“Ese evento me cambió la vida (…). La verdad que no me lo esperaba para nada. O sea, no era algo que había buscado, ni siquiera sabía que estaban haciendo castings para la segunda temporada”, confiesa el hijo de Valeria Mazza y Alejandro Gravier que en la serie interpreta a Torino, un rockstar con acento italiano.

Sobre este presente inesperado y el entusiasmo de su familia ante esta nueva faceta habla Benicio con LA NACION. Además, revela cómo se lleva con la fama y la exposición, algo que conoce desde chico pero que ahora empieza a vivir en primera persona.

-Te sumaste a la nueva temporada de Margarita, ¿cómo lo estás viviendo?

-Hoy estoy disfrutándolo y viendo todo lo que está saliendo cada lunes; la verdad es que no puedo estar más contento. Torino recién apareció en la tercera semana, así que se hizo esperar pero la verdad que muy contento.

-Ser actor no estaba entre tus planes, ¿no?

-Fue una historia muy loca porque hace más de un año fui a un evento donde estaban los chicos del elenco y Cris Morena, y una chica de su equipo me sacó una foto. Ella la vio y dijo: “Me gusta. ¿Quién es él? Llamémoslo para un casting”. Yo la verdad que no me lo esperaba para nada. O sea, no era algo que había buscado, ni siquiera sabía que estaban haciendo castings para la segunda temporada. El mundo del arte siempre me gustó y me interesó muchísimo. Es más, yo hice musicales en el colegio, pero no era algo que perseguí. Cuando me llamaron para hacer el casting, además de sorprenderme dije que sí. Tuve una semana para prepararme. Empecé a trabajar con mi profesora de actuación y de canto porque tenía que preparar dos escenas y dos canciones.

-Me imagino la reacción de tu hermana, porque sé que le gusta mucho todo el mundo de la actuación…

-Sí, ella me ayudó muchísimo. Las profesoras de actuación con las que trabajé eran las profesoras de ella, así que me dio una mano con eso. Además, me empezó a hablar de la historia porque yo había visto la primera temporada pero capítulos sueltos y ella fanática se había visto todo. Es más, a ese evento que fuimos, fuimos por ella. A partir de ahí se dio como un efecto mariposa que fue increíble.

-¿Cómo fue el casting?

-Fue adelante de Cris, de los dos directores y de la coach de actuación; o sea estaba todo el equipo y les gustó. Me fue muy bien y a partir de ahí entré en lo que es el taller de Cris, mientras seguía haciendo el casting en paralelo. Lo que me pareció muy loco fue que nosotros entramos como un equipo, pero el que estaba al lado tuyo podía quedar para el personaje que vos estabas haciendo y nunca se sintió como una competencia. Nunca se sintió como algo feo, que te mirás con cara mala, sino que se armó un grupo muy lindo. Desde el minuto cero, el grupo me recibió muy bien y eso me ayudó mucho para soltarme. Torino es un rockstar, es como el ídolo de todos. Yo los miraba a ellos como los tremendos artistas que son y cuando decían: “Acción”, se invertían los roles. Era: “Torino, ¿nos podemos sacar una foto con vos?”, ellos a mí (risas).

- ¿Siempre audicionaste para Torino o te podía tocar otro personaje?

-Había dos personajes, pero yo inicialmente hice el casting para Torino, que -en su momento- se llamaba Conde Duque, porque el personaje estaba escrito para ser español. Cuando a mí me contactan para el casting, Cris me dijo: “Vos le podés dar tu propio acento, hacerlo de donde quieras o que sea argentino”. Un día estábamos en la mesa familiar hablando de qué forma hacerlo y pensé: “¿Y si lo hago en italiano?”. Yo sé hablar italiano y se dio esa posibilidad para darle algo distinto. Así que empecé a trabajarlo y a Cris le encantó. Fue una buena primera impresión.

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-¿Cuánto tiempo pasó hasta quedar?

-El casting duró un mes y medio. Fue un trabajo intensivo, y además Cris necesitaba verme en todos los contextos: en lo que era el baile, la actuación y el canto. Yo tenía tantas ganas de estar que terminaba el taller y me iba a mis propias clases de actuación, a mis propias clases de canto, a mis propias clases de baile. Cada día que ella tardaba en elegir, para mí era como un día de ganancia para seguir preparándome.

-¿Cómo fue el día que te dijeron: “El personaje es tuyo”?

-Ese día estábamos en el estudio grabando la canción de Torino (que salió recién y se llama “Sin Permiso”) y cuando terminamos Cris me dijo: “La verdad que mejoraste un montón... Quedaste”. Lo que más me acuerdo fue la exhalación que hice, como diciendo: “No lo puedo creer, lo logré”. No era algo que soñaba de chico, pero en ese momento me di cuenta que era lo que quería. Fue como: “No puedo vivir sin esto”. Ir a ese evento me cambió la vida. Le agradezco muchísimo a Cris y a todo su equipo porque despertó algo en mí que no sabía que tenía.

-¿Qué dijo mamá Valeria?

-Ella estaba muy entusiasmada con esto, desde el día uno que me llegó el casting. Cuando quedé, la llamé de una. Es más, me acuerdo que quise grabar la llamada con el teléfono y no sé por qué no pude; o sea perdí un re recuerdo (risas). En realidad, llamé a la familia entera pero sólo me contestaron mi mamá y mi papá y les dije: “Quedé, quedé, quedé” y ellos empezaron a gritar. Se pusieron como locos, muy contentos. No se lo veían venir. Ellos sabían el trabajo que yo estaba haciendo pero, al irme a la mañana y volver a la noche, no les contaba tanto.

-Esta experiencia no sólo significó tu debut como actor, sino también instalarte en Uruguay para el rodaje…

-Sí, pero fue mejor porque, al estar grabando todos los días, en el momento en que nos íbamos te enfocabas solo en eso. Además con los chicos era casi como si fuese un viaje de egresados. O sea, laburábamos y después comíamos juntos, o si alguno tenía el día libre nos tomábamos unos mates a la tarde. Eso de compartir con el elenco fue muy bueno. Yo que los conocía muy poco y que no había compartido nada con ellos, de la nada nos hicimos amigos.

-¿Van a hacer teatro?

-No sé. Yo sigo entrenando y preparándome porque siento que en algún momento Cris va a decir: “Chicos, hay teatro, tenemos ensayos” (risas). Ojalá que sí.

-Te veíamos un poco como el sucesor de tu mamá, porque siendo tan chico ya tuviste la posibilidad de estar en pasarelas increíbles… ¿Eso quedó atrás?

-La verdad que hoy en mi cabeza tengo las dos cosas. En realidad, primero fue lo de Margarita. Nosotros terminamos de grabar y después se me dieron los dos desfiles: en septiembre con Giorgio Armani y en febrero de este año con Emporio Armani. El modelaje a mí me gusta mucho. Lo empecé como hobby y hoy es algo en lo que me siento mucho más cómodo. Creo que eso también fue un poco por la actuación. Si bien lo del modelaje ya lo hacía hace tres años, desde el minuto uno que empecé a actuar me sentí más cómodo.

-¿Te gustaba el modelaje o fue de tanto verla trabajar a mamá?

-Nosotros somos cuatro hermanos y nuestros papás nos dejaron hacer lo que nosotros quisiéramos. Tenemos esa libertad, y yo lo elegí porque me interesaba, no es que me metí porque mi mamá lo hizo. Me llegó la posibilidad de una agencia y a partir de ahí arranqué. De a poco me fui metiendo más. Hoy quiero hacer las dos cosas y además, estudio Negocios Digitales en la Universidad de San Andrés.

-¿Cómo fue desfilar para marcas tan importantes?

-Fueron experiencias increíbles. El nivel de producción, la cantidad de modelos que había, lo que se usaba. Yo nunca tuve puesto algo de Armani; es algo que no suelo usar y decía: “Qué bien que me queda, me encanta” (risas). El segundo desfile, como ya había tenido mi debut, lo disfruté mucho más; estaba más suelto.

-¿Tuviste a mamá sentada en los dos desfiles? ¿Te dio tips?

-En los dos. En el primero, ella estaba nerviosa y muy emocionada. Me dio tips, pero más que nada buscados por mí. Ella siempre nos dice que uno tiene que ser uno mismo y tiene que ir lo más confiado posible. Pero yo por ahí la llamaba y le decía: “Che, ¿tengo que caminar al lado de alguien? ¿Los pasos al mismo tiempo o al ritmo de la música?”. Y ella me dijo que me quede tranquilo, que todo me lo iban a explicar porque cada desfile es específico, cada caminata es específica. Ella también estaba muy emocionada porque Armani fue muy especial en su carrera. Se casó con un vestido de Giorgio Armani, o sea la marcó mucho a lo largo de los años. Así que fue muy lindo.

-¿Cuándo te diste cuenta que eras el hijo de Valeria Mazza?

-Hay una anécdota que siempre cuento que es muy graciosa. Estábamos en Italia caminando por la calle, yo creo que tenía seis o siete años, y en ese momento era la época de los paparazzis. Viene un fotógrafo y mamá y papá sonriendo como si nada; súper profesionales. De repente, uno, dos, tres, cuatro, cinco… En un momento había diez paparazzis enfrente nuestro con los flashes. Yo la tenía a mamá de la mano y me acuerdo que le decía: “¿Mamá, por qué nos sacan fotos?” Y ella me decía: “Shhh, sonreí y mirá para adelante. Después te explico” (risas). A medida que fui creciendo fui entendiendo la magnitud de todo lo que hizo. Hoy agarrás YouTube y ves todos los desfiles que ha hecho, su propia serie, el documental. Cuando me metí en el modelaje, como que todo el mundo me miraba distinto. Me preguntaban por ella, pero la verdad que a mí no me molesta. No lo siento como un peso. Siento que tiene sus pros y sus contras…

-¿Cuáles son los contras?

-Por ahí esto que te decía de tener las cámaras encima. Hay que saber cómo usarlas. Ellos siempre nos mostraron eso, desde el minuto uno porque no nos ocultaban que tenían exposición en lo que hacían y siempre nos integraron en esto. Es como llevar a tu hijo al trabajo. El trabajo de ellos era este entonces ¿por qué no nos iban a mostrar?

-¿Qué fue lo más loco que te pasó en esto de acompañar a mamá? ¿Conociste a algún ídolo?

-A Messi. Era muy chico y no tengo foto pero nos lo cruzamos en Barcelona. Fue tremenda experiencia. Por ejemplo, Antonio Banderas… Yo me di cuenta que él era Antonio Banderas después de haber estado en su casa. Se conocen hace muchos años con mis papás y nosotros de chicos hemos ido a su casa a comer. Y hoy que estoy muy metido en la actuación empiezo a ver cosas de él y digo: “Wow, todo lo que hizo”, y yo con diez años estaba ahí en su casa y no entendía quién era (risas).

-Sé que tenés una hermosa relación con tus hermanos y que tienen un grupo de WhatsApp sólo de hermanos, sin papá y mamá...

-Solo de hermanos. Tenemos el de la familia los seis y otro los cuatro. Y ese se mueve mucho. Nos mandamos muchos videos tontos, nos reímos mucho entre nosotros. El más grande, Balthazar, vive en Madrid, entonces ahí reconectamos siempre un poco los cuatro.

-¿Lo extrañás?

-Sí, obvio. La verdad que con los viajes que hacen mis papás por trabajo, “Balto” que vive en Madrid y “Tizi” con el esquí, cuando estamos los seis juntos es muy lindo. Son pocos momentos en el año entonces siempre lo disfrutamos mucho.

-Seguís de novio… ¿Qué dice Lola que ahora sale con un actor?

-Lola me acompañó mucho. Hace un poco más de tres años que estamos juntos; la conozco del colegio, desde chiquitos. La verdad que es un mundo nuevo para los dos, ella me hacía preguntas que ni yo sabía contestar (risas). A medida que yo iba conociendo todo, ella me fue acompañando. Conoció a todo el elenco, conoció a todo el equipo, me vino a visitar a Uruguay también cuando estamos grabando. Me bancó y estuvo al lado mío siempre; la quiero mucho.

-¿Sos enamoradizo?

-Sí, es muy lindo poder compartir y armar planes. Yo creo que lo más divertido es siempre armar el plan de cita, salir afuera a comer y tener una excusa para vestirte bien.

Con la conformación de una nueva placa, quedaron nominados los siguientes seis jugadores: Brian Sarmiento, Tatiana “Tati” Luna, Catalina “Titi” Tcherkaski, Gladys “La Bomba” Tucumana, Tamara Paganini y Leandro Nigro. Vale recordar que hay cuatro participantes que bajaron de placa con voto positivo, y el orden fue el siguiente: Cinzia Francischiello, Andrea del Boca, Manuel “Manu” Ibero y Yisela “Yipio” Pintos.

A raíz de eso, la audiencia evidenció que está dividida para votar a quién quieren que abandone la casa, por lo que hay muchas dudas. La encuesta realizada por “Fefe” Bongiorno, en la que enfrentó a La Bomba, Tati y Titi, reveló que sus seguidores están mayormente en contra de Tatiana Luna, quien sumó el 32,9%.

De igual manera, es importante remarcar que Titi quedó apenas por detrás con el 32,3% de los votos, por lo que la audiencia evidenció estar dividida para elegir a quién quiere eliminar. En último lugar apareció La Bomba con el 27,6%, un número que es alto al tener en cuenta que la opción “Otro” apenas acumuló el 7,1% de los 3.915 votos totales.

Si estos resultados se repitieran el lunes, Gran Hermano Generación Dorada volvería a tener una eliminación femenina, luego de apenas una “excepción” que fue Eduardo Carrera. Antes de él, se fueron de manera consecutiva las siguientes: Daniela “Dani” de Lucía (12°), Grecia Colmenares (13°), Lola “Lolo” Poggio (14°) y Danelik Galazan (15°). Ahora solo resta esperar, pero el público parece tener decidido que Tati o Titi abandone el reality el próximo lunes 1 de junio.

Si querés sorprender a tu pareja, familiar o amigo, prestale atención a este top ten de producciones elaborado por la plataforma que selecciona las mejores propuestas para el fin de semana.

Las cinco mejores series para disfrutar este fin de semana en Netflix

1. Berlín y la dama del armiño (2026)

Thriller/Acción. Ansioso por dar un nuevo golpe, Berlín reúne a su banda en Sevilla y convierte a un ambicioso duque en víctima de su propio plan: robar una obra de arte de Leonardo da Vinci, “La dama del armiño”. Duración: ocho episodios. Ver Berlín y la Dama del Armiño.

2. The Boroughs: jubilación rebelde (2026)

Ciencia ficción/Drama. En un apacible complejo residencial para jubilados de Nuevo México, un peculiar grupo de héroes se convierte en la última línea de defensa contra una amenaza de extraterrestres que vienen de otro mundo dispuestos a arrebatarles justo lo que no tienen: tiempo. Duración: ocho episodios. Ver The Boroughs: Jubilación rebelde.

3. Futuro desierto (2026)

Ciencia ficción/Drama. Alex es un psiquiatra que se muda con su familia desde Silicon Valley a un aislado pueblo en Chiapas, donde comienza a probar androides diseñados para integrarse en la vida cotidiana. Lo que ignora es que su trabajo forma parte de un plan mucho más amplio y secreto impulsado por la empresa tecnológica que lo emplea. Duración: seis episodios. Ver Futuro desierto.

4. Carísima (2026)

Comedia/Redes sociales. Caro, quien organiza su cumpleaños número 30, conoce y se enamora de Leo, un psicópata con múltiples personalidades. Ella se queda atrapada en un espiral donde tiene que salvar tres cosas: su fiesta, su identidad y su vida. Duración: diez episodios. Ver Carísima.

5. Envidiosa 4 (2026)

Comedia/Romance. Vicky se anima a convivir con Matías, pero la vida en pareja no viene sola: también aparece Bruno, el hijo de nueve años, fruto de la relación anterior de él, listo para instalarse en la ciudad. Entre lidiar con Nora, la madre del chico, y enfrentarse a los fantasmas de su propia infancia, Vicky descubre una versión inesperada de la maternidad. En el trabajo, un proyecto soñado irrumpe de la mano de Nicolás, alguien que creyó dejar atrás y que ahora sacude su presente. Y mientras su hermana y sus amigas lidian con los enredos del amor y la maternidad, Vicky tendrá que aceptar que la verdadera familia no siempre es la que se imagina, sino la que se elige. Duración: diez capítulos. Ver Envidiosa 4.

Las cinco mejores películas para disfrutar este fin de semana en Netflix

1. Dibu Martínez: El pibe que ataja el tiempo (2026)

Documental/Deporte. Emiliano, un niño soñador de Mar del Plata se convirtió en el ‘Dibu’ que hoy todos conocemos, uno de los grandes héroes del fútbol argentino. El documental cuenta la historia de este chico que descubre que tiene el poder de detener el tiempo y discute con una pelota que le recuerda todos los desafíos que tiene por delante. Con una combinación de secuencias animadas, imágenes de archivo y entrevistas a sus amigos, familiares y compañeros de equipo, es un relato de cómo su fuerza interior lo llevó a alcanzar la gloria, convirtiéndose en una inspiración para las nuevas generaciones. Duración: 1 h 18 min. Ver Dibu Martínez: El pibe que ataja el tiempo.

2. Las damas primero (2026)

Comedia/Romance. Un machista se despierta en un mundo alternativo matriarcal, donde la dinámica de poder de la sociedad se invierte. Duración: 1 h 33 min. Ver Las damas primero.

3. El escape perfecto (2009)

Suspenso/Terror. Cliff y Cydney son una joven pareja aventurera que pasa su luna de miel en una de las más maravillosas y remotas playas de Hawái. Creen haber encontrado el paraíso en sus tierras salvajes y senderos solitarios, hasta que se encuentran con un asustado grupo de excursionistas que hablan sobre el horrible asesinato de unos recién casados en las islas, y comienzan a preguntarse si quizás deberían volverse. Indecisos sobre qué hacer, Cliff y Cydney se unen a otras dos parejas, Nick y Gina y Kale y Cleo, y es cuando las cosas comienzan a ir terroríficamente de mal a peor. Duración: 1 h 37 min. Ver El escape perfecto.

4. Secuestro (2017)

Acción/Suspenso. Una plácida tarde en el parque se convierte en una pesadilla para Karla, una madre soltera, cuando unos secuestradores se llevan a su hijo. Sin celular con el que comunicarse ni tiempo para acudir a la policía, Karla inicia una persecución frenética para salvar a su hijo. Duración: 1 h 35 min. Ver Secuestro.

5. Intercambiados (2026)

Animación/Fantasía. Una pequeña criatura del bosque intercambia mágicamente el cuerpo con un majestuoso pájaro del valle, lo que obliga a estos dos enemigos naturales a colaborar para sobrevivir a la aventura más salvaje de sus vidas. Duración: 1 h 41 min. Ver Intercambiados.

Miniso, la cadena de retail de origen chino con alma japonesa, inauguró este jueves su segunda tienda en el Dot Baires Shopping. Y, mientras cargaban sus cestas con algunos productos de la marca, las modelos fueron fotografiadas en un momento de pura complicidad. Entre risas y abrazos, posaron frente a la cámara de Willy García Navarro, el CEO y director de la agencia de modelos Multitalent.

“Diosas mis amigas!! Las quiero”, escribió en la descripción del clip de unos segundos que compartió en sus stories de Instagram. Minutos más tarde, Zaira replicó junto a emojis de corazones la imagen y añadió otra postal en la que estaba junto a su colega eligiendo uno de los productos de Miniso. Pese a que la etiquetó y agregó un emoji de un osito, con el que intentó demostrar ternura, Paula no replicó ninguna de las publicaciones en las que se la vio con ella.

Sin embargo, este no es el primer reencuentro en lo que va del año. A finales de abril, mientras Chaves transitaba el duelo por la muerte de su perro Moro, quien fue su compañero durante 16 años, reapareció en su vida Zaira Nara. “Hubo un acercamiento, pero la vida... Viste que a veces te cruza en momentos puntuales, así que sí, hubo un lindo acercamiento”, admitió la hermana de Wanda Nara en diálogo con Intrusos (América TV).

Aunque dijo que no iba a hablar más del tema, admitió que el reencuentro fue “lindo para las dos”. “Me parece que hay mucho cariño”, sostuvo.

Por otra parte, en el programa también fueron a buscar a Paula Chaves. Aunque la modelo desestimó la palabra “reconciliación” para referirse a Nara, sí aceptó la de “acercamiento”. “Está todo bien”, insistió y acto seguido dio detalles de cómo fue el inesperado reencuentro, al que ella misma definió como obra del “destino”.

“Nos encontramos de casualidad en un local de ropa”, explicó y agregó: "Por arte de magia nos encontramos las dos en un primer piso cara a cara, solas, así que está todo bien. A veces las cosas y las personas están en los momentos indicados, cuando uno menos lo espera”.

El trasfondo del quiebre entre las modelos, quienes supieron ser mejores amigas al punto de que Zaira se convirtió en la madrina de Filipa (la hija menor de Paula), radica en un complejo conflicto de códigos afectivos. El distanciamiento estalló cuando la menor de las Nara comenzó un romance con el polista Facundo Pieres, quien años atrás había sido una pareja muy importante en la vida de Chaves, mucho antes de que ella formara su familia junto a Pedro Alfonso.

Aunque Zaira intentó hablarlo previamente con su amiga para obtener su aprobación, y Paula inicialmente le dio el visto bueno para no interponerse en su felicidad, con el correr del tiempo la situación se volvió completamente insostenible para ambas. Chaves admitió públicamente que el noviazgo de su íntima amiga con su ex le resultaba incómodo, raro y doloroso, lo que provocó un quiebre interno insalvable en el vínculo.

1) El gran showman

Dirigida por Michael Gracey (Rocketman, Better Man), protagonizada por Hugh Jackman, Michelle Williams, Zac Efron y Zendaya y con una aclamada banda sonora a cargo de Benj Pasek y Justin Paul (La La Land), está basada en la vida de Phineas Taylor “P.T.” Barnum, uno de los productores de espectáculos más populares del siglo XIX.

2) El padre de la novia

Steve Martin se pone en la piel de George Banks, un hombre felizmente casado con Nina (Diane Keaton) y padre de Annie (Kimberly Williams-Paisley) y Mattie (Kieran Culkin), cuya vida se vuelve una pesadilla cuando su hija le anuncia que va a casarse y se ve obligado no solo a enfrentarse a su yerno, sino también a la exorbitante cuenta de la fiesta.

3) Una noche en el museo

El nuevo guardia de seguridad nocturno del Museo de Historia Natural de Nueva York descubre las inesperadas y mágicas cosas que suceden cuando se cierran las puertas y se apagan las luces.

• Bonus Track: Una noche en el museo 3: El secreto de la tumba también puede verse en la plataforma hasta el 31 de mayo.

4) Mi amiga la sirena

Un clásico de los 2000. Protagonizada por Emma Roberts, Sara Paxton y Joanna “JoJo” Levesque, sigue la historia de dos mejores amigas que encuentran a una sirena en la pileta del club en el que veranean.

5) Más barato por docena

La vida de Tom Baker (Steve Martin) da un giro cuando, al cumplir su sueño de dirigir a un equipo de fútbol americano, debe lidiar con una mudanza y una casa con doce hijos mientras su esposa está de viaje para promocionar su nuevo libro.

• Bonus Track: La secuela Más barato por docena 2 también está disponible en la plataforma hasta la misma fecha.

6) La última canción

La película que marcó el inicio de la historia de amor entre Miley Cyrus y Liam Hemsworth. Estrenada en 2010 y basada en la obra de Nicholas Sparks, sigue a Ronnie (Cyrus), una joven pianista que se ve obligada a pasar el verano en Georgia junto a su padre y su hermano menor.

7) Maze Runner: correr o morir

Thomas (Dylan O’Brien) se despierta encerrado en un laberinto con solo algunos fragmentos aislados de su pasado en la cabeza y sabe que, si quiere seguir con vida, él y los otros jóvenes que se encuentran allí deben escapar si quieren sobrevivir.

• Bonus Track: Las otras dos entregas basadas en las novelas de James Dashner, Maze Runner: prueba de fuego y Maze Runner: cura mortal, también estarán disponibles en la plataforma hasta el 31 de mayo.

8) Dr. Dolittle

Un clásico de los clásicos. El doctor John Dolittle, interpretado por Eddie Murphy, tiene un don: hablar con los animales. Sin embargo, esto lo hará tener más de un problema.

• Bonus Track: Dr. Dolittle 3 también se puede ver en la plataforma hasta el 31 de mayo.

9) Los pingüinos de papá

El Sr. Popper (Jim Carrey) es un importante hombre de negocios que debe dar vuelta su vida cuando se ve obligado a transformar su departamento en el Polo Norte al recibir como herencia una bandada de pingüinos.

10) El llamado salvaje

Protagonizada por Harrison Ford y dirigida por Chris Sanders, narra la historia de Buck, un valiente perro que debe afrontar una nueva vida en Alaska.

Pilar Smith compartió los mensajes que le envió Wanda Nara para responder a las acusaciones. En primer lugar, dijo que la deuda era de Mauro Icardi. “Él pagaba eso y esta chica me robó. Que agradezca que no la denuncié”, sostuvo y dijo que desde el banco le avisaron que le duplicó la tarjeta y que la usó para hacer “compras de muebles a su departamento nuevo”.

“Mauro dejó deudas en todos lados”, insistió y dijo que, en el caso de Olivera, “el contador le hizo la liquidación y ella pidió diez veces más. Por eso estamos en juicio, porque siempre ayudo y dono. (...) Pero no le voy a pagar más de lo que le corresponda”, aseveró Nara y reveló que una noche bajó al garage y se dio cuenta de que su auto no estaba y “le tuvieron que pedir que no se lo lleve para irse de joda”.

“Nos robó arándanos, nueces y almendras”, aseguró. “Y sí, a Mauro le sumó una cuota de una actividad que hacen más. Ni su propio trabajo hizo bien porque ella debía dar de baja esta actividad de las chicas”, arremetió Wanda Nara, explicando que las actividades extraescolares de Francesca e Isabella corren por cuenta del futbolista, pero que “también debe todo lo demás”.

“Ayer contamos un poco. Había un poco de malestar entre Mario Pergolini y Agustín Aristarain, su colaborador, ganador del Martín Fierro a Mejor Labor Cómica, porque a partir de la semana que viene Rada se iba a tomar varios días. Primero se estuvo tomando días por ensayo y, a partir de la semana que viene, días porque empieza su espectáculo Charlie y la fábrica de chocolates", recapituló Adrián Pallares.

Incluso, recordaron que en vivo Pergolini le tiró a su compañero de trabajo algunos palitos por sus reiteradas ausencias. “Ayer Mario Pergolini, al aire, ya le pasó factura. O sea, algo que venía como por abajo, subterráneamente; ya ayer al aire entre chiste y chiste, ya se lo dijo a Rada”, señaló el periodista.

La razón por la que el actor habría decidido tomar este trabajo sería en parte por la remuneración y, por otro lado, porque su sueño es continuar brillando en el teatro y la televisión es una pantalla para hacerse conocido y que la gente lo quiera ir a ver. “Me parece coherente de parte de Rada, que es un tipo que está apostando a una carrera teatral que no tiene techo. No se va a inmolar por ser segundo de Pergolini. Está buenísimo en lo que hace. Y le va a permitir ser primero a él seguramente en programas a futuro”, remarcó Rodrigo Lussich.

“Pergolini gana diez veces más que él. Y él ahora va a ganar diez veces más que él mismo. O sea, va a ganar lo mismo que Pergolini en un mes malo o regular de Charlie y la fábrica de chocolates“, sumó Camilo García, panelista del ciclo.

Para tener la palabra directa de uno de sus protagonistas en esta polémica, las cámaras de Intrusos lo esperaron a Rada a la salida de las grabaciones de Otro día perdido y le mostraron el recorte de uno de los tensos idas y vueltas que tuvo con Pergolini. “Le pido mil disculpas y le agradezco todos los días que entro. Le digo: ‘Gracias’. También a los guionistas, porque los guionistas tienen que correr. Y le digo gracias a Mario porque me honra que cambie el horario de grabación y que me permita estos días no venir. Porque la semana que viene voy a faltar tres días. Y más adelante voy a faltar unos días más”, contó tras ver las imágenes.

