayor capacidad de convocatoria del circuito comercial.

El sábado, Luis Brandoni festejará sus 86 años. Seguramente, le habría gustado celebrarlo en un escenario. Si todo avanza como se sospecha, tal vez lo festeje el miércoles de la semana próxima en su segunda vuelta con ¿Quién es quién?.

La actriz venezolana, que desde hace algunos años vive en Miami, donde también reside su hijo Gianfranco y su nietito Luca junto a su nuera Alexia, participó en varios realities, entre ellos Bailando por un sueño 2012, La isla de los famosos y Grande Fratello, la versión italiana de GH. Por eso no dudó en aceptar cuando la convocaron de Telefe. “La gente va a saber de mí. Me va a ver, me va a escuchar, va a saber cómo soy como persona, como ser humano”, dijo la actriz venezolana en un avance de su presentación. Durante el anuncio, Santiago Del Moro contó que Colmenares es una apasionada del formato y que ve todas las ediciones.

Recién llegada a nuestro país, ya está al tanto de los detalles necesarios para entrar a la casa esta noche, en la gala de eliminación.

Pero... ¿quién es Grecia Colmenares?

El pasado 7 de diciembre festejó sus 63 años y en sus redes se mostró cantando y bailando, y dejando en claro que está pasando por un gran momento en su vida. Nació en Valencia, Venezuela, y desde muy chica soñó con ser artista. Estudió teatro con el director y dramaturgo Miguel Torrence, a quien llama “mi maestro”, y con apenas 10 años convenció a su mamá para que la llevara a Radio Caracas Televisión para hacer un casting. Su intuición no falló y quedó seleccionada para participar en la novela Angélica, que protagonizaban el Puma José Luis Rodríguez y Mayra Alejandra. Dicen que su trabajo fue tan impactante que logró un destacado personaje. Fue el puntapié inicial de una larga trayectoria que incluye más de veinte novelas, entre ellas Zoraida, Sangre azul, Estefanía, Carolina, El ángel rebelde y Tormento. Siguió estudiando con una maestra prestigiosa en Venezuela, Amalia Pérez Díaz, y su primer protagónico llegó en 1978 con la miniserie Drama de amor en el Bloque 6, una versión de Romeo y Julieta, que hizo junto a Henry Zakka. Esa historia de amor imaginada por Shakespeare y reversionada en esta novela se hizo realidad y Colmenares se casó con Zakka, con apenas 17 años. El matrimonio duró poco más de un año, pero ellos siguen siendo amigos hasta hoy y compartieron muchos otros trabajos, incluso en nuestro país.

La carrera de Colmenares siguió creciendo y en 1981 protagonizó su primera novela, Rosalinda, junto a Carlos Olivier. Luego hizo Días de infamia, Azucena y Esmeralda, siempre en RCTV. Pero el gran éxito que le dio proyección internacional fue Topacio, que protagonizó junto a Víctor Cámara. La novela rompió récords y Colmenares se convirtió en una actriz muy popular, no solamente en Venezuela sino en toda América Latina, los Estados Unidos y Europa, y se formaron clubes de fans incondicionales que, incluso, siguen activos hasta el día de hoy. Topacio le abrió una puerta al mundo que ella ni había imaginado, y además, fue la primera novela traducida al inglés.

Inmediatamente el canal le propuso protagonizar otra novela de éxito mundial, Cristal. Pero Colmenares recibió otra propuesta que le interesó más y declinó la oferta. Finalmente, Jeanette Rodríguez hizo Cristal y ella se mudó a Buenos Aires. En nuestro país hizo varias novelas muy exitosas y conoció al padre de su hijo.

Su romance con la Argentina

El productor José Enrique Crousillat fue quien tentó a Colmenares con venir a la Argentina para grabar María de nadie, con Jorge Martínez, quien alguna vez dijo que tenían una química maravillosa y que fue su mejor pareja televisiva. La novela contaba la típica historia de una joven inocente que llega de una provincia, se emplea como mucama en una mansión y se enamora del niño rico. El público argentino la adoró y Colmenares se quedó durante algunos años trabajando en nuestro país. Con María de nadie conquistó Italia y España también, y cosechó varios premios. La actriz estaba en su apogeo. El entonces alcalde de Miami le entregó la llave de la ciudad y declaró el 1º de octubre como Día de Grecia Colmenares.

Recién llegada a Buenos Aires, Colmenares se enamoró del empresario Marcelo Pelegri en 1986. El noviazgo fue corto, se casaron y unos años después, en 1992, nació su único hijo, Gianfranco.

En 1987 su galán fue Gustavo Bermúdez para hacer Grecia, basada en el cuento de La Cenicienta. Al año siguiente hizo Pasiones junto a Raúl Taibo y ahí se puso en la piel de una campesina que trabajaba en la estancia de una familia adinerada y se enamoraba de su patrón. Luego viajó a Italia para hacer fotonovelas y a su regreso hizo otro culebrón, Rebelde, con Ricardo Darín.

También trabajó con Arnaldo André en Romanzo, una miniserie de cinco capítulos. Y volvió a trabajar con Jorge Martínez en Manuela, que se hizo en coproducción con Italia, con exteriores en las ciudades de Los Ángeles, Madrid, Roma, Sicilia, Génova y Portofino. El éxito de Colmenares en el mundo era arrollador. En este culebrón, la actriz interpreta dos personajes, la protagonista y la antagonista, dos hermanas que no se conocen y que se enamoran del mismo hombre.

Luego de ser mamá, volvió a trabajar y estrenó galán: hizo Primer amor, junto a Gabriel Corrado que estaba debutando en ese rol y en varias oportunidades agradeció el aprendizaje que tuvo al lado de la venezolana. Después llegó Más allá del horizonte, junto a Osvaldo Laport, Luisa Kuliok y Gerardo Romano, una novela de época que tuvo 220 capítulos. Y siguió trabajando con Laport en El día que me quieras; tenían mucha química y se llevaron muy bien delante y detrás de cámaras. También hizo Amor sagrado, otra vez con Jorge Martínez y donde interpreta nuevamente dos personajes que se disputan el amor del mismo hombre.

Rumbo a Miami

Tras vivir diez años en Buenos Aires, se mudó a Miami. Sin embargo, en 1999 volvió brevemente a nuestro país a hacer Chiquititas, que ya llevaba varias temporadas en el aire. Fue la hada madrina de los chicos y ese año también estuvo en el Gran Rex y luego volvió a los Estados Unidos para grabar Vidas prestadas.

A partir de ese momento y durante casi diez años, Colmenares bajó el perfil y decidió dejar de trabajar. Al menos por un tiempo. Durante esos años se dedicó a la crianza de su hijo. Además, se separó en 2005. Años más tarde, en 2014, Pelegri fue acusado de estafador y se armó un escándalo mediático en el que la actriz no se involucró, aunque apoyó al padre de su hijo. Recién retomó su carrera en 2009, cuando viajó a México para presentarse en el programa Muévete, donde se reencontró con el galán de Topacio, Víctor Cámara. Luego estuvo en el programa Tutti pazzi per la tele, en Italia. En ese tiempo tuvo varias propuestas de trabajo, pero breves. También estuvo en nuestro país, en el Festival de Mar del Plata en 2011, donde le dieron un premio por su trayectoria. En ese viaje hizo una publicidad y estuvo como invitada en el programa de Susana Giménez. Se quedó ese verano para hacer la temporada en Carlos Paz con la comedia 14 millones junto a Cristian U. Fabio La Mole Moli, Fredy Villarreal y Claudia Fernández.

El romance con la Argentina se reavivó y participó de Bailando por un sueño 2012, fue la quinta eliminada. Recaló otra vez en Miami hasta que en 2016 regresó a Venezuela para hacer el musical Cenicienta mía, en el teatro municipal de su ciudad natal.

En 2019, participó del reality La isla de los famosos en Italia, y el año pasado estuvo en Grande Fratello, la versión italiana de Gran Hermano.

En los últimos años la industria audiovisual cambió y Colmenares debió reinventarse. Y, sobre todo, estuvo enfocada en su familia. Hace algunos años su hijo se casó con una organizadora de eventos llamada Alexis, y a finales del año pasado fueron padres de Luca. Así, Grecia está a full disfrutando esta nueva etapa de su vida como abuela.

Ese es el sentido profundo de la independencia cinematográfica; más allá de los presupuestos y modos de producción, las películas del Bafici comparten la cualidad de ser expresiones artísticas singulares, con ambición de llegar a un público abierto a la experiencia que proponen.

La 27.ª edición del festival organizado por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, que comenzará el próximo miércoles 15 y terminará el domingo 26, promete continuar con esa tradición cinéfila, presentando 327 títulos, entre los que hay espacio para los descubrimientos de nuevos talentos y las confirmaciones de grandes autores.

Las funciones del Bafici se distribuirán entre distintas sedes, que incluyen la tradicional sala Lugones del Teatro San Martín; el Centro Cultural 25 de mayo; el Cine Arte Cacodelphia; el Gaumont; el Teatro Alvear; el Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken; y las salas de los complejos Cinépolis Plaza Houssay y Recoleta. La venta de entradas ya está disponible en la página del festival, bafici.org. Ahí se pueden encontrar también el catálogo y la grilla de programación, las dos herramientas fundamentales para armar un recorrido por el festival.

La tarea puede resultar un poco abrumadora, aun para los más entusiastas. Aquí, un resumen de algunos de los puntos más sobresalientes de la oferta del próximo Bafici, para organizar estos días de maratón cinéfila.

Apertura y cierre

Las películas que dan inicio y cierran el festival ocupan un lugar de privilegio dentro de la programación. Parte de la impronta del director del Bafici, Javier Porta Fouz, y su equipo de programadores es la fuerte presencia de la comedia, género que tiene su propia sección dentro del festival.

Siguiendo este criterio, la película de apertura de este año será de nuevo una comedia. Orgullo y prejuicio, del prolífico Matías Szulanski, quien ya abrió el Bafici en 2023, gira en torno al rodaje de una adaptación cinematográfica de la novela homónima de Jane Austen, que promete estar lejos de las versiones clásicas estilo BBC.

Otro género siempre presente en el festival es el musical, ya sea en forma de documental o con ficciones en las que la música cumple un papel principal. Ese es el caso de Letras robadas, la película elegida para cerrar esta edición. El nuevo film del director irlandés John Carney, responsable de Once, Sing Street y ¿Puede una canción de amor salvar tu vida?, está protagonizado por Paul Rudd y Nick Jonas, quienes interpretan a un cantante de bodas veterano y a un exintegrante de una boy band.

Cine argentino

La diversidad del cine argentino está representada en las distintas secciones del festival. A pesar de la profunda crisis que vive el sector, el esfuerzo y la creatividad de quienes hacen cine en el país quedan demostrados en la cantidad de cortos y largometrajes nacionales que integran la programación de esta nueva edición del Bafici.

El tren fluvial, de Lorenzo Ferro y Lucas A. Vignale, estrenada en el último festival de Berlín, es uno de los largometrajes que participan de la Competencia Internacional, donde también se presentará Los vencedores, de Pablo Aparo, en calidad de estreno mundial.

Los cortos Las visitas de Camilo, de Itatí Olmedo; Monstruo madre, de María Canale, y Queda en mí, de Rafael Nir, también serán parte de la sección competitiva internacional del festival.

Seguir la Competencia Argentina es una buena forma de ponerse al día con lo que está pasando en el cine nacional. Además de los nuevos talentos, a quienes vale la pena conocer, que están presentando sus primeras películas, se destacan los largometrajes más recientes de directores reconocidos como Raúl Perrone, uno de los realizadores más programados en la historia del Bafici, que estrenará Cin3 Fili4. Ana García Blaya, directora de Las buenas intenciones y La uruguaya, estará presente con una película muy personal, La muerte es algo que les sucede a los demás; Juan Villegas, director de Sábado y Las Vegas, entre otros films, presentará No matar; y Renzo Cozza, realizador de El hincha y Parado mirando, estrenará La hora de irse.

Nombres conocidos

El plan para una experiencia ideal en un festival de cine implica un equilibrio entre entregarse a lo desconocido, dando lugar a los descubrimientos, y el reencuentro con cineastas reconocidos, que despiertan interés con sus nuevos trabajos.

En esta edición no faltarán los nombres propios, ya sean celebridades en el ámbito de los festivales o para el público en general. Tal como sucede con las actrices Juliette Binoche y Kristen Stewart, cuyas primeras películas, En nous y The Chronology of Water, respectivamente, se presentarán en la sección Óperas Primas.

Viejos conocidos del festival regresarán con sus nuevas películas. Por supuesto, no puede faltar la nueva de Hong sang soo, el director coreano con seguidores tan fieles como los de un club de fans de un cantante pop, quien vuelve al Bafici con The Day She Returns.

En la sección Trayectorias también se presentarán Eight Bridges, de otro habitué de la programación del festival, James Benning; Le Cris des tardes, de Claire Denis; Duse, de Pietro Marcello; L’Etranger, de François Ozon; Blue Moon, de Richard Linklater, por la que Ethan Hawke fue nominado este año al Oscar a Mejor Actor; My Wife Cries, de la talentosa directora Angela Schanelec; I Am Curious Johnny, del documentalista emblemático del punk rock Julien Temple; The Loneliest Man in Town, de Tizza Covi y Rainer Frimmel; y Un hijo propio, de la documentalista chilena Maite Alberdi.

Retratos de artistas

Una de las cualidades más fascinantes del cine es su capacidad para acercarle al público las vidas de los otros. En las secciones del Bafici dedicadas a lugares, al cine sobre cine, a las artes y oficios, abundan los documentales sobre figuras creativas que dejaron su huella en sus respectivas disciplinas.

Annemarie, de Mariana Sanguinetti, se centra en la gran fotógrafa Annemarie Hienrich, bisabuela de la directora; mientras que Xul, de Cristián Costantini, recorre la vida y obra del multifacético artista Xul Solar.

En Donn. Instrumento de Dios, los realizadores Florencia Dávila y Mariano Baez reconstruyen, apoyándose en el material de archivo, la vida e increíble carrera del bailarín Jorge Donn.

Dos cineastas fundamentales están representados en documentales que los ponen en foco: Eric Rohmer, esprit d’enfance, de Pascale Bouhénic y Noël Herpe, dedicado al gran director francés, que fue parte de la Nouvelle Vague; y The Ozu Diaries, centrado en el maestro japonés Yasujiro Ozu.

Los músicos suelen ser sujetos de fascinación, no solo para el público, sino también para los cineastas, que buscan capturar con sus cámaras ese hechizo. El camino contrario reconstruye la historia de Hernán Reyna, líder de la banda post-punk El Corte, a partir de una larga investigación, entrevistas y recopilación de material de archivo, realizada por los directores Daniel Flores y Martín Wain, ambos con amplia trayectoria en el periodismo cultural.

También en la sección de música se podrá ver El infierno está encantador - Gulp.1985, dirigida por Lisandro Carcavallo, sobre la presentación del disco de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, en Cemento, mítico enclave del rock argentino, a quien el mismo director ya le dedicó un documental, estrenado en el Bafici.

Cinéfilos en crecimiento

El festival sostiene desde hace varias ediciones una sección especial dedicada al público más joven. Baficito ofrece un espacio para que los pequeños cinéfilos (¡y los grandes también!) puedan ver cortos y largometrajes, con una variedad de orígenes y estéticas, que se extraña en la cartelera cinematográfica cotidiana.

Entre los valiosos títulos de la sección, se destaca Mary Anning, de Marcel Barelli, una película suiza, de animación 2D, que se centra en una chica rebelde que emprende una aventura paleontológica.

Otro tipo de descubrimiento es el que se da en Papaya, de Priscilla Kellen, un film brasileño de animación, sin diálogos, protagonizado por una pequeña semilla de papaya con grandes aspiraciones.

Lo viejo funciona

A veces, el mayor descubrimiento en un festival de cine puede surgir de la recuperación del pasado. Reivindicando la importancia de la conservación y divulgación del cine de distintas épocas, el Bafici ofrece cinco focos que presentan la obra de directores, y dos programas especiales, dedicados a las cinematografías canadiense y argentina.

Los focos de la presente edición tienen como protagonistas al director húngaro György Pálfi; la realizadora argentina Liliana Paolinelli; el director y productor Pere Portabella; el joven cineasta japonés Yugo Sakamoto; y el realizador español Ángel Santos.

El programa de la National Film Board of Canada está compuesto por largometrajes realizados en ese país, entre 1966 y 1978, incluyendo Shivers, de David Cronenberg.

La selección del Museo del Cine indaga sobre la identidad independiente del festival, relacionando la obra de la Generación del 60 con el cine actual, presentando una mayoría de funciones en formato fílmico (16 y 35mm). Películas como Alias Gardelito, de Lautaro Murúa; Circe, de Manuel Antín; y Las ruteras, de Ignacio Tankel; conviven con La mecha, de Raúl Perrone; y con un foco de cortometrajes de animación con muñecos, realizados por Carlos González Groppa, en las décadas del 50 y 60.

Por su parte, la sección Rescates invita al revisionado, la oportunidad de saldar una deuda cinematográfica, o la posibilidad de ver por primera vez en sala algún clásico ya visto en la pantalla chica (ya sea TV, teléfono o computadora)

En esta edición de presentarán El color del dinero, de Martin Scorsese, con Paul Newman y Tom Cruise sacándose chispas en la mesa de pool; El desencanto, de Jaime Chávarri, en su aniversario 50; La idiocracia, de Mike Judge, graciosísima en toda su estremecedora cualidad premonitoria; y dos regresos de la propia historia del Bafici, en pleno momento de desarrollo del Nuevo Cine Argentino: Ciudad de María, de Enrique Bellande, y Modelo 73, de Rodrigo Moscoso.

En los extremos

Como siempre, una de las secciones a prestarle atención en el Bafici será la Competencia Vanguardia y Género, una propuesta que pone lado a lado al cine experimental con películas de géneros populares. La combinación, solo aparentemente contradictoria, suele resultar en un programa con las propuestas más arriesgadas de ambas vertientes.

También estará la tradicional sección Nocturna, en la que el terror y el fantástico tienen su lugar reservado. En esta edición se podrán ver los nuevos largometrajes de directores argentinos, como Cristian Bernard, quien estrenará Bajo tus pies; y Ramiro y Adrián García Bogliano, que presentarán La mancha.

Hay muchas más películas, organizadas en secciones sobre política, pasiones, coming of age, entre otras, además de actividades especiales. La mejor forma de disfrutar el festival es elegir algunas películas, organizar la agenda y asegurarse las entradas. Pero también es una buena idea, cuando sea posible, dejar de lado los planes y ver una película fuera de la lista. Ahí es donde aparecen las mayores sorpresas.

Para agendar

Más información, catálogo, grilla de programación y venta de entradas en bafici.org

El arresto de la intérprete de éxitos como “Baby One More Time” o “Toxic” se produjo el pasado 4 de marzo, cuando agentes del condado de Ventura, en el sur de California, detectaron un comportamiento errático al volante. Tras someterse a varios controles para comprobar si estaba sobria, Spears fue detenida y puesta en libertad horas más tarde. La cantante deberá comparecer ante un juez el próximo 4 de mayo por esta detención, según señala The Hollywood Reporter.

Los allegados de Spears también contaron a People que la artista está muy afectada y arrepentida por lo ocurrido, especialmente por el impacto que la situación pudiera tener en sus hijos —Sean Preston, de 20 años, y Jayden James, de 19, ambos fruto de su relación con Kevin Federline—. “Britney tomará las medidas necesarias y cumplirá con la ley, y esperamos que este sea el primer paso hacia el cambio que necesita desde hace mucho tiempo. Ojalá pueda obtener la ayuda y el apoyo que necesita durante este difícil momento”, señaló un representante de la artista en un comunicado difundido ayer. “Sus hijos pasarán tiempo con ella. Sus seres queridos elaborarán un plan necesario para garantizar su bienestar y éxito”, aclaró.

El arresto supuso un nuevo revés para Spears, cuya errática presencia en las redes sociales ha generado preocupación entre sus fans, tras el fin de su tutela paterna en 2021. En octubre de 2025, su exmarido, Federline —con quien estuvo casada entre 2004 y 2007—, expresó su profunda preocupación por la estrella del pop en sus memorias, You Thought You Knew, escribiendo que sentía que era “hora de dar la voz de alarma” sobre su comportamiento. “Se ha vuelto imposible seguir fingiendo que todo está bien. Desde mi punto de vista, el tiempo corre y nos acercamos al final. Si las cosas no cambian, algo malo va a suceder y mi mayor temor es que sean nuestros hijos quienes tengan que recoger los pedazos”, alertó.

“Me sentía desesperada”

No es la primera vez que la cantante pasa por un centro de rehabilitación. En 2007, tras protagonizar varios incidentes públicos, estuvo brevemente internada. Un año después, en enero de 2008, en medio de la disputa por la custodia de sus hijos, fue hospitalizada en dos ocasiones en un instituto de tratamientos de salud mental. La primera internación se produjo después de que Spears se encerrara en el cuarto de baño de Federline con Jayden, el hijo menor de la pareja, que por entonces tenía poco más de un año. El incidente contribuyó en parte a que, finalmente, se le concediera al padre la custodia exclusiva de los niños. La artista relató aquella traumática noche en sus memorias de 2023, La mujer que soy, donde detalló que “no quería que nadie se llevara a su bebé”: “Me sentía desesperada por conservar a mis propios hijos unas horas más”.

En agosto de 2022, Spears publicó —y luego eliminó— un video de 22 minutos en YouTube y Twitter en el que reflexionaba sobre el “trauma” de haber sido supuestamente obligada a trabajar y a pasar tiempo en un centro de salud mental bajo el yugo de su padre, Jamie Spears —que tuvo la tutela de la artista desde 2008 hasta septiembre de 2021. También acusó a su madre, Lynne Spears, y a su hermana, Jamie Lynn Spears, con las que cortó toda relación, de haber sido cómplices de los aspectos más controladores de la tutela. “Estaba asustada, destrozada y comparto esto porque quiero que la gente sepa que solo soy humana”, aseguró.

Con un promedio de 6,2 puntos de rating, el regreso de La peña de morfi ganó su franja mientras que el programa de Juana Viale cosechó 3,1 puntos.

El minuto a minuto

El ciclo comenzó con un piso de 4,4 puntos que le dejó la película Elijo creer, seguido de cerca por La familia Ingalls con 4,1, en eltrece. Párrafo aparte para la serie que fue creada en 1974 que todos los fines de semana cosecha altos índices de audiencia, incluso mayores que varios de los programas que se emiten durante la semana.