Sin embargo, aseguró que sus faltas habían sido avisadas con gran cantidad de anticipación tanto a Mario como a toda la producción. “Que yo iba a ser Willy Wonka lo sabía antes de que existiera Otro día perdido. Todos lo sabían“, remarcó. A pesar de los avisos previos, todos los días su jefe le haría reproches al respecto. Tras hacer oídos sordos a este tema, Rada explicó que su paso por el programa solo es una herramienta para seguir promocionando sus trabajos como actor.

“Todo lo que yo hago alrededor del teatro es para que la gente venga a verme al teatro. Todo. Las redes sociales, la televisión. Por supuesto que es un trabajo (Otro día perdido) y un gran trabajo, y uno de los que más amo y más amé. Pero yo todo lo que hago es para que cuando la gente quiera ir al teatro diga: ‘A ver, voy a ir a ver a este bol...’“, explicó.

“Porque lo que yo hago en el teatro es lo único en lo que yo siento: ‘Esto yo lo sé hacer’. Y dejo el alma. En todos mis laburos dejo el alma, acá también lo hago”, concluyó y reconoció su pasión por estar sobre las tablas del escenario donde hacer reír, emocionar y hasta llorar a sus espectadores.

“Estoy piloteando la limu”, dijo el cantante en el video en el que se lo pudo ver mientras conducía su auto con música de fondo. “Justo estoy pasando por la estación. Voy a frenar en la parada del bondi que va para mi barrio y nada, hay espacio. Al que vaya para el barrio, vamos a decirle que lo alcanzo”, expresó. El video terminó ahí y no se pudo comprobar si finalmente cumplió con su deseo de acercar a algún vecino. Adicionalmente, luego decidió borrar la historia.

La semana pasada, el músico también dio de qué hablar por un posteo en sus redes sociales. Mostró su costado más vulnerable y sensible al compartir una sentida reflexión personal en la que se refirió a su presente y habló sobre sus decisiones, errores, aprendizajes y deseos. “Siempre tuve y tendré la intención de ayudar a los demás porque eso me hace sentir bien, pero también comprendí que siempre hay que equilibrar y no olvidarse de uno mismo”, escribió.

“En este momento yo me necesito a mí más que nunca. Me desahogo, reflexiono hasta el punto límite y vuelvo a tomar fuerza para tomar las mejores decisiones que creo que me van a hacer bien”, continuó y cerró: “Errores tienen todos, un buen corazón, muy pocos. Así que ahí vamos de nuevo. El piola soy yo”.

En la emisión del jueves 28 de mayo de Sálvese quien pueda (América TV), Majo Martino reveló que un famoso actor estaba separado de su novia “después de muchísimas idas y vueltas”. Dijo que en el último año apostaron por la convivencia, pero las cosas no funcionaron. Luego de las especulaciones, finalmente confirmó que se trataba de Sierra y Giménez.

Acto seguido compartieron una entrevista con el ex Casi Ángeles, en donde se sinceró sobre el final de la relación. “Estamos en un momento difícil, pero bien, con mucho amor, trabajándolo, hablando. Nos queremos mucho y se nota. Lo intentamos mucho y lo seguimos haciendo”, reflexionó y dio cuenta de que, más allá del distanciamiento, aún se siguen en las redes sociales.

Sierra admitió que están en “un momento difícil”, pero que hay mucho amor. “Nos queremos mucho y los dos queremos lo mejor para cada uno”, aseguró y continuó: “Hay tanto amor que uno siempre intenta, pero bueno, después en el día a día a veces las cosas quizás no se dan como uno quiere”.

En cuanto a si ve posible superar la crisis, se limitó a decir: “No lo sé, la verdad. En este momento es medio triste y doloroso“.

El actor y la bailarina se conocieron en 2021 cuando bailaron juntos en Showmatch, La Academia, y al poco tiempo confirmaron su relación. Fueron novios durante un año y medio hasta que en 2023 decidieron, en buenos términos, tomar caminos separados. Sin embargo, el amor nunca se fue del todo y a mediados de 2025 se dieron una segunda oportunidad y hasta apostaron por la convivencia. Sin embargo, ahora, a cinco años de su primer encuentro, atraviesan una crisis que, hasta el momento, no se sabe si será temporal o definitiva.

La modelo usó sus historias de Instagram para recomendar el video que subió Bautista a su canal de YouTube, en el que retrató cómo fue su primera experiencia tanto en el ring como frente a la cámara. “Bienvenidos sean todos a esta nueva etapa de mí, de youtuber y de boxeador”, introdujo. “Es un proyecto muy importante para mí. Hace mucho tiempo tengo ganas de pelear con público. Siempre me mantuve cerrado y entrené solo. Mis padres capaz vieron alguna que otra cosa, pero nunca me vieron boxear, así que seguro se lleven una gran sorpresa”, explicó.

En la segunda parte del video se lo pudo ver en acción durante su primera pelea. Si bien dio todo de sí, perdió y decidió hacer una autocrítica y contar lo que no se vio de aquel día. Reveló que por un tema personal su entrenador no pudo estar presente y que él mismo llegó tarde al evento, sin desayunar, y no logró hacer una buena entrada en calor. Las vendas que le pusieron no estaban bien y el tema del peso también fue un inconveniente, porque terminó pesando seis kilos menos que su rival.

“Estaba ansioso, con nervios, con ganas de que arranque, de poder largar todo lo que sentía. Inicia el round y yo salgo como un loco, desesperado por ganar porque pego las primeras manos y me sentía bien, rápido, pero en mi cabeza no sabía que me iba a pasar lo que me pasó. Tranquilamente me podría haber lesionado por no haber entrado en calor; hubiese sido un fracaso enorme”, reconoció.

Si bien dio cuenta de que hubo cosas que dependían de él y otras que no, aseguró que todavía le “queda mucho por aprender” y se mostró deseoso y entusiasmado por ganar experiencia en su carrera como boxeador.

Según contó el propio artista días atrás, tropezó mientras llevaba un bajo nuevo y, en un acto reflejo para evitar que el instrumento se dañara, apoyó la mano contra el suelo. El resultado fue una lesión severa que terminó con varios huesos fracturados y una operación en la que le colocaron clavos y tornillos.

Luego de la cirugía y tras varios días de reposo, acudió a su primera consulta con el traumatólogo y, a través de sus redes sociales, relató cómo vivió ese momento y la mezcla de emociones que lo atraviesa desde el accidente. “Hoy fue mi primer visita al traumatólogo luego de la operación, de ese día solo recordaba su sonrisa, capa y satisfecho acompañada de un par de ‘salió todo bárbaro’, aunque el miedo y la anestesia me impedían entender o asimilar mucho más de lo que decía, por lo que tenía muchas preguntas guardadas para hacerle”, escribió.

“No solo la primera visita al doc; fue mi primera salida luego de muchos días adentro, por lo que quise callejear un poco, unas buenas cuadras. Extrañaba salir a caminar, aun con un día como hoy, frío, húmedo y gris. Mi cita médica fue en un consultorio cerca del Colón, por lo que la experiencia en el espacio exterior se dio en lo más barroco del centro porteño, en los carteles se leía Lavalle, Corrientes, Diagonal Norte y calles así”, recordó.

Uno de los momentos más impactantes de la revisión llegó cuando el especialista retiró la inmovilización que cubría gran parte de la mano y el antebrazo. Aunque la imagen de los puntos y la atrofia muscular fue fuerte, el artista contó que sintió un enorme alivio al volver a tener contacto directo con su piel después de semanas de no poder hacerlo.

“Me sacó todo el yeso y la venda que recubría la mano y parte del antebrazo, lo que fue un gran alivio. Más allá de la impresión de ver los puntos y toda la atrofia, era casi orgásmico el placer de volver a tocarme la piel de la palma y de las partes que se pueden tocar”, expresó.

Ahora toca una de las partes más importantes de la recuperación, que incluirá semanas intensas de kinesiología. “Seguimos hablando de las ocho semanas que ahora quizá sean 12, es lo que entiendo de los ‘2 a 3 meses’ que tiró un par de veces. Me mostró bien las partes donde se rompió, me contó bien los materiales que metió adentro y cómo. En diez días me sacan los puntos y comenzará la rehabilitación de la mano y de los dedos, de mi moral ya arrancó pero eso es más para largo”, señaló.

En otro tramo de su escrito, el exbajista de Luis Alberto Spinetta hizo una analogía de su duro día con la situación económica del país: “Puede que mi juicio esté teñido del color del día que fue hoy, pero qué dureza todo. Empezando por la ciudad, los negocios que quedan funcionando como pueden, los que cayeron, la gente a pie, los laburantes y los otros que no son ni laburantes ni de a pie, los habitantes de la calle, rollos de frazadas sucias y patas desnudas. La mugre gana la escena y el cableado roñoso de vereda a vereda que ya nadie mira y a nadie parece importarle”.

Además, dejó una crítica punzante al gobierno de Javier Milei. “Un local de panadería gigante y vacío a la luz de una bombita en el medio, un pibe que baja bolsas de hielo de una vieja fiorino blanca, los teatros y sus obras con el elenco sonriendo lo más que puede en el ploteo de las puertas, las estrellas de la vereda caprichosísimas limosneando recuerdo a Olinda Bozan o Gogó Andreu. El apocalipsis libertario y todo su electorado deambulando roto y con la mirada sin ver, todo luce como un gran manotazo de ahogado sin retorno”, reflexionó.

Luego, al retomar el tema de su actual situación de salud, indicó que es muy molesto en esta época del año lesionarse, debido a que la ropa no queda como debería y el frío se cuela por esos pequeños espacios que quedan sin tapar. “Mi venda/yeso, ahora un poco mas pequeña, sigue sin caber en el puño de la campera, por lo que ando mitad vestido y mitad tapado, no es nada cómodo y es el otro motivo por el que me da paja salir. Es un verdadero alivio que no duela, aunque molesta y pica mucho la cicatrización", aseguró.

Por último, se tomó el tiempo de agradecer a todos aquellos que le enviaron mensajes de cariño y afecto en estos días tan complicados de su vida. “Recibí mucho cariño estos días, qué lindo se siente el acompañamiento amoroso de amigos, artistas, colegas, familia y de toda la gente que no conozco, pero que me acompañaron estos días. Algunos me recomiendan profesionales, otros me cuentan sus horribles accidentes para que me quede tranquilo y otros son más chistosos. Uno me dijo que me consiga un buen alumno para que toque con la izquierda y yo con la derecha; otros me citan a Django Reinhardt o al batero de Def Leppard. Me curan, me salvan y nunca voy a dejar de agradecerlo”, bromeó.

“Una última cosa: La mítica casa de música Blues es ahora El mundo del cepillo”, concluyó. Rápidamente, el posteo se volvió viral con cientos de likes y mensajes de acompañamiento para el artista.

Mediante sus estados de WhatsApp, el artista compartió una frase en portugués que reza: “Nunca subestimes la rapidez con la que Dios puede cambiar tu situación”. Aquel posteo también lo replicó María del Carmen Leone, la esposa del ex Dulce amor.

Pese a que es la primera vez que Darthés realiza una publicación luego de que el Tribunal Regional Federal de la 3.ª Región rechazara dos recursos presentados por su defensa, la relación entre el actor brasilero y la religión no es algo nuevo. Es que a principios de abril trascendió que se convirtió en pastor evangélico, refugiándose en la fe dentro de una comunidad religiosa del país vecino.

La información fue revelada por el periodista Gustavo Méndez en su programa de streaming La posta del espectáculo (TV Pública). Según contó, el actor “está pastoreando en una iglesia evangélica de Río de Janeiro”.

El caso judicial

Cabe recordar que la causa judicial contra Juan Darthés se originó por la denuncia de la actriz Thelma Fardin, quien lo acusó públicamente en 2018 de violación en 2009 durante una gira laboral de la novela juvenil Patito Feo en Nicaragua, cuando ella tenía 16 años y él 45.

Debido a que Darthés se radicó en Brasil (país de su nacimiento que no extradita a sus ciudadanos), se inició un histórico proceso de cooperación internacional entre las fiscalías de Argentina, Nicaragua y Brasil.

Tras una absolución inicial en primera instancia bajo el argumento de falta de pruebas concluyentes, el Tribunal Regional Federal de Brasil revirtió el fallo y lo condenó a seis años de prisión por abuso sexual de forma semiabierta, una sentencia que fue ratificada de manera definitiva por la justicia brasileña tras rechazar las últimas apelaciones de la defensa.

Brian Caruso volvió a ponerse en la piel del personaje para una nueva pieza de una conocida bebida alcohólica de origen italiano, que recupera una de las frases más recordadas de la canción principal de Cebollitas: “Bancarse ser segundos, también es ser campeón”. La línea, nacida en pleno clima futbolero de aquella década, terminó transformándose en algo más que una letra de ficción: una especie de consuelo colectivo, una ironía compartida sobre las derrotas dignas y ese modo muy argentino de convertir incluso la frustración en identidad.

La campaña retoma ese mismo humor exagerado y lo traslada a la previa de un nuevo Mundial. Esta vez, el reencuentro con Gamuza se da en una conversación atravesada por chicanas futboleras, donde aparece un personaje francés todavía marcado por el recuerdo reciente de la final de Qatar 2022. Porque si aquel partido dejó algo más allá de la tercera estrella para Argentina, fue también la instalación de un nuevo latiguillo popular que rápidamente se volvió parte del folklore digital y callejero: “Segundo, Francia”. Una frase breve, pero lo suficientemente cargada como para condensar la manera en que el fútbol se extiende mucho más allá del resultado.

En paralelo, este regreso dialoga con otro movimiento cultural más amplio: la recuperación de la memoria afectiva de toda una generación que creció con Cebollitas. El proyecto de un spin-off que explore qué fue de la vida de sus personajes vuelve a poner en circulación ese universo televisivo que funcionó, para muchos, como una primera educación sentimental del fútbol, la amistad y la competencia.

Del chico que entró “por la ventana” a una vida lejos de la televisión

La historia de Brian Caruso dentro de Cebollitas parece escrita con la misma lógica de la ficción que lo hizo famoso. Cuando el casting ya estaba cerrado y los personajes definidos, él insistió igual. Tenía apenas ocho años cuando se presentó en Telefe junto a su madre y pidió hablar con la producción. “Me tenés que tomar”, les dijo, con una seguridad que terminó abriendo una puerta inesperada.

La anécdota se volvió con el tiempo parte del mito del programa. Le hicieron una prueba improvisada, se aprendió textos que ni siquiera le habían asignado y terminó quedándose con un personaje que no existía en la estructura original de la historia. Su primera aparición fue mínima: limpiaba el vidrio de un auto parado sobre un cajón de manzanas para alcanzar el encuadre de cámara. Nada hacía pensar todavía en el fenómeno que estaba por venir.

Pero Cebollitas explotó. Lo que había sido pensado como una ficción de verano se extendió durante dos años, agotó funciones teatrales y se convirtió en uno de los programas infantiles más populares de fines de los 90. Gamuza se volvió uno de los personajes favoritos del público, y Brian Caruso recibió el premio Martín Fierro a Mejor Actuación Infantil en 1998.

Tras el éxito, siguió trabajando en otras ficciones televisivas como Muñeca Brava, Calientes, Los buscas de siempre y Todos contra Juan, pero con el tiempo comenzó a correrse de la exposición constante. Su carrera tomó otros rumbos: desde hace más de 14 años trabaja en el mundo de los sistemas y la tecnología. También estudió dirección de cine, se vinculó con la música y la escritura, y mantiene una presencia activa en redes sociales, donde suele compartir recuerdos, archivos y escenas inéditas de Cebollitas.

En ese recorrido también hay una relación particular con el propio pasado: lejos de negarlo, parece haber encontrado una forma de convivir con él. Incluso trabaja en un documental que busca recuperar material histórico de la serie, giras teatrales y anécdotas detrás de escena. Una manera de ordenar una memoria que sigue circulando de forma fragmentaria en el imaginario popular.

El joven de 24 años inició los trámites legales para dejar de usar legalmente el apellido “Pitt” y pasar a llamarse oficialmente Maddox Chivan Jolie. La noticia, revelada por el sitio TMZ y replicada por medios estadounidenses, se suma a una serie de decisiones similares tomadas por otros hijos de la pareja en los últimos años.

Según los reportes, Maddox ya venía utilizando únicamente el apellido Jolie en ámbitos profesionales. De hecho, en los créditos de la película Couture, dirigida por su madre y presentada este año en Francia, Maddox apareció mencionado como “Maddox Jolie”, una señal que ahora parece anticipar el cambio formal.

La decisión no llega en un contexto aislado. Desde la separación de Jolie y Pitt en 2016, la relación entre el actor y varios de sus hijos se volvió cada vez más distante. El divorcio, que derivó en años de disputas judiciales por la división de bienes, expuso además acusaciones de maltrato por parte del protagonista de El club de la pelea durante un vuelo privado ocurrido poco antes de la ruptura definitiva. Aunque Pitt negó esas versiones y nunca fue acusado formalmente, el episodio marcó un antes y un después en la dinámica familiar.

Maddox fue el primer hijo adoptado por Angelina Jolie en 2002, cuando todavía estaba casada con Billy Bob Thornton. Años después, Brad Pitt lo adoptó legalmente y el apellido del joven pasó a ser Jolie-Pitt. Durante mucho tiempo, Maddox fue considerado uno de los hijos más cercanos a Jolie y uno de los más distanciados del actor.

Tras la separación de la pareja, los hijos comenzaron a acompañar a Jolie en eventos y alfombras rojas, algo que no ocurrió con Pitt. El acuerdo de custodia establecía un régimen de visitas para los hijos menores, con excepción de Maddox, que ya era mayor de edad.

En distintas entrevistas, Jolie ha señalado que priorizó la estabilidad de sus hijos durante el prolongado proceso judicial. Incluso decidió permanecer en Los Ángeles —una ciudad que ha dicho no disfrutar especialmente— para evitar conflictos vinculados con la custodia.

El caso de Maddox tampoco es el primero dentro de la familia. En 2024, Shiloh —la primera hija biológica de la pareja— solicitó legalmente quitar “Pitt” de su nombre apenas cumplió 18 años. Zahara, por su parte, ya se había presentado públicamente como “Zahara Jolie” durante un acto universitario, mientras que Vivienne apareció acreditada solo con el apellido materno en un programa teatral de Broadway.

En Hollywood, donde los movimientos de las grandes celebridades suelen quedar reducidos al terreno del espectáculo, el caso de la familia Jolie-Pitt tomó otra dimensión porque involucra cuestiones personales profundas y una exposición mediática constante. El conflicto atravesó juicios, disputas por la bodega Château Miraval en Francia y años de especulaciones sobre el vínculo entre Pitt y sus hijos.

La repercusión en redes sociales fue inmediata. En las redes, muchos usuarios interpretaron la decisión de Maddox como una confirmación del deterioro del vínculo familiar. Algunos comentarios incluso relacionaron el cambio de apellido con experiencias personales similares de distanciamiento paterno.

Hasta el momento, ni Jolie ni Pitt hicieron declaraciones públicas sobre la decisión de su hijo. Tampoco trascendió cuánto tiempo demandará el proceso judicial para oficializar el nuevo nombre. Sin embargo, para buena parte de la prensa estadounidense, el gesto tiene un peso simbólico evidente: el apellido “Pitt”, durante años asociado a una de los hombres más valorados de Hollywood, parece haber perdido peso dentro de su propia familia.

Bridget Marquardt y Holly Madison vivieron en la mansión como novias de Hefner entre 2001 y 2009 y se hicieron famosas por protagonizar el reality de E! The Girls Next Door. Hoy, las dos son investigadoras del fenómeno paranormal.

La mujer del armario

La experiencia más recordada de Marquardt ocurrió durante una noche tranquila en su habitación. Su hermana y su amiga Stacy la acompañaban; acababa de adoptar un cachorro. Las tres conversaban en la cama con una copa de vino y la televisión prendida cuando, de reojo, vieron a una mujer parada en la puerta del armario. “Tenía el pelo negro, largo y lacio, era muy pálida y muy delgada. Llevaba una camiseta blanca que le quedaba enorme y unos vaqueros negros desteñidos”, describió Marquardt. Cuando se dio vuelta para mirarla de frente, la figura ya no estaba. La amiga rompió a llorar. La hermana se quedó en estado de shock.

Marquardt sintió que era una mujer a la que podía reconocer. Años antes de instalarse en la mansión, la habían invitado a una sesión de fotos de prueba para Playmate y allí conoció a Joanie, la secretaria social de la casa. Era una mujer cálida, conocida como la “madre de la mansión”: conocía a todas las chicas y a todas las mascotas y se ocupaba de que todo funcionara. Cuando Marquardt regresó como residente permanente, se enteró de que Joanie había muerto de cáncer. “Estoy casi segura de que era ella”, dijo. “Creo que vino a ver la nueva incorporación a la mansión. La nueva mascota”.

La mujer del gimnasio

Madison tuvo su propio encuentro en el sótano. Un día, mientras entrenaba en el gimnasio, vio a una mujer salir del baño y cruzar frente a ella con un top deportivo fucsia y pantalones negros. La tomó por una Playmate en plena sesión de fotos. Dobló la esquina para verla y encontró una puerta; la abrió: era un pequeño armario. No había ninguna otra salida. Para que la mujer hubiera dejado el gimnasio, tendría que haber pasado de nuevo frente a Madison. Nunca la volvió a ver.

Tiempo después, Madison y Marquardt estaban en la habitación de esta última con álbumes de recortes cuando Madison dijo en voz alta que necesitaría más pruebas para creer del todo en los fantasmas. En ese momento, el televisor se encendió solo y el volumen subió al máximo. “Necesité varias experiencias antes de darme cuenta de que algo raro estaba pasando”, reconoció.

La sala de juegos y los empleados

El personal de la mansión también tenía sus historias. Los empleados de limpieza evitaban la sala de juegos, una habitación llena de máquinas de pinball y recreativas, y pedían que un guardia de seguridad o un mayordomo los acompañara cuando era inevitable entrar. Contaban que las puertas se cerraban solas, que los juegos se encendían sin que nadie los tocara y que el piano tintineaba en el silencio.

Brian Olea, quien fue gerente de servicios para huéspedes durante dos décadas y condujo el programa Mansion Mayhem en Playboy Radio, contó su propio episodio. Esperaba que un ejecutivo terminara una reunión en la biblioteca para poder prepararla para un evento. Cuando el ejecutivo salió, fue a limpiar el lugar, pero la puerta estaba cerrada con llave. Ninguna llave la abría. Fue a consultar con el guardia de seguridad para confirmar que el ejecutivo había salido por la entrada principal. Cuando volvió, la puerta estaba entreabierta cinco centímetros. “Se me erizó todo el pelo del cuerpo”, dijo. “Miré al guardia y me dijo: ‘¡Alto, alto, alto!’. Los dos lo vimos. Nadie nos va a creer. ¿Qué demonios acaba de pasar?”.

La dueña original y otras leyendas

Existe una historia de fantasmas que precede a Hefner. Se dice que la dueña original de la mansión, esposa del empresario Arthur Letts Jr., quien la mandó construir en 1927, cayó, fue empujada o saltó desde un balcón al suelo de mármol y que su espíritu nunca abandonó la propiedad. Marquardt intentó verificar esta historia durante una de sus clases de investigación paranormal, pero no encontró pruebas documentales. Hefner, consultado al respecto, le dijo a Madison que la historia era una invención de una mujer con quien salió en los años ochenta. Él no creía en fantasmas.

El sueño de Hef

Marquardt no pudo visitar a Hefner durante los últimos años de su vida y tampoco la invitaron a su funeral cuando él murió en septiembre de 2017, a los 91 años. Esa falta de despedida le pesó durante mucho tiempo.

Poco después del fallecimiento, tuvo un sueño que describió como diferente a cualquier otro. En él, manejaba hasta la mansión y era recibida por el personal de seguridad. Adentro, la casa estaba vacía y oscura; sonaba música de los años cuarenta. De repente, Hefner bajaba las escaleras y abría los brazos. Le decía “¡Cariño!” con su carcajada característica. Marquardt sintió el abrazo, la tela de su chaqueta de fumar, el olor de su colonia. “Fue tan real”, dijo. “Sentí que me estaba despidiendo de él. Y era bueno”.

Denuncias y polémicas por fiestas grupales

Si bien el fundador de Playboy fue visto por años como un seductor imparable, con el tiempo empezaron a salir a la luz denuncias de exempleados y de “conejitas” que lo acusaron de conductas indebidas.

Tal fue el caso de Crystal Hefner, la última esposa del magnate, quien concedió una entrevista al medio Daily Mail y recordó a través de un libro cómo fue vivir con Hugh en sus últimos cinco años de vida. Cabe aclarar que ella tenía 21 años y, él, 81.

“Cuando estaba en la residencia, impuso un toque de queda a las 6 de la tarde para garantizar que estuviera en casa para compartir su cena (siempre sopa de pollo con queso crema y galletas saladas) y ver sus películas favoritas. Luego, al anochecer, esperaba que participara en el sexo grupal por el que Hefner era famoso”, explicó con angustia.

Respecto de esta petición, sostuvo: “Fue embarazoso. No sé cuántas personas habrían estado en nuestra habitación al mismo tiempo, pero… muchas. Bastante mal. Pensábamos ‘ahora es tu turno’. En realidad, nadie quería estar allí, pero creo que en la mente de Hef todavía pensaba que tenía 40 años y esas noches, la gente, la mansión, solidificaron esa idea”.

Mediante su cuenta de Instagram, donde acumula poco más de un millón de seguidores, la exvedette publicó imágenes de su escapada a la Patagonia junto a su hijo Francisco Capozzolo, su nuera Natalia y su nieta Catalina. “Feliz cumple, Naty”, escribió sobre el video que publicó en las últimas horas en sus stories con el que mostró la cálida celebración de un nuevo aniversario por el nacimiento de su nuera.

En la escena se observa a ‘Grace’ vestida con un buzo rojo, mientras aplaude y canta con entusiasmo junto a Francisco y su pequeña nieta para agasajar a su nuera, quien está sentada frente a un plato con una porción de torta y una vela encendida.

En la siguiente instantánea, se mostró como una abuela orgullosa al cantar junto a la beba “La vaca Lola”, la canción de El Reino Infantil y La Granja de Zenón. Las imágenes no tardaron en enternecer a su comunidad, que destacó el compromiso que tiene la diva con los suyos.

Además de disfrutar de la intimidad familiar, la actriz aprovechó para recorrer y capturar la belleza de la Patagonia. En sus redes sociales compartió postales de lagos, montañas, cielos grises y árboles con los típicos colores otoñales en tonos rojos y naranjas, lo que reflejó el clima de calma, conexión con la naturaleza y disfrute que eligió para esta etapa de su vida.

No es la primera vez que Graciela sorprende al compartir momentos junto a su círculo íntimo. En octubre del año pasado, Catalina recibió su primer añito de vida y la conductora publicó una serie de imágenes que resumieron el festejo, el cual fue al aire libre, en un jardín decorado para la ocasión. “Las fotos de familia, un poco fuera de foco, un poco mirando para cualquier lado, pero con mucho, mucho amor”, escribió junto a un video con algunos recortes del día.

En ese sentido, Alfano aprovechó la publicación para hablar de su rol como abuela, una faceta que, según explicó, la llena de alegría. “Nada más hermoso que la palabra ‘abuela’. Solo los que sabemos el amor que significa nos engrandecemos al oírla”, resaltó.

Catalina es la hija de Francisco Capozzolo —el hijo del medio de Graciela Alfano—, quien en 2009 conmovió al país tras sufrir un grave accidente automovilístico que lo dejó en estado crítico. Después de una milagrosa recuperación, el joven logró rehacer su vida y formar una familia. Por eso, el nacimiento de Catalina tuvo un significado sumamente profundo para la actriz, quien no dudó en definir su llegada como “una bendición” para todos.

Francisco es fruto del matrimonio de Alfano con el empresario Enrique Capozzolo, con quien estuvo casada durante once años. La relación llegó a su fin en 1993, aunque el divorcio se concretó formalmente recién en 2007. A raíz de ese vínculo nació también Gonzalo.

En los 90 la vida lo encontraría en los Estados Unidos: radicado en Los Ángeles, donde se codearía con las estrellas más rutilantes de Hollywood. Y allí se convertiría en representante de muchas de ellas y viajaría por el mundo acompañándolas a programas de televisión y festivales internacionales. Así fue que volvió varias veces a la Argentina junto a Sophia Loren, Christopher Reeve, Geraldine Chaplin, Jacqueline Bisset, Joan Collins, Sharon Stone, Shirley MacLaine, Jeremy Irons, Ursula Andress, Jean Claude Van Damme y Kathleen Turner, Esther Williams, Faye Dunaway, La Toya Jackson e Ivana Trump, entre tantísimas figuras.

Hoy, ya radicado nuevamente en Buenos Aires, se destaca como productor de los programas Argentina de película y Entrevistas de película, que conduce por América TV Teté Coustarot (otra de sus grandes amigas); y como adaptador de la aclamada pieza Paraíso, que protagoniza Luciano Cáceres en el Teatro Regio. Pero para toda la colonia artística Daniel Mañas (tal su verdadero nombre) es mucho más que sus múltiples oficios. Es Dany, el self man confiable y generoso, al que todos respetan y quieren de amigo.

Sus inicios y la ayuda de Mirtha

—¿Cómo te iniciaste en el mundo del espectáculo?

—A los 13 años empecé a trabajar en el teatro Olimpia de Mar del Plata como “che pibe”. Era el chico de los mandados. Comencé ahí gracias a José Slavin, que luego se convertiría en un actor muy conocido. Yo era compañero de sus hijas en el secundario y él me quiso dar una mano. La obra era Cien veces no debo, de Ricardo Talesnik, y con él trabajaban Pepe Soriano y una actriz española que hacía de la chica embarazada, el papel que luego interpretó en el cine Andrea Del Boca. En el elenco también estaba Emilio Disi, que por entonces era un actor dramático. El espectáculo se ofrecía en el circuito off de la ciudad. Así que era todo a pulmón.

—¿Mirtha Legrand fue quien, más tarde, te abrió las puertas de la televisión?

—Sí, y el asunto fue así: yo también trabajaba en la consejería del hotel Chateau Frontenac, que era el más lindo de la ciudad porque lo había hecho un francés. De repente, Mirtha y su esposo, Daniel Tinayre, se instalan allí cuando vienen a hacer la obra 40 kilates. Entonces se me ocurre dejarles una cartita que decía: “Yo trabajo en teatro, si necesitan un asistente”. Al otro día Mirtha aparece en el lobby y me pregunta: “¿vos sos el de la cartita?“. Yo respondo que sí y ahí Daniel agrega: ”no tenemos nada para vos, querido". Pero Mirtha intercede y le dice: “No seas así, Daniel, por ahí hay algo, ya te vamos a avisar”. Y al otro día nomás, Mirtha me dice: “Sí, necesitamos un chico en los camarines para que atienda a los actores, si alguien quiere un café o lo busca un periodista”. Y eso es lo que hice hasta que terminó la temporada.

—¿Y luego?

—Cuando bajó de cartel la obra, Mirtha me preguntó: ‘¿Tenés algún plan para venir a Buenos Aires?´. Y yo le contesté: plan sí, pero medios no. Entonces me dijo: “Si hay alguna vacante en los almuerzos de Canal 9, te voy a avisar”. Eso fue a fines de febrero, cuando yo acababa de terminar la secundaria y tenía 17 años. A mitad de marzo me llamó y me dijo: “Venite porque el asistente de producción se fue”. Y así fue que empecé a trabajar con ella. Me instalé en una pensión que me recomendó una modelo de alta costura de Mar del Plata, que era limpia y barata, en Cangallo y Montevideo. Todas las mañanas me tomaba el 102 hasta los estudios de la calle Gelly, presenciaba el programa, luego hacíamos una reunión de producción y después me quedaba toda la tarde en el canal haciendo las tarjetas con la info de los invitados del siguiente día. Por último, a las 19.30, me iba para la casa de Mirtha, en Barrio Parque, y se las dejaba en mano a su asistente Elva para que a la noche Mirtha las estudiara. Y de ahí me volvía a la pensión con una valija repleta de cartas, las que Mirtha recibía diariamente y que yo debía leer y clasificar para que ella las comentara al aire.

—¿Cuántos años trabajaste junto a ella?

—Fueron 10 años en total, y fue una verdadera escuela de producción. A pesar de que había un productor, la productora real del programa era Mirtha. Después de cuatro años como asistente, de repente sucedió algo. Ya estábamos en Canal 13, hubo una discusión y el productor se fue. Ahí los directivos del canal empezaron a buscar un nombre importante para ofrecerle, pero Mirtha les dijo: “olvídenlo, yo me arreglo con Dani”. Y desde entonces pasé a ser su productor general.

—¿Hoy son amigos con Mirtha? ¿Se tutean?

—Sí, somos muy amigos; de hecho, me invita todos los domingos a tomar el té a su casa, pero nunca nos tuteamos, ni antes ni ahora, nunca en 50 años de relación. Mirtha ha sido y es una persona muy importante en mi vida. Hubo algo que ha cambiado en nuestra relación, sobre todo en los dos últimos años: la intensidad de su ternura hacia mí, la mirada, el escucharme muy especialmente, el pedir mi opinión. Antes, cuando ella era joven y estaba en plena vorágine del trabajo, eso no sucedía. Ahora, de repente, me pide que me siente al lado suyo, luego me toma la mano y hasta me da un beso.

Su relación con Susana

—Con Susana Giménez también trabajaste. ¿Es otra de tus amigas?

—Sí, con Susana fue al revés de Mirtha. Primero fuimos amigos y luego trabajamos juntos. Siendo un adolescente, la fui a ver en Mar del Plata cuando hizo Las mariposas son libres. Recuerdo haber pensado: wow, esta no es la chica de (la propaganda del jabón) Cadum que no sabe hacer nada, ¡es una comediante! Estaba al mismo nivel que Rodolfo Bebán y China Zorrilla. Por eso muchos años después yo insistí para que ella fuese la protagonista de La mujer del año. Decían: “No, ella viene de la revista, no es para eso”, pero yo la recordaba de aquel entonces y sabía que lo podía hacer. Bueno, lo concreto es que yo la conozco personalmente siendo productor de Mirtha. La he llegado a llamar de un día para el otro para llenar un bache y ella siempre me decía que sí. En esos tiempos no existían los canjes ni los estilistas, pero ella siempre se las arreglaba para venir impecable si yo la llamaba. Una vez vino con un vestido que le hizo la abuela todo tejido al crochet. Y empezamos a coincidir en comidas después del teatro y así nos fuimos haciendo amigos.

—Entre otras actividades, fuiste autor de varios unipersonales de Carlos Perciavalle, ¿es verdad que la relación terminó mal?

—Sí. A él lo conocí cuando hacía espectáculos de café-concert, monólogos con un solo cambio de ropa. En recintos algo alejados. Yo le propuse que hiciera algo distinto: shows con varios personajes, cambios de vestuario y de escenografía, en algún teatro del centro. Fue ahí que arreglé para que hiciera la última temporada del teatro Grand Splendid (antes de que pasase a ser cine). Yo le propuse que hiciera de Isabel Perón, un personaje muy fuerte para aquella época. Él no quería saber nada, decía que no era imitador como Antonio Gasalla. Al final lo convencí y yo terminé escribiéndole los guiones. Fue un boom, el teatro se venía abajo. Después pasamos al Maipo y estuvimos como cinco años repitiendo el esquema, pero con distintos personajes. Siempre con éxito. También hacíamos los veranos en Punta del Este. Después, cuando hizo La jaula de las locas, junto a Tato Bores, yo lo acompañé, pero de repente pasó a ser otra persona... Estaba muy cambiado, muy agresivo. Por último, me terminó debiendo un montón de plata. Y hasta ahí llegué.

—A fines de los 80 asumiste la triple responsabilidad de dirigir, adaptar y producir la comedia Alta sociedad. ¿Ese fue el mayor fracaso de tu carrera?

—Depende de cómo se lo mire. Algunos hablaron de fracaso porque lo comparaban con los éxitos de La mujer del año y de La jaula de las locas, pero hace poco encontré una carpeta con los borderaux de Alta sociedad y no estaban mal: los viernes y sábados metíamos 700 personas pagas por día. Hoy eso sería un exitazo. La obra no bajó por falta de público ni por un error de casting, como algunos aseguraron. Los inversores no sabían nada de teatro, tenían una empresa de lotería y se metían en todo. No me escuchaban. Antonio Grimau estaba muy bien porque siempre está muy bien. Y Nicolás Repetto también estaba bien. En cuanto a Susana Traverso... no estuvo a la altura de las circunstancias.

Hello Hollywood

En marzo de 1990 Mañas se radicó en Los Ángeles para, en principio, trabajar en la Nederlander Organization (una de las dos grandes productoras de espectáculos musicales de los Estados Unidos). El ofrecimiento lo había recibido directamente del presidente de la compañía, Stan Seiden, quien, tras su paso por Buenos Aires, había quedado maravillado con sus trabajos de director y coautor de los musicales Tango-Tango y Argentina Pasional. “Yo llegué un sábado a Los Ángeles y el lunes me puse a estudiar inglés en una escuela, de 18 a 21, todos los días. Así me hice un lugar en ese mercado tan competitivo: con una oportunidad que no desaproveché, algo de suerte y mucho estudio y trabajo”, recuerda quien trabajó allí intensamente durante dos años.

—¿Cuándo te convertís en representante de estrellas?

—Al poco tiempo de abandonar la compañía. El primer artista que traje a la Argentina fue Christopher Reeve, el protagonista de Superman. Luego siguió Sophia Loren. En el primer viaje asistió al programa de Susana (Giménez) y uno o dos años después volvió al país para un aniversario de la revista Caras. Después empecé a traer figuras a distintas ediciones del Festival de Cine de Mar del Plata, entre ellas a Jacqueline Bisset, Jeremy Irons, Kathleen Turner y Geraldine Chaplin. Y también viajé con ellos, o con otros, a Chile, Brasil, España, Italia, Budapest. En total, representé a 50 figuras.

—¿Qué recuerdos tenés de esas figuras?¿Alguna te desilusionó? ¿Por qué?

—Con todos siempre hubo una relación muy amable, incluso con algunos de mucho cariño y hasta de amistad. Con el único que viví una situación desagradable fue con (el famoso mago) David Copperfield. En el tope de su fama, cuando salía con (la modelo) Claudia Schiffer, lo llevé a España, al programa Sorpresa ¡Sorpresa! Lo fui a buscar al aeropuerto para ir a un breve ensayo al canal y en cuanto arranca el auto, me pide la plata, el dinero de su cachet. Yo le digo que le iban a pagar en el canal, tal cual había arreglado con su mánager, en Las Vegas; y él, sin mediar una palabra, le pide al chofer que pare el auto y se baja en plena autopista.

—¿En serio?

—¡Sí! Un loco. Regresó al aeropuerto caminando y yo atrás de él, sin poder creer la situación, repitiéndole: “estás equivocado, estás equivocado”. Su intención era tomarse de regreso el mismo avión con el que había llegado. Cuando llega al mostrador de la aerolínea, llama por teléfono a su mánager a los Estados Unidos, donde serían las 4 de la mañana, y despierta al pobre tipo para quejarse. De repente veo que su semblante se transforma y me pasa el teléfono. Su mánager me pide disculpas, me dice que ya le explicó todo y volvemos en el auto sin hablarnos. Él nunca se disculpó y yo, a partir de ahí, le hablé lo mínimo y necesario.

—¿Cómo fue tu vínculo con Sophia Loren?

—Fantástico. Ella es una mujer muy tímida. Y yo soy muy respetuoso, algo que aprendí con Mirtha. Entonces supe cómo manejarme con ella desde el vamos. Como Sophia suele tener sus reparos, la primera vez me citó en el hotel Beverly Hills para tomar el té. Me dijo: “Ay, no sé, yo no hago esas cosas, no voy a programas de televisión ni viajo por el mundo”. Pero después pegamos onda y desarrollamos una relación de mucha confianza. Sophia tiene mucho humor. Me decía riéndose: “vos sos el responsable de que haya iniciado una nueva carrera en mi vida, la de entrevistada profesional”. Todo empezó con su primer viaje a Buenos Aires, donde, además de ir a la televisión, conseguí que la declarasen Ciudadana Ilustre y hasta le dieran el título Honoris Causa a través de la carrera de cine de la UBA, que se dicta en la Facultad de Arquitectura. Para ella ese fue el momento más emocionante de su viaje a la Argentina.

—¿Por qué?

—Lo recuerdo muy vívidamente. Con su hijo Edoardo sentado en la platea, Sophia, completamente conmovida, confesó: “Yo, por la guerra, no pude ir a la escuela; y hoy estoy recibiendo el doctorado honoris causa frente a mi hijo y a tantos estudiantes en Buenos Aires. Ni siquiera en Italia me condecoraron de esta manera”. No te puedo explicar la ovación que recibió. Luego nos fuimos del evento en un Cadillac que portaba las banderas de Italia y Argentina, y ella fue saludando a toda la gente que la aguardaba a lo largo de la avenida Libertador como si fuese una reina o el Papa.

—¿Seguís en contacto con algunas de esas figuras?

—Sí, el otro día le escribí a Joan Collins porque estuvo en el Festival de Cannes. Le dije que la había visto divina y ella me contentó: “I remember you always, Dear Dany”. A ella la traje a Buenos Aires en plena época de Dinastía, así que no podíamos salir a la calle. Sin embargo, un día la llevé a tomar un café a Santa Fe y Callao. Ella se camufló: dejó en el hotel el pelucón que solía usar, se puso un sombrero y un pañuelo en la cabeza y se escondió detrás de unos anteojos oscuros. Se la pasó incógnitamente viendo gente caminar de un lado a otro, algo que —me dijo— no podía hacer en ningún lugar del mundo. Después me pidió visitar la tumba de Eva Perón en el cementerio de La Recoleta.

—Hace un par de semanas estuviste con Calista Flockhart (la otrora protagonista de la serie Ally McBeal, hoy esposa de Harrison Ford), ¿no?

—Sí, ella quiso venir a conocer el sur junto a su hijo Liam, al que adoptó hace 25 años, justo antes de empezar su relación con Harrison Ford. Fue un viaje de madre e hijo. Yo los ayudé con la organización y luego se quedaron tres días en Buenos Aires. Asistimos juntos a una ópera en el Teatro Colón porque ella es fanática del género, y luego los llevé a cenar a Edelweiss, donde se reúnen los actores después del teatro. Era sábado a la noche y se asombraron con la cantidad de gente caminando por la avenida Corrientes. Nunca habían visto algo así. Calista es un amor y su hijo también.

Entre divas

—De todas las estrellas con las que trabajaste, ¿quién resultó ser más diva?

—Una vez me hizo esa misma pregunta Marcela Tinayre y no dudé en responderle ni un segundo: tu vieja, sin dudas.

-¿Tus mejores amigas internacionales son Geraldine Chaplin y Sonia Braga?

—Sí, de hecho, Sonia me llama Irmão (hermano en portugués). Y Geraldine directamente es de la familia. Yo voy a pasar las vacaciones a su casa y ella ha estado muchas veces en la mía. Geraldine también dice que soy su hermano, por eso un día le dije: si soy realmente tu hermano, quiero participar de la abultada sucesión de los Chaplin; creo que me lo merezco, ¿no? [risas]. Con Geraldine todo es muy simple y relajado. Además, habla perfectamente español. La última vez que vino a la Argentina fuimos a comer pizza a Güerrín. Le encantó.

El equipo de Los Galanes

—Luego, hubo un momento en el que aún viviendo en el exterior empezaste a concretar proyectos aquí. ¿Por qué decidiste producir Risas en el piso 23 con Carlos Andrés Calvo?

—No fue algo buscado. Sucedió así: en 1994 Carlos viajó a los Estados Unidos a ver los partidos del Mundial de Fútbol. Yo estaba en Nueva York y nos encontramos. No estaba previsto, pero terminamos viendo esa obra, que allí la protagonizaba Nathan Lane. Como Carlos no sabía una palabra en inglés, me pasé toda la obra comentándosela al oído. Yo no sé si entendió algo, pero ya en el entreacto me dijo: “Hagámosla en Buenos Aires”. Y fue así que me encargué de conseguir los derechos, de producirla, de hacer la adaptación, de ocuparme del casting y hasta del vestuario. La hicimos en el Teatro Lorange [hoy Apolo]. Nos fue más o menos.

—¿Carlos Calvo era un enfant terrible?

- Sí y no. Yo a Carlos lo conocía desde hacía mucho. De cuando yo trabajaba como asistente de dirección en la obra Greta Garbo, quién diría, está bien y vive en Barracas, que protagonizaban Miguel Ángel Solá y Osvaldo Tesser en el Teatro Margarita Xirgu de San Telmo. En esa misma sala, por las tardes, Carlos actuaba en un infantil llamado La tortuga de Cecilia. Un día falta el sonidista de ese infantil y me piden que lo reemplace. Ahí me hice amigo de Carlín porque era imposible no hacerte amigo. Todos lo querían. Claro que en ese entonces era un Carlín más relajado, muy diferente al que la gente conoció en televisión y hoy recuerda. Nos hicimos tan amigos que cuando Solá dejó la obra, yo lo propuse para que lo reemplazara, pero los productores no quisieron saber nada porque aún no era conocido. Después formamos parte del grupo de Pipo.

—Hablame de ese grupo, ¿quiénes lo conformaban?

—Lo integrábamos Jorge Mayorano, Miguel Ángel Solá, Raúl Taibo, Ricardo Darín, Carlín y yo, entre otros. Nos llamábamos así porque íbamos prácticamente todas las noches a comer fideos a un restaurante de pastas tan famoso como barato que quedaba en la calle Montevideo y que se llamaba así: Pipo. En ese momento nadie la había pegado y no alcanzaba para otra cosa. A veces yo los invitaba a todos porque era el único que tenía un sueldo fijo, trabajaba en Canal 13 como productor de Mirtha. Ahí, en medio de esas cenas, se armó el equipo de Los Galanes. ¿Podés creerlo? Yo, como nunca jugué al fútbol, me convertí en el mánager del equipo, al que luego se sumó Darío Grandinetti.

De regreso a la Argentina

—¿Por qué regresás finalmente a la Argentina?

—Llegó un momento en que había cosas que yo quería hacer que sólo se podían dar aquí. Así que después de vivir en tres casas distintas de Los Ángeles (ubicadas en Beverly Center, Hollywood Hills y Sunset Boulevard), empaqué todo y me volví. Resulta que se me había ocurrido –sin ser autor teatral- escribir un unipersonal sobre Coco Chanel para que lo protagonizara Geraldine (Chaplin). Ella me alentó y en cuanto lo terminé me dijo que nunca lo haría porque era una actriz de cine y no de teatro. “Te mentí porque si no nunca lo hubieras escrito”, me dijo. En ese momento guardé el texto pensando que nunca llegaría a escena, pero ocurrió algo sorpresivo: me contactó Esther Goris porque tenía la idea de hacer algo en torno a la figura de Coco y quería que yo le diera forma teatral... Semejante coincidencia justificó que me volviera un tiempo a la Argentina, en 2002. Después regresé definitivamente en 2015, cuando vine a producir Filomena Marturano, con Claudia Lapacó y Antonio Grimau, que fue un gran éxito.

—¿Cómo es hoy tu relación con Hollywood? ¿Te volverías a ir?

—Yo, como decía Facundo Cabral, no soy de aquí ni soy de allá. Así que no extraño a la Argentina si estoy en los Estados Unidos ni viceversa. Por eso, hace unos años me volví a ir por un tiempo para trabajar como productor de Ismael Cala, primero en Miami y luego en Nueva York. Pero lo que más valoro hoy es la vida cultural de Buenos Aires. Y dentro de ella, fundamentalmente, el teatro. Justamente el año pasado me encontré en Nueva York con Angelina Jolie en la entrega de los premios Tony; y, como no la conocía de antes, y por eso no sabía bien cómo abordarla, se me ocurrió algo que resultó ser mágico. “Hola, qué tal, soy de Buenos Aires, la ciudad que más teatros tiene en el mundo”, le dije.

—¿Y qué ocurrió?

—Ahí mismo se generó la empatía y la charla sin parar. Hoy para mí el teatro es fundamental. A esta altura de la vida quiero vivir de eso y estar siempre ocupado con gente que quiero y admiro. Y aquí están prácticamente todos. Ahora Los Ángeles es un lugar de paso, ni siquiera están mis amigos del pasado o las personas con las que supe trabajar. Todos se han ido. Como yo. Hoy prefiero vivir en Buenos Aires y disfrutar de la gente con la que comparto historia y raíces.

A sus 38 años, Wilson tiene una certeza: lo más importante siempre es contar una buena historia. Por eso, la exestrella infantil que alcanzó la fama con Papá por siempre (1993), brilló como la inolvidable heroína creada por Roald Dahl y se alejó de Hollywood en 2000, hoy disfruta de haberse reinventado en el mundo de la narración.

“Me encanta que puedas ser cualquier cosa, interpretar cualquier personaje”, explicó la actriz en una entrevista con la revista People. “He interpretado criminales, he hecho de monja, he sido Campanita”, enumeró entusiasmada. Además, destacó que uno de los grandes atractivos de narrar audiolibros es la variedad de géneros en los que puede desarrollar su arte: terror, romance, ficción literaria, ficción femenina y todo lo que aparezca.

Aunque creció siendo una “niña de teatro” y sigue amando actuar, Wilson aseguró que su “primer amor siempre fue contar historias” y que por eso se siente tan identificada con el trabajo que hace actualmente. “Todo lo que siempre quise fue contar historias, escribir historias y representar historias, así que tiene sentido que mi trabajo ahora sea justamente contar historias”, sostuvo.

Si bien muchas veces le preguntan si volvería a la industria y a la gran pantalla, la actriz explicó por qué esa posibilidad no está entre sus planes. “No siempre hay papeles para mujeres de mi edad específica, mi aspecto, mi perfil demográfico y todo eso. Tendría que cambiar mucho para encajar en el molde de Hollywood y no quiero hacer eso”, afirmó.

Los peligros de la IA y su propia pesadilla como víctima de explotación sexual

En enero de este año, Wilson sorprendió con un duro descargo en sus redes sociales al compartir una columna que escribió para The Guardian sobre los peligros de la inteligencia artificial. “Tenemos que hacer más respecto a la IA y el material de abuso sexual infantil. Lo sé porque viví una pesadilla similar”, reveló la actriz junto a las imágenes del artículo que publicó en su cuenta de Instagram.

En el artículo, la exestrella infantil recordó que, aunque durante sus años en Hollywood siempre se sintió protegida dentro de los sets de filmación, la verdadera exposición llegó cuando su imagen quedó en manos del público. “La única forma en la que el mundo del espectáculo me puso en peligro fue poniéndome en el ojo público”, escribió. “Toda la crueldad y explotación que recibí como actriz infantil vino de parte del público”.

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La protagonista de Matilda reveló que desde muy pequeña fue víctima de distintos tipos de sexualización y explotación online. Según explicó, con el paso de los años comenzaron a circular imágenes manipuladas y contenido inapropiado creado a partir de fotografías suyas. La irrupción de herramientas de IA capaces de generar imágenes hiperrealistas hizo que sus temores crecieran todavía más.

“Hollywood te tira a la pileta, pero es el público el que te mantiene la cabeza bajo el agua”, reflexionó. Para Wilson, el problema ya excede a las figuras públicas: advirtió que cualquier menor cuya imagen esté expuesta en internet puede convertirse en víctima de este tipo de prácticas.

A pesar de haberse alejado hace años de la industria cinematográfica, la actriz dejó en claro que las consecuencias de haber atravesado la fama infantil siguen presentes en su vida en la actualidad. Por eso decidió utilizar su experiencia personal para reclamar mayores regulaciones y advertir sobre los riesgos que la IA representa para millones de niños y adolescentes.

La diva asistió anoche al atelier de Cosano, donde el diseñador presentó su nueva colección “Permanencia”, y allí desplegó toda su picardía frente a las cámaras cuando le preguntaron por la polémica alrededor de los últimos premios Martín Fierro a la televisión y el galardón que recibió Wanda Nara.

Todo comenzó cuando un periodista le comentó que la habían quitado de la terna de mejor conducción femenina para ubicarla en otra categoría y así facilitar el triunfo de Wanda Nara. Lejos de esquivar el tema, Mirtha respondió con total sinceridad: “Nunca lo entendí”. Luego aclaró que le llamó la atención compartir categoría con Carolina Amoroso y Soledad Larghi, dos periodistas de noticiero. “No es mi estilo. No sé qué explicación me dieron, pero lo gané”, resaltó entre risas.

Sin perder el humor, la diva de eltrece contó que en su momento Luis Ventura, presidente de Aptra, le dio una explicación que logró convencerla. “Yo quería ganar y gané”, remató. Sin embargo, no se mostró tan confiada en relación a la categoría en la que ganó Wanda Nara. “Eso fue un arreglo, algún día sabremos qué pasó ahí”, deslizó y sorprendió con su afirmación a todos los cronistas presentes.

“¿No lo merecía?”, intentó ahondar uno de los movileros, mientras otros le consultaban por la palabra “arreglo”. La conductora, siempre frontal, explicó: “Ella misma se sorprendió. Dijo que tenía el discurso preparado para otro premio”. Y cuando le consultaron quién debería haber ganado la categoría, no dudó ni un segundo: “Mirtha Legrand”.

“Tengo tantos Martín Fierro, pero tantos”, comentó con una sonrisa luego de la humorada, aunque enseguida reivindicó su trayectoria y su vigencia en televisión. “Trabajé todo el año, no dejé de trabajar ni una semana”, subrayó orgullosa, y dejó en claro que aún considera que merece ser reconocida por Aptra.

Una gran fiesta para los 100 de Mirtha Legrand

El sábado pasado, sentado en la mesa de Mirtha, Adrián Suar sorprendió a la conductora al anunciarle al aire que el canal ya prepara una gran celebración televisiva para sus 100 años. Todo comenzó cuando la diva reflexionó sobre el enorme cariño que recibe actualmente del público cada vez que va al teatro. “¿Será que me estoy por morir, che?”, comentó con suspicacia.

Lejos de dejar pasar el comentario, Suar la frenó de inmediato y le hizo una promesa en vivo: “El año que viene vamos a hacer la gran fiesta para tu cumpleaños”. Luego redobló la apuesta y aseguró que el evento será histórico: “Otra que los Martín Fierro. No va a pasar nunca más en la historia de la televisión... ni en el mundo”.

Luego del desfile de Cosano, Mirtha Legrand volvió a hablar del tema y definió la propuesta del gerente de programación de eltrece como “buenísima”. También reaccionó con sorpresa cuando le comentaron que en redes sociales muchos usuarios pedían una “cadena nacional” para celebrar su cumpleaños número 100. “No sabía, recién me entero. Sí, es lindo, lindo. Es muy halagüeño”, respondió, divertida por la repercusión.

Aunque evitó adelantar demasiados detalles, la conductora dio a entender que la celebración tendría lugar en las instalaciones de eltrece. “Me parece que en el canal lo van a hacer”, señaló. Luego, aclaró: “No me dijo Adrián, pero la idea es buena, es lindo”. Según trascendió después de la entrevista, eltrece ya trabaja en una mega fiesta para febrero de 2027, con una alfombra roja y una convocatoria de figuras históricas de la televisión.

Durante la charla, la Chiqui también habló de su salud luego de haber tenido que ausentarse durante tres semanas de sus programas por un fuerte resfrío. “Estoy muy bien. Tomé mucho frío. Fui al teatro y me venía un chiflete así de frío helado y dije: ‘Esto me va a enfermar’. Y me enfermó”, repasó. Además, minimizó los rumores que surgieron en ese momento sobre un posible retiro: “Eso se inventa. Yo también invento”, lanzó entre risas.

Sobre el final de la charla, Legrand confirmó que este año no va a hacer la temporada desde Mar del Plata. “Iré al Costa Galana a descansar un poco, pero a trabajar no creo. No hemos hablado de eso. Yo soy grande. Parezco joven, pero yo soy grande”, se despidió, divertida.

Según explican sus productores, Maravillosa Alicia fue diseñada integralmente en sintonía con el Jardín Botánico, uno de los espacios patrimoniales más emblemáticos de la ciudad, ubicado en el corazón de Palermo de la Ciudad de Buenos Aires. Toda la iluminación es LED de bajo consumo, sin contaminación lumínica. Las estructuras son autoportantes: sin excavación, sin fijaciones al suelo. Tampoco se utilizan plásticos de un solo uso; al retirarse, el jardín queda exactamente igual.

El proyecto se basa en instalaciones inmersivas, tecnología interactiva y una guía narrativa para habitar el universo de Alicia. Con doce instalaciones creadas especialmente para convivir con la naturaleza viva del jardín, la propuesta combina arte lumínico, escenografía monumental, sonido envolvente y tecnología interactiva para construir un recorrido nocturno único en Buenos Aires.