“Hola a todos, bienvenidos una vez más, diez años de La peña de morfi, pero sobre todo bienvenida Carina Zampini”, comenzó Leuco. “¡Qué lindo estar con todos ustedes de vuelta! Estamos de festejo, hoy tiramos la casa de la música por la ventana y entre amigos. ¡Esto es La peña de morfi, 10 años!”, completó la actriz.

El festejo comenzó con un musical de lujo: El Chaqueño Palavecino, Valeria Lynch, Ángela Leiva, Ariel Puchetta y Destino San Javier cantando “Entré a mi pago sin golpear”. Luego siguió un cllp del resumen de los 10 años del programa en el que llamó la atención la ausencia de Jesica Cirio y Jey Mammon, que más allá de haberse ido en medio de un escándalo fueron parte del ciclo.

Vacío relleno napolitano con papines sobre provoleta crocante fue el menú que propusieron Giorgini y Pizarro, mientras que en la mesa todos los artistas, a la que se sumó Alejandro Lerner, repasaron los 10 años del programa. El rating trepó a 5,5 puntos, mientras que eltrece continuaba segundo en la franja con 4,4 puntos. Más tarde llegó una de las novedades de este año: Allcaraz, cocina de canciones. Un músico que se hizo conocido en TikTok interpretó diferentes versiones de los clásicos de los artistas que estaban presentes. Luego el Chaqueño Palavecino dio su minirecital y en ese momento el rating marcaba 6,6 puntos.

La competencia

Como cada domingo, a las 14.45, Juana Viale dio comienzo a sus almuerzos en eltrece con un piso de 3,7 puntos. Después de presentar su look, la actriz se fue a la cocina para preparar unos tragos con Jimena Monteverde y recibir a sus invitados. La conductora estuvo acompañada por Eleonora Wexler, Luciano Cáceres, Eugenia Tobal, Andy Chango y Tiziano Gravier.

Pasadas las 14, con el recital de Destino San Javier, la pantalla de Telefe trepó a los 7,2 puntos. Luego llegaron las presentaciones de Valeria Lynch, Ángela Leiva, Ráfaga y Alejandro Lerner, además de momentos de humor y otras recetas.

La marca máxima de la tarde fue de 7,7 puntos, sin cortes comerciales, versus los 3,8 a los que llegó Almorzando con Juana.

La peña... en números

Fueron 10 años, 440 programas, más de 1760 horas en vivo, en las que 2006 artistas cantaron 7433 canciones. De acuerdo con su rating histórico, unas 450 millones de personas lo vieron alguna vez. Realizaron 1320 recetas de las cuales 430 fueron asados, eso define a La peña de morfi.

En varias oportunidades, Franchín contó su dura historia familiar, marcada por la depresión de su mamá y por la adicción de su hermana. En su dolorosa despedida, la periodista destacó las luchas de Amalia pero también su presencia y su amor.

“Hoy te me escurriste entre los dedos, mamita. Lo venías diciendo, lo venía pensando. Pero así y todo duele”, arrancó la periodista el posteo que ayer publicó en su cuenta de Instagram. “Siento en el fondo la paz que sentiste al cerrar esos ojos azules. Esos ojos que ya no lloraban. Esos ojos adormecidos por tanto dolor soportado desde que eras tan solo una niña rubisima a la que solo maltrataban”, continuó.

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“Cuántas idas y vueltas tuvimos a lo largo de la vida. Ufff... Dios sabe cuánto hemos peleado. Pero mi amor hacia vos siempre logró resolver todo. Qué suerte que estos últimos años pude comprender que hiciste lo que pudiste. Que a veces te dolía la vida”, destacó.

“Como te dije hoy cuando ya sabía que se venían tus últimos latidos: Gracias por darme la vida, gracias por enseñarme a hacer de todo (literalmente de todo), gracias por tus milanesas, tus trapos de piso (los mejores del mercado) y por la ropa que me cosiste”, enumeró. Te perdono y perdóname por esas cosas que solo nosotras sabemos. Te amo mamita. Descansá. Encontrá la paz”, cerró el mensaje.

Entre las postales que Franchín eligió para mostrar un poco más de su intimidad y su familia, se puede ver a Amalia a través de los años: junto a ella cuando era una niña, en viajes, con su nieto o en algún evento. El posteo se llenó de mensajes de apoyo, entre los que se destacaron el de la actriz y directora Dolores Fonzi, el de los conductores Santiago del Moro, el de Georgina Barbarossa, Marley y Verónica Lozano, el de Gastón Pauls y los de sus colegas Nancy Pazos, Rodrigo Lussich, Marcela Tauro y Marisa Brel.

La dura historia familiar de Analía Franchín

Analía Franchín habló en varias oportunidades de su dura historia familiar. En 2023, tuvo un mano a mano con Barbarossa en La Peña de Morfi. Allí, se sinceró acerca de diferentes cuestiones personales y, en especial, expuso un costado poco conocido en los medios sobre la adicción de su hermana Sandra y la vida de su madre.

“Mi mamá primero pasó por un periodo de depresión muy grande, fue muy difícil, muy difícil para todos porque ella, pobrecita, no la estaba pasando bien. No siempre caés en las manos del mejor psiquiatra. Entonces, tuvo un periodo muy feo. Pensábamos: ‘¿En un momento habrá que internarla?’. A la hora de hacerlo fue muy duro y después, cuando mi mamá se puso bien, mi hermana, la más grande, empezó… Bueno, como ustedes saben que yo la he ayudado mucho con su tema de adicción”, confesó.

Analía contó cómo tuvo que afrontar su mamá la vida con dos hijas pequeñas cuando no tenía plata para mantenerlas. “Mi mamá, como se quedó sola con ellas dos, las tuvo que dejar en casa de familiares. Mi mamá trabajaba con cama adentro. Era la única manera de alimentar a mis hermanas, porque mi abuela, en su momento, le cerró la puerta y dijo: ‘No tenés leche y lo lamento, ¿para qué te casaste con ese estúpido?’”.

“Mi mamá se encargó de mis hermanas, las puso en casas de familiares, se fue a trabajar y creo que esas cosas, al después no haberlas hablado, se agrandan. Además, mis hermanas ya cargaban con el abandono de un padre que se fue de un día para el otro, y después la mamá que estaba trabajando. Por lo tanto, cuando esas cosas no se hablan en la familia, para mí van haciendo un agujero que te va carcomiendo por dentro como si te agarrara una bacteria y te fuera carcomiendo”.

En junio de 2024, Sandra, de 61 años, murió mientras se encontraba internada por una neumonía que se complicó.

“Andrea del Boca abandona por cuestiones de público conocimiento. Quien ingresa en las próximas horas a la casa más famosa... Es inminente su entrada, nadie lo esperaba”, dijo el conductor del programa antes de revelar, mediante un clip, quién sería la nueva participante.

“Grecia la rompió en Italia, en Grande Fratello, es una amante de este juego y se suma en las próximas horas", comentó del Moro, a lo que Gastón Trezeguet sumó que la actriz “es bravísima y sabe jugar”, de acuerdo a lo que vio de su paso por el reality italiano.

“La gente va a saber de mí, me va a ver, me va a escuchar, va a ver cómo soy como persona, como ser humano”, adelantó por su parte la venezolana en su video presentación.

En esas mismas imágenes, Colmenares reflexionó: “La vida depende de los ojos con los que tú la miras. Si la miras bonito, te vas a encontrar con cosas bonitas. Si no le buscas la parte buena... Para golpes, siempre, la vida tiene para muchos golpes, pero eres tú el que te tienes que levantar y salir airoso”.

Y, sobre su pasión por la actuación desde chiquita, antes de convertirse en la reina de las telenovelas, señaló: “Me acuerdo de que miraba la telenovela y ponía un espejo, ensayaba los besos desde niña. Me ponía una toalla en el cabello y actuaba. Me gusta la cosa que sale de adentro”.

“Argentina, te amo”

A la par del anuncio de Del Moro, las últimas publicaciones de la actriz en Instagram dieron cuenta de su arribo a estas tierras, donde protagonizó producciones como María de nadie (1985), Grecia (1987), Pasiones (1988), Rebelde (1989), Romanzo (1990), Manuela (1991), Más allá del horizonte (1993), Amor sagrado (1996) y Chiquititas (1999).

“¡Qué felicidad llegar a mi país del corazón! Argentina, te amo", expresó en un posteo que acompañó con un video desde el avión. Luego compartió nuevas imágenes que la mostraban frente a un espejo, aparentemente en la habitación de un hotel, donde se mostró conmovida por su regreso. “Mi Argentina, te extrañé”, dijo.

El grave accidente de Andrea del Boca en Gran Hermano

La semana pasada, Andrea del Boca tuvo que salir nuevamente de la casa de Gran Hermano, Generación dorada (Telefe) y, a diferencia de la primera vez, decidió abandonar la competencia debido a que sufrió una grave lesión en su boca y diversos golpes en el cuerpo.

Frente a las repercusiones que generaron su salida, Del Moro mostró al aire el video de la impactante caída de la actriz, donde se puede ver cómo cayó de cara al piso y, como no pudo poner sus manos para protegerse, se partió dos dientes.

“Ante tantas consultas quería confirmarles que Andrea no podrá regresar a la casa”, informó entonces el conductor. Y agregó: “Debido a la caída y al fuerte golpe recibido, se le realizaron los estudios correspondientes y, por indicación médica, no continuará en la competencia”.

Al igual que ocurrió durante los primeros tres abandonos, la producción se encargó de buscar un reemplazo para la participante que se fue por decisión propia. En el pasado, el canal reemplazó a Daniela de Lucía con su propio reingreso luego de algunos días, a Divina Gloria con Carla “Carlota” Bigliani y a Jenny Mavinga con Tamara Paganini. Ahora, Grecia Colmenares ingresará en lugar de Andrea del Boca.

Taverna estuvo tras la consola en todos los conciertos de la banda, como también en toda la carrera solista de Gustavo Cerati, y su aporte fue clave en los proyectos que Charly Alberti y Zeta Bosio encararon para mantener vivo el legado de Soda Stereo tras la muerte del cantante y guitarrista en 2014. Así, después de haber sido el encargado de la banda de sonido de SEP7IMO DÍA y de operar sonido para Gracias Totales, ahora es la persona responsable del audio de Soda Stereo Ecos. Él fue el responsable no solo de crear el andamiaje sonoro sobre el que se monta el show, sino también de operarlo todas las noches para darle al espectáculo la dinámica de un recital en vivo. Y lo que comenzó siendo una incertidumbre hoy es un éxito en taquilla que salió a recorrer el continente que debió sumar otras tres fechas a su residencia porteña para el 9 y el 14 de junio y el 12 de agosto tras agotar las diez funciones pautadas originalmente.

“El proyecto tiene bastante más de un año, yo me incorporé antes de que empezaran con el tema visual, que obviamente en este espectáculo es una parte muy importante, es donde se basa todo”, dice sobre Ecos para poner el énfasis en la recreación digital de la presencia de Gustavo Cerati sobre el escenario. Sin embargo, a pesar de que él mismo reconoce a ese avatar como uno de los puntos de apoyo principales del espectáculo, asegura que prefiere mantener al mínimo su cuota de conocimiento sobre ese aspecto. “Desde que empecé con esto no quise saber nada de la parte visual, es una decisión que tomé. Primero porque no es mi rubro ni mi métier, y segundo porque no quiero romper la magia. Necesito tener también esa cuota de sorpresa, o de poder verlo de una manera y yo seguir dedicándome a mi tarea específica”, reconoce.