Las entradas se podrán conseguir desde los 20.000 pesos únicamente en MundoTicket.com. Los clientes de Banco Galicia accederán a una preventa exclusiva con tarjeta Visa desde el jueves 28 de mayo a las 12, hasta el domingo 31 de mayo a la medianoche. La venta general comenzará el lunes 1 de junio, a las 12.

Cada estación fue concebida como una obra en sí misma, con identidad visual propia, narrativa inmersiva y una dimensión lúdica que hace que ningún recorrido sea igual a otro. Los momentos más icónicos del universo de Lewis Carroll —el Conejo Blanco, el Té de Locos, el Jardín de la Reina, el Gato de Cheshire y la partida de ajedrez— se transforman en espacios habitables donde los visitantes pasan a formar parte activa de la historia“, explican desde la producción.

“La experiencia está diseñada con múltiples capas de lectura: quienes conocen la obra original encontrarán referencias y guiños ocultos, mientras que quienes se acerquen por primera vez podrán disfrutar un recorrido completamente accesible, emocional y sensorial. Uno de los grandes diferenciales de Maravillosa Alicia es ALI, primera guía narrativa del mundo que vive en WhatsApp, sin necesidad de descargar aplicaciones ni utilizar dispositivos especiales. Durante el recorrido, ALI desbloquea contenido, propone desafíos y sostiene un juego interactivo que evoluciona a lo largo de la experiencia, haciendo que cada visita sea única. Además, el público podrá interactuar con AlicIA, una inteligencia artificial desarrollada especialmente para expandir el universo de Carroll más allá del recorrido físico”.

Además, Maravillosa Alicia contará con recorridos diferenciados para adultos, jóvenes y niños. Los más chicos tendrán además un dispositivo especialmente adaptado —sin necesidad de teléfono ni lectura— para vivir su propia aventura dentro del universo de Alicia.

Desde su concepción, la propuesta fue desarrollada con criterios de accesibilidad integral: todas las estaciones incluirán contenido en Lengua de Señas Argentina, señalética con pictogramas y un diseño libre de luces estroboscópicas o sonidos abruptos, para garantizar una experiencia cómoda y accesible para todos los públicos.

“Ricky Martin vino a mi casa”, reveló ante la sorpresa de Jimena Monteverde, conductora del envío. “Nosotros fuimos a un recital que él hizo en Obras hace muchos años, cuando venía muy seguido acá y se presentaba en VideoMatch [el ciclo de Telefe que conducía Marcelo Tinelli en los 90]. Fuimos a ver el recital con Diego y habíamos quedado que venían a casa a comer y lo sacamos en el baúl del auto”, contó recordando ese momento histórico.

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El boricua viajó adentro del baúl desde Núñez a Devoto, el barrio en el que Villafañe vivía con Maradona. “No me acuerdo qué auto era, lo entramos directo al garage de casa de Segurola”, dijo Claudia. “Y me acuerdo que Diego salió a discutir con los taxistas porque nos siguieron desde Obras. Las chicas tomaron taxis para ver a dónde iba Ricky, y se vinieron hasta casa y los señores seguían corriendo la maquinita. Diego se asomó y les dijo: ‘Che, dale, no les cobres más’, porque no sabíamos cuánto íbamos a tardar”.

La mujer también habló de la comida con la que homenajearon a la estrella y una anécdota muy particular con una de sus hijas. “Comimos asado y Dalma se re enojó porque a él se le cayó un vaso de gaseosa sobre Dalma, que era chica, y se re calentó mal. Voy a buscar las fotos de ese encuentro”, afirmó.

“Vino la mamá y vino el manager también”, dijo sobre los otros comensales. “Era una bomba, siempre”.

Esta no es la primera vez que Villafañe recuerda esa noche junto al astro boricua. “Había terminado su recital en Obras. Nosotros fuimos a verlo, y después él venía a casa a cenar. Pero el problema era cómo lo sacábamos... Y bueno, lo sacamos así. Lo peor es que la gente se dio cuenta igual y nos seguían caravanas de taxis. Y como todo el mundo sabía dónde vivíamos, cuando llegamos, nos asomábamos desde el balcón y veíamos que había como diez taxis. ¡Pobres las pibitas que estaban ahí esperado que Ricky saliera, porque seguía corriendo el reloj!”, recordó entre risas hace dos años en el streaming de Gelatina, en donde reveló algunas anécdotas desconocidas de su familia.

También volvió a mencionar esta anécdota durante su paso por MasterChef Celebrity. “Las chicas eran chicas y a él se le cayó jugo de naranja arriba del vestido de Dalma. Ella lo quería matar. ¿Cómo le iba a tirar la naranja encima del vestido?“, dijo entre risas en el reality de Telefe, en donde también contó a qué músico le gustaría invitar a su casa.

“¿Quién es el famoso que te gustaría que te invite a su casa a comer?”, preguntó Flor Vigna en ese momento. Sin dudarlo ni un segundo, Claudia respondió que es fanática de Ricardo Arjona.

"Yo lo conozco. Desde su primer CD que lo voy a ver. Lo fui a ver al Ópera, al Gran Rex y en lugares re chiquitos. Siempre que viene, me ubican para preguntarme si quiero ir. Por supuesto, siempre estoy ahí“, manifestó para dejar en claro su pasión por el artista guatemalteco, a quien suele ir a ver cada vez que visita el país para cantar a viva voz sus canciones.

De hecho, cuando fue a verlo en vivo en 2022, Claudia lo invitó a comer. “¡Qué lindo volver a verte Ricardo Arjona, por más encuentros como este! ¡Cuando quieras están los ñoquis!”, escribió en su cuenta de Instagram junto a una foto de ambos y haciendo referencia a su aclamado plato, que cobró aún más relevancia con su triunfo en la primera entrega de MasterChef Celebrity.

En esta oportunidad, el espectáculo llevará el nombre de “¡Festejemos en Familia!” y contará con la participación de figuras icónicas de distintas películas animadas. Entre los personajes confirmados estarán Elsa, Anna y Olaf de Frozen, además de Mirabel y la familia Madrigal de Encanto. Uno de los grandes atractivos de esta edición será el debut de Stitch dentro del show sobre hielo, una incorporación muy esperada por los fanáticos.

Cómo comprar las entradas para Disney on Ice 2026

Las entradas para Disney on Ice ya se encuentran disponibles y pueden adquirirse únicamente a través del sitio oficial del Movistar Arena. Desde la organización remarcaron que se trata del único canal de venta autorizado para evitar estafas o tickets falsos.

Los precios de los boletos disponibles parten desde los $28.000, dependiendo de la ubicación elegida. Además, algunos bancos seleccionados, como BBVA, ofrecen promociones especiales y la posibilidad de comprar en cuotas sin interés.

Otro dato importante para quienes planean asistir es que existe un límite máximo de seis entradas por transacción. Debido a que el espectáculo suele convertirse en uno de los eventos más convocantes de las vacaciones de invierno, recomiendan comprar los tickets con anticipación para conseguir mejores ubicaciones y evitar que se agoten rápidamente.

Un clásico de las vacaciones de invierno

Con funciones pensadas para toda la familia, Disney on Ice se consolidó como uno de los espectáculos infantiles más populares de los últimos años en la Argentina. Su combinación de escenografía, coreografías sobre hielo, efectos visuales y canciones clásicas de Disney lo transformaron en una experiencia elegida por miles de personas durante cada temporada invernal.

La edición 2026 buscará mantener ese espíritu festivo con una puesta renovada y nuevas sorpresas para el público. La presencia de personajes de películas recientes y el esperado debut de Stitch apuntan a conquistar tanto a quienes crecieron con las historias clásicas de Disney como a las nuevas generaciones.

Al escuchar esto, la modelo -madre de Olivia, Baltazar y Filipa, fruto de su relación con Pedro Alfonso- relató: “A mí también me pasó. Antes de Baltazar me filtraron un embarazo y yo a la semana que me lo filtraron y que tuve que salir a blanquear todo, lo perdí. Lo había perdido y tenía que seguir yendo a trabajar con panza, cuando yo sabía que lo que tenía adentro ya no tenía vida y lo tenía que expulsar. Un horror”.

En esa misma línea, continuó: “Está este mito de que no tenemos que contar el embarazo hasta los tres meses porque nos obliga a las mujeres a vivir el duelo en soledad. Vos lo perdés, estás hecha mie*** llorando y estás sola tratando de tapar y no exponer tu dolor”.

Después de su relato, en el estudio reflexionaron sobre que con el paso del tiempo se “generó una cuestión ética” dentro del periodismo de espectáculo, porque en los años ‘90 era una gran “carnicería” cuando contaban este tipo de noticias de la vida de los famosos.

Al escuchar esto, la modelo retomó la palabra y acotó: “La primicia del embarazo era como lo más candente del mundo del espectáculo y nadie se ponía a pensar. Ángel de Brito muchas veces guarda estos secretos, y yo creo que el periodismo fue cambiando y de un tiempo hasta ahora se empezó a preservar la noticia para que la den los familiares, pero, en este caso, la ecografista está violando su secreto profesional". Para cerrar el tema, dijo que ella lo que haría es exponer los datos de la mujer en redes: “Con foto y todo, no me importa nada”.

“Ya somos 4”, arrancó el posteo Pagano. “Todo se adelantó, tuvimos miedo, respiramos hondo, rezamos y ya puedo contarles que ambos estamos muy bien. La vida nos regala como familia sentir este amor único una vez más”, agregó con alivio en relación con la llegada al mundo de Hipólito, el nombre que eligió junto al empresario para el pequeño. La pareja ya tiene a Olivia, de casi dos años.

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La periodista también destacó el acompañamiento de los profesionales que la asistieron durante el proceso. En especial, le dedicó unas palabras a su obstetra, Darío Didia, a quien agradeció por haberlos “salvado” y cuidado durante uno de los momentos más difíciles del embarazo, y a las enfermeras que la asistieron.

“Sorteamos las dificultades y en ese proceso fueron cruciales tres hadas madrinas (decir que son enfermeras queda muuuuuy chico) que me contuvieron, que las tengo en mi corazón grabadas para siempre, ya mirarlas me alivió toda angustia y trataron a mi bebé como si fuera su propio hijo: gracias”, escribió.

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Además, la legisladora resaltó la tarea de la partera que la acompañó en el parto y en neonatología, y explicó que gracias a su intervención médica pudieron detectar a tiempo que el embarazo corría riesgo. “Su instinto nos permitió detectar rápido que algo en el proceso se estaba adelantando y corría riesgo”, escribió sobre la obstétrica Andrea Nicholson.

Finalmente, la diputada agradeció los mensajes de apoyo y las oraciones que recibió en redes sociales durante los días más complicados. “Nos explota el corazón de felicidad”, manifestó emocionada, y cerró el posteo con una posdata dedicada a Bindi quien, aseguró, no se despegó del bebé mientras ella se recuperaba.

Unas horas antes del parto, Pagano compartió otra imagen. En la foto se la ve recostada en un sillón junto a su pareja mientras la pequeña Olivia le da un beso en la panza. “Anoche, despidiéndonos de la panzota amada”, fue el texto con el que decidió acompañar la foto.

Un amor “sano y leal”

Marcela Pagano blanqueó su relación con el empresario Franco Bindi, con quien durante mucho tiempo decidió no mostrarse en público, a mediados del año pasado luego de un fuerte cruce con la diputada de La Libertad Avanza Lilia Lemoine. En ese momento, la legisladora que hoy cuenta con un bloque propio en la Cámara de Diputados habló de su amor por el empresario en su cuenta de Instagram, con quien ya se había convertido en madre de Olivia.

En aquel mensaje, Pagano definió el vínculo con Bindi como “un amor muy sano y leal” y destacó especialmente el modo en que él acompañó sus decisiones personales y profesionales. “Sos el hombre que más respetó mi individualidad”, escribió. La diputada explicó, además, que su pareja comprendió desde el comienzo su forma intensa de vivir el trabajo y la política.

Si bien el empresario nunca estuvo de acuerdo con su desembarco en la política, reveló Pagano, aun así decidió apoyarla y respetar sus decisiones. “Nos respetamos en nuestras convicciones. Un amor sin imposiciones y con una libertad infinita que me permitió ser 100% yo”, expresó en el posteo, donde además dejó en claro que ambos eligieron mantenerse alejados de la exposición mediática.

En ese sentido, Pagano reveló que durante mucho tiempo evitó hablar públicamente de su relación porque consideraba que debía preservar su intimidad para darle seriedad a su rol como diputada. Según explicó, Bindi aceptó mantenerse “a un costado de las cámaras”, aunque siempre acompañándola en su día a día. “Me hacés la vida mucho más fácil”, cerró, en una de las declaraciones más personales que compartió en redes sociales.

Las entradas para ambas funciones figuran agotadas en AllAccess, la ticketera oficial. De todos modos, la plataforma mantiene publicados los valores por sector, con ubicaciones numeradas y sin numerar, y conviene revisar el sitio ante una eventual liberación de tickets.

Cuándo toca Lali en River

• Fechas: sábado 6 y domingo 7 de junio de 2026.
• Horario: 20.
• Dónde: Estadio River Plate.
• Dirección: Av. Figueroa Alcorta 7597, Núñez.
• Ticketera oficial: All Access.
• Estado de las funciones: agotadas.

Precios de entradas para Lali en River

Aunque las dos fechas figuran agotadas, estos son los valores publicados por la ticketera:

• Sívori Alta: $50.000 + $7500 de cargo de servicio. Sin numerar.
• Campo: $70.000 + $10.500 de cargo de servicio. Sin numerar.
• Belgrano Alta: $75.000 + $11.250 de cargo de servicio. Sin numerar.
• San Martín Alta: $75.000 + $11.250 de cargo de servicio. Sin numerar.
• Platea Belgrano Baja: $110.000 + $16.500 de cargo de servicio. Numerada.
• Platea Belgrano Inferior: $110.000 + $16.500 de cargo de servicio. Numerada.
• Platea Belgrano Media: $110.000 + $16.500 de cargo de servicio. Numerada.
• Platea San Martín Baja: $110.000 + $16.500 de cargo de servicio. Numerada.
• Platea San Martín Inferior: $110.000 + $16.500 de cargo de servicio. Numerada.
• Platea San Martín Media: $110.000 + $16.500 de cargo de servicio. Numerada.

Cómo comprar entradas para Lali en River

Por el momento, ambas funciones figuran agotadas. En caso de que se liberen nuevas ubicaciones, el procedimiento de compra será:

1. Ingresar al sitio oficial de venta.
2. Buscar el evento LALI.
3. Seleccionar la fecha disponible.
4. Elegir sector o tipo de entrada.
5. Indicar cantidad de entradas.
6. Completar los datos solicitados.
7. Elegir el medio de pago.
8. Confirmar la compra y guardar el comprobante.

Cómo llegar al Estadio River Plate

Para un evento masivo en el Monumental, la opción más práctica suele ser organizar el traslado con anticipación y priorizar el transporte público, especialmente para evitar demoras en las inmediaciones del estadio.

Según la información oficial de River Plate para llegar al Monumental, las alternativas son:

• Subte: línea D hasta estación Congreso de Tucumán.
• Tren Mitre: ramal Tigre, estación Núñez.
• Tren Belgrano Norte: estación Ciudad Universitaria / Estadio Monumental.
• Colectivos y Metrobus Norte: líneas 15, 28, 29, 33, 34, 37, 42, 45, 107, 130 y 160.

Accesos según el sector

La guía oficial de River para el Mâs Monumental indica estos ingresos por tribuna:

• Belgrano Alta, Media y Baja: ingreso por Av. Libertador y Udaondo / Puente Labruna.
• San Martín Alta, Media y Baja: ingreso por Av. Figueroa Alcorta y Monroe / Puente Labruna, por el Playón Sívori.
• Sívori Alta, Media y Baja: ingreso por Puente Labruna. Para Sívori Media y Baja también se puede ingresar por Udaondo y Libertador.
• Campo: conviene revisar la indicación específica del ticket y la señalización del operativo del show.

Qué conviene saber antes de ir

• Llegar con anticipación: el ingreso puede tener demoras por controles y concentración de público.
• Revisar el sector antes de salir: la ubicación define por qué zona conviene acercarse al estadio.
• Tener la entrada lista: llevar el ticket digital descargado o disponible en el celular.
• Cargar batería: el teléfono será clave para mostrar el ticket, consultar mapas y organizar el regreso.
• Evitar el auto sobre la hora: las avenidas cercanas al Monumental suelen concentrar tránsito, desvíos y demoras en eventos grandes.
• Consultar el estado del transporte: revisar subte, trenes y colectivos antes de salir y también para la vuelta.
• No confiar en reventas: con ambas fechas agotadas, lo más seguro es consultar únicamente la ticketera oficial.

Rinsch, de 50 años, fue condenado por fraude electrónico y lavado de dinero tras un juicio penal que finalizó en diciembre. La causa gira en torno al proyecto denominado en primera instancia White Horse, y luego rebautizado Conquest, una ambiciosa serie de ciencia ficción filmada parcialmente en Uruguay, que Netflix había encargado producir y que jamás llegó a completarse. Según la fiscalía, el realizador desvió cerca de 11 millones de dólares entregados por la plataforma para terminar el proyecto y los utilizó en operaciones bursátiles, criptomonedas y compras de lujo.

En medio del escándalo judicial, Reeves decidió intervenir personalmente. En una carta enviada el 1 de mayo al juez federal Jed S. Rakoff, el actor pidió que la futura condena contemple “clemencia, misericordia y justicia”. Reeves aclaró que desconoce los detalles específicos del caso, pero consideró importante hablar en favor de quien fuera su director en 47 Ronin, la leyenda del samurai, la película de 2013 ambientada en el Japón feudal.

“Carl es un artista excepcional”, escribió el actor. “White Horse, tal como yo la vi, era una obra magnífica y visionaria, aunque inacabada”. Reeves explicó además que, tras el rodaje de 47 Ronin, la leyenda del samurai, ambos desarrollaron una amistad cercana. Incluso recordó haber asistido a la boda de Rinsch en Uruguay en 2014.

La defensa emocional de Reeves no ignoró el costado problemático del director. En la carta, el actor sugirió que Rinsch tiende al autosabotaje y a exagerar “la escala y el contexto” de los proyectos en los que trabaja, lo que termina generando conflictos con quienes lo rodean. “No comparto esto como una excusa ni como una minimización de lo que se le imputa”, aclaró Reeves. “Solo lo ofrezco como una posible explicación”.

Las declaraciones del actor se suman a años de versiones sobre el deterioro de la salud mental de Rinsch durante el desarrollo de White Horse. Según publicó The New York Times en 2023, personas cercanas al proyecto comenzaron a preocuparse por el comportamiento errático del cineasta a fines de 2019. Reeves habría participado incluso de una intervención organizada en la casa de Rinsch en Los Ángeles.

La investigación federal sostiene que Netflix ya había invertido unos 44 millones de dólares en la serie entre 2018 y 2019. Sin embargo, Rinsch reclamó otros 11 millones asegurando que eran necesarios para concluir la producción. La plataforma aceptó transferir ese dinero en marzo de 2020 a una empresa controlada por el director.

Para la fiscalía, allí comenzó el fraude. Apenas recibió los fondos, Rinsch habría movido el dinero entre distintas cuentas bancarias antes de depositarlo en una cuenta personal de corretaje. Luego realizó inversiones altamente especulativas en acciones y criptomonedas. Las operaciones fueron desastrosas: en menos de dos meses ya había perdido más de la mitad del dinero.

Pero el resto tampoco fue destinado a White Horse. Según el comunicado oficial del Distrito Sur de Nueva York, el director gastó millones en artículos de lujo y consumos personales. Entre las compras detalladas aparecen 1,7 millones de dólares en tarjetas de crédito, 3,3 millones en muebles, antigüedades y colchones, casi 400 mil dólares en un reloj suizo y más de 2,4 millones en cinco Rolls Royce y una Ferrari roja.

“El veredicto demuestra que cuando alguien roba a los inversores, seguiremos el rastro del dinero y lo haremos responsable”, afirmó el fiscal federal Jay Clayton tras conocerse la condena.

Rinsch enfrenta ahora un panorama judicial delicado. Los cargos por fraude electrónico y lavado de dinero contemplan penas máximas de hasta 20 años de prisión cada uno, además de otros delitos financieros vinculados a transacciones con dinero proveniente de actividades ilícitas.

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Mientras la justicia define cuántos años pasará tras las rejas, la figura del director quedó atrapada entre dos relatos opuestos: el del cineasta brillante y visionario que describen sus colaboradores, y el del hombre que convirtió un multimillonario proyecto de Netflix en una espiral de apuestas financieras, excesos y ruina personal.

La actriz, que presta su voz a la entrañable vaquera Jessie desde Toy Story 2, posó sonriente junto a sus compañeros de elenco y al director Andrew Stanton durante la premiere realizada el jueves. Para muchos fanáticos, la aparición tuvo un fuerte componente nostálgico: hacía más de diez años que Cusack no participaba de un evento de este tipo.

Fiel a su perfil discreto, la actriz eligió un look elegante y sobrio. Lució una camisa blanca clásica combinada con una larga falda negra y completó el conjunto con unas características gafas negras de montura gruesa que reforzaban su estilo intelectual y relajado. Llevaba además el cabello corto, con flequillo sobre la frente, en una imagen muy distinta al glamour más estridente que suele dominar las premieres hollywoodenses.

Durante el evento también se fotografió junto a Greta Lee, nueva incorporación de la saga, y Tony Hale, quien vuelve a interpretar a Forky. Además, estuvo acompañada por su esposo, Richard Burke, con quien mantiene una relación desde hace décadas y lejos de los focos de la industria.

La reaparición pública de Cusack generó sorpresa porque la actriz prácticamente desapareció de las grandes ceremonias y estrenos desde mediados de la década pasada. Su última aparición importante había sido en los premios Emmy de 2015, cuando ganó el galardón a Mejor Actriz Invitada en una Serie de Comedia gracias a su trabajo en Shameless.

Aquella noche marcó un momento histórico en su carrera. Después de años construyendo una de las filmografías secundarias más respetadas de Hollywood, Cusack finalmente obtenía su primer Emmy.

Cusack construyó una carrera singular, alejada de los grandes escándalos y de la obsesión hollywoodense por la exposición constante. Hermana del también actor John Cusack, comenzó a destacarse en los años 80 gracias a su talento para la comedia y a una energía excéntrica que la volvió inconfundible en pantalla.

Su trabajo le valió dos nominaciones al Oscar como mejor actriz de reparto. La primera llegó en 1989 por Secretaria ejecutiva, donde compartió elenco con Melanie Griffith, Harrison Ford y Sigourney Weaver. La segunda fue en 1998 gracias a ¿Es o no es?, la comedia protagonizada por Kevin Kline en la que Cusack volvió a demostrar una habilidad extraordinaria para equilibrar humor, vulnerabilidad y caos emocional.

Además de esas películas, participó en títulos muy populares como Escuela de rock, Novia fugitiva, Los Locos Addams II y Sintonía de amor, consolidándose como una presencia valorada tanto por el público como por la crítica.

Sin embargo, mientras otros actores de su generación se instalaron definitivamente en Los Ángeles y en el circuito de celebridades, Cusack tomó un camino completamente distinto. Después de convertirse en madre de Dylan John y Miles, decidió establecerse en Chicago junto a su familia y reducir considerablemente su exposición pública.

En entrevistas pasadas explicó que esa decisión fue completamente consciente. En 2019, durante una charla con The Huffington Post, contó que vivir en Chicago le permitió mantener una vida mucho más normal y alejada de las presiones superficiales de Hollywood.

“Chicago es increíble. Tiene una cultura y una historia riquísimas, además de algunos de los mejores museos, arquitectura y restaurantes del mundo”, afirmó entonces.

Pero el motivo principal era otro: proteger a sus hijos de cierta lógica de la industria del entretenimiento. “En Los Ángeles es fácil obsesionarse con la apariencia o con cuánto dinero uno tiene, y esos no son valores que quiero que mis hijos adopten”, explicó.

Esa filosofía terminó moldeando también su propia carrera. Aunque nunca dejó de trabajar, Cusack redujo drásticamente la cantidad de apariciones públicas y eligió proyectos puntuales, muchas veces ligados al doblaje o a producciones televisivas específicas.

Ejemplo de esos fracasos increíbles es una película de 1939 que se construyó específicamente para ser un megaéxito universal. Pero hundió tanto a su productora que, si no fuera porque había prestado una estrella y un director a otro estudio (justo el mismo director de la película que fracasó), habría desaparecido de la faz de la Tierra. El fracasón fue El Mago de Oz, el estudio, MGM, y la película que le permitió salvarse (porque a cambio de “prestar” a Victor Fleming y Clark Gable se quedó con su distribución internacional) fue Lo que el viento se llevó. Es una de las historias más asombrosas de Hollywood y la historia del cine toda, y sirve para ilustrar que una cosa son las modas y otra, lo que el arte, con el paso del tiempo, hace. Decía algo así Jean Cocteau, que la moda hacía cosas bellas que el tiempo volvía feas y el arte, cosas feas que el tiempo volvía bellas. Un exagerado, pero se lo disculpa porque era un poeta. Sigue pasando hoy y por eso vamos a mejorarle el promedio con films que merecen una segunda chance.

Meteoro

Una obsesión personal del autor de esta nota es Meteoro (HBO Max). Lanzada en 2008 con todo el marketing encima y firmada por los entonces hermanos Wachowski (hoy hermanas), responsable de Matrix (el film inaugural de este siglo, sin dudas), fue destrozada en millones de pedazos por la crítica y generó un fracaso de taquilla monumental. No solo no lo merecía, sino que hoy requiere reevaluación. Desde sus primeros momentos, celebra el arte de la animación con citas a técnicas y formas que recuerdan el animé original que cautivó imaginaciones a fines de los sesenta y principios de los setenta. Es una película sobre la felicidad de jugar, sobre cómo un niño ve el mundo con sus males y sus alegrías. Los actores reproducen con una fidelidad perfecta los diseños de la serie animada, pero eso no es nada al lado de la seriedad que le ponen al juego. Más allá de que, como sabemos, cualquier film que incluya en su reparto a John Goodman sube cinco puntos (y cualquiera con Christina Ricci, por lo menos dos), la película combina de manera muy equilibrada la diversión gráfica con personajes absolutamente humanos. Hay algo más e importante: las secuencias de acción, tecnológicamente pioneras -la película es anterior a Avatar, es algo a tener en cuenta- no sólo se entienden (gran mal del género: que el desastre visual genere ruido antes que comprensión) sino que están perfectamente ligadas a la trama, el tono y el desarrollo de los personajes. Básicamente es como pasar en limpio la infancia. Pero también, en un hermoso momento de diálogo entre Mom (Susan Sarandon) y Meteoro (Emile Hirsch), se explica cómo algo único y bello, así sea en una carrera de autos o una película, emociona por su novedad, por ser arte. La película también tiene esa profundidad (más allá de mucha crítica a un sistema y sus perversiones) que no pasa inadvertida porque es básica para su disfrute. Obviamente se puede ver (disfrutar) con chicos.

Jack

También sobre la infancia, pero mucho más adulta en su planteo (aunque por supuesto que puede verse con chicos) es una de las mejores y más dejadas de lado de las películas de Francis Ford Coppola, Jack (Disney+), protagonizada por Robin Williams, Diane Lane, Brian Kerwin, Fran Drescher, Jennifer Lopez y un montón de chicos adorables. La premisa es que Jack (Williams) nace con una condición que lo hace crecer demasiado rápido. Así, a los 10 años tiene el aspecto de un hombre de 40. Lane y Kerwin son sus padres, Lopez, la maestra, y Drescher, la mamá de un compañerito que lo ve como un adulto. Pero si bien la película parece tener elementos de la obra maestra Quisiera ser grande (apuren si quieren verla porque aún está en Netflix) o parecía haberse pensado como vehículo para la “ternura” de Williams, es otra cosa: una meditación sobre el paso del tiempo, sobre cómo se experimenta, sobre la familia. Es la historia de alguien que pide salir al mundo a pesar de todo y enfrentarse a sus dolores y, también, a sus alegrías. Coppola usa algunos elementos como el acelerado (que ya había usado en La ley de la calle, otra de esas películas “menores y despreciadas” a la hora de su estreno) para mostrar cómo registra Jack el universo que lo rodea, pero el film no es ni busca ser lacrimoso, sino un rotundo “por qué” debemos disfrutar de cada momento feliz y acapararlo en la memoria. Es, también, de las grandes películas infantiles en el sentido de mostrar —de recordarnos— cómo se ve el Universo cuando uno es chico.

Showgirls

En las antípodas completas de estas dos producciones que podemos definir como familiares, vamos a recomendarle en copia perfecta y con absolutamente todo lo que siempre tuvo que tener uno de los films más odiados, despreciados, insultados y destazados cruelmente por la crítica incluso mucho antes de su estreno. También es otro ejemplo de cómo el tiempo pone las cosas en su lugar, algo que a los varios que aplaudimos en su estreno Showgirls (Mubi), de Paul Verhoeven, nos devuelve algo de fe en la humanidad. La película es la historia de una chica que llega a Las Vegas para triunfar como corista en los espectáculos de los casinos. Pero no sería para nada descabellado decir que el ritmo no es ni el de un musical “de bambalinas” (como los clásicos de la MGM en los 40), ni el del melodrama artístico (no, no es Nace una estrella, claro que no) sino el de una película de acción, un western con tacones en el que el sexo es un arma muchas veces de doble filo. Donde las bailarinas optan por cualquier truco, incluso sangriento, para reventar a la competencia. Y donde, poco a poco, afloran toda clase de psicopatías incluso en la supuesta “heroína” que interpreta Elizabeth Berkley (a la que la crítica básicamente le arruinó la carrera sin ninguna justificación por esta película). Como todo Verhoeven, es una sátira provocadora y sin prejuicios de la lustrosa imagen del mundo estadounidense, una manera de decir que detrás del glamour se esconde la perversión reprimida. Es, además, salvajemente divertida y sexy.

Hudson Hawk: el halcón está suelto

Una que también fue destrozada desde el inicio fue la comedia del especialista en el género Michael Lehman (responsable de Heathers, Cabezas Huecas y La verdad sobre perros y gatos, las tres enormes películas), Hudson Hawk: el halcón está suelto (AppleTV, suele ir y volver de Netflix y Disney), protagonizada por Bruce Willis. Costó muchísimo dinero y fue un fracaso comercial absoluto que los críticos hicieron puré casi desde que se sentaron en las butacas. Quizás porque no esperaban una película de dibujos animados con actores, quizás por su costo exagerado o quizás porque la veían como un ego trip de Willis, que venía de cambiar su carrera de comediante con Duro de matar. Pero en Hudson... sigue siendo comediante: la historia de un ladrón que sale de la cárcel y tiene que volver a robar para salvar la vida de su mejor amigo (Danny Aiello, nunca más gracioso que aquí) y que realiza golpes sofisticados cronometrando la acción con clásicos del American Songbook. O que tiene como interés romántico a una espía del Vaticano que es monja (Andie McDowell), o que debe enfrentar a un torpe villano militar interpretado por James Coburn o un par de locos desquiciados (Richard E. Grant y Sandra Bernhard) y su caniche mortal. La cantidad de gags, exageraciones, efectos de sonido cartoonescos, inconsistencias, rupturas de la cuarta pared y alegría que tiene es quizás el motivo por el que nadie se tomó en serio un film que es, sobre todo, celebración del propio cine y su magia. El momento en el que el Papa golpea con su báculo un televisor pequeño que no capta la señal de la antena alcanza para entender el tono y la intención de esta comedia. De paso, es un gran film para escuchar la banda de sonido de Michael Kamen, Robert Kraft y el tema central a cargo de Dr. John (más Willis y Aiello cantando “Swingin’ on a Star”).

Profesión peligro

Y terminemos con un fracaso incomprensible de 2024, una de esas películas que uno ve y se pregunta cómo puede ser que no haya reventado salas desde el día cero. Incluso tuvo buenas críticas y una campaña de marketing acorde. Pero no, nada, se está volviendo (eso es justo, aunque triste que pase así) de culto gracias a las plataformas. La película en cuestión tenía protagonistas estelares (Ryan Gosling, Emily Blunt, Aaron Taylor-Johnson) y una cantidad de ingenio poco usual en Hollywood, además de que Hollywood es su tema: Profesión peligro (Prime Video), que cuenta cómo un doble de riesgo feliz y enamorado falla un truco (ese momento, al comienzo del film, es uno de los mejores planos secuencia que dio el cine en décadas, para quienes quieren virtuosismo técnico-narrativo), desaparece de todas partes —obviamente plantando a su novia— y vuelve porque hay una estrella desaparecida con bastantes problemas de conducta. Es la historia de los que están detrás de las cámaras, de los que se matan —a veces de modo literal— por hacernos creer una fantasía (¿no es esa la justificación primera del cine?) y también de quienes aprovechan el noble arte de hacer feliz al público para llenarse los bolsillos de modo non sancto. Lo de Gosling, que es uno de los mejores comediantes de las últimas dos décadas, es fenomenal: un duro ingenuo, personaje muy difícil de lograr y mucho más cercano a Buster Keaton (casi un homenaje al rey del stunt cinematográfico, no admitimos que se diga otra cosa) que a Clint Eastwood (otro “homenajeador” de los dobles de riesgo).

Finalmente, todas estas películas resultan felices y son -esto las une más allá de la disparidad de intenciones, temas y tonos- generosas con el espectador y desprejuiciadas. Quizás eso las pone un poco aparte del cine industrial “común” y por eso, en su momento, quedaron relegadas sea en taquilla o en crítica (o en ambos). Pero les aseguramos que hay mucho más para ver de lo que se dijo en sus respectivos estrenos, y generan felicidad y recuerdos.

La publicación llamó inmediatamente la atención porque llegó apenas días después de que distintos medios estadounidenses aseguraran que Hardy había quedado afuera de la ficción debido a conflictos creativos, problemas de conducta y enfrentamientos internos con parte del equipo de producción.

El drama comenzó cuando el Daily Mail publicó testimonios de fuentes cercanas al rodaje que describian un clima cada vez más tenso entre Hardy y Mirren. Según esas versiones, la actriz —famosa por su disciplina y profesionalismo— se habría cansado de la actitud del protagonista de Venom.

“El personaje de Tom es encantador. Es tranquilo, pero es todo lo contrario cuando las cámaras se apagan”, aseguró una fuente al medio británico. “Helen es un encanto y una profesional consumada, pero cada vez estaba más frustrada con Tom y su actitud”, agregó aquel miembro del equipo.

Los problemas no habrían sido únicamente personales. Las mismas fuentes señalaron que Hardy llegaba tarde frecuentemente a las grabaciones y que eso irritaba especialmente a Mirren, conocida en la industria por su puntualidad casi militar. “Su tono no le agrada, al igual que su impuntualidad”, agregaron.

Otra descripción todavía más dura retrataba al actor como alguien “muy arrogante” que “se pavonea como un rey” en el set.

Sin embargo, el mensaje público de Mirren pareció desmentir la idea de una enemistad irreconciliable. “Te quiero ahora y siempre”, escribió la actriz británica en Instagram junto a una fotografía del actor, en un gesto que muchos interpretaron como una respuesta directa a las versiones que hablaban de tensiones explosivas durante el rodaje de la serie policial de Paramount+. Mirre no solo compartió la foto de Hardy sino que firmó el mensaje de manera cálida y personal: “Helen”.

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Esta semana, la situación se volvió todavía más confusa cuando Variety publicó una investigación sobre el detrás de escena de la serie. Según la revista, Hardy efectivamente protagonizó varios choques durante la producción de la segunda temporada, aunque las tensiones habrían estado dirigidas principalmente hacia el cocreador Jez Butterworth y ejecutivos de 101 Studios, la compañía que produce la ficción junto a Paramount+.

Fuentes consultadas por Variety aseguraron que Hardy discutía frecuentemente sobre los guiones, modificaba diálogos y se frustraba porque muchas escenas llegaban escritas a último momento. El actor también habría expresado malestar porque Butterworth no siempre estaba presente durante las grabaciones.

Aun así, Variety aclaró que Hardy no fue despedido oficialmente de la serie, como afirmaban algunos rumores. “La puerta no está cerrada para una tercera temporada y los problemas se están resolviendo a nivel creativo”, aseguró una fuente cercana a la producción.

Detrás de esa negociación aparecería un nombre clave: Guy Ritchie. El célebre director británico, productor ejecutivo de Tierra de mafia, estaría presionando personalmente para retener a Hardy dentro del proyecto y evitar que la serie pierda a una de sus principales figuras.

El conflicto resulta especialmente llamativo porque fue uno de los mayores éxitos recientes de Paramount+. Estrenada en 2025, la serie sigue a la poderosa familia criminal Harrigan y combina el tono violento y estilizado típico de las producciones vinculadas a Ritchie con un elenco de lujo encabezado por Pierce Brosnan, Helen Mirren y el propio Hardy.

Allí, Hardy interpreta a Harry Da Souza, un “solucionador de problemas” que funciona como ejecutor y mediador dentro del imperio mafioso liderado por Conrad y Maeve Harrigan, los personajes de Brosnan y Mirren. Su rol terminó convirtiéndose en uno de los ejes narrativos más importantes de la ficción, por lo que una eventual salida obligaría a reorganizar gran parte de la estructura dramática de la serie.

Las nuevas versiones sobre comportamientos conflictivos también revivieron antiguos antecedentes de Hardy en Hollywood. El caso más famoso ocurrió durante el rodaje de Mad Max: Furia en el camino, donde protagonizó fuertes enfrentamientos con Charlize Theron. Años después, ambos reconocieron públicamente que la convivencia durante aquella filmación había sido extremadamente complicada.

Incluso George Miller, director de la película, reveló que en algunas ocasiones el equipo debía ir a buscar a Hardy a su tráiler para continuar con el rodaje. El libro Blood, Sweat and Chrome, del periodista Kyle Buchanan, describió además al actor como errático y agresivo durante parte de esa producción.

Las vacaciones familiares arrancaron a mediados de mayo. En esta oportunidad, Morrison “Momo” Osvaldo, el hijo de 12 años de Barón y Daniel Osvaldo, no los acompañó, puesto que está en etapa escolar. Visitaron Alemania, donde disfrutaron de visitas al Castillo de Heidelberg y a la ciudad de Gengenbach y posaron frente a la Torre Merku.

El pequeño Arturo se mostró feliz jugando en el césped e incluso durante el viaje fue apodado como Hansel, el personaje del clásico cuento de los hermanos Grimm. “Prepárense para ver a Hansel en el bosque”, expresó Jimena en un video y, acto seguido, Palleiro levantó a su hijo en brazos para que quedara justo delante de un cuadro de un bosque que estaba en su habitación y el pequeño no paraba de reírse.

Como siguiente parada eligieron Suecia, donde el 24 de marzo la ex Casi Ángeles celebró su cumpleaños número 39. “La vida se pone mejor cuando no solo te hace feliz vivirla, sino contemplarla. Bienvenidos 39. ¡Qué peliculón!”, festejó.

Sus días de cumpleaños incluyeron una tradición local. Acompañados por Peter, un amigo, fueron a Torekov para hacer el “morgondopp”. “Es una costumbre sueca muy arraigada en la que la gente camina desde la costa hasta el final de un muelle en bata para lanzarse directamente al agua, ya sea en verano o en pleno invierno”, explicó Barón. Llevaron el cochecito de Arturo en medio de los pastizales y las piedras y con una temperatura de 3 grados.

Una vez que llegaron al muelle, se metieron en el agua helada. Primero lo hizo su amigo Peter, luego Matías y por último Jimena. Bajó las escaleras con cuidado para acostumbrarse a las bajas temperaturas y terminó sumergiéndose no una, sino dos veces. “Está bueno”, admitió. “Tradiciones son tradiciones. ¡El frío! Pero por alguna razón es una experiencia espectacular y después te sentís increíble, llena de energía”, comentó.

Su tercer destino fue Suiza, que incluyó varias actividades alrededor del lago de los Cuatro Cantones. Pasaron por la ciudad de Lucerna, apreciaron las montañas nevadas y estuvieron en contacto directo con la naturaleza. Una de las cosas que más los fascinaron fueron los animales: vieron desde vacas hasta cisnes. En el medio, pasaron un día en Italia.

La agenda además incluyó un tour gastronómico en el que degustaron desde pizza hasta fondue de queso con aceitunas, pan y jamón crudo. También aprovecharon para relajarse y hacer una noche de mascarillas faciales en el hotel. “Suiza (y un día en Italia). Y estos compas todoterreno que me llenan el corazón de felicidad”, expresó Jimena Barón, feliz con la posibilidad de disfrutar de unos días especiales llenos de aventuras, rica comida y nuevos momentos para atesorar, junto a dos de sus tres amores.

“Voy a empezar por la parte menos cómoda. No creo que haya sido mejor actuación esta que la anterior. Sigue habiendo una cuestión de aire. No estoy criticando en absoluto porque sería una falta de respeto, porque tenés un trabajo técnico que no sé quién está detrás de eso, pero felicitaciones. Mi admiración total. Estás muy bien instruida”, sostuvo Abel Pintos en su devolución. “Te lo digo solo porque cuando uno tiene un talento semejante, la exigencia es semejante también. Lo que hacés con tu voz, el talento que tenés y lo mucho que evidentemente trabajás por ese instrumento es muy notable, es realmente distinto”, enfatizó.

Sin embargo, cuando llegó su turno, Carlos Baute le preguntó si recibía clases de canto y ella, sin más, respondió: “No”. Esto cambió completamente el panorama. “Fíjate, sencilla. Vamos a editar todo lo que dijo Abel”, expresó el intérprete venezolano mientras Pintos se agarraba la cabeza con las manos. “Peor, no puedo creerlo”, dijo atónito e inesperadamente se levantó de su silla.

“Se va, Abel se va”, dijo Jimena Barón. “Renunció, se fue”, advirtió Joaquín Levinton. El intérprete de “La llave” no abandonó el estudio, sino que se acercó a los padres de la participante para felicitarlos personalmente, porque además del apoyo, ella contó que suelen darle consejos cuando la escuchan cantar.

“Ya que todo lo que dije no sirvió de un car***, entonces con más razón pensá dónde vas a respirar. Lo demás no se puede creer”, dijo Pintos al volver a estar frente a la participante. “Con cómo cantás lírico y lo que estás contando, es como que esté Messi y le diga: ‘Mirá, pateaste un poco mal el gol...’”, lanzó Jimena Barón en su devolución y Abel la interrumpió para asumir su error. “¡Ese soy yo! Como un bol*** le dije a Messi que pateó mal el gol", reconoció e hizo reír a todos.

Tras el éxito de la primera temporada de la serie creada por Cris Morena, que incluyó además shows en el Movistar Arena y en Tecnópolis y un fanatismo que se respiró en el aire, el 4 de mayo de 2026 llegó a HBO Max la segunda parte. Los nuevos 20 episodios ya se encuentran disponibles en la plataforma de streaming y lo cierto es que el final dejó al público al borde del asiento porque apareció el “Condorito”.

Margarita es el spin-off de Floricienta y, tal y como su título lo indica, tiene como protagonista a Margarita (Mora Bianchi), la hija de Floricienta y el Conde que fue separada de sus padres y sus hermanos tras una serie de disturbios en el reino de Krikoragán. Si bien a lo largo de los episodios se fueron develando algunos misterios y varios secretos salieron a la luz, entre los interrogantes pendientes estaba el destino de Máximo Augusto y, finalmente, al término de la temporada se supo que está preso en una cárcel de aislamiento de máxima seguridad en el reino. En la escena se lo pudo ver en una sala mientras escribía en los márgenes de un libro.

“Esto sí que no se lo esperaban. Volvió nuestro Condorito”, expresaron desde la producción. Y lo mejor de todo es que seguramente se verá mucho más de su personaje, puesto que la tercera temporada de Margarita ya está grabada, aunque todavía no está confirmada la fecha de estreno.

En medio de las repercusiones por su sorpresiva aparición, Fabio Di Tomaso se expresó en su Instagram sobre sus sentimientos a la hora de volver a interpretar al personaje. “La magia continúa. Quiero agradecer a Cris Morena por hacerlo posible”. Luego publicó un video que guardó durante meses en su carrete, puesto que lo grabó el día que iba a filmar su primera escena.

“Bueno, acá estoy, muy emocionado. Es muy temprano, todavía no amaneció”, expresó frente a cámara. “Estoy del otro lado de la orilla. Arrancamos con la vuelta del Conde, veinte años después”, sentenció. “A nada de volver. ¡Nos seguimos viendo!”, agregó.

El elenco no tardó en darle oficialmente la bienvenida. Isabel Macedo (Delfina Santillán) celebró: “Vamos, nene” y Ramiro “Toti” Spangenberg (Merlín) escribió “Ídolo”. Mateo Belmonte (Rey) agregó: “Él” y Lola Abraldes (Daisy) sumó: “Icónico”. Asimismo, Esteban Prol, quien interpretó a Lorenzo en Floricienta, expresó: “¡Vamos! ¡A disfrutar el viaje!” y Nicolás Maiques, quien fue Nicolás Fritzenwalden, también se alegró por su regreso.

Los fanáticos también reaccionaron. “Gracias por volver, mi niña interior está muy feliz. ¡Sos un genio!”; “Impactada”; “Veinte años soñando este momento. No me despierten que volvió él”; ¡Volvió el Condorito! ¡Te amamos, Fabio! Máximo Augusto Calderón de la Hoya, mi amor eterno”; “Lo mejor es que hasta ahora solo saliste en una mínima escena y no podemos dejar de verla en repeat y hablar de ella. La tercera temporada más esperada de la historia”; “‘¿Qué esconde el conde? ¿Quién sabe dónde? ¡Lo que necesitábamos! ¡Gracias por volver!”, escribieron.

‘Meme’ Funes visitó Lo resolví pensando, el ciclo de streaming rosarino de La Capital, y en diálogo con Guido Záffora aseguró no tener vínculo con el ex Casi Ángeles. “Ni siquiera es mi ex anterior; es un ex anterior, anterior, anterior…”, lanzó.

En ese sentido, aclaró que se encontró varias veces con Vázquez de casualidad, pero que no intentaron tener una conversación. “No tenemos vínculo. No es que lo veo y le pego con un garrote, no tengo mala onda”, explicó la actriz. Sin embargo, fue contundente: “Pasaron tantas vidas, no una vida: pasaron tantas vidas. Pasó mucho tiempo, ya está”.

Luego Záffora quiso saber qué sintió al enterarse de la separación de su exmarido y Accardi, quienes decidieron elegir caminos distintos en julio del año pasado. “Yo no posteaba nada cuando se separó, yo estaba en el gimnasio…”, cerró entre risas.

Cabe recordar que el año pasado la propia Gimena Accardi se refirió a este viejo mito mediático y enfrentó con firmeza el ensañamiento que todavía reflota en las redes sociales. Al ser consultada por Intrusos sobre el “hate” que recibe por parte de quienes la acusan de ser la tercera en discordia o el supuesto “karma” de aquella ruptura, la actriz fue categórica: “Eso pasó hace 18 años. Mercedes sabe cómo fue, lo dijo públicamente. Hemos hablado los tres miles de veces, nos hemos cruzado en eventos... Nico estaba separado (de Mercedes). ¿Recientemente separado? Sí. Pero estaba separado”.

Pese al sufrimiento que le causó en su momento la mediática y dolorosa ruptura con Nico Vázquez, la actriz logró sanar las heridas del pasado y rearmar su vida amorosa por completo. Hoy, a casi dos décadas de aquel quiebre, disfruta de un presente consolidado junto al periodista Cecilio Flematti, con quien se casó en 2019.

Es por eso que cuando se reencuentran suele ser pura felicidad. Y así lo dejó plasmado el intérprete en una imagen compartida en su cuenta de Instagram, en la que se los puede ver fundidos en un abrazo con sonrisas de oreja a oreja. “El abrazo que me da años de vida“, escribió Cabré al pie del posteo, muy emocionado.

Rápidamente, la publicación se volvió viral con cientos de mensajes de los fanáticos de la estrella argentina, felicitándolo por su increíble rol como padre. “Los ojitos de ambos. Te amamos Nico te mereces todo lo lindo y real”; “Por fin juntitos” y “Hermoso abrazo. Son dos gotas de agua”, fueron algunos de los comentarios que se multiplicaron.

Nicolás Cabré explicó cómo tomaron la decisión de que Rufina fuera a vivir a Turquía

A pesar de que el actor sabía desde un principio que su vínculo sería más esporádico con su niña en el extranjero, decidió aceptar después de que ella le pidiera por favor poder formar parte de esta nueva experiencia familiar. En una entrevista con Vuelta y Media (Urbana Play) habló sobre cómo atraviesa la paternidad a la distancia.

“No hay día que no pase, y creo que le pasa a todos los padres, que vas entendiendo las cosas que decían tus papás. Hoy que ya no los tengo, descubro muchas cosas que ellos han vivido y entiendo las cosas que a lo mejor nunca me dijeron”, expresó con emoción al hablar sobre esta nueva etapa familiar.

Acerca de eso, sumó: “Como que no tenés que ser un palo en la rueda frente a decisiones que a veces pueden gustarte más o menos”. Además, destacó que la menor tiene, de esta manera, la oportunidad de conocer una cultura distinta y aprender otro idioma, algo que considera muy valioso para su crecimiento personal.

“Entendés que vos no tenés que ser un palo en la rueda y que cuando ella, gracias a Dios, tiene la posibilidad de decidir y decir: ‘Bueno, me quiero aventurar y quiero conocer un idioma y un país’, tenés que entender que vos tenés que apoyar”, explicó y sumó una frase que resumió el presente que atraviesa: “Yo aprendo y veo a una Rufina feliz”.

“Yo siempre tuve claro que la prioridad siempre es, fue y será Rufina. Y yo te puedo plantear dos panoramas y vos decís ‘A o B’. Y el que sea, yo voy a estar y la voy a apoyar”, afirmó y dejó en evidencia el vínculo cercano que mantienen. También reconoció que, aunque la extraña, hoy la tecnología ayuda a sostener el contacto cotidiano: “Va y viene, hablamos todo el día... La extraño, pero la apoyo y valoro lo que hace”.

La dinámica del juego, que mantuvo en vilo a los jugadores, alcanzó su cierre luego de un proceso exhaustivo en el que se eliminaron las opciones de a poco. De un total de 200 llaves disponibles, ya se habían extraído 176, lo que dejó apenas 24 en juego cuando se produjo el desenlace favorable para Zilli. Con este logro, la participante se suma a una selecta nómina de concursantes que obtuvieron el mismo beneficio en las últimas ediciones de Gran Hermano: Maximiliano Guidici, Zoe Bogach y Ulises Apostolo, con la particularidad que ninguno fue campeón.

Es importante remarcar que la participante no se llevó el liderazgo, sino que esto se definió el día anterior y se lo quedó Emanuel Di Gioia, que casualmente fue la primera vez que lo consiguió. Así, sus beneficios fueron inmunidad, la posibilidad de eliminar a un competidor de la carrera por el vehículo (eligió a Manuel Ibero) y una ventaja táctica que le permitió contar con dos llaves en cada pasada del sorteo.

Tras este triunfo de Zilli, el foco de la casa volvió a situarse en la placa de nominados, mientras los jugadores restantes ajustan sus estrategias de cara a la continuidad del reality show más visto de la pantalla argentina.

Esa postal fue lo primero que un grupo de oyentes de LA NACION 104.9 +Música se encontraron este jueves en las oficinas de Universal Music Argentina, cuando fueron a escuchar de manera anticipada y exclusiva, las 14 canciones que integran el nuevo álbum, The Boys of Dungeon Lane.

El primero en tomar la palabra fue el principal referente de la radio, Leo Rodríguez: “Lo vi muchas veces, acá y afuera, tuve la oportunidad de entrevistarlo. Paul siempre tuvo la necesidad de sentirse uno más. Agarrar el auto y manejar, o llamar [él mismo] al periodista con el que iba a hablar. Fue una charla que hicimos en 2019 y parecía que estaba hablando con una persona conocida -recordó el locutor-. Porque Paul te baja a tierra. Pensemos que va a cumplir 84 años y con este disco no se si va a las raíces pero sí a su adolescencia y a su infancia, a como jugaba en las calles de aquella Liverpool que se recuperaba de la guerra. Porque recordemos que todos los Beatles nacieron en ese momento tan traumático. En una de las entrevistas que dio dijo que se ponía en el lugar de sus padres, y pensaba en cómo habría sido ser padres en esos tiempos”.

Mientras tanto, entre el público había fanáticos con remeras de Macca, señores que peinaban canas y que tenían asistencia perfecta en todos los recitales que, desde 1993, dio el astro inglés en nuestro país, y gente con historias para contar, como aquellas parejas que, al momento de casarse, optaron por las canciones de los Beatles para animar su fiesta, en vez de los temas más clásicos de este tipo de eventos.

“Cuando escuché Chaos and Creation in the Backyard -disco que cumplió 20 años- lo sentí como una despedida”, agregó Leo Rodríguez. “Pero con Paul uno nunca sabe. Disfrutémoslo mientras lo tengamos en este plano. Porque, como siempre lo digo en la radio, quizá no nos demos cuenta que estamos con el Beethoven o el Mozart de estos tiempos”.

Un rato después, con escucha atenta, sonaron las 14 canciones que están incluidas en el repertorio de The Boys of Dungeon Lane. Desde ese rock de riff poderoso hasta los que llevan la sonoridad folk de las guitarras acústicas. Desde aquellos que Paul ya había anticipado (“Days We Left Behind” y “Home of Us”) hasta los que eran pura novedad para todos los oídos.

Al final, ya con los deberes hechos, algunos se atrevieron a dar su opinión sobre la flamante producción. Romina -una de las oyentes de la 104.9 que asistió a Universal Music para escuchar el álbum- contó que fue a ver a McCartney al primer show que dio en Buenos Aires. Tenía 11 años en ese momento y hoy lo lleva tatuado. Ahora convertida en una experta, ofreció su radiografía del álbum: “Este disco me trajo muchas reminiscencias de [su banda] Wings, pero también de discos como Flaming pie y Egypt Station. La verdad que esto es McCartney puro."

La confesión ocurrió durante una entrevista grabada para promocionar Confessions II, su nuevo álbum. Rodeada por el dramaturgo Jeremy O. Harris, el artista Bob The Drag Queen, la bailarina Ivy Mugler, el diseñador Raul Lopez y Marcello Gutierrez, periodista de la revista ID, la cantante aceptó responder preguntas incómodas y terminó revelando un recuerdo íntimo que rápidamente se volvió viral.

“Solo voy a nombrar a gente muerta”, aclaró primero. Después se inclinó hacia adelante, se cubrió parcialmente la boca y susurró: “John Kennedy Jr.”.

La reacción del grupo fue inmediata. Entre gritos y carcajadas, Raul Lopez sumó todavía más picante al asunto. “Todo el mundo dice que tenía un miembro increíble y que era un gran amante”, comentó. Madonna respondió apenas con un gesto y un “Mmm hmm” cargado de complicidad.

La revelación volvió a instalar el mito alrededor de JFK Jr., el hijo de John F. Kennedy y Jacqueline Kennedy Onassis que durante años fue considerado “el príncipe de Nueva York”. Rico, atractivo, inteligente y condenado por el peso trágico de su apellido, John-John fue una obsesión mediática en los años 80 y 90, y también uno de los solteros más codiciados del planeta.

Madonna no es la única celebridad que habló públicamente sobre el magnetismo casi irresistible del heredero Kennedy. A propósito del estreno de Love Story: John F. Kennedy Jr. & Carolyn Bessette, la serie que repasa el romance del empresario con su esposa, en el último tiempo varias mujeres famosas volvieron a recordar sus historias con él, alimentando todavía más la leyenda.

Una de ellas fue Brooke Shields, quien recientemente rememoró el breve romance que vivió con JFK Jr. cuando ambos eran muy jóvenes. La actriz aseguró que estaba completamente fascinada con él y confesó que compartieron “el mejor beso” de su vida. Según relató en una entrevista y luego en un video viral de TikTok junto a su hija Rowan Henchy, Kennedy tenía un enorme poder de seducción basado en el humor, la calidez y una mezcla extraña de seguridad y vulnerabilidad.

Sin embargo, Shields también reveló que nunca llegaron a tener relaciones sexuales. Según explicó, ella se sentía demasiado vulnerable emocionalmente y temía terminar lastimada. Aun así, el recuerdo del romance sigue ocupando un lugar especial en su memoria.

Otra mujer que volvió a quedar ligada públicamente a JFK Jr. fue Daryl Hannah. La actriz salió con él a principios de los años 90 y recientemente explotó contra la serie, producida por Ryan Murphy, por considerar que la retrata de forma “falsa y misógina”. Hannah publicó un duro ensayo en The New York Times donde negó varias escenas de la ficción y acusó a la producción de convertirla injustamente en una villana para favorecer la historia romántica central entre Kennedy y Bessette.