–¿De qué manera se encaró la búsqueda del material para poder transmitir la sensación de un recital en vivo para Ecos?

–Dediqué bastante tiempo a revisar todo tipo de grabaciones de conciertos y de las pistas de los discos de estudio. Lo primero que me propuse fue que las canciones siguieran siendo como eran y no perdieran su esencia. No quise hacer versiones o remixes, y por ahí es muy personal esto, pero entendí que lo que la gente grande añora (y los más jóvenes también), son las ganas de vivir esa experiencia que era Soda Stereo en vivo. Entonces me lo planteé desde un principio, lo hablé con Charly y Zeta y les dije: “Muchachos, en este caso tenemos que respetar lo que la gente conoció y cómo tiene incorporadas las canciones de Soda en su cabeza y en su corazón”. Nos tuvimos que esforzar mucho porque con Soda grabamos en todos los formatos existentes, y empatar eso para que sea más homogéneo es muy difícil, todavía lo estoy trabajando. La tecnología cambia tanto y tan rápido, que lo que en su momento escuchabas y decías: “Wow, qué bueno, cómo suena esto”, lo escuchás ahora y te querés matar, porque las calidades se superan día a día.

–El armado fue complejo, entonces...

–El proceso de armado fue muy estresante, porque interactuamos mucho. Se le ocurrían cosas a uno o a otro hasta que lo fuimos moldeando y lo llevamos a la realidad. Fue muy estresante en todo el proceso previo, pero ahora estamos felices y disfrutando mucho de cómo lo vive la gente, y esto se retroalimenta.

–¿Y de qué manera se armó el repertorio?

–Antes de empezar a trabajar en esto, agarramos un pizarrón con Zeta y Charly y empezamos a anotar los temas que nos parecía que tenían que ir. Obviamente caímos en por lo menos 15 lugares comunes diciendo “este tiene que estar” y así llegamos a 40 canciones que tenían que estar o estar. ¡Encima, los temas de Soda son largos en general! Teníamos que tener mucho cuidado con eso y ser muy fieles a las versiones que conoce la gente, por eso no quise hacer ni mashups ni mezclas psicodélicas o no sé qué. La gente viene a escuchar a Soda a un buen volumen, a cantar y emocionarse, y en ese sentido creo que lo estamos logrando. Mi tarea fundamental es que la gente viva un concierto real rescatando la voz y la guitarra de Gustavo, porque para mí la voz es lo que más te identifica, es el instrumento principal para cualquier banda, porque es lo que te hace después tararear o compartir la letra y lo que dice. La voz de Gustavo es muy particular y tiene una calidad y calidez admirables, y es lo que conoce todo el continente, entonces apunté a priorizar eso.

–Algunas de las canciones de Ecos están tomadas de shows, otras de su versión de estudio. ¿De qué depende esa decisión?

–Debo confesar que soy poco objetivo con eso. Primero me fijé en la calidad de las pistas y también en alguna cosa que haya sido especial para nosotros, y ahí me tomé algún que otro atrevimiento, pero tampoco quise caer en lugares comunes. Nosotros tuvimos hitos muy marcados en la carrera de Soda Stereo como lo fue el festival de Viña del Mar del 87, que ayudó a la llegada a toda Latinoamérica. Tuve la tentación de hacer cosas en plan “en este show pasó tal cosa”, pero preferí que las versiones fueran como las conoce la gente. Porque Soda tenía una particularidad y es que de acuerdo al álbum que estábamos presentando, los temas los llevábamos para ese lado. “Sobredosis de TV” debe ser el tema que más versiones tiene porque estuvo desde el principio hasta el último show en cada lista es el único tema que nunca sacamos. Pasó por versiones con cuerdas, con vientos, alguna más dura, la hemos amoldado a todos los estilos de acuerdo al disco que estábamos presentando. Como son temas que en algunos casos tienen más de 40 años, yo quería ponerlos en sintonía con el mundo de hoy. Igual, creo que las canciones también trascienden más allá del audio. Teniendo normas muy clásicas, muy de otra época, hicimos este espectáculo.

–Ecos tiene una elección particular de canciones, hay temas poco comunes y también algunas omisiones a la lógica de grandes éxitos.

–Cuando hicimos esa primera lista de 40 temas, nos parecía que todos tenían que estar, así que les dije a Zeta y Charly: “Muchachos, ¿están dispuestos a hacer un concierto de 5 horas? Me parece que no”. Por ahí hemos cometido alguna injusticia, no lo sé. El espectáculo se llama así por el tema que abre, que es una canción de Nada personal que no tocamos mucho y que encima originalmente era un tema de Fricción. Tuvo lugar en esos shows y después no sonó más desde los 80, como también hemos tenido canciones que sonaron solo dos veces en toda la carrera de Soda, como “1990”. Pensamos que había temas que merecían estar más que otros, pero es muy difícil. Soda Stereo tiene muchos temas que fueron hits radiales en todas las épocas y otros con los que uno se encariñó por algún motivo. También es muy difícil manejar las subidas y bajadas de un concierto porque si metés 6 canciones súper potentes al principio, cansás a la gente por la intensidad de la música.

–Al ser un show pautado de antemano por el uso de pistas para el avatar digital, ¿qué margen deja ese formato para la dinámica de concierto?

–Muchísimo, porque mezclo todo en vivo, no tengo cosas premezcladas. Estoy hace 43 años en Soda, conozco todo de punta a punta, pero esto tiene un condimento extra por obvias razones de que no está el líder, y confieso que yo pensé que iba a ser más fácil. Hacer que suene vivo y real es bien difícil, porque usar pistas te puede generar una heladera de grandes dimensiones, por eso está bueno lo que estamos haciendo de interactuar, porque en el escenario hay dos músicos originales de la banda y que son tan Soda Stereo como Gustavo. Y es un desafío enorme para ellos también. Pensamos que lo hacíamos de taquito y cuando arrancamos con los ensayos dijimos: “Epa, ¿qué pasa?”. Visto de afuera puede parecer que, porque tiene pistas, es una pavada, pero te juro que no es así . Creo que es una de las cosas más difíciles que me tocó mezclar, porque no es fácil alcanzar esa calidez y esa energía.

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–Y está también el factor emocional...

–Sí, pero tenemos una cosa y es que no hay golpes bajos. La gente se emociona realmente porque se siente ahí cantando las canciones de Soda como lo podría haber hecho hace 30 o 40 años, y después están los chicos, que es lo que más me sorprende. Chicos, chicos que también se emocionan y están felices. Yo, la verdad, estoy muy contento con el resultado y eso que soy bastante desconfiado de todo. Eso me cuesta a veces muchas rispideces con mis compañeros, pero yo no me conformo con cualquier cosa. Y en este caso estoy muy contento y muy feliz con lo que estamos logrando, porque es impresionante. Soda es un fenómeno que pasará a la posteridad, no solo por la calidad de su música, sino también por lo que ha generado. En todo el continente hay bandas que se formaron después de ver a Soda Stereo y yo estoy muy orgulloso de todo lo que hemos hecho. Algunas cosas estuvimos de acuerdo, otras no. Pero estoy muy feliz con este momento, ya no esperaba una cosa así. Sentimos que estamos como cuando arrancamos, que teníamos 20 años. Obviamente tenemos cuatro décadas más encima, pero nos sentimos muy bien.

–Decías que no quisiste saber mucho sobre cómo se creó el avatar digital de Gustavo Cerati y que lo miraste recién al primer show. ¿A qué se debió eso?

–Mi expectativa tenía que ver con el audio, que es con lo que trabajé muchos meses, y no es fácil empatar el material de distintas épocas. Y como encima dije que no quería saber nada de cómo se hizo, se lo tomaron muy en serio y no me mostraron nada hasta el estreno (se ríe). Hace como diez años hubo un intento de un holograma en el interior de la provincia de Buenos Aires, una cosa rarísima hecha con Manuel Wirzt, que nunca pude entender. Acá sabía que había un montón de gente trabajando en eso con tecnología muy moderna, es otra cosa. Pero en los dos primeros shows que hicimos en el Movistar Arena, como mi puesto estaba al ras del piso, no vi casi nada, porque aparte tenía mucho laburo para hacer que eso sonara. Recién en Chile vi un poco, pero todavía me sigue importando hacerlo sonar cada vez mejor, y hay momentos donde eso cuesta bastante. Veo que la gente se emociona, cuando me vienen a saludar, algunos están llorando, y son las sensaciones que le tocan a cada uno. A mí la verdad me parece que está muy bien logrado, está perfecto, aunque soy un poco escéptico con eso. Entiendo que tiene una cuota de magia y es lindo que emocione a la gente, eso es reconfortante. Calculo que en diez shows más ya voy a poder apreciarlo de otra manera.

–Cada vez que se encaró alguno de los proyectos anteriores se lo abordó como una despedida, que después continuó en el siguiente. ¿Creés que hay algo para Soda Stereo después de Ecos?

–Yo con esto me retiro, aunque quizás me voy a arrepentir de esto que estoy diciendo. Estoy muy entusiasmado, pero tengo algunas cuestiones que hacen que me cueste mucho, aunque después me contradigo al milisegundo. Lo que pasa es que no puedo saber qué va a pasar en el futuro. Quizás aparece algo para evolucionar, aunque yo ya no sé qué puede ser, y así como me convencieron de ser parte de esto... Yo no estaba muy seguro de hacerlo, me sentí muy presionado, pero de buena manera. Hasta el día del show yo no había mirado nunca hacia el frente, y no tuvimos muchos ensayos, hicimos una sola prueba un mes y medio antes y el día del primer show entramos a la mañana a hacer el armado. Poner esta puesta no es fácil. Vendimos shows sin que la gente supiera qué íbamos a hacer y ahora todo el mundo quiere venir, eso me dejó impresionado para bien. Me ayudaron a decidirme y ahora pienso que menos mal que lo hice. Presentamos un formato nuevo y después de siete shows te puedo decir que le subimos mucho la calidad. Seguimos trabajando porque nos gusta, queremos mejorar hasta donde se pueda y hasta donde no se pueda también.

En Cavalleria, Turiddu regresa al pueblo tras una larga ausencia para revivir el antiguo amor de Lola, ahora casada con Alfio, y deshonrar a Santuzza que, despechada, revela el vínculo y conduce la acción a la tragedia. En Pagliacci, el que denuncia el affaire de Nedda y Silvio es Tonio, bufón de la compañía de teatro itinerante dirigida por Canio. Y en las dos historias (inspiradas en la realidad, como canta el prólogo): la vendetta en manos del esposo burlado.

Luego de su último trabajo para el Colón con La finta Giardiniera de Mozart (2021), Hugo de Ana regresa al país en la multiplicidad de roles que lo caracterizan. Al frente de esta nueva producción del coliseo porteño, el reconocido e internacionalmente premiado régisseur argentino, radicado en España, hará las veces de director de escena, escenógrafo, iluminador y vestuarista. Acompañado desde el foso por la italiana Beatrice Venezi a cargo de la Orquesta Estable y cuatro elencos de cantantes (dos para cada título) distribuyéndose a lo largo de 9 funciones, los aciagos protagonistas de estas obras icónicas de finales del siglo XIX.

–Empecemos por el comienzo: el orden del programa. ¿Se anunció que en contra de la costumbre primero iría Pagliacci?

–Todavía no se sabe

–¿De qué depende la elección?

–Mi idea era empezar con Pagliacci porque el autor explica la teoría del verismo y porque en la Argentina se estrenó antes que Cavalleria. “¡Hagamos eso!“, pensé. Pero estoy dudando porque no sé si funciona para el espectador. ¿Qué le damos al público de hoy acostumbrado al impacto visual y dramático que ve en los medios, la TV, el cine y todo lo que lo rodea? El concepto de Cavalleria es algo más “limpio” porque trato de llevarlo a la idea de la tragedia griega con símbolos omnipresentes como la religión. Y el coro, que musicalmente ha sido muy explotado en el cine, tiene una participación mayor que en Pagliacci, pero no está decidido. Estoy poniendo en la balanza para que mi concepto no vaya en detrimento del espectáculo.

–Mencionás ese manifiesto artístico que es el prólogo de Tonio, una declaración de principios respecto de lo que el verismo es a la ópera.

–Eso es falso. El verismo no existe.

–¿No fue un estilo nuevo que buscaba acercarse a la realidad, una manera diferente de entender el género?

–Es mi discusión eterna. El verismo no existe desde el momento en que la gente empieza a cantar. Es el nacimiento de una nueva corriente en contraposición a lo que estaba en auge, sí, pero prefiero llamarlo “nueva escuela italiana de música” o Novecento. Sucedía también con la literatura. El cuento de Cavalleria de Verga ha sido escrito para el burgués aristocrático que podía leer, ya que prácticamente hasta 1950 en Italia no existía la escuela pública. O sea que el cuento, como está dirigido a un público de nivel cultural medio-alto utiliza más sugerencias poéticas que la pieza dramática. Cuando se transformó en comedia, el relato se volvió explícito y popular porque se dirige a un público ignorante que para entender necesita lo literal y directo. Hay una diferencia grande entre el romance y la obra de prosa. Es esquemática, simple y sin indagación psicológica en los personajes. ¿Qué hizo Mascagni? Lo amplificó. Sublimó un sujeto de menor categoría. A pesar de él mismo porque después renegó de este pseudo verismo creado en su Cavalleria.

–¿Qué define entonces al verismo en la ópera?

–La descripción violenta de un hecho dramático. Es más verista Pagliacci que Cavalleria, porque ésta entra en los parámetros de la tragedia griega: el crimen que no se ve, la denuncia social y la fuerza de un personaje principal como Medea (que aquí es Santuzza), un motor que son los celos, la dirección del personaje como némesis absoluta que conduce a la tragedia y el arrepentimiento del propio crimen. Y un final como el del Orfeo de Monteverdi donde no vemos el asesinato ni la lucha, sino una mensajera que anuncia la muerte.

–Decías que la obra de teatro, a diferencia de la musical, no profundiza en la indagación psicológica ¿Cómo construís los personajes en esa dimensión que justifica el drama?

–En Cavalleria trabajo desde el pathos entendiendo el sentido mental del pueblo siciliano. La tierra, lo seco, lo árido, lo cerrados en sí mismos. Aquí, aunque el coro canta el brindis y el Inneggiamo il Signor…, Santuzza vive aislada. La sociedad la rechaza por un delito que no ha cometido. Interesante es que no rechaza a Lola, su antagonista. Y lo acepta también a Alfio, aunque haya matado a Turiddu, porque es quien tiene el dinero. Hay un juego psicológico interesante en la música, el texto y las reacciones que van teniendo los personajes que no son personajes de cartapesta. En la ópera, por lo general, el personaje de cartapesta no existe. Existe solo para aquellos que no pueden ver las cosas en profundidad ni los impulsos psicológicos detrás de la acción.

–¿Hay en esos impulsos conexiones con la actualidad?

–Las conexiones se producen cuando el espectáculo está bien representado. En Pagliacci hay un femicidio rotundo en escena. Hay un maltrato psicológico incluso de parte de Silvio hacia Nedda, que es una pobre mujer, huérfana y destruida. Todo está en el texto, la música y la escena, y se verá bien marcado porque destaco el maltrato de todos, incluso de Silvio en quien ella proyecta la ilusión de otro mundo.

Oficio de régisseur

–¿Cómo abordás el reto de un nuevo montaje para óperas de las más frecuentadas del repertorio?

–Olvidándome de todo. Y arrancando de cero porque tengo que trabajar con las personas que están delante de mí. Por supuesto que de joven estudiaba con los registros de Callas. Hasta que hice mi décima Tosca y Callas ya no me gustó. En un punto uno tiene que dejar de escuchar y trabajar con un material nuevo. Y al que sigue anclado en los criterios auditivos de otra época, le recomiendo que se quede en su casa escuchando discos. Hoy hay mucha información de todo. A veces me pasa que estoy esperando que salga tal o cual película por todo lo que se ha hablado y cuando voy, es una desilusión enorme. No es bueno generar expectativa y luego decepcionar. ¿Pero creés que el espectador común puede comparar?

–Al menos lo tiene todo disponible como en ninguna otra de las artes y en el caso de la interpretación, mucho del pasado para comparar. ¿En qué consiste tu realización?

–En la búsqueda de que el público entre tranquilo a la atmósfera del escenario y del drama. No quiero agredir anunciando “Hugo de Ana ha hecho tal innovación”. Eso no me interesa.

–¿Qué te interesa?

–Una imagen, una atmósfera. A veces me han tildado de barroco, aunque sea lo más alejado de mí. Yo pienso mucho en el espectador. Me interesa que su experiencia sea un pasaje que lo adentre en el clima real del drama. Empecé mi carrera en el cine, donde nos hacían estudiar el film sentados de espalda a la pantalla mirando de frente al público para registrar sus reacciones. Y hay de todo: está el silencioso, el que no participa, el que permanece indiferente, el que no penetra en la obra... Y de repente, también está el que lo capta todo. Pero esos son los menos porque el arte no es para todo el mundo. El arte es para los espíritus sensibles. Y esto no es negacionismo. Lo damos a todos, pero no cualquiera llega a apreciarlo en profundidad.

Para agendar

Pagliacci (ópera en un acto con música y libreto de Ruggero Leoncavallo) y Cavalleria Rusticana (ópera en un acto con música de Pietro Mascagni y libreto basado en relato de Giovanni Verga). Dirección de escena, escenografía, vestuario e iluminación: Hugo de Ana.

Orquesta Estable del Teatro Colón. Dirección: Beatrice Venezi / Marcelo Ayub. Coro Estable: Miguel Martínez. Coro de Niños: Mariana Rewerski. Reparto, Pagliacci: Canio (Denys Pivnitskyi/Alejandro Roy), Nedda (María Belén Rivarola/Marina Silva), Tonio (Fabián Veloz/Youngjun Park), Silvio (Ramiro Maturana/Samson McCrady), Beppe (Santiago Martínez/Sergio Spina). Reparto, Cavalleria rusticana: Turiddu (Yonghoon Lee/Diego Bento), Santuzza (Liudmyla Monastyrska/Mónica Ferracani), Alfio (Fabián Veloz/Youngjun Park), Mamma Lucia (Guadalupe Barrientos), Lola (Javiera Barrios/Daniela Prado) y elencos.

Estreno: Martes 14 de abril, a las 20. Próximas funciones: 15, 16, 18, 19, 21, 22, 23 Y 24 de abril. Escenario: Teatro Colón

Retengamos este dato: las dos películas más ganadoras de aquella noche fueron Una batalla tras otra (con el principal) y Pecadores (que se llevó un casi sorpresivo premio de Mejor actor para Michael B. Jordan). Vamos a dejar de lado los “grandes premios” y a concentrarnos específicamente en los galardones técnicos. Las cuatro películas que sumaron en rubros que van del diseño de producción a -mucha atención- la fotografía fueron las dos mencionadas más la tercera Avatar (Efectos especiales, bastante lógico), F1 (Sonidos) y Frankenstein (lo relacionado a diseño de vestuario y maquillaje, entre otros). Es decir: incluso si hubo mucho blockbuster “de sensaciones” el año pasado (Capitán América: un nuevo mundo, Thunderbolts, Superman, Los 4 Fantásticos y siguen firmas) premios que están relacionados con el artesanado del cine quedaron en manos de filmes “serios” o “realistas”, sea lo que fuere que se considere con esos términos en estos tiempos. Sin embargo, los que importan aquí son Montaje y Fotografía. El primero fue para Una batalla tras otra; el segundo, para Pecadores. Son los premios más importantes de aquella noche y del año.

Pecadores es una película, como se sabe, extraña que mezcla los gánsteres, los vampiros, el antirracismo, el film de época y el musical en una gran ensalada. Pero el máximo de su potencial lo desarrolló en salas IMAX. El premio de fotografía fue festejado porque, por primera vez en la historia, lo ganaba una mujer (Autumn Durald Arkapaw, además descendiente de nativos americanos, festejo justo). Pero lo más innovador del premio no era la identidad de la profesional, sino que lo ganó con la dificilísima tarea de fotografiar con cámaras IMAX. La sensación de inmersión en un espectáculo gigantesco favoreció la aceptación de una trama bastante extraña para los estándares de hoy y fue el vector por el cual el público la aceptó y la convirtió no sólo en un éxito sino, palabra clave, en un éxito rentable.

Una batalla... fue un fracaso comercial en realidad, porque costó demasiado respecto de lo que recaudó, aunque recaudó lo que, para cualquier otra película, hubiera generado abultados números negros. Sino fue una catástrofe comercial, si finalmente recuperará su costo, es porque se filmó con material analógico en formato extra grande de ocho perforaciones (lo que “arrastra” la película en la cámara, esos agujeritos; cuanto más son, mejor definición de la película) VistaVision, un formato que desde hace mucho había caído en desuso. El cinéfilo recordará que es el formato de Vértigo, la obra maestra de Alfred Hitchcock, nada menos. Eso permitía que la película tuviera una definición mucho más notable que en el habitual registro digital y, también, provee una sensación inmersiva completa justamente por el detalle que logra. Sí, parecen cosas muy “específicas”, pero son absolutamente esenciales para el negocio. Montar película VistaVisión es muy difícil (Hitchcok los sabía, por eso fue un formato adecuado para Vértigo, con su tempo contemplativo y sus imágenes amplias) y la persecución triple del último tercio es, en ese sentido, una hazaña técnica. E inmersiva.

Lo que estos premios muestran es un síntoma de que es probable que Hollywood haya replanteado su producción. Como la hamburguesa de cadena más apetitosa que podamos comer, también las franquicias se agotan. No es que Superman o Los 4 Fantásticos no sean, por derecho propio, películas con encanto y virtudes, sino que el público tiene la impresión (errada o no) de que sabe demasiado de qué se trata. Es cierto que esa característica del conocimiento previo (la famosa “instalación de marca”) es una virtud para el marketing. Pero en algún momento se satura. Lo que tanto Pecadores como Una batalla tras otra ofrecieron fue el uso de las herramientas que el blockbuster saturó para generar sensaciones en el espectador para contar otras cosas. Resultado: un salto hacia aquel viejo atractivo del cine de sumergir al espectador en otro mundo. Y, después de paseos demasiado largos por el mundo de los superhéroes y la animación, el nuevo universo es el de todos los días, pero de otra forma.