La actriz aseguró que jamás consumió drogas ni protagonizó los escándalos que muestra la serie y lamentó que una dramatización televisiva pueda afectar su reputación décadas después de los hechos reales.

También reapareció una vieja anécdota protagonizada por Xuxa. Según recordó recientemente la prensa brasileña, la conductora tuvo una cita con Kennedy en Nueva York durante la Navidad de 1991. El encuentro ocurrió en Tribeca y prometía convertirse en el inicio de un romance internacional, pero terminó abruptamente y nunca volvieron a hablarse.

Todas estas historias parecen reforzar la misma idea: más de 25 años después de su muerte, John F. Kennedy Jr. sigue funcionando como un personaje casi mitológico dentro de la cultura pop. Un hombre cuya vida estuvo atravesada por la política, el glamour, la tragedia y un nivel de fascinación pública que pocas figuras alcanzaron alguna vez.

Y ahora, gracias a Madonna, también quedó oficialmente coronado —al menos para ella— como el mejor amante entre todos sus fantasmas célebres.

La producción desembarcó en la plataforma con una historia atravesada por el drama, las relaciones intensas y una estética gótica que promete atrapar a los espectadores desde el comienzo. Además de retomar la esencia de la novela original, la serie profundiza en los dilemas emocionales, los vínculos complejos y los conflictos internos que atraviesan a sus protagonistas.

De qué trata Entrevista con el vampiro, disponible en Netflix

La historia de Entrevista con el vampiro gira en torno a Louis, un vampiro que decide contarle su vida a un periodista mientras revive los momentos más oscuros y decisivos de su existencia. A través de esa conversación, comienzan a salir a la luz los detalles de su transformación y el vínculo que lo unió para siempre a Lestat, el enigmático vampiro francés que cambió su destino. Jacob Anderson y Sam Reid son los encargados de dar vida a los protagonistas de esta intensa historia.

Con el avance de la entrevista, el relato se vuelve cada vez más oscuro y emocional. La serie explora una relación marcada por la obsesión, el deseo y la manipulación, y muestra cómo ambos personajes quedan atrapados en una conexión tan apasionada como destructiva a lo largo de los años. El elenco también cuenta con las actuaciones de Eric Bogosian, Bailey Bass, Assad Zaman y Delainey Hayles.

Más allá de los elementos sobrenaturales, la producción pone el foco en los conflictos psicológicos y emocionales de sus protagonistas, atravesados por el peso de la inmortalidad. Según adelantó Netflix, la trama seguirá a un vampiro de Nueva Orleans que le contará a un periodista su vida de “sed de sangre y romances tóxicos” tras haber sido convertido por un misterioso francés.

Cómo Entrevista con el vampiro pasó de libro clásico a éxito en plataformas

La serie está basada en Entrevista con el vampiro, la primera novela de Anne Rice publicada en 1976, una obra que revolucionó el universo de los vampiros en la literatura. Lejos de mostrarlos únicamente como monstruos aterradores, la autora construyó personajes complejos, sensibles y atormentados, atravesados por conflictos emocionales y existenciales que marcaron a toda una generación de lectores.

Años más tarde, en 1994, la historia llegó al cine con una adaptación dirigida por Neil Jordan y escrita por la propia Rice. La película se convirtió en un clásico del género gracias a un elenco destacado encabezado por Tom Cruise, Brad Pitt, Christian Slater, Antonio Banderas y Kirsten Dunst, además de una estética oscura y elegante que quedó grabada en la cultura popular.

Ahora, esa historia vuelve a tomar fuerza con la serie estrenada originalmente en 2022, que recientemente desembarcó en Netflix para acercarse a nuevas audiencias. La producción moderniza algunos aspectos del relato original, aunque conserva la esencia gótica, el drama emocional y los dilemas psicológicos que transformaron a la novela en un fenómeno mundial y que todavía hoy siguen atrapando a los fanáticos del género sobrenatural.

Amor, obsesión y manipulación: la relación que atraviesa Entrevista con el vampiro

Uno de los ejes principales de Entrevista con el vampiro es la compleja relación entre Louis y Lestat, atravesada por la obsesión, la manipulación emocional y una fuerte dependencia afectiva. La serie mostrará cómo ambos personajes quedan atrapados en un vínculo intenso y destructivo, donde el amor, el dolor y el control convivirán de manera permanente a lo largo de la historia.

Además del componente sobrenatural, la producción profundiza en temas como la soledad, el deseo y la necesidad de pertenecer, mientras explora el peso emocional de la inmortalidad y las consecuencias psicológicas de vivir durante siglos cargando culpa, pérdidas y sufrimiento. Esa combinación de terror, drama y conflictos internos es una de las claves que convirtió a la obra de Anne Rice en un clásico que sigue atrapando a nuevas generaciones.

Fue el 11 de mayo cuando, en medio de los festejos tras el cuarto triunfo del Galatasaray en la liga, el delantero del equipo turco recurrió a su perfil de Instagram, donde acumula 14 millones de seguidores, para presumir a su enamorada en bikini durante un día caluroso de una de las tardes primaverales. “Salí campeón en la cancha, pero el mayor campeonato lo gané en la vida”, escribió. Aunque para muchos parecía ser solo una dedicatoria amorosa, se trató de un significado más profundo.

Aquel mensaje no tardó en encender el debate debido a una llamativa coincidencia: la frase es un calco casi exacto del título de su libro infantil de 2017, Campeones en la cancha y en la vida. Aquella obra, editada junto a Wanda, había sido presentada formalmente en la Feria del Libro de Milán.

A través de sus páginas, el libro repasa la historia de Icardi desde sus orígenes en Rosario y su paso por España hasta consolidarse como una figura del fútbol europeo en el Inter de Milán. Pero el foco principal no está puesto en la fama o los lujos, sino en el camino recorrido, por lo que utiliza el fútbol como una metáfora para transmitir valores esenciales como la disciplina, el compañerismo, el esfuerzo constante y la capacidad de superar la frustración.

Al haber sido un proyecto impulsado junto a la madre de sus dos hijas, la narrativa también le otorga un peso fundamental al entorno familiar, presentándolo como el verdadero equipo de apoyo detrás de cualquier logro.

“Nadie se dio cuenta! La dedicatoria que usó Mauro Icardi para la China hace unas semanas fue el título del libro que escribió Wanda en Italia en 2017″, escribió el periodista Fede Flowers a través de su perfil de X y no tardó en generar revuelos entre los dos bandos. “Después las fans de la moncha dicen que Icardi no busca joder a Wanda! Jajaja, no sé si quedan más ridículas ellas defendiendo o la moncha”; “Jajajaja, le digo yo a esa frase y ni sabía que Wanda tenía un libro” y “Todo igual,menos la cara de arruinada de Wanda. Con razón está tan brotada, no le llega ni a la sombra de la belleza de la China!”, fueron solo algunos de los comentarios.

Cabe recordar que la propia Wanda se sinceró unos meses atrás sobre el momento en el que lanzó su obra pionera. “Estaba embarazada, no podía hacer nada y me puse a escribir dos libros, los presenté en la Feria del Libro en Milán y todo el mundo me decía ‘¡Qué bien!’. Claro, como no me conocían, armé una personalidad nueva allá. Vos pensá que gané el Bailando... Yo les hice creer que era bailarina y que era escritora", lanzó entre risas en una charla con Grego Roselló en Ferné con Grego (Telefe).

Bautizado al nacer como Nicolas Kim Coppola, el artista, quien es sobrino del legendario director de cine Francis Ford Coppola, decidió cortar definitivamente con el peso de pertenecer a una de las dinastías más influyentes del cine y evitar las comparaciones.

Lejos de explotar ese vínculo, el protagonista de Adiós a Las Vegas, Hechizo de luna y Educando a Arizona pasó gran parte de su carrera intentando despegarse de esa herencia. En una reciente entrevista con Variety, Cage explicó que en 2025 decidió oficializar el nombre con el que ya era conocido públicamente y convertirlo en su identidad legal definitiva. “Soy Nick Cage. Me cambié el nombre legalmente el año pasado. Soy Nick Cage en la vida real y soy Nick Cage en la pantalla”, afirmó.

Sin embargo, la razón detrás de su decisión fue más allá de una cuestión artística. El actor dejó una frase contundente sobre su experiencia a la hora de pertenecer a un clan cinematográfico tan reconocido: “Es mejor ser el patriarca de mi propia familia que el primo payaso marginado de la de otra persona”, subrayó.

Cage es hijo de August Coppola, hermano mayor de Francis Ford Coppola, y de la exbailarina Joy Vogelsang. Su árbol genealógico incluye, además, a Sofia Coppola, Jason Schwartzman y otros integrantes que forman parte de una de las familias más influyentes de la industria estadounidense.

Según contó el actor en algunas oportunidades, portar el apellido de su padre suponía para él una carga. Sobre ello, mencionó que el vínculo familiar generaba comentarios y prejuicios sobre cómo había conseguido algunos trabajos.

Uno de los episodios que terminó de convencerlo ocurrió mientras filmaba Picardías estudiantiles, en 1982, y aun portaba su apellido verdadero (de hecho, está acreditado en el film como Nicolas Coppola). Según recordó años atrás en una entrevista con Wired, las referencias constantes a las películas de su tío llegaron a agotarlo. “Me di cuenta de que no necesitaba esto”, recordó. La solución: buscarse otro apellido.

La elección no fue casual. Cage explicó que se inspiró en el personaje de Marvel Luke Cage, aunque también influyó el compositor experimental John Cage, figura admirada dentro de su familia. Además, buscaba algo corto y contundente.

“Pensé: ‘Conservaré Nicolas porque mi padre me puso ese nombre, con la ortografía francesa’. Lo que siempre me frustró porque todo el mundo le agrega una ‘h’”, compartió. Aun así, aseguró que no tiene preferencias sobre cómo lo llamen: Nick o Nicolas. “Soy ambas cosas. Creo que la gente me conoce por las dos”, sostuvo.

Su carrera también estuvo marcada por elecciones propias que reforzaron su imagen singular dentro de Hollywood, con personajes memorables, a veces extravagantes, y una tendencia a asumir riesgos creativos.

En la actualidad, el actor mantiene una agenda con múltiples proyectos, entre los que se encuentra su participación en la recién estrenada serie Spider-Noir, basada en los cómics de Marvel, en la que interpreta a Ben Reilly-The Spider, personaje al que ya había prestado su voz anteriormente. La producción cuenta con ocho episodios. Además, Cage protagonizará Madden, película biográfica en la que dará vida al fallecido entrenador y comentarista deportivo John Madden.

One couple made a deal. The next one is keeping score. ❤️‍🔥🏒

From Garrett & Hannah to Dean & Allie — the Off Campus love story continues in Season 2. pic.twitter.com/MTANP7EscS

— Off Campus (@offcampusonpv) May 28, 2026

Lo cierto es que aunque ahora parezca que los fanáticos tuvieron alguna influencia en el rumbo que tomará la serie, en realidad Louisa Levy, creadora del programa, ya lo había decidido apenas vio la química entre los actores y el interés que sus personajes generaron durante las grabaciones de la primera temporada. Una atención que se multiplicó astronómicamente con el estreno de Off Campus y especialmente gracias al sexto episodio en el que la historia de amor entre Garrett (Belmont Cameli) y Hannah (Ella Bright) da un paso al costado para revelar el apasionado vínculo entre Dean y Allie que ambos deciden mantener en secreto.

Entre la escena en la que Allie baila disfrazada con el famoso y escotado vestido de Jennifer Lopez y bailando al ritmo de su canción de 2011 “On The Floor” –que gracias al programa esta semana volvió a los charts– y las sensuales y divertidas secuencias de los encuentros clandestinos del dúo, las redes sociales dieron su veredicto: a pesar de que en la saga literaria el segundo libro, El error, se centra en el romance entre John Logan (Antonio Cipriano) y Grace Ivers (India Fowler), la serie televisiva cambiará ese orden. Una lección aprendida de Bridgerton que se tomó la licencia de alejarse del canon establecido por las novelas de Julia Quinn cuando decidió que los populares Penelope Featherington (Nicola Coughlan) y Colin Bridgerton (Luke Newton) encabezarían la tercera entrega de la serie de Netflix y no la cuarta, como dictaban los libros.

En el caso de Off Campus, las novelas transcurren en la ficticia Universidad de Briars, ubicada en las afueras de Boston, y se centra en la vida y los amores de los jugadores del equipo de hockey sobre hielo y las mujeres que aman. En la primera temporada además de la pareja central, la trama incluyó la presentación de Dean como el gregario chico rico y seductor serial del grupo de jugadores y la de Allie, como una enamoradiza estudiante de actuación y la mejor amiga de Hannah.

Si bien la confirmación de que Allie y Dean serán los protagonistas de los nuevos episodios calmó la ansiedad de sus fans que, según informó Prime Video, convirtieron a Off Campus en la tercera serie más vista en la historia de la plataforma, solo superada por El señor de los anillos: los anillos del poder y Fallout, dos de sus apuestas más ambiciosas, lo cierto es que la trama de la nueva temporada sigue siendo un misterio. Incluso para quienes ya leyeron la historia original. Es que, como sucedió con los ocho primeros capítulos, la adaptación respetará la esencia de los personajes y su historia pero tendrá un alcance más amplio para incluir a todos los personajes principales de la trama, que en los libros dan un paso al costado una vez que consiguen su final feliz.

“Estamos muy entusiasmados de continuar historia de Allie y Dean como el romance central de la segunda temporada después de presentarlos en la primera. Pero si se enamoraron de Hannah y Garrett, no se preocupen. Ellos seguirán formando parte integral de nuestro gran grupo. Queremos relatar los próximos capítulos de los cuentos de todos ellos”, explicó Levy en el anuncio de hoy. Además, la showrunner había adelantado hace unos días que ya escribió todos los guiones de los episodios que empezaron a grabarse esta semana en Vancouver y que probablemente se estrenen el año próximo.

Aunque todavía no se sabe cuántos serán-originalmente la primera temporada había sido estructurada en diez capítulos pero por cuestiones de presupuesto terminó siendo de 8-, gracias a la novela original se sabe que la trama explorará el vínculo entre Allie y Dean, en el marco de las preocupaciones que tienen ambos personajes con el fin de su carrera universitaria en el horizonte y una tragedia que cambiará sus vidas para siempre.

En este caso, la parodia tendrá por objeto contrastar, en tono de burla o caricatura, la ilusión que tuvo una pareja (una escritora y un traductor) a los 25 años, con lo que pudo realizar a los 50 y con lo que finalmente cumplió, a los 75. La obra, que es la tercera comisionada al argentino (radicado en Alemania con destacada trayectoria internacional), contó con el requisito de que el libreto fuera escrito por una mujer, también argentina y en lengua castellana. La tarea le fue encomendada a Ariana Harwicz (autora de novelas reconocidas como Mátame, amor y La débil mental) quien creó la historia que se verá a lo largo de cuatro funciones a partir del domingo en la sala principal del coliseo porteño. Y, como un fundamental aporte a la dramaturgia desde la concepción del proyecto, la participación del director Mariano Pensotti, a cargo de la puesta y la dirección escénica.

A modo de introducción a la experiencia de asistir al nacimiento de una nueva ópera, dialogamos con Strasnoy sobre las premisas, dificultades y perspectivas del género en nuestro tiempo, de su música y de lo que describe como “destellos de convenciones operísticas”.

–¿Cómo sucedió el encuentro creativo entre la música y la historia, y cuál fue el desafío para musicalizar la trama?

–Yo no la conocía a Ariana, pero leí una novela suya y encontré que tenía un lenguaje interesante para el libreto. El encargo pedía que fuera mujer escritora, viva y en castellano, para hacer una ópera “argentina”. Es difícil escribir con libreto en castellano porque es una lengua cercana y cotidiana. Es la que usamos para ir al supermercado o hablar con una tía. Entonces me interesó trabajar con alguien que usa un lenguaje que no es el normal. Porque la lengua cantada suena ridícula. De hecho, es una ventaja no entender nada en la ópera. Pero bueno, creo que aquí, con un poco de suerte, la gente no entenderá nada de lo que se dice y el problema quedará resuelto.

–¿En qué sentido no es normal?

–En que es una lengua artificial y afectada. Que lo que transmite es más fuerte a nivel del lenguaje que de la historia en sí. Por ejemplo, la autora tiene una obsesión con las lechuzas y en medio de un diálogo te dice “¡hay lechuzas!” o “¡el olor de los árboles!”, cosas absurdas que me gustan porque son como un síndrome de Tourette. Como esa gente que, sin sentido, putea en el medio de una frase. La autora tiene eso, pero con imágenes y como los personajes están siempre borrachos tienen recuerdos y obsesiones con cosas macabras como el olor de los muertos y los pedazos de cuerpos. Ariana propuso una idea original y sobre eso trabajamos: la historia de una pareja que se verá en tres momentos distintos, todos conviviendo en un mismo espacio.

Una música teatral

–Has descripto el lenguaje del libreto como artificial y no-normal ¿Qué dirías del tuyo, el lenguaje musical?

–Que está muy conectado con el teatro, que siempre tiene que ver con su subtexto, incluso cuando compongo música instrumental que no usa voz ni texto. Que está ligado a una dramaturgia. Eso hace que se sienta contrastante y que a veces recurra a pequeñas convenciones de afectos que uno puede identificar. No es completamente abstracta. Eso es lo máximo que puedo decir.

–Simplificando los términos para hablar de una composición contemporánea que se escuchará por primera vez ¿podríamos decir que se encuadra en lo tonal o lo atonal, en lo consonante o lo disonante?

–No. No es un lenguaje que vuelve a la tonalidad. Mi música usa lo necesario para conectar con lo teatral y si en algún momento necesito introducir un recitativo, hago una referencia como si fuera Mozart. Hay destellos de convenciones operísticas que recuerdan un estilo musical pasado, pero son solo referencias. Eso no quiere decir que sea música tonal ni completamente atonal. Un colega dijo que hay períodos de la historia que inventan lenguajes, y hay otros que usan un poco de todo y hacen síntesis. Un compositor de innovación sería Wagner. Uno de síntesis, Puccini. Creo que ésta es una época más cercana a esa idea.

–¿Hay vínculos en tu trabajo con lo cinematográfico?

–Es interesante que las referencias de Ariana, que no sabe nada de ópera y nunca estuvo confrontada con el género, eran solo cinematográficas. Yo creo que el cine y la ópera tienen mucho en común. De hecho, el cine sin Wagner no existiría. El cine es como una réplica en dos dimensiones del pensamiento wagneriano, con músicas omniscientes que cuentan lo que piensan y sienten los personajes. Eso es muy wagneriano. Pero no es que la ópera sea cinematográfica, sino que el cine, sin saberlo, es operístico.

–¿Cómo descubriste tu vocación por el teatro musical?

–Había mucha presencia musical en mi casa, estudié desde la infancia y tuve una tía compositora que fue determinante. La ópera en particular fue algo más tardío, ya en mi juventud, a partir de los 20, cuando me fui a París. Y lo que me decidió por la ópera fue una postura negativa: el hartazgo absoluto del “conciertito de música contemporánea” con cinco piezas de 10 minutos cada una. Después que compuse dos o tres espectáculos de teatro musical que funcionaron bien, me siguieron pidiendo más de lo mismo, y aquí estoy.

–Hablamos del elemento literario, ahora del teatral. ¿Cómo se conjugó para crear la partitura y cómo se está desenvolviendo en su realización con músicos y cantantes?

–Algo muy bueno de este proyecto es que trabajamos los tres (libro, música y escena) desde el principio como una entidad. Todos nuestros encuentros fueron tripartitos por zoom en la pandemia y conseguimos desarrollar la dramaturgia que era la pata que le faltaba a Ariana, porque ella escribe novelas, no teatro. Mariano es la cabeza teatral. De modo que cuando llegamos ahora a la realización, las cosas se hacen como fueron concebidas. ¡Y contamos con la inmensa ventaja de que Mariano es un santo y que los cantantes vinieron super bien preparados desde el primer ensayo, con la obra resuelta y de memoria! Si no fuera así, es imposible montar el espectáculo en cuatro semanas ensayando en la abstracción total, en una sala con marcaciones con cinta scotch en el piso en lugar del escenario.

De la ironía y la parodia

–¿Hay en esos encuentros entre la juventud, la madurez y la vejez una reflexión amarga? ¿Cuál es el tema y lo que quieren dejarle al público con Dementia?

–La ilusión y la desilusión. La ilusión que uno tuvo de joven, lo que imaginó para su vida a los 25, y a los 75 lo que realmente fue. Para mí es más divertido que amargo. Queremos dejar la sensación de una obra irónica, más divertida que amarga porque la ópera es tan ridícula que solo funciona cuando se ríe de sí misma. Por eso, yo uso el único recurso posible: la parodia.

–Aunque ofenda al género (risas), porque la ópera se define en el drama...

–No importa. Hoy en día es muy difícil tomarse en serio el argumento de un drama wagneriano, por ejemplo ¡Sigfried concebido como superhombre, no se puede tomar en serio! O es extremadamente peligroso. Para mi propio ejercicio de la profesión, lo que mejor se adapta es el tono paródico. Y en Dementia hay una idea con la traducción, porque el marido espera que la esposa escriba para tener algo que hacer, se invierten los roles tradicionales y eso Mariano lo llevó a la puesta. La ópera termina con la frase: “Somos malas traducciones de nosotros mismos”.

–¿Qué le dirías al público que rehúye de las creaciones nuevas?

–Por supuesto que es una música nueva y una obra nueva da miedo, porque la gente va a la ópera básicamente para ver lo que ya conoce. Muchos incluso odian las puestas novedosas. Les diría que traten de tener el mismo nivel de curiosidad que tiene cuando compran una novela que les recomendaron. Hoy en día nadie lee a Goethe ni a los clásicos, la gente lee autores actuales. Lo mismo con el cine. Nadie va a ver los films de los años 50, nadie quiere vivir en una casa del siglo XVII. En todas las artes pasa lo contrario de la música. Mientras tanto, la ópera sigue siendo como un museo y eso tiene mucho que ver con el turismo. Es como ir a Venecia o ir a París para volver a ver el Louvre y la Monalisa. Ir a la ópera es exactamente eso.

Para agendar

Dementia – Estreno mundial de la obra comisionada por el Teatro Colón. Ópera en tres cuadros y un epílogo. Música de Oscar Strasnoy. Libreto de Ariana Harwicz. Dirección musical: Tito Ceccherini. Dirección escénica: Mariano Pensotti. Escenografía y vestuario: Mariana Tirante. Iluminación: Marías Sendón. Orquesta Estable del Teatro Colón. Elenco: Florencia Burgardt (Escritora de 25 años), Daniela Tabernig (Escritora de 50 años), Mónica Ferracani (Escritora de 75 años), Sebastián Angulegui (Traductor de 25 años), Alejandro Spies (Traductor de 50 años), Víctor Torres (Traductor de 75 años).

Funciones: domingo 31, a las 17; martes 2, jueves 4 y sábado 6, a las 20. En la sala principal del Teatro Colón

La frutilla del postre se produjo hacia el final del evento, cuando apareció la voz de la madre de la conductora mientras sonaba la canción “Um Pequenino Grão de Areia”. Xuxa no pudo evitar romper en llanto al igual que sus acompañantes en la primera fila, el cantante y compositor João Lucas, marido de Sasha, y la modelo Bruna Marquezine, actual pareja del cantante Shawn Mendes y mejor amiga de Meneghel.

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“Ella no sabía que la voz que cantaría en esa última estrofa iba a ser la de mi abuela Alda”, reveló la diseñadora en diálogo con Gshow, el portal de entretenimiento de TV Globo, y explicó que encontró esa grabación buceando entre los recuerdos familiares. “Logramos aislar su voz y crear un arreglo que encajara con el desfile. Recuerdo que la primera vez que la escuché lloré mucho porque hacía muchísimo tiempo que no oía su voz. No sabía que existía esa grabación, que la teníamos. Así que, para mí, fue muy especial”, remarcó la joven de 27 años.

La emoción de ese momento único que unió a las tres generaciones de la familia se replicó en las distintas entrevistas que dio Xuxa luego del desfile. “Son los dos amores de mi vida. Es tan grandioso que no hay palabras para describirlo”, dijo la actriz y cantante al medio Quem, visiblemente conmovida y con dificultad para hablar.

Orgullosa por el trabajo de su hija, señaló a Gshow que no imaginaba que Sasha pudiera plasmar hasta el último detalle la rica historia de su madre. “Cuando me dijo que iba a rendirle homenaje a su abuela tuve una mezcla de sensaciones. Si ya estaba emocionada antes, imagínense ahora”, sostuvo.

Por su parte, la diseñadora explicó que el proceso creativo detrás de esta colección implicó una ardua investigación sobre la vida de su abuela, una costurera y pintora de Rio Grande do Sul que falleció en 2018, a los 81 años, por complicaciones derivadas de la enfermedad de Parkinson, la cual le habían diagnosticado una década atrás.

“Mi abuela, al igual que mi madre, siempre fue una gran narradora. Les contaba muchas historias a sus hijos y ellos me las transmitieron a mí. Era muy importante para mí tener este tiempo con mi familia para hablar de mi abuela. Son momentos que atesoro, porque rara vez nos reunimos para hablar de la persona que era el nexo de unión. La abuela Alda era ese nexo. Nos reuníamos todos los años en Navidad por ella; nos quería muchísimo”, dijo Sasha al citado medio brasileño.

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De hecho, contó que su pasión por el mundo de la moda no solo proviene de su madre, sino también de la influencia de su abuela. “Ella siempre fue pintora, siempre fue cantante, siempre cosió muy bien, y las primeras prendas de mi madre, las botas blancas, las hombreras, todo era de su autoría. Ella es una gran fuente de inspiración“, expresó Meneghel en diálogo con Marie Claire Brasil.

“Tenía una relación muy cercana con mi abuela. Ella me enseñó a pintar. Trabajaba mucho con arcilla y plastilina, y recuerdo que tenía un estudio en su garaje donde yo pasaba muchas de mis vacaciones. Siempre fue muy artística, aunque nunca fue reconocida como artista”, aseguró, a la vez que adelantó que para el verano lanzará la segunda parte de su colección inspirada en Alda.

“Estoy muy cansada, casi sin energía”, explicó cuando Sebastián “Pampito” Perelló Aciar le preguntó cómo estaba transitando el momento durante una nota que le brindó a Puro Show. “Quiero aclarar que hablo hoy y no hablo más. Todo esto me produce un agotamiento físico y mental, y es seguir alimentando un tema que quiero dar por cerrado”, sumó. Y subrayó, además, que ya hace un año que se separó, que en el medio “se filtraron cosas” que no quería que salieran a la luz y que decidió volver a hablar para defenderse.

“Con lo que dijo de la perra me enojé porque no era así. Después supe que alguien cercano salió a contar la verdad”, dijo sobre el último enfrentamiento. “Esto es como un ida y vuelta de ver quién hiere más y quién menos, y no tengo ganas de entrar en ese juego porque tampoco es mi intención”, remarcó. También aclaró que ayer, cuando la fueron a buscar para hablar del tema, cortaron una frase suya y su respuesta se malinterpretó.

“Yo había dicho que no estaba reconociendo a la persona con la que había convivido durante 14 años y ellos me preguntaron si dejé de reconocerla desde el momento en que estaba en pareja. Yo le dije que había sido muy duro y que sí, que ya estaba en pareja cuando empecé a notar estas cosas. Cortaron la pregunta y quedó como que él me había engañado”, explicó. De inmediato, aclaró que nunca habló mal de su ex. “Al contrario, siempre dije que fue un excelente padre”.

“Fue un baldazo de agua fría”

En ese momento, Matías Vázquez le preguntó si Cvitanich cambió cuando comenzó una nueva relación. “Darío me respetó hasta el último día que estuvo en mi casa. Desde el día que nos separamos y se fue, él fue libre de hacer lo que quisiera con su vida”, respondió. “Y después, ¿no te respetó más?”, retrucó Nancy Duré. “Después salieron un montón de cosas que ya no son mi problema. Él es grande y puede hacer lo que quiera”.

“Ya no me debía fidelidad. Si ya dije que me hubiese gustado enterarme por él que estaba en pareja. Hubiera sido diferente. No enterarme por la tele. Yo le conté que tuve que decírselo yo a mis hijas. Eso sí me dolió. Fue un baldazo de agua fría”, repasó. “Ya lo dije ochenta y cinco mil veces: estoy en mi proceso de duelo. También molesta que yo salte a hablar contando mi experiencia. Hoy yo soy la voz de muchas mujeres que también pasaron por esta situación”, sentenció.