Este movimiento no es nuevo y ha ocurrido cada vez que el cine en salas se enfrentó a una competencia fuerte. VistaVisión, ya que estamos, competía con CinemaScope, y ambos nacieron cuando las salas debieron pelearle el público a la televisión cada vez más barata y, por lo tanto, popular. Pasó en muchas otras ocasiones (con el VHS, con el DVD, con el cable premium, con Internet...) y ahora pasa con las plataformas por un lado y el cine inmersivo por el otro. Si el lector se pregunta si esto es una excepción o un camino nuevo, veamos lo que pasa con las películas estrenadas este año. Por primera vez desde Coco, Pixar tuvo éxito con una película que no pertenecía a ninguna de sus franquicias (Hoppers, que está cerca de los 800 millones de dólares de recaudación global). Pero el film más visto (por lo menos hasta el estreno de Super Mario Galaxy, la primera “franquicia vendedora” del año) fue Proyecto: fin del mundo, la comedia de aventuras y ciencia ficción protagonizada por Ryan Gosling y una piedra simpática (alrededor de 500 millones y contando, con bastante más para sumar). De hecho, estos dos éxitos (más el nicho en el que entraron algunas otras películas, como la recién estrenada El Drama) mejoraron la performance de venta de entradas en cines del primer cuatrimestre de 2026 respecto del de 2025 en un porcentaje no menor al 5 por ciento. En la Argentina, después de un enero atroz, febrero y marzo mostraron crecimiento en recaudaciones.

Hay mucho más para confirmar un cambio. Es cierto que no van a faltar franquicias (The Mandalorian and Grogu en mayo; Masters of the Universe -es decir, He-Man- en junio; Moana en versión con actores, Minions 3 y Toy Story 5 y Supergirl en julio; Avengers-Doomsday y Dune 3 en diciembre y hay varias más), pero entre los eventos cinematográficos más importantes del año y de los que ya se habla figuran producciones que apuntan a lo original desde el gran espectáculo.

Una es El día de la revelación, drama de ciencia ficción realizado por Steven Spielberg, que se vende como una especie de sorpresa (su marketing es parecido al de su obra maestra Guerra de los Mundos, donde no terminamos de saber por dónde va el asunto o qué veremos). Y la otra, la película que, de ser exitosa, va a cambiar definitivamente el paisaje: La Odisea, versión del poema homérico a cargo de Christopher Nolan y filmado íntegramente con cámaras IMAX y para salas ídem (si en la Argentina alguien se anima a funciones especiales súper gigantes, se va a hacer millonario: sólo tenemos una sala de este tipo). Si estas dos -y un puñado más de títulos no necesariamente de gran espectáculo- funcionan en salas, habremos llegado a un nuevo equilibrio. Seguramente también en nuestro país, donde éxitos de taquilla enormes pero puntuales hablan más de la falta de alternativas para salir de casa que de incapacidad para pagar una entrada. En última instancia, se confirmará que no son ni los focus group ni los contadores los que definen cómo será el cine, sino el diálogo entre realizadores y espectadores que propone cada película. Más allá de gustos y calidades, se lo vamos a deber a la audacia de intentar ir por otra parte de Pecadores y Una batalla tras otra.

En la última emisión de La noche de Mirtha, la conductora compartió mesa con los periodistas Baby Etchecopar, Reynaldo Sietecase y Mariana Brey y la actriz Belén Francese. A poco de comenzar la cena, decidió hablar del escándalo que protagoniza uno de los funcionarios más cercanos al presidente Javier Milei.

“¿Y el caso Adorni?” disparó. “Qué increíble. Esta señora, ¿le había prestado la plata de verdad?”, se preguntó sobre las mujeres que aparecen en la causa como prestamistas o acreedoras para la compra de por lo menos una de las propiedades que adquirió durante el último año. “Es raro todo, es extraño”, sumó.

“El gobierno está cargando con algo que yo llamo el delantal blanco”, explicó Sietecase. “¿A qué me refiero? Cuando asumió dijo ‘venimos contra la casta, contra los privilegios’, entonces en el delantal blanco que se puso las manchas se notan más”, graficó. En ese momento, Etchecopar recordó que trabajó dos años con él -en su programa de A24 y en Radio Rivadavia) y que en ese momento “estaba pagando la cuota del departamento en Flores”. También señaló que “cada tanto lo echaban” y él pedía que lo dejaran ir.

“Tenés razón”, coincidió Etchecopar con el periodista y escritor, y agregó de inmediato: “Lo que pasa es que después de 20 años de tantísima corrupción, cómo se ha vivido que es bochornoso y ya nos olvidamos, Adorni con cinco millones de dólares tapó un PBI. Pero creo que los argentinos no admitimos que un funcionario se compre un chocolatín. Estamos hartos de que nos roben”.

“Eso está muy bien”, intervino a su turno Mariana Brey. “Lo que dice Baby es lo interesante que planteó este gobierno al inicio y sobre todo en campaña. Y por supuesto que viene por la casta pero que venga a querer terminar con la corrupción no significa que lo pueda hacer ni de manera inmediata. Sería un poco infantil creer que eso se puede hacer en forma mágica, que va a suceder de un día para el otro o que no va a tener enquistados dentro incluso de su propio gobierno”.

Además, ante la consulta de la Chiqu,i Brey explicó que la casta son “o ladrones o gente que utiliza sus contactos para conseguir cosas” y que del caso de Adorni “lo único que hay hasta ahora son trascendidos periodísticos que fueron cambiando con el correr de los días”. “La realidad es que la Justicia está investigando y a diferencia de otras oportunidades no está Oyarbide, que te absuelve de la noche a la mañana”, sumó.

“Pero ¿qué hubieses dicho si este funcionario fuese de un gobierno peronista?”, intervino Sietecase. “Lo mismo”, respondió rápido Brey. “¿Exactamente lo mismo o estaríamos pidiéndole la renuncia parados arriba del Obelisco? Hay una doble vara. Si fuimos exigentes con la corrupción durante el Kirchnerismo me parece que hay que tener la misma vara”.

Por último, luego de contar que fue escrachado durante el Kirchnerismo, Baby Etchecopar cerró el tema con una confesión. “Te voy a ser honesto: este gobierno tiene muchos defectos. Yo a Adorni lo quise mucho. Es mi compañero y lo quiero. Lástima que la soberbia los mata. Lo voy a defender a este gobierno, pero me han hecho tanto daño los kirchneristas, tanto daño que la gente que no lo vivió no lo sabe”.

La impotencia de Francese por la muerte de Ángel

Belen Francese mostró toda su indignación al hablar de la muerte de Ángel López, el niño de 4 años que vivía en Comodoro Rivadavia. “Algo que me preocupa mucho… es que no hay protección en las infancias, en los menores. Esta semana murió un niño de 4 años y no puedo terminar de leer las noticias”, explicó al borde del llanto.

Luego de cuestionar el accionar del Estado y de la Justicia, la exvedette hizo un pedido a las autoridades. “Yo pido por favor que evalúen cómo llega a vivir un niño una situación tan atroz. Es una barbaridad. No puede pasar, es el límite de todo. Los niños son el tesoro más preciado que tenemos y me angustia mucho ver esto, es abominable”. “Hay un sistema totalmente roto y que hace las cosas mal, porque esto podría haber sido evitado si fueran escuchados”, completó.

La propia Neumann contó en la mesa de Mirtha Legrand cómo conoció al piloto de TC: “Hacía tiempo que quería contactarse conmigo, me buscaba por las redes y pedía mi contacto a conocidos en común, entre ellos los chicos que trabajan con (el diseñador) Pablo Ramírez. Él se estaba haciendo un traje y sabía que yo, de vez en cuando, me visto con Ramírez”. Al final, quien le pasó el contacto fue la manicura de Nicole. “Ella fue la Celestina y conocía a Manu porque su esposo, Emanuel Moriatis, también corre carreras”, siguió. Previa consulta, la mujer pasó el contacto de Nicole y Urcera no se hizo esperar y la invitó a salir.

El primer encuentro fue en 2021 en una bodega de la familia del corredor, en San Patricio del Chañar, provincia de Neuquén. Y el flechazo fue mutuo. Sin embargo, Nicole tuvo algunas dudas. No le cerraba la diferencia de edad: ella tenía entonces 40 años y él, once menos. “A mí me gustó, pero pensé que era un poco chico y no tenía ganas de perder el tiempo. Ya tenía tres hijas, y siempre me gustaron los hombres más grandes, con experiencia, que me enseñen, me cuiden, me protejan. Nunca había estado con alguien más chico”, le confesó a Mirtha. Pero cambió de opinión a medida que lo fue conociendo: “Charlamos mucho y me di cuenta de que es una persona muy madura, y enseguida se involucró con mis hijas. Sabía que yo venía con una familia detrás. Y eso es algo que también me enamoró porque no se asustó”. Y agregó, entre risas: “Soy una señora desde que tengo 30, con mis hijas y mi carrera. Ninguna combinación más bomba que mujer con experiencia, y alma y cuerpo de niña”.

Los encuentros se fueron sumando, primero a escondidas para cuidar esa relación de los paparazzi. Hasta que un día lo presentó en un evento y todos empezaron a opinar. Ellos hicieron oídos sordos y redoblaron la apuesta mostrando fotos de viajes románticos en sus redes sociales. Se los veían felices en la playa o en la nieve, siempre abrazados. Pronto Urcera conoció a Indiana, Allegra y Sienna y hubo muy buena onda; las chicas aceptaron inmediatamente al nuevo novio de su madre. El vínculo se fue fortaleciendo y él fue un pilar importante durante la batalla legal de la modelo con Cubero, que duró siete años y aún tiene chispazos, cada tanto.

Boda y embarazo

Contra todos los pronósticos, inclusive las dudas de la novia, Nicole y Urcera se casaron por civil el 8 de noviembre de 2023. Fue en la provincia de Neuquén, donde reside la familia Urcera, en la exclusiva bodega Malma, en San Patricio del Chañar. Románticos, eligieron el lugar del primer encuentro. La fiesta fue un mes después, el 8 de diciembre, para 500 invitados y esta vez fue en la Estancia Monte Chico, en Exaltación de la Cruz. En el evento también estuvo Bernd Unterüberbacher, el padre de la modelo, quien viajó desde Austria para acompañar a su hija. Fue ese mismo día que la flamante pareja anunció que estaban embarazados. Cruz nació el 18 de junio de 2024, y el parto fue por cesárea programada. La familia se ensambló sin problemas y el bebé fue el centro de atención de todos, especialmente de las tres hijas mayores de Nicole.

Esta fue la tercera boda de Nicole. La primera fue con Nacho Herrero en 2005 y luego con Fabián Cubero, en 2008. Para Urcera, en cambio, fue la primera.

La felicidad se empañó varias veces en estos cinco años compartidos. Por una parte, el conflicto sin fin de Nicole con Cubero fue una piedra difícil en el camino del amor. Por un lado, estaban las idas y vueltas de las chicas a la casa del papá, que estaba hacía tiempo en pareja con Mica Viciconte y ya eran padres de Lucas; se decía que las niñas preferían pasar más tiempo con su mamá que con su papá. Incluso Indiana, la mayor, se mudó un tiempo con su papá y cuando cumplió 15 años no invitó a su mamá y tampoco fue a su boda por civil. Sin embargo, luego volvió a la casa materna. Y por otro lado, hubo rumores de infidelidad por parte de Urcera que él mismo se encargó de desmentir. Así, por el momento, este amor sigue viento en popa.