Lejos de victimizarse, Bonelli explicó que ella decidió relegar su carrera para acompañar a Cvitanich y que esa fue una decisión personal. Y confió, si bien cuando todo se terminó se sintió culpable “del ciento por ciento de la separación”, hoy, gracias a la terapia, puede entender lo que sucedió de una forma diferente.

“Hoy, gracias a Dios, pude ver mis errores, cambiarlos, y me siento mejor madre, mejor mujer, mejor amiga, mejor hermana. Entonces no vengan a juzgarme con nada. Porque escuché versiones de la familia, y yo de ellos jamás voy a hablar mal. Y que empiecen a sacar trapitos al sol de cosas que pasaron... ¿con qué necesidad?”, soltó con un dejo de resignación.

Sobre la división de bienes y los gastos de sus hijas

Vázquez aprovechó la reflexión para preguntarle por dos cuestiones puntuales que Cvitanich mencionó en una charla ayer con Intrusos: un llamado de ella por un tema menor en medio de un funeral y varios llamados más relacionados a pedidos escolares mientras se encontraba de vacaciones en el Sur junto a su pareja. Bonelli levantó el guante y repasó lo sucedido.

“Las tareas del padre son tareas compartidas”, remarcó la modelo, que también se mostró molesta por el foco que Cvitanich puso en la cuestión económica. “Siempre demostré que fui una mujer independiente y que estuve con una persona por amor y no por interés económico”. Además, aclaró que el reparto de bienes fue consensuado entre ambos: “Me tocó el 50% de todo lo que construimos durante 14 años. Él no me compró una casa, me compré una casa con lo que me correspondía a mí”. En ese sentido, explicó que fue ella quien decidió mudarse a una propiedad más chica y que, desde el próximo año, deberá hacerse cargo sola de sus gastos personales y cotidianos.

Sobre el episodio del funeral, Bonelli negó haber sabido dónde estaba él al momento de contactarlo. “¿A ustedes les parece que si yo sabía que Darío estaba en un funeral lo iba a llamar para pedirle que transfiriera el dinero del uniforme de las chicas?”. Luego detalló que él mismo le había pedido que se encargara de comprar uniformes, útiles y libros escolares, y que simplemente le escribió para consultarle cómo quería avanzar con el pago. Según explicó, Cvitanich realizó una transferencia equivocada y allí comenzó el malentendido que después trascendió públicamente.

La conductora también relató que suele ocuparse personalmente de todas las cuestiones vinculadas a la escolaridad de sus tres hijas y que siempre busca simplificarle las tareas a su ex. “Busqué link por link los libros de cada una y le mandé toda la lista para que él solamente agregara las cosas al carrito y realizara la compra”, contó. Por eso, se mostró dolida con la imagen que, según ella, terminó instalándose alrededor suyo: “Después yo quedo como una infumable, una insoportable o una mala madre. Entonces, si contamos las cosas, vamos a contarlas bien”.

Por último, Bonelli insistió en que no busca entrar en una guerra mediática con Cvitanich y aseguró que todavía le guarda cariño pese a la separación. “Yo nunca voy a hablar mal del padre de mis hijas”, afirmó. También reconoció que la ruptura fue dolorosa y que apostó hasta el último momento por sostener la familia, aunque con el tiempo entendió que la relación estaba terminada. “Ojalá sea feliz, porque cómo no voy a querer que el padre de mis hijas sea feliz. Lo único que pido es que no haya odio ni enojo”, concluyó.

—¿Qué diferencias notaste entre la edición 2003 de GH y la actual?

—Lo particular es la cantidad de jugadores que había en la casa. En Gran hermano de 2003 éramos solamente 12 participantes, no había repechaje, no ingresaba ninguno y se iba un participante cada quince días, o sea, el tiempo era mucho mayor. Acá hay galas todos los días, es mucho más intenso, se va un jugador cada semana y a veces hasta se pueden ir dos. Van cambiando, van ingresando, algunos pueden abandonar y pueden ingresar participantes nuevos. Creo que ya van cuarenta y dos participantes en tres meses. Las diferencias son muchas, la intensidad también, pero el juego sigue siendo el mismo y me parece que es apasionante para la gente porque veo la repercusión que existe.

—¿Pensás que se perdió algo de inocencia entre los jugadores actuales, teniendo en cuenta que muchos ingresan siendo influencers?

—La verdad es que uno puede creer que eso influye mucho. En mi caso, me hice un Instagram antes de entrar, tenía ochenta y ocho personas, pero tampoco influía. Estaba en placas de nominación y no me iba. Adentro no influye que seas muy conocido, que seas un actor, un cantante o un deportista de primera línea porque como dice Santiago [Del Moro], en la casa somos todos iguales. Y la realidad es esa: todos quieren ganar, todos quieren jugar, y se los respeta a cada uno como persona y como jugador, y no por lo que hayan hecho afuera o por las visitas que tenga en su perfil.

“La vorágine es la regla”

—¿En qué sentís que mejoraste como jugador y cuál fue tu punto débil?

—Tal vez ahora tengo otra edad y otro aplomo. Ahora puedo tener cierta intensidad, pero soy mucho más pensante. Yo fui uno de los más grandes de la casa, ya había estado en el juego y sabía que uno cuando se enoja, pierde. Y el que ríe último, ríe mejor. Ahora son seis meses, antes eran cuatro, y en esta casa la vorágine es la regla, todo puede cambiar en un minuto y todos adentro lo saben. En la otra casa todo era mucho más tranquilo.

—¿Cómo manejaste la repercusión o “la fama” que te dio tu primer paso por este reality?

—La fama era totalmente apabullante. Yo estuve en Gran hermano 3 y mientras los chicos del primer GH no sabían nada y creían que era solo un experimento, los que estuvimos en ediciones posteriores ya sabíamos a lo que nos exponíamos y que cuando saliéramos íbamos a tener fama. Uno lo puede ver, pero no lo podés sentir hasta que salís a la calle y verdaderamente no podés caminar. Es grato y hermoso.

—¿Y ahora?

—Por ahora todavía estoy en el hotel y no puedo ver cuál es la intensidad de la fama, pero me imagino que a todos los chicos les pasa lo mismo. Este es un programa que mueve multitudes y que siempre mide lo mismo. Así que imagino que debe ser igual, pero ahora, con mayor edad lo puedo tomar distinto y hasta usarlo de trampolín para trabajar en los medios, que es lo que yo más quiero.

—¿Qué le dirías a los que son más jóvenes respecto a esto?

—Les diría que se preparen porque la fama se pierde. Lo mejor es prepararse para que continúe y si no continúa, entonces que cuando aparezcan los trabajos que quieran hacer, estén preparados. ¿Se quieren dedicar a los medios? Bueno, hagan una carrera relacionada. Si quieren ser actores, entonces estudien teatro. Hay que prepararse porque afuera hay muchos, y por más fama que tengan si quieren estar en una novela o en medios sin haberse preparado, la verdad es que no lo van a lograr. Hay que prepararse muchísimo. Teatro, baile, canto, cuanto más preparado, más se abre el abanico de posibilidades.

“Incertidumbre”

—¿Cómo recordás esos días posteriores a Gran Hermano?

—El primer año no fue muy bueno. Telefe me pedía que estudiara, que me preparara y yo lo hice, pero no aparecía nada. Al año, cuando menos lo esperaba, empecé a estar en los medios, estuve en una ficción en Polka, en otras de Telefe y ahí cambió un poco la cosa. Sin embargo, la situación era de una incertidumbre constante porque la gente me reconocía, pero por momentos yo no tenía trabajo. Hacía muchas participaciones en boliches, eso garpaba muchísimo y así recorrí toda la Argentina.

—¿Hay algo de esos años que no harías en la actualidad?

—Sinceramente no sé qué no haría o de qué me arrepiento porque todo es un aprendizaje. Hasta de las cosas malas se puede aprender. Bueno, ahora que pienso me gustaba ir a los boliches, pero no me gustaba el horario porque terminaba muy tarde, a las siete u ocho de la mañana y el día no rendía. Estaba contento por el trabajo, pero no era fácil.

—¿Después trabajaste un tiempo en Ecuador?

—Sí, en 2004 y 2005 me fui a hacer una novela porque un productor que hacía Gran hermano acá me llevó a Ecuador a hacer una novela durante un año y medio. La experiencia fue increíble porque ahí sí empecé a entender cómo era el rubro de la televisión. Para mí es indispensable estudiar, tener vocación, tener un trabajo, entender adónde tenés que pararte. Es como me dijo un actor una vez: “¿Dónde me paro? ¿Dónde miro? ¿Cuánto cobro?”. La televisión es eso. No es como el teatro que uno puede moverse por todas partes. La televisión es quedarte parado, decir el texto, ver si el plano es corto o largo, y otras cosas que te da el oficio. A mí eso me gustaba.

—¿Qué te pareció esa experiencia...?

—Y Ecuador me pareció un país encantador, me trataban súper bien, iba a los museos, conocí el país y me encantaba. Lo que me parecía raro es que me estaba haciendo famoso en otro país. Y ahora con 57 años podría pensar que se me fue el tren, pero siempre todo puede cambiar. No esperaba a esta edad volver a Gran Hermano. Me anoté en el casting pensando que no me iban a llamar, pero me llamaron y estuve. Y este es un mensaje para todas las personas que tienen una edad en la que piensan que las oportunidades pasaron. Eso es mentira. Después del tren puede venir un avión.

Escuchar y perdonar

—¿Cuál es tu mirada frente al hecho de tener una hija con la que nunca tuviste ningún tipo de relación?

—No tengo relación con ella. De hecho, un día antes de entrar a la casa, no quería participar porque no quería involucrar a una madre y a una hija que no querían participar del juego. Y yo no las quería hacer entrar al show, hasta de eso me quise cuidar. Lo que puedo decir con todo lo que se está hablando es que lo que más deseo es construir, y creo que Gran Hermano me da esta oportunidad. Poder construir y unir algo desde el amor. Unir al otro hijo que tengo con Mía desde el amor. Porque ellos se pueden conocer y eso lo podría guardar como un tesoro para mi intimidad, eso es lo que más quiero. Lo demás tengo que decírselo a ellos. Si Mía me perdona, lo que más me gustaría es hablar con ella. Estoy abierto para escuchar y para que me escuche. Que me diga lo que quiera. Me hago cargo y me responsabilizo por todo lo que hice mal.

-¿Y llegaste a pensar en tu entrada en Gran Hermano como una forma de lograr un acercamiento?

-Nunca lo pensé hasta que vi que esto efectivamente podía provocar un acercamiento. La verdad es que hay días en los que no puedo dormir por este tema. Es algo que puede ser muy lindo y aparte, lo quiero hacer desde el amor. La unión de mi hijo con Mía sería desde el amor. Todo lo que le tengo que decir a Mía, se lo quiero decir a ella, que me escuche y que me pueda decir todo lo que quiera porque estoy para escuchar y para pedir perdón porque me equivoqué muchísimo.

La coreografía actual de Emanuel Abruzzo está estructurada en dos partes y cinco escenas, que además de mucho ballet clásico suma el lenguaje del jazz, del que Abruzzo es un innegable experto. En 80 minutos, entonces, sucede un bautismo, una larga siesta embrujada y una colorida boda. “Todas las escenas del ballet original son indispensables, pero al ser una versión para infancias es importante que se cuente la historia en su totalidad, pero que la duración de la obra sea menor. De modo que están todas las escenas, pero no todas las músicas”, explica Abruzzo, que también estuvo a cargo de la edición musical.

Como en otras creaciones adaptadas por Lavanga para este ciclo de larga trayectoria en el Konex, se baila en el escenario y los pasillos. Y juega con muchos guiños para todas las edades. Habrá múltiples puntos focales creados por el mapping y los efectos visuales. Y por un “ruidista”, que estará a cargo de los efectos foley que completan el relato.

El contraste entre Hada Lila y Carabosse se refuerza con la actitud que presentan sus textos al público, sin necesidad de romper la cuarta pared en ningún momento. Abruzzo acercó al Hada Lila a un tono cercano a Caro Pardíaco o Moni Argento. Y puso a Carabosse como una diva irónica y despechada. “No siempre tiene que ser una bruja fea con verrugas en la cara –sostiene el coreógrafo-. Carabosse depende de la versión del cuento es el hada más bella de todas. Como la partitura original de Tchaikovsky tiene una fuerza innegable, tomé esa potencia para implementar un estilo jazzero a sus intervenciones dentro de la obra”.

Más allá de que el texto hable de cringe o lore, el puente más fuerte hacia el presente es la aceptación de un cambio de época. En el siglo XXI ya no se admite así nomás que anden besando a princesas dormidas. De modo que el beso que despierta a Aurora del hechizo se dirige respetuosamente al dorso de su mano. “Tenía que haber un beso, pero decidimos ir por un recurso para aggiornar una obra creada hace mucho tiempo, para un público actual, consciente de la importancia del respeto hacia el otro y que cada acción tomada sea consensuada por ambas partes”, advierte Abruzzo.

Esta temporada tiene programadas doce funciones, siempre a las once de la mañana, inicialmente los domingos, pero sumará viernes y sábados durante las vacaciones de invierno. Una propuesta se integra a la cartera familiar con romanticismo y consentimiento. Divas y pochoclo.

Para agendar

La Bella Durmiente, ballet para chicos en dos partes y cinco escenas, por el Buenos Aires Ballet Juvenil, con Dirección de Federico Fernández. Ciudad Cultural Konex, Sarmiento 3131. Estreno: domingo 31 de mayo, a las 11, y funciones hasta el 1° de agosto. Entradas desde $25.000.

La grilla para el sábado 28 de noviembre estará encabezada por Gorillaz y Young Lean. También se presentarán ese día CMAT, Danny L Harle, Nation of Language, Cara Delevingne, Ecco2k y Marilina Bertoldi.

Para el domingo 29, los protagonistas centrales serán The Strokes y FKA Twigs, y Lily Allen. Además, ese día se presentarán Courtney Barnett, Underscore, Juana Molina y Santiago Motorizado.

Gorillaz vendrá a Buenos Aires luego de pasar por las versiones de Barcelona y Porto de Primavera Sound. La banda virtual creada por Damon Albarn, presentará The Mountain, su muy elogiado nuevo álbum.

En cuanto a The Strokes, los neoyorquinos llegarán propulsados por el combustible de Reality Awaits, su primer álbum en seis años que verá la luza a finales de junio. Junto a ellos, la camaleónica FKA twigs, el siempre visionario Yung Lean, una Lily Allen renacida de sus cenizas para entregar el implacable West End Girl, la nueva estrella euro-country CMAT y la cantautora rock australiana Courtney Barnett.

Si algo distingue a este festival es que hay que prestarle la misma atención a los pequeños detalles que a los grandes nombres. Underscores, Smerz y Sophia Stel, por caso, merecen que ya temprano estemos listos frente a alguno de los escenarios del festival. O para ver a Danny L Harle, Los Thuthanaka y el DJ y productor Nick León. En tanto, el nombre de la híper famosa cantante, modelo y actriz Cara Delevingne, seguramente convoque a miles de curiosos a presenciar su set.

En cuanto a los artistas argentinos, Juana Molina y Santiago Motorizado encabezan la propuesta local. A ellos se suman Marilina Bertoldi, Juliana Gattas y la renacida banda de culto de los 90: Jaime sin Tierra.

Cómo conseguir las entradas

Las entradas para la edición 2026 de Primavera Sound Buenos Aires se adquieren únicamente en EnigmaTickets.com. Los precios de la instancia actual, la Fase 3, son los siguientes:

Abono General: 310.000 pesos

Abono Vip: 900.000 pesos

Entrada General Día 1: 185.000 pesos

Entrada VIP Día 1: 550.000 pesos

Entrada General Día 2: 185.000 pesos

Entrada VIP Día 2: 550.000 pesos

En el programa LAM (América TV), la periodista Pilar Smith contó inicialmente que la exmodelo se encontraba hospitalizada en una unidad de cuidados intensivos. A partir de entonces, comenzaron a multiplicarse las consultas y comentarios por parte de colegas, allegados y seguidores para conocer más detalles acerca de la situación de Villanueva.

Algunas versiones señalaron primero que la artista de 74 años se encontraba estable y que su cuadro se habría originado a partir de una infección urinaria que requirió atención médica y controles. Sin embargo, no trascendió mayor información sobre la complejidad de su estado.

En medio de la creciente repercusión mediática, el Hospital Alemán decidió emitir un comunicado oficial para informar sobre la salud de la paciente, aunque sin dar demasiadas precisiones sobre los motivos por los que tuvo que ser ingresada al centro médico.

“El Hospital Alemán de Buenos Aires informa que la paciente María del Carmen Villanueva se encuentra internada en la Unidad de Terapia Intensiva de nuestra institución, bajo estricto control clínico”, señala la dirección médica de la institución en el parte.

El texto no especifica las causas concretas que derivaron en la internación, los estudios realizados o el tratamiento que estaría recibiendo Villanueva, así como tampoco los plazos estimados de recuperación o su posible alta médica.

Además, el comunicado hace hincapié en la necesidad de preservar la intimidad de la exvedette y su círculo cercano. “El Hospital Alemán reafirma que preservará en todo momento el secreto médico, así como el respeto por la intimidad del paciente y su familia”, concluye el escrito.

Un accidente que cambió su vida

La preocupación actual por la salud de Pata Villanueva se suma al largo historial médico que la exmodelo arrastra desde hace cinco años. Su estado de salud comenzó a convertirse en un tema delicado en febrero de 2021, cuando sufrió un grave accidente doméstico en su casa de La Barra, en Punta del Este, Uruguay.

La caída por una escalera le provocó una fractura de cráneo y obligó a su internación de urgencia en el Sanatorio Cantegril, donde permaneció varios días en coma. Aquel episodio marcó un antes y un después en su vida. Semanas más tarde debió atravesar una intervención quirúrgica para reemplazar parte del hueso craneal y, durante el proceso de recuperación, enfrentó nuevas complicaciones: contrajo un virus intrahospitalario mientras permanecía internada.

Una vez estabilizada, los médicos autorizaron su traslado a Buenos Aires para continuar con la rehabilitación. En octubre de 2021 volvió a ser internada de urgencia en el Hospital Alemán, donde fue operada por divertículos. A ese cuadro se sumó luego una hemorragia intestinal que agravó su situación clínica y volvió a encender las alarmas entre familiares y amigos, quienes incluso impulsaron cadenas de oración ante la gravedad de su estado. Con el paso de los meses, Villanueva mostró signos de mejoría. Recién en julio de 2022, recibió el alta definitiva para continuar el proceso desde su hogar.

En febrero de 2025, la propia Villanueva habló sobre su estado de salud en una entrevista con Puro Show (eltrece), donde describió el largo camino que transitaba. “Estoy mejor. Ya recuperé la voz. Caminar, no camino todavía, pero me estoy recuperando. Estoy haciendo la rehabilitación”, explicaba.

Además, reconocía las dificultades del proceso que atravesó tras el accidente: estuvo dos años y medio en cama, sin poder hablar, comer ni movilizarse por sus propios medios.

Dibu Martinez: el pibe que ataja el viento

Estreno: jueves 28 de mayo.

Disponible en: Netflix

Este documental pensado por toda la familia relata la vida del arquero de la selección con una combinación de entrevistas, material de archivo y animaciones que recrean algunos de los momentos más significativos de la infancia y juventud del deportista. Basado en un cuento de Hernán Casciari, el largometraje cuenta con la palabra de su protagonista y su familia además de algunos de sus amigos y compañeros de equipo. De Lionel Messi a Scaloni, pasando por sus maestras y entrenadores lo que diferencia a Dibu Martinez: el pibe que ataja el viento de otros documentales de su tipo es que en este caso también hay un relato de ficción que apunta al público infantil e imagina un elemento mágico que el futuro arquero descubre de chico que le permite ser el mejor bajo los tres palos. En esos pasajes, animados a partir de las ilustraciones de Liniers, también cuentan con la voz de Agustín “Rada” Aristarán en el papel de la enemiga natural de todo arquero: la pelota.

El método Scaloni

Estreno: 28 de mayo

Disponible en: On Demand de Flow

A través de entrevistas inéditas a Lionel Scaloni y los testimonios de todo el equipo técnico de la selección además de reconocidos entrenadores como Diego “Cholo” Simeone y José Pekerman y de jugadores como Lionel Messi, Rodrigo De Paul, Ángel Di María, Leandro Paredes, Emiliano Martínez, Enzo Fernández, Alexis Mac Allister, entre otros, esta serie documental explora el estilo de liderazgo de Scaloni. Los tres episodios aportan una mirada en torno a lo futbolístico, pero también va más allá, haciendo foco en la sensibilidad y la conexión del técnico con los jugadores.

Brasil 70: la saga del tricampeonato

Estreno: 29 de mayo

Disponible en: Netflix

Esta miniserie de ocho episodios relata desde la ficción los hechos reales que llevaron a la selección brasileña de fútbol a ganar su tercera copa en el Mundial de México en 1970. Rodrigo Santoro interpreta al director técnico João Saldanha, una figura legendaria del fútbol latinoamericano que se enfrentó al poder dictatorial en su país y fue reemplazado por Mário Zagallo (Bruno Mazzeo) en la previa a la Copa de México porque se resistía a incluir a Pelé (Lucas Agrícola) en el plantel. Grabada entre Brasil y México la trama de la ficción recrea situaciones vividas tanto en la cancha como en el detrás de escena de uno de los eventos deportivos más importantes de la historia de su país.

La casaca de Dios

Estreno: 3 de junio.

Disponible en: Prime Video

La película dirigida por Fernán Mirás que se estrenó en cines a comienzos de abril llega a la plataforma de streaming apenas unos días antes del comienzo del Mundial para contar a través de la ficción una historia en la que el Mundial de México 86, la figura de Diego Maradona y la camiseta azul que usó en el partido entre la Argentina e Inglaterra, se entrelazan con el presente de Titi Malvestiti, el utilero de un club de barrio interpretado por Jorge Marrale. Cuando Malvestiti se entera de que la remera, con la que tiene un fuerte lazo emocional, será subastada, contra toda lógica decide recuperarla con la ayuda de sus amigos y a pesar de la oposición de su hija, papel a cargo de Natalia Oreiro.

México 86

Estreno: 5 de junio.

Disponible en: Netflix

Uno de los relatos más fascinantes y menos conocidos alrededor de las copas mundiales fue el detrás de escena de cómo México logró quedarse con la organización del Mundial 86. A cuarenta años de aquel hito, esta película protagonizada por Diego Luna recrea las negociaciones que llevaron a que el país, todavía golpeado por el terremoto ocurrido un año antes, pudiera convencer a la FIFA de elegirlos como sede luego de retirarle el lugar a Colombia debido a la grave crisis económica y el recrudecimiento del conflicto armado que atravesaba ese país. Si bien el film narra hechos reales lo hace a través del personaje ficticio, Martín de la Torre, que encarna Luna.

El último tren a Norteamérica

Ya disponible en ESPN y Disney+

En el marco de la serie documental Último tren que ya combinó la cobertura de eventos deportivos como la Copa Mundial y los Juegos Olímpicos con los modos de un ciclo de viajes, esta vez el programa dedica nueve episodios a recorrer las sedes del Mundial 2026 repartidas entre los Estados Unidos, México y Canadá. Producido por ESPN Originals y conducido por el periodista argentino Martín Ainstein, el programa abre el plano del relato para explorar cómo el fútbol conecta a las personas atravesando fronteras, idiomas y tradiciones. Con seis capítulos ya emitidos disponibles en Disney+, el próximo martes, a las 20, por ESPN se podrá ver la conclusión del viaje con los episodios dedicados a Houston, Dallas, Kansas City, Los Ángeles, San Francisco, Seattle y Vancouver

Tetracampeones

Estreno: 7 de junio

Disponible en: Netflix

A través de material de archivo inédito filmado por los propios futbolistas y entrevistas a muchos de los protagonistas de la hazaña, este documental repasa el camino que llevó a la selección brasileña a consagrarse campeona del Mundial de 1994.

El autobús. La huelga de la selección francesa

Ya disponible en Netflix

Entre el true crime y el documental deportivo el largometraje reconstruye uno de los escándalos más resonantes de la historia de los mundiales recientes y el conflicto de aristas casi delirantes que sacudió a la selección francesa durante la Copa del Mundo en Sudáfrica. Un director técnico excéntrico, un plantel que casi queda afuera del campeonato y una trama casi de espionaje que derivó en una inédita huelga de jugadores transmitida por la TV, El autobús resulta un atrapante relato digno de una final definida por penales.

The Rest is Football

Estreno: 10 de junio

Disponible en: Netflix

Un día antes del partido que dará por comenzado el Mundial 2026, se podrá ver la primera entrega de este ciclo adaptado del podcast del mismo nombre conducido por Gary Linecker, Alan Shearer y Micah Richards. Los tres exfutbolistas británicos, legendarios integrantes de la selección inglesa y reconocidos comentaristas, encabezarán las entregas diarias del ciclo que se emitirá desde un estudio en Nueva York. A pesar de que Netflix no tiene los derechos para transmitir partidos ni resúmenes, el programa promete análisis de las instancias más destacadas de la jornada y la aparición de invitados en el estudio.

El partido

En salas de cine

“Partimos de tres premisas: tenía que ser un relato que excediera a lo futbolístico y deportivo, teníamos que unir en un mismo espacio a ambos equipos para ver qué sucedía y tenía que durar 91 minutos, como ocurrió en la cancha”, explicaron a LA NACION Santiago Franco y Juan Cabral, los realizadores de este documental, una crónica de la larga historia que culminó el 22 de junio de 1986 en el Estado Azteca de la Ciudad de México con el encuentro disputado entre la selección argentina y la inglesa. Ya en las salas locales después de su estreno mundial, fuera de concurso, en el Festival de Cannes el film cuenta con un prodigioso trabajo de archivo y valiosas entrevistas a los protagonistas de uno y otro equipo y logra recuperar la leyenda y al tiempo que amplía su alcance político, social e histórico sin caer en excesos pedagógicos y privilegiando la emoción sin sucumbir al sentimentalismo que el tema podría haber incitado.

En una entrevista publicada este miércoles por Los Angeles Times, Manilow fue consultado sobre si creía que el mundo lo veía distinto desde que hizo pública su homosexualidad en 2017. Su respuesta fue directa y hasta sorprendente por la naturalidad con la que la expresó: “Fue un asunto sin importancia. A nadie le importó un comino”.

La frase resume el contraste entre el miedo que cargó durante años y la realidad que finalmente encontró cuando decidió hablar abiertamente sobre su vida personal. “Todos lo sabían. Nunca lo oculté realmente, pero en los años 70 y 80 hacerlo explícito habría arruinado mi carrera, y no quería que eso sucediera. Así que simplemente nunca hablé de ello”, explicó.

Durante mucho tiempo, Manilow creyó que revelar que era gay podía provocar el rechazo de un público compuesto mayoritariamente por mujeres, muchas de ellas fanáticas incondicionales que lo acompañaron desde el inicio de su carrera. Ese temor fue precisamente el que lo llevó a mantener un perfil extremadamente reservado mientras acumulaba éxitos como “Mandy”, “Can’t Smile Without You”, “Looks Like We Made It” y “Copacabana”.

Cuando finalmente decidió salir del clóset en 2017, lo hizo en una histórica entrevista con la revista People. Allí reveló públicamente que estaba casado con Garry Kief, su representante y compañero de vida desde hacía casi cuatro décadas. La pareja había contraído matrimonio en privado en 2014, en una ceremonia íntima celebrada en su propiedad de Palm Springs.

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En aquella nota, Manilow confesó que había vivido durante años con miedo a decepcionar a sus seguidores. “Pensé que los decepcionaría si supieran que era gay. Así que nunca hice nada”, dijo entonces. Sin embargo, la reacción fue exactamente la opuesta a la que había imaginado. “Cuando se enteraron de que Garry y yo estábamos juntos, se pusieron muy contentos. La reacción fue preciosa”, recordó. “Desconocidos comentaban: ‘¡Qué bien por ustedes!’. Estoy muy agradecido por eso”.

La historia de amor entre Manilow y Kief comenzó en 1978. Para entonces, el músico ya era una estrella consolidada. Y Kief, un ejecutivo televisivo nacido en Houston, no solo terminaría convirtiéndose en su pareja, sino también en el hombre clave detrás de la estructura profesional que sostuvo durante décadas la carrera del cantante. El propio Manilow llegó a definirlo como “la persona más inteligente” que conoció en su vida.