Por estos días, Carballo se encuentra en nuestro país por el estreno de la película La mujer del río, el cierre de la trilogía de Néstor Mazzini -antes se estrenaron 36 horas (2021) y Cuando oscurece (2022)- que la tiene como protagonista junto a César Troncoso. Además, aprovechará la oportunidad para mostrar de qué se trata Wine, Women & Words, el emprendimiento que lanzó en Barcelona: una experiencia que combina el mundo literario con el vitivinícola.

En esta entrevista con LA NACION, la actriz que se volvió viral con el corto Ni una sola palabra de amor y triunfó en España con su papel en la popular serie Las chicas del cable habla de cómo maneja la distancia después de tantos años, sus proyectos futuros y estos encuentros entre libros y vinos que la mantienen muy ocupada y entusiasmada.

—¿Cómo fue la vuelta de tu personaje, Érica, para La mujer del río?

—La película es un proyecto que se sostiene a través de los años, porque es una trilogía. La mujer del río es el cierre, un ciclo que se termina con todo un equipo con el que trabajamos a lo largo de los años. Lo que tiene de interesante es que son personas que se pudieron ir transitando a través de las otras películas y del tiempo. Es una oportunidad especial poder interpretar un personaje y darle un nuevo matiz.

—Viniste a Buenos Aires por trabajo. ¿Queda tiempo para recorrer y visitar amigos y familiares?

—Venir a Buenos Aires significa todo: trabajo y visitas. En este caso, además, vine a hacer dos eventos con mi proyecto personal Wine, Women & Words. Me quedo en Argentina hasta el 15 de abril. Hace casi dos años que no venía, considero que es bastante tiempo. Fueron dos años que pasaron bastante rápido entre Barcelona y Madrid, pero que no llegué a venir para este lado.

—¿Se extraña mucho?

—Sí, obvio. Un montón. No me acostumbro a no tener cerca a la gente que quiero. Obvio que uno se va haciendo de familia y amigos en donde vive. En España tengo un mundo hermoso de gente muy querida: tengo mi pareja, mi hermano también se fue a vivir allá. Pero hay algo muy único en los vínculos en su propia ciudad que se extraña siempre.

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—Alguna vez contaste que para vos noviembre es primavera, como en Argentina, pero en España es otoño. ¿Lo seguís viviendo igual?

—Hay algo en los meses y en las estaciones con lo que no dejo de pensar. Sobre todo en las Fiestas: hay algo en mi cabeza que se arma un imaginario de que es verano. Después caigo a la realidad de que estoy en la otra punta y es exactamente al revés. Hay algo en los meses de las estaciones que, por lo menos yo, no dejo de pensar nunca. Así como también al principio me costaba pensar qué hora era en Buenos Aires. Sobre todo por el contacto con la gente, esperando que se despierten para hablar.

—¿Cómo se maneja la distancia?

—Hablando todo el tiempo, con buena comunicación. Siempre es muy importante compartir cosas, fotos, audios, llamarse cada tanto, en lo posible. Aunque después llega el finde y tenés ganas de verlos. Igual, confío en que lo que se construyó y lo que es verdadero se sostiene. Cuando viajo, me junto con amigos y a las dos horas es como si no hubiera pasado el tiempo. No se siente la distancia. El sentido de la amistad que tenemos en Argentina es único. En España tengo una buena red, no me puedo quejar, pero una cosa no quita la otra. Llevo 15 años viviendo en Barcelona y me armé mi mundo.

—¿Pensás en volver a vivir a la Argentina?

—Por ahora no, mi proyecto está en Barcelona. Sí pienso siempre en poder volver a hacer cosas acá: venir a trabajar un tiempo, rodar. Siempre me gusta trabajar acá, más allá de venir de visita. Me gusta vivir la ciudad mientras trabajo.

—Cuando te convocan para un nuevo proyecto, ¿seguís sintiendo los mismos nervios que en los comienzos de tu carrera?

—Hay un nerviosismo que no se pierde nunca, que es parte también del proceso de actuar, de ir descubriendo al personaje. Siempre tengo un poco de nervios. Especialmente cuando son proyectos muy nuevos, con gente con la que no trabajé antes. Con esta trilogía, era llegar y decir “acá estamos, retomamos lo que dejamos”. Eso es muy especial, no es lo mismo que cuando arrancás de cero y tenés que conocerte con todo el mundo. Ese nerviosismo aparece por más que lleves muchos años trabajando.

—¿Qué diferencias sentís entre las producciones argentinas y españolas?

—Las grandes diferencias no son de filmar en un país o en otro, o el grado de producción que hay detrás: te puede tocar una gran producción detrás en ambos países y eso lo hace distinto. Para mí lo más diferente es que cuando filmo acá es estar en casa. Esa sensación es única. Te sentís más cerca.

—¿Cómo te gusta definirte?

—Principalmente me defino como actriz, de profesión. Y ahora también como emprendedora. Hace unos años emprendo con estos eventos que empecé a organizar mezclando lo literario con lo vitivinícola. Me gusta trabajar y esto es otra vía creativa que encontré también para hacer cosas que alimenten lo cultural.

—¿De qué se trata Wine, Women & Words?

—Me gusta definirlo como la recuperación del espacio de la tertulia, de la charla. Es una tertulia eno-literaria. Porque unimos los dos mundos: literario y vitivinícola. Tienen una particularidad, que los maridajes literarios tienen como protagonistas a las autoras detrás de los libros. La experiencia incluye la presencia en vivo de la autora con un libro y una sommelier, o un experto en vino, con las que trabajo para crear estos maridajes en donde conectamos los textos con los vinos. Hace tiempo lo vengo haciendo en Barcelona y funciona muy bien. Se armó una comunidad grande que viene a los eventos, que lo está esperando. Es un espacio lindo, de recuperación de la charla.

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—¿Cómo nace esta idea de reunir a personas para leer y tomar vino?

—Es una idea que tenía en la cabeza hace un montón de tiempo. Surgió básicamente porque es algo que a mí me gusta. Mil veces me he juntado con amigas a tomar vino, leer y luego charlar sobre ese libro. También tengo un club de lectura. Surgió primero como algo casual en mi cabeza, de decir: “Che esto estaría bueno”. De alguna forma imitar como el living de mi casa, pero pensé en buscarle un formato para que se pudiera sostener. Con gente que no conoce a la autora, que nunca tomó vino. De irnos con información. Empecé a explorar, empezó como algo muy íntimo en el living de mi casa, en casas de amigos. Y empezó a crecer y ahora son eventos casi mensuales.

—¿Cómo van a ser las experiencias en la Argentina?

—El fin de semana me voy a Mendoza, en Chateau D’Ancon, con la escritora Tamara Tenenbaum y la sommelier Camila Cerezo Pawlak. Y en Buenos Aires, será el martes 14 en Casa Cavia, también con Tamara y la sommelier Delvis Huck.

—Pasaron 13 años del corto que se volvió viral Ni una palabra de amor, cuando casi ni existía la palabra viralización. ¿Los argentinos te siguen identificando como María Teresa?

—Sí, en España y en Argentina. Es algo que viajó mucho. Es impactante. Ahora pasó bastante tiempo, pero todavía hay quien me dice que me ve una cara conocida. Me hago la “no sé, no sé”, y ahí se acuerdan y me dicen “sos la del corto”. Fue muy particular lo que pasó con ese trabajo, realmente. Y otra vez, fue un trabajo entre amigos. Pegó fuerte y se conserva algo que se popularizó. Fue muy especial.

—¿Qué significa Las Chicas del Cable en tu vida y en tu carrera?

—Fue muy especial para mí porque consolidó mi momento de poder trabajar en España. Venía haciendo cosas, pero cuando me llamaron de un proyecto así, después de tanto casting, que una siempre está esperando y nunca sabés, fue muy especial. Para mí también fue una fantasía poder habitar esa época, fue impresionante: el set, la ambientación, el vestuario, todo fue increíble. Ese ritual de estar horas antes para prepararnos , además de trabajar con gente muy talentosa, muy buenos compañeros. Me parecía increíble poder estar en el set y darle vida a los personajes argentinos de esa época.

—¿Te gusta ser villana?

—Sí, me encanta. Está buenísimo. Me parece que el mundo villano dentro de las historias tiene un montón para explorar. Justamente en la película La mujer del río, mi personaje está del otro lado, pero pienso que el ser villano tiene la posibilidad de un juego que es muy interesante y que se puede matizar por fuera de lo obvio. Si conseguís que el público empatice con un villano está buenísimo.

—¿Cuál es tu personaje pendiente?

—Estoy trabajando en algo que se viene en breve, y que no puedo comentar mucho. Es algo en cine con una directora muy joven que está haciendo algo muy interesante. Es para finales de este año o principios del año que viene en Buenos Aires, así que me instalaré unos meses.

—¿Qué otros proyectos tenés por delante?

—También estoy empezando a escribir una obra para producir en teatro en Barcelona. Está en una instancia muy inicial. Y en paralelo de la actuación sigo con mi proyecto personal que me copa mucho y me demanda tiempo también. Estoy trabajando mucho en los tres proyectos.

—Te espera un año cargado de trabajo...

—Encontré caminos, estoy contenta, con energía y ganas de creer y estar conectada con esa energía: mantenerse despierto, creativo y buscar vías. Siendo muy sincera, la actuación no siempre te devuelve la posibilidad de estar a full. Por más esfuerzo que hagas, a veces las cosas no suceden. Y es importante mantenerse siempre trabajando y activa.

En las últimas décadas artistas como Tom Cruise, Brad Pitt, Julia Roberts y Leonardo DiCaprio mantuvieron, aunque con altibajos, su condición de imanes de la venta de entradas sin que se asomara una nueva generación de estrellas con peso propio que pudieran tomar la posta. Se dirá que en la lista de los actores con mayor recaudación en la historia reciente de Hollywood figuran otros contendientes como Zoe Saldaña con la impresionante cifra acumulada de casi 16 mil millones de dólares en venta de entradas global por las 33 películas en las que participó como protagonista o Robert Downey Junior que superó los 14 mil millones de taquilla en los 45 films que lideró. Pero lo cierto es que ambos representan un fenómeno diferente para el cine de gran presupuesto: más allá de que sus figuras atraen a los espectadores, el influjo ocurre en gran medida por los proyectos en los que aparecen, ya sea en el universo cinematográfico de Marvel o en la saga Avatar.

Es decir, más allá de las estrellas de más de cincuenta años como Cruise, Pitt, Roberts y DiCaprio, Hollywood necesita de luminarias que tengan éxitos sostenidos en la taquilla global. Una nueva guardia cuya sola mención alcance para llenar las salas de cine, al menos durante el primer fin de semana de exhibición. Para alivio y alegría de la industria en los últimos meses parecen haber surgido cuatro candidatos que podrían representar al casi mitológico actor para los cuatro cuadrantes. A saber: un intérprete que despierte el interés de las cuatro principales muestras demográficas, espectadores masculinos y femeninos menores y mayores de 25 años, en las que la industria del cine estadounidense organiza al público general.

Ryan Gosling, Sydney Sweeney, Timothée Chalamet y Margot Robbie tienen todas las de ganar para ser las nuevas estrellas que con su sola presencia impulsen la trayectoria de la taquilla mundial, cada uno a su manera. No se trata, claro, de las ganancias a título personal, de hecho ninguno de los integrantes de los cuatro fantásticos, figuró en el listado que elabora la revista Forbes de los actores mejor pagos de 2025, en la que sí aparece, Millie Bobby Brown, por ejemplo, que a los 22 años es la más joven de la lista con un “sueldo” anual de 26 millones de dólares derivado exclusivamente de sus proyectos en Netflix, una cifra notable para la primera estrella nativa del streaming, pero que no contribuye a la vitalidad del cine en salas.

Ryan Gosling

Aunque las perspectivas eran buenas nadie esperaba que Proyecto fin del mundo se transformara en un éxito de público tan rotundo. A tres semanas de su estreno la comedia de ciencia ficción sumó una ganancia global de más de 425 millones de dólares. Es la tercera película más vista de la carrera de Gosling, detrás de Barbie (mil quinientos millones) y La La Land (523.1 millones) aunque en ambos casos el actor canadiense compartía el protagonismo con sus compañeras de elenco, Margot Robbie y Emma Stone, respectivamente, sino que además los elementos que despertaron la curiosidad de los espectadores por las películas excedían su presencia en ellas. En cambio, Proyecto fin del mundo, más allá de ser la adaptación de una exitosa novela de Andy Weir y de contar con una atractiva premisa inicial, es indudablemente la película de Gosling. El intérprete aparece en el 95% de las escenas film y en la mayoría de ellas su único compañero de cuadro es una simpática roca extraterrestre sin cara. ¿Alcanza eso para concluir que el actor ya forma parte del selecto grupo de intérpretes a los que una película les debe su éxito? Hay evidencias en contra y a favor. Por un lado, las últimas tres películas protagonizadas por Gosling más allá de Barbie-Blade Runner 2049, El primer hombre en la luna y la fantástica Profesión peligro-, obtuvieron resultados decepcionantes de taquilla. Y los directores de Proyecto fin del mundo, Phil Lord y Chris Miller, podrían haber sido un factor decisivo del suceso del film gracias a su experiencia en realizar sorpresivos éxitos aptos para todo público como Lluvia de hamburguesas y La gran aventura Lego y comedias de parejas desparejas como Comando especial.

A favor del grado de responsabilidad de Gosling en el taquillazo actual y la posibilidad de que pueda repetir la hazaña en sus futuros proyectos, aparece el esfuerzo y el compromiso total del actor durante la campaña de promoción de la película. Por estos días, la ubicuidad del protagonista de un film puede ser la llave para conseguir la buena respuesta del público. En este caso, Gosling se puso al frente de un emprendimiento tan importante para el futuro de Hollywood como lo es en la ficción el que emprende su personaje para salvar al mundo. Tal vez su próxima película sirva para confirmar su capacidad de generar un fenómeno de taquilla: el año que viene llegará a los cines Star Wars: Starfighter, una nueva aventura del universo creado por George Lucas en la que Gosling interpreta a un piloto rebelde que podría devolverle la fuerza a la extensa saga.

Sydney Sweeney

El caso de la actriz que se hizo conocida por su papel en la serie Euphoria es uno de los más curiosos del Hollywood actual. La publicidad alrededor de Sweeney como persona, la constante atención de los medios y los paparazzi sobre ella, más allá de las ficciones en las que esté involucrada resulta en un arma de doble filo que en más de una ocasión terminó por perjudicarla en la taquilla. En estos agitados tiempos políticos en los Estados Unidos una parte del público concluyó, con mucha ayuda de la prensa, que la ideología conservadora de la actriz-que ella nunca confirmó explícitamente-, no la hacía digna del lugar de estrella en ascenso que pretendía ocupar. Para otros, fue justamente su rápida trayectoria de la TV al cine y de los papeles de reparto a los protagónicos la que le jugó en contra. Lo cierto es que en los últimos cinco años, la carrera de Sweeney y sus resultados de taquilla fueron más que irregulares. Consiguió éxitos indiscutidos como gracias a la comedia romántica Con todos menos contigo y el reciente thriller La empleada-con una secuela ya anunciada-, pero también fracasos estrepitosos. En esa columna figuran films como Americana y la biopic Christy, un retrato de la vida de la boxeadora Christy Martin, que acumuló poco más de dos millones de dólares en venta de entradas. Y no solo eso: mientras que antes de su estreno se mencionaba la posibilidad de que la actriz podría formar parte de la temporada de premios por su interpretación, ante la casi nula respuesta del público y los varios escándalos públicos alrededor de Sweeney, no solo fue ignorada por los galardones de Hollywood sino que muchos se regocijaron por el aparente final de su carrera.

Sin embargo, en el corto plazo, esos tropiezos la ayudaron a subrayar su conquista de la taquilla con La empleada. No solo le pagaron siete millones y medio de dólares para encabezar el film de suspenso sino que cuando la película acumuló casi 400 millones en la taquilla global con un presupuesto inicial de 35 millones, una cifra modesta para los estándares de Hollywood, la industria tuvo que admitir que tener a Sweeney como protagonista es un buen negocio. Siempre y cuando no sea en un film biográfico sombrío en la que la mayoría del público ni siquiera la reconocía como la rubia voluptuosa que es.

Timothée Chalamet

A comienzos de febrero cuando parecía que nada podía impedir que el protagonista de Marty Supremo se llevara el Oscar a mejor actor la revista Indiewire le sumó una medalla que aún si los premios le eran esquivos, nadie podría quitarle. Según los cálculos de la publicación Chalamet acumula ganancias por dos mil millones de dólares en taquilla gracias a las trece películas que lleva como protagonista en su carrera. Si se sumaran las cifras de la venta de entradas de los films en los que formó parte del elenco, el número crecería hasta los tres mil millones. La marca es notable por varias razones: por un lado por su consistencia. En 2024 el actor encabezó dos películas exitosas con el público y la crítica en el transcurso de ocho meses -la segunda entrega de Duna superó los 700 millones en ventas de entradas a nivel global y Un completo desconocido no solo le aportó una taquilla de más de 140 millones de dólares sino también su segunda nominación al Oscar. En 2025, sumó la tercera con Marty Supremo que también logró un récord en el circuito de cine independiente al sumar un acumulado de taquilla global cercano a los 150 millones. La capacidad de Chalamet de atraer gente a las salas de cine volverá a probarse este año con el estreno de la tercera y última parte de Duna, la saga que ya lleva ganados más de mil millones de dólares desde su estreno en 2021. De todos modos, el mayor mérito del actor es haber conseguido esas cifras sin haber participado hasta ahora de las películas de superhéroes que suelen atraer la atención de la mayoría.

Margot Robbie

La carrera de la actriz australiana está dividida en dos partes: antes de Barbie y después de Barbie. Durante el primer periodo Robbie participó en películas de gran ambición artística como El lobo de Wall Street, Había una vez en Hollywood y Yo, Tonya, y otras de grandes presupuestos como Escuadrón suicida. Todas obtuvieron muy buenos resultados en taquilla pero ninguna dependió de su presencia para alcanzarlos. Eso cambió rotundamente cuando Robbie puso en marcha la película sobre la muñeca articulada más famosa de la historia. Lo que comenzó como un proyecto que Hollywood miraba de reojo, se transformó en un suceso tanto en términos de venta de entradas (sumó casi 1500 millones de dólares en la taquilla global), sino también en un fenómeno cultural que llevaba su cara como estandarte. Era justo: la actriz no solo fue la protagonista del film dirigido por Greta Gerwig sino que también fue su productora y más acérrima defensora ante el desconcierto de los ejecutivos de los estudios a los que se la ofrecía.

Claro que la capacidad de Robbie de convertir en oro todo proyecto en el que apareciera se puso en duda el año pasado cuando se estrenó El gran viaje de tu vida, un fallido drama romántico con elementos fantásticos que no logró atraer la atención del público. Sin embargo, antes de que alguien pudiera apresurar un juicio sobre la actriz y su atractivo para los espectadores, se estrenó “Cumbres borrascosas”. En medio de polémicas y la incomodidad de los conocedores de la novela de Emily Brönte, el film dirigido por Emerald Fennell se convirtió en un suceso inmediato de taquilla. Con Robbie como protagonista y productora la película acumuló 239 millones de dólares a nivel global. A partir de un presupuesto de 80 millones y en medio de la crisis mundial en la venta de entradas de cine, la película despejó las dudas. Más allá de algún tropiezo, la actriz australiana tiene lo que se necesita para sentar al público en las salas.

“Tengo historia a lo largo y a lo ancho de esta calle como en ningún otro lugar del mundo. Hoy, formar parte de esa historia es un verdadero sueño de mi infancia hecho realidad. Desde que tengo memoria, quise formar parte de esto: ser iniciado en el club y en la comunidad de la gente del espectáculo, esos individuos tan locos y diversos, esa tribu de raros y excéntricos, soñadores y apostadores que conforman este mundo. Lo amo más de lo que puedo expresar. Esto es todo lo que siempre quise hacer y todo lo que siempre quise ser”, expresó el actor durante su discurso de agradecimiento desde la icónica Hollywood Boulevard.

Su estrella es la número 2840 en la categoría de televisión y tiene una ubicación privilegiada frente a Downtown LA.

Durante la ceremonia, Wyle estuvo acompañado por su mujer, Sara Wells (46), con quien se dio un apasionado beso, su hija en común, Frances (10), así como Auden (20) y Owen (23), fruto de su matrimonio anterior con Tracy Warbin. “A mi esposa, Sara, y a mis tres maravillosos hijos. Ustedes son mi guía, son la razón por la que me levanto cada día, mi motivación para esforzarme más y la fuente de mi creatividad. Les agradezco su inspiración y por darle sentido y significado a mi vida”, añadió.

En 2025, Noah Wyle se puso en la piel del Dr. Michael “Robby” Robinavitch en The Pitt, la serie de HBO creada por R. Scott Gemmill y producida por John Wells, el mismo equipo que estuvo detrás de ER. El proyecto lo volvió a ubicar en el centro de la escena televisiva, también como productor ejecutivo y guionista, y marcó su regreso al drama médico, el género que lo lanzó a la fama y del que había procurado alejarse, al menos por un tiempo considerable.

“Fue como recoger un instrumento que no había tocado en 15 años y descubrir que mis dedos aún sabían dónde estaban las notas”, le dijo entonces a People. “Nunca me había obligado a salir de mi zona de confort ni a actuar con tanta agresividad y perseguir algo como lo hice con esto. Este proyecto es extremadamente importante para mí y me sorprendió lo lejos que estaba dispuesto a llegar para lograrlo y lo duro que estaba dispuesto a trabajar”, reconoció Wyle.

Justamente gracias a este trabajo logró un hito inédito en la industria: alzó el Primetime Emmy, el Television Critics Association Awards, el Critics’ Choice Television, el Golden Globe y el Screen Actors Guild Awards, todos en la misma temporada de premios y por la misma serie. Un éxito que muchos auguran podría repetirse con la segunda entrega de The Pitt, cuyo último episodio se emitirá el próximo jueves 16, mientras los guionistas ya están escribiendo la tercera temporada.

Después de doscientos cuarenta y un capítulos de ER (1994-2009) como el doctor John Carter y dos temporadas de The Pitt -de quince episodios cada una- en la piel del doctor Robby, Wyle asegura que, “lamentablemente”, el sistema de salud de los Estados Unidos no cambió mucho. “En aquel entonces hablábamos de 40 millones de estadounidenses sin seguro médico que recurrían a las salas de urgencias como principal fuente de atención médica. Y acá estamos, 30 años después, y esa cifra se ha duplicado, casi triplicado, y la gente ni siquiera acude a las salas de urgencias para recibir atención médica por infinidad de razones“, sostuvo en diálogo con Variety sobre las problemáticas que se ven reflejadas en ambas series.

En el Paseo de la Fama