La relación sobrevivió a la presión de la fama, a las giras continuas y también al secreto. En aquellos años, la industria musical todavía castigaba duramente cualquier desviación de la imagen tradicional de masculinidad que se esperaba de las grandes figuras populares. Para Manilow, mantener silencio parecía una cuestión de supervivencia profesional.

En una entrevista concedida en 2024 a The Hollywood Reporter, el artista admitió que ocultar su sexualidad terminó convirtiéndose en una carga emocional permanente. “No quería que mi carrera se esfumara. Pero era una carga mantenerlo en secreto”, reconoció. “Siempre estaba preocupado. En cada entrevista: ‘Me van a preguntar si soy gay o no’. Por cierto, nunca lo hicieron. Nunca me hicieron la pregunta del millón”.

Más allá de la reflexión sobre el pasado, el presente del músico parece atravesado por una tranquilidad largamente buscada. Manilow y Kief llevan juntos más de 47 años y continúan compartiendo una vida cotidiana marcada por la rutina, el humor y la compañía mutua. En marzo, durante otra entrevista con People, el cantante definió a su esposo como el gran sostén de su vida y aseguró sentirse “un hombre muy afortunado” por haber compartido tantos años con él.

Esa sensación cobró todavía más fuerza después de uno de los momentos más difíciles de su vida reciente. En noviembre, a Manilow le diagnosticaron cáncer de pulmón en etapa 1. Poco después se sometió a una lobectomía para extirpar la parte afectada de su pulmón izquierdo. Desde entonces, atraviesa un proceso de recuperación acompañado por Kief y enfocado en disfrutar de las pequeñas cosas.

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“Seguimos riéndonos y no nos aburrimos el uno del otro. Es una vida estupenda”, contó recientemente. “Dos tipos en una casa en una colina con dos perros a los que queremos mucho: así somos. Estoy muy agradecido”, resumió.

“Tuve un varón hermosísimo. Pesó 7.400 kilos”, escribió el artista en un posteo. Además, en las imágenes se lo escucha lanzar una de sus clásicas frases: “Viva Perón, carajo. Viva la patria”. Sin embargo, algunos de sus fanáticos reaccionaron con comentarios debido a su edad y a que el actor fue diagnosticado con Parkinson hace algunos años, y se preguntaron si el intérprete se encontraba internado o había sufrido una complicación en su enfermedad. Poco después, el propio Romano volvió a las redes para mostrarse utilizando el celular y de buen ánimo.

“Fuerza, Antín”, fue el saludo que le dedicó un seguidor, recordando a su personaje de El marginal, y llegaron otros mensajes de afecto: “Vamos, querido Gerardo, la mejor energía para vos”, “Fuerza maestro” y “Bendiciones infinitas y todo el amor de tu público”, fueron algunos de los comentarios. Entre las palabras de apoyo también destacaron las de varias figuras del medio. Jean Pierre Noher, Carolina Papaleo, Karina Mazzocco y Leo García fueron algunos de los famosos que reaccionaron con buenos deseos para el actor.

El propio actor, ya fuera de la clínica, grabó un video para terminar con las especulaciones. “Hola, ¿qué tal? Soy Gerardo Romano, actor argentino. No estoy internado, estoy bien de salud y hago función miércoles 27 de mayo. Hago función de El secreto en el Tabarís. Digo porque hubo versiones de que estaba medio achuchado, no es así. Chau, nos vemos”, aclaró.

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Horas después, desde la cuenta de X del Multiteatro repostearon la publicación del artista y aclararon a qué se debió su paso por el centro médico. “Mensaje del actor Gerardo Romano, ya desde su casa, luego de haberse realizado estudios médicos previstos para el día de hoy [por ayer], los cuales provocaron cierta incertidumbre sobre su estado de salud”, detallaron, además de confirmar que las funciones teatrales en las que actualmente participa el actor junto a Ana María Picchio, Rodrigo Noya y Gabriela Sari continúan con normalidad.

La lucha contra el Parkinson

A mediados de 2024, Romano decidió hacer público que padece Parkinson desde hace tiempo y habló sobre su salud de salud en una entrevista íntima concedida el año siguiente a LA NACION. Durante esa conversación, el actor reflexionó sobre el paso del tiempo. “Vayamos al hueso. La finitud es una cuestión fundamental del hombre. En mi caso, eso viene acompañado por un condicionante como es padecer una enfermedad neurodegenerativa, lo cual no es una grata noticia ni tiene solución. Uno puede amigarse y transitarlo o no”, expresó.

Además, en ese momento el artista revelaba que su participación en la obra El secreto tiene una carga emocional especial, ya que considera que podría tratarse de su última experiencia teatral grupal. “Será mi última oportunidad teatral de manera colectiva. Posiblemente pueda armar una unipersonal”, reconoció.

Romano admitió también los miedos y angustias que le provoca el diagnóstico. “Sí, claro, no sería humano si no me angustiase o no tuviese miedo”, sostuvo. Y apeló a una frase de China Zorrilla para resumir cómo vive esta etapa: “La fiesta está buenísima y no dan ganas de bajarse. No tengo ganas de bajarme de esta fiesta”, resaltó.

El actor se refirió entonces a una rutina estricta para enfrentar la enfermedad, trasladándose en bicicleta, practicando natación y ejercitando permanentemente la memoria repasando textos teatrales. “Todo es en función de la patología. Si no pedaleara o nadara un kilómetro casi todos los días o memorizase texto durante una hora y media cada vez que me levanto, quizás estaría en otra situación”, explicó. Y concluyó: “Me amigué con mi situación, pero no es fácil”.

Algunas de las presentaciones más esperadas para el sexto mes del año son las de Andrés Calamaro, Babasónicos, La Konga, Fito Páez, entre otros.

Todos los recitales de junio 2026 en el Movistar Arena

A continuación, estas son las fechas programadas en el Movistar Arena para el mes de junio, según su sitio oficial:

Cómo comprar entradas para los shows del Movistar Arena

Aunque la mayoría de los shows mencionados están agotados, aún hay algunos con entradas disponibles. Para ello, se debe chequear si aún hay tickets para el recital al que se quiere asistir. Estas se pueden comprar de forma online a través de la página oficial del estadio.

Este es el paso a paso para conseguir entradas de los shows en el Movistar Arena:

1. Dirigirse al sitio oficial

Ingresar a la página oficial del Movistar Arena con usuario y contraseña. Si no se tiene una cuenta, es necesario registrarse para hacer la compra.

2. Seleccionar el evento

Buscar el evento para el cual se quiere comprar entradas y seleccionarlo.

3. Elegir la fecha

Seleccionar la fecha del concierto que está disponible y hacer click en “Comprar entradas” o el botón equivalente.

4. Seleccionar la cantidad de entradas y la ubicación

Elegir la ubicación o sector que se prefiera dentro del mapa de entradas, con distintas opciones de precios. Indicar la cantidad de entradas que se desea y continuar hacia el pago. Vale recordar que suele haber un límite máximo de tickets que se pueden conseguir por transacción, que varía según el show.

5. Pagar

Completar los datos personales y el método de pago, que se suelen aceptar tarjetas de crédito y débito.

Por último, confirmar la compra, que se reafirmará con un mail del Movistar Arena. Luego, por correo electrónico llegarán las entradas en formato electrónico para descarga o impresión.

¿Dónde es el Movistar Arena y cómo llegar?

El Movistar Arena se encuentra en el barrio porteño de Villa Crespo. Está rodeado de Av. Corrientes, Av. Dorrego y Av. Juan B. Justo. Tiene tres ingresos al estadio: Humboldt 450, Av. Corrientes 6094 y Av. Dorrego 489. Para saber por cuál entrar, en la semana del show al que se asiste, la organización manda un mail confirmando qué acceso corresponde a la ubicación que se compró.

Es posible llegar a este por medio de transporte público:

• Tren - Línea Urquiza: Estación Federico Lacroze
• Tren - San Martín: Estación Villa Crespo
• Subte - Línea B: Estación Dorrego
• Colectivos: 34, 42, 55, 63, 78, 87, 93, 111, 176, 19, 47, 65, 71, 76, 90, 99, 108, 109, 110, 127, 166

El Movistar Arena también cuenta con su propio estacionamiento. Para acceder a un lugar allí, es necesario reservar previamente un lugar para el show al que se asiste a través de la plataforma Seeker.

El éxito masivo de su segundo disco Escândalo Íntimo - que ostenta el récord del mayor debut de un álbum en la historia de Spotify Brasil, con más de 15 millones de reproducciones en sus primeras 24 horas y fue nominado al Grammy Latino en 2024- terminó de consolidarla como una figura central de la música latina contemporánea. Pero lejos de quedarse en una fórmula, también exploró otros universos sonoros, incluso con un proyecto dedicado a la bossa nova —Bossa Sempre Nova, en colaboración con Roberto Menescal y Toquinho—, uno de los géneros más emblemáticos de la música brasileña.

Con Brutal Paraíso, su trabajo más reciente, asegura haber llegado a un lugar distinto: uno más libre, más honesto y profundamente emocional. El álbum nació después de dos años atravesados por cambios personales intensos donde convivieron el deseo, la tristeza, el caos, la vulnerabilidad y cuestionamientos sobre su propia identidad artística, lo cual lo transformó en una especie de manifiesto sobre la libertad emocional.

Grabado en distintos países —entre ellos los Estados Unidos, Corea y Alemania—, el disco también se fue moldeando a partir de los viajes y del contraste entre la imagen de Brasil que encontraba en el exterior y la que ella misma conserva de su país. Esa búsqueda aparece también en las colaboraciones del álbum, que incluyen nombres como Young Miko y Sebastián Yatra, y refuerzan su intención de construir un diálogo musical cada vez más conectado con América Latina.

En Coachella fue la única representante brasileña del lineup y eligió debutar en vivo con un show que condensó buena parte de su universo creativo con dosis de funk, pop, rock, bossa nova y reggaetón. Su participación en el festival californiano terminó de reforzar una expansión internacional que en los últimos años también incluyó giras por los Estados Unidos, colaboraciones globales y canciones en inglés. Arriba del escenario también apareció Emilia Mernes, con quien comparte dos colaboraciones muy exitosas —”Bunda” y el remix de “Motinha 2.0”—, en un show cargado de representación e identidad musical latinoamericana.

En conversación con LA NACION, habla sobre la dualidad emocional que atraviesa Brutal Paraíso, su relación con la exposición pública y el deseo de fortalecer cada vez más su vínculo con América Latina.

—Tu paso por Coachella fue muy importante: eras la única artista brasileña del festival y además presentaste Brutal Paraíso por primera vez en vivo. ¿Cómo viviste esa experiencia?

—En Brasil tengo una carrera desde hace unos diez años y he vivido muchas cosas increíbles, obviamente, pero estar en un escenario tan lejos de mi país, con un público tan diferente, con un álbum tan distinto y empezar en un lugar en el que no todas las personas me conocían fue muy emocionante. Todos los artistas tendrían que sentir algo así por lo menos una vez en su carrera para volver a la vida, al por qué cantamos, por qué empezamos a hacer música. También fue muy especial poder compartir el escenario junto con Emilia, una artista que es también una amiga y con canciones que son un mix de portugués, español, funk, reggaeton y tantas cosas. Tanta cultura que tenemos, no solo en Brasil, sino en Latinoamérica.

La cantante recuerda ese show como una oportunidad para correrse de ciertos lugares comunes asociados a la música latina. Cuando entendió que iba a presentar el disco en un escenario internacional, empezó a preguntarse qué imagen quería proyectar hacia afuera. La respuesta fue construir un show donde convivieran todos los sonidos que forman parte de su identidad musical: desde la bossa nova hasta el funk brasileño, pasando por el rock y el pop. “No quiero ser solo el cliché que las personas conocen, porque nosotros somos tantos ritmos, tantas formas de hacer música, de cantar, de expresarnos, de cultura. Podemos hacer música lenta, música rápida y sí, movemos el culo mejor que nadie, tenemos el mejor sazón, pero somos tantas cosas. Empezar de esta manera fue muy refrescante”, reconoce.

—Sobre tu nuevo álbum, Brutal Paraíso, ¿sentís que este disco nació más de una necesidad emocional o de una construcción artística?

—Este álbum nació por la necesidad que tenía de por lo menos una vez en la vida hacer lo que tenía ganas. Siempre tuve mucha libertad de hacer lo que quisiera, pero en este momento solo pensé en mí, porque a su vez siempre me puse mucha presión de “jugar el juego”. ¿Por qué siempre tenemos que hacer y ser exactamente lo que creemos que a las personas les va a gustar? ¿En unos años voy a pensar en cuántas cosas me perdí de hacer pero no hice porque pensaba que tenía que hacerlo de una sola manera? Este álbum surgió de querer permitirme ser el lío que soy y hablar de lo que quiera. Si quiero hacer una canción de ocho minutos, voy a hacerla. Y tengo una canción de ocho minutos ahora. No es la decisión más fácil en lo inmediato porque es un álbum de 23 canciones con muchos ritmos, pero a mis cincuenta años voy a pensar: “Qué bien que hiciste lo que querías y como eras en aquel momento, sin intentar siempre agradar y ser correcta”.

“Viví una traición”

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A lo largo de la conversación, Luísa vuelve varias veces sobre la idea de libertad. Habla de permitirse ser contradictoria, de no tener que encajar todo el tiempo en una única versión de sí misma y de abandonar cierta necesidad de perfección que, según dice, durante años condicionó muchas de sus decisiones artísticas: “Durante el proceso de este álbum terminé una relación, viví una traición, me enamoré, hoy estoy en una relación muy buena. Puedo hacer una balada, hablar de sexo y hacer lo que yo quiero con el ritmo que quiero. Este álbum es sobre vida y sobre libertad. Libertad no solo artística, sino también de ser lo que se nos dé la gana”.

—El nombre del disco habla justamente de esa convivencia entre lo “brutal” y el “paraíso”. ¿Cómo aparece eso en tu vida?

—Me hice esta pregunta en varias ocasiones, intenté separar muchas veces lo “brutal” del “paraíso” y entendí en estos años, en los que hice mucha terapia, que no se puede separar la vida en dos cosas. Podemos estar viviendo algo brutal y al mismo tiempo, al otro lado de la vida, un paraíso. Y no podemos excluir una parte de nuestra vida porque puede ser muy duro. En estos años tuve momentos en los que mi carrera iba increíble, pero en mi vida personal estaba viviendo algo muy malo. Muchas veces queremos que todo esté perfecto para ser más felices. Pero si intentamos solo vivir los momentos felices, perdemos la mitad de la vida o no procesamos los sentimientos que tenemos que procesar para seguir adelante y también entender que tenemos que sentir para estar vivos.

—En tu documental de Netflix Si yo fuera Luísa Sonza se muestra el detrás de escena de algunos de los momentos más difíciles de tu exposición pública, lo cual terminó funcionando también como un punto de inflexión en tu relación con la fama. ¿Cómo aprendiste a convivir con eso?

—Es una parte de la vida que entendemos con la madurez. Entendemos que no estamos hablando con nuestros amigos o solo con personas que nos aman. Yo viví casi toda mi vida en una ciudad de seis mil habitantes. Entonces, me tomó tiempo entender que en un país de doscientos millones de brasileños no te ven todos como tu vecino. Creo que las personas que vivimos en el campo toda la vida pensamos que todos somos amigos y podemos entendernos, pero el mundo no es así. Cuando entendí eso, pensé: “Bueno, voy a tener una vida un poco más privada y a poner todo en la música”. Brutal paraíso es el álbum en el que hablo de todo. Si querés saber cualquier cosa de mi vida, solo hay que escuchar el álbum. Soy muy sincera en mis canciones, principalmente en las baladas, pero también en canciones más pegadizas como “Motinha 2.0”. La sinceridad puede existir de muchas maneras. Pero solo con la madurez entendemos que hay cosas que tenemos que guardar para nosotros. No todas las personas van a entender que siempre querés ser lo mejor que podés y la mejor persona posible para el otro. Existe la verdad de cada persona. Yo tampoco tengo que ser ni Dios ni el diablo.

Una artista en expansión

Si en lo personal aprendió a correrse parcialmente de la exposición, en lo artístico parece atravesar el movimiento contrario: una etapa de expansión cada vez más internacional y conectada con América Latina.

—Tenés una conexión muy cercana con la Argentina. ¿Hay planes de traer tu show?

—Tengo muchas ganas. Voy a hacer un tour en América Latina, pero probablemente en 2027. Quiero ir a la Argentina y a otros países de la región. Queremos también hacer cosas con Sebastián Yatra y Young Miko, que están en el álbum, y seguir haciendo más colaboraciones. La música tiene el poder de conectar y yo me quiero conectar con todo el mundo.

—Hablando de colaboraciones, hiciste muchas con artistas internacionales, ¿hay alguna que recuerdes como la más memorable?

—Hay varias que me gustan mucho, desde Demi Lovato y Joe Jonas hasta Mariah Carey —¡estuve en su casa!—, pero una de las más importantes que hice fue trabajar con Caetano Veloso. Es mi amigo. Soy una enamorada de Caetano, de su trabajo y también de él como persona. Es un gran artista y un gran ser humano. La canción “You Don’t Know Me” es una de las cosas más importantes que hice en mi vida.

La actriz fue consultada por Entertainment Tonight luego de que Streep recordara, entre risas, que Hawn solía llegar tarde al set de la comedia negra dirigida por Robert Zemeckis. Lejos de mostrarse incómoda, Hawn se tomó el asunto con absoluta naturalidad y respondió fiel a su estilo relajado y encantador.

“Creo que llego 15 minutos tarde a todos lados. De verdad. Honestamente, es increíble”, admitió con una sonrisa. Y agregó, refiriéndose al conflicto que esa costumbre desencadenó con su colega: “Pero creo que logramos superarlo”.

La actriz, hoy de 80 años, explicó que esa dinámica terminó convirtiéndose en una especie de chiste privado entre las dos. “Hemos sido muy buenas amigas durante muchísimo tiempo. Pero es nuestro chiste. Ella dijo que yo llegaba demasiado tarde al set. Quizás ella llega demasiado temprano. No lo sé”, comentó.

Luego llevó la escena todavía más lejos con una observación que parece salida de una película de ambas: “A veces, cuando llegás demasiado temprano, seguís esperando a alguien y pensás: ‘Oh, Dios, ¿dónde demonios está?’”.

Sus declaraciones funcionan como respuesta perfecta al recuerdo que Streep había compartido días atrás en una entrevista con Vanity Fair. Allí, la actriz rememoró el rodaje de La muerte le sienta bien y describió con una mezcla de diversión y resignación la experiencia de esperar a Hawn cada mañana.

“Goldie siempre llegaba tarde al set… ¡Pero era tan adorable!”, contó Streep. “Y yo siempre soy puntual, ¿sabés? Y un poco pesada. Pero ella siempre llegaba tarde”, indicó.

La imagen que reconstruyó la actriz parecía sacada directamente de una comedia de Hollywood. Según recordó, Hawn aparecía en el set manejando ella misma un descapotable rojo y luego entraba al set pidiendo disculpas, mientras todos terminaban rendidos ante su carisma. “Llegaba y decía: ‘¡Ay, Dios mío, perdón!’. Y todos pensaban: ‘¡Ay, qué divina!’”, relató Streep.

Aunque en tono de broma llegó a decir que “tenía un conflicto” con ella, enseguida dejó claro que el cariño siempre estuvo por encima de cualquier roce cotidiano. “La quería mucho. La quiero mucho. Es una de mis amigas”, aseguró. “Con los años nos hemos reído mucho de esa película porque a la gente le encanta”.

Ese vínculo aparece inevitablemente ligado al recuerdo de una de las comedias más singulares de los años 90. En el film, Streep y Hawn interpretan a Madeline Ashton y Helen Sharp, dos mujeres atrapadas en una relación marcada por la competencia, los celos y una obsesión compartida por detener el envejecimiento. Todo se vuelve todavía más delirante cuando ambas consumen una pócima de inmortalidad que transforma su rivalidad en una guerra grotesca e interminable.

Gran parte del atractivo de la película se debe precisamente al el contraste entre las dos actrices. Streep, más técnica y meticulosa; Hawn, espontánea e imprevisible. Esa tensión entre estilos terminó alimentando la dinámica de sus personajes y aportando una energía única a cada escena compartida.

La propia Streep ya había reflexionado sobre eso años atrás. En una entrevista concedida también a Vanity Fair en 2017, explicó que sus diferencias fueron fundamentales para el resultado final. “Teníamos estilos muy diferentes, y eso es lo que hizo que funcionara”, señaló entonces.

Detrás de cámaras, además, el rodaje estaba lejos de ser sencillo. La película implicó un uso intensivo de efectos especiales revolucionarios para la época, algo que Streep nunca disfrutó demasiado. En entrevistas posteriores describió esa experiencia como agotadora y hasta deshumanizante. “La primera, la última y la única vez que me presto a eso”, dijo alguna vez sobre ese tipo de producciones. “Una se siente como una pieza de maquinaria”.

La película también contó con Bruce Willis en uno de los papeles más inesperados de su carrera. Lejos del héroe de acción que dominaba Hollywood en aquellos años, interpretó a Ernest Menville, un cirujano plástico inseguro y neurótico atrapado entre las manipulaciones de Madeline y Helen. Streep recordó recientemente que trabajar con él fue “maravilloso” y lo describió como “todo un caballero” dispuesto a reírse de sí mismo.

La directora francesa Julia Ducornau parecía haber encontrado un audaz equilibrio entre ideas y representaciones. En su ópera prima, Grave (2016), el deseo adolescente asumía la forma del canibalismo y la expresión visual de un terror visceral y contagioso, como el reguero de una pólvora demasiado inflamable. En Titane (2021) fue una paternidad viscosa y destructiva la que implicaba al cuerpo mecánico de una joven tan máquina como monstruo, una narrativa deudora de David Cronenberg, de otros acólitos del body horror quizás, pero con una impronta artie que la hizo merecedora de la Palma de Oro en Cannes. ¿Qué seguiría a continuación? Alpha expresa esa disyuntiva entre la presión de la consagración temprana y el deber de dar una vuelta más, una astucia nueva, una representación que concilie a la vez la evaluación del pasado y la premonición del futuro. Quizás demasiado.

Alpha no llega a cumplir su promesa, pero también es posible que haya sido ubicada en el casillero equivocado. Desde su paso por la competencia del festival francés en mayo pasado, los rumores sobre la nueva odisea de Ducornau y el viraje hacia una alegoría distópica cerraron el camino para su tercera película. Una alegoría de los tiempos del sida, una reflexión distópica sobre los caminos presentes de la xenofobia. Pero Alpha es también una película sobre las raíces y su extravío, sobre el miedo a desaparecer que cobra cuerpo en la invisibilidad, en la negación cultural. Por ello el tiempo es casi abstracto entre pasado y presente, es fabulado entre la realidad y la memoria; y la muerte es menos la real que espiritual, exiliada entre culturas, entre lenguajes, entre la melodía de viejas canciones.

2 stars

Hay un recuerdo imborrable y desconocido en la memoria infantil de Alpha (Mélissa Boros). Un hombre enfermo, su brazo tachonado de pequeñas pústulas, una línea negra dibujada entre esos puntos rojizos, un insecto colorido liberado de su puño. “Un secreto”, le susurra él. Tiempo después, Alpha ha vivido una noche febril con sus amigos adolescentes y llega a casa de su madre con un tatuaje sangrante. Su madre (la iraní Golshifteh Farahani) se alarma, intenta hacerle pruebas médicas, teme que se haya contagiado un virus que anda circulando. Mientras la paranoia se propaga en el colegio -en parte como una excusa perfecta para la violencia de siempre-, Alpha recibe la visita de ese hombre olvidado, tan enfermo como entonces, ahora más delgado. Es Amin (Tahar Rahim en un despliegue corporal admirable), el hermano menor de su familia materna, un adicto en fase terminal, el último eslabón de esa cultura bereber cuyo idioma ha sido vedado. Ahora es él quien viene a recordárselo.

Ducornau elige el punto de vista de Alpha, cuya conciencia de 13 años está en el limbo entre el saber y la pesadilla, para contar la compleja relación entre su madre y su tío, para rastrear las raíces culturales de esa familia y los contradictorios efectos de la asimilación a la nueva patria francesa. Todo ello con una puesta de cuño fantástico, que combina cuerpos grisáceos y petrificados como zombis que anuncian enfermedad y confinamiento, con un pavor subrayado al diferente, al contagiado, al sanguinolento que implica la amenaza. Y entre esas ideas también está el deseo adolescente, el despertar sexual, el anhelo de una figura paterna, la amalgama del amor y el miedo, de la protección y el egoísmo.

Y son las representaciones las que fallan, aún en ese mar de ideas que hay debajo. El Viento Rojo, los cuerpos petrificados, los tiempos dobles y el virus infernal son alusiones a la xenofobia de hoy y al miedo al sida de ayer, que combinan horror y prejuicios en una ensalada algo maniquea que no se termina de resolver. Los personajes no tienen demasiada profundidad, e incluso Alpha nos conduce a ciegas entre la carga de representaciones que debe asimilar. Pese a las buenas actuaciones y al interés de Ducornau en la posibilidad de retorcer géneros como el terror o la ciencia ficción como clave de abordaje, su película adolece de verdadera carga dramática y se complace en el mero poder afirmativo de sus representaciones. Y en cine, con eso no alcanza.

Johan Otto von Spreckelsen (1929 - 1987), fue un arquitecto danés y era director del departamento de arquitectura de la Copenhagen Royal Academy of Fine Art and Architecture, de la que se había graduado en 1953. Por lo demás, su carrera como arquitecto no era grandilocuente hasta que, en 1983, ganó un concurso internacional de arquitectura en Francia. De los cuatro finalistas, el entonces presidente François Mitterrand seleccionó con acuerdo del jurado su proyecto para construir el hoy afamado Arche de la Défense, en el distrito financiero de París, como celebración del Bicentenario de la Revolución Francesa. El edificio era un cubo que contendría en su interior el Centro Internacional de la Comunicación y se encontraría en el eje histórico de la Ciudad Luz. ¿Era un proyecto fácil? En lo más mínimo, y mucho más para un arquitecto completamente desconocido, que no tenía un gran estudio de arquitectura detrás y debía vérselas con el entramado social y político francés.

Hasta aquí los datos duros como el mármol de Carrara utilizado por toneladas para la monumental obra. Luego comienza otra historia, la imaginada por la escritora y periodista Laurence Cossé, que sirve de base fundamental para la película de Stéphane Demoustier quien, no por casualidad, se encontró seducido por esta novela que narra las pasiones y voluntades políticas, la megalomanía y la burocracia que rodearon la construcción del Arco.

Demoustier comenzó su carrera en el departamento de arquitectura del Ministerio de Cultura francés antes de convertirse en un afamado director (dirigió La chica del brazalete, basado en el film argentino Acusada, de Gonzalo Tobal), y se involucra, quizás no de manera brillante pero sí muy convincente, en el retrato del desconocido y soñador “Spreck”, para quien la arquitectura además de un trabajo es la búsqueda de la perfección y la innovación. Pero su rígida moral escandinava se dará de bruces con la burocracia política, las luchas de poder, los conflictos de intereses y el tráfico de influencias que rodean la realización de la obra encargada por el gobierno del no menos monumental presidente socialista François Mitterrand.

En tal sentido, el film respeta dos temas de interés fundamental de la literatura de Cossé: la crítica social y la fábula política, para narrar una construcción que metaforiza la megalomanía e imaginación del arquitecto danés frente a una obra en la que trabajaron 2000 personas, supuso desafíos técnicos no afrontados hasta entonces, mutó parte de su destino, demandó cuatro años hasta terminarse y en cuya inauguración no estuvo su autor original, quien amargado abandonó el proyecto y murió antes de que el mismo viera la luz.

4 stars

Aunque su narrativa que mezcla la tragicomedia con el thriller y una mirada muy irónica sobre la sociedad francesa no es impecable, sí lo son las actuaciones de un elenco de excepción que encabeza el danés Claes Bang (protagonizó The Square y el reciente Drácula, serie de streaming), como el desconocido arquitecto; la siempre notable Sidse Babett Knudsen (la Birgitte de Borgen), como su esposa y negociadora ante el poder; un gran trabajo del también realizador Xavier Dolan como Jean-Louis Subilon (que metaforiza al real y eminente urbanista Jean-Louis Subileau); Swann Arlaud como el afamado arquitecto Paul Andreu, que acompaña y termina la obra cuando “Spreck” se va, y un Michel Fau que como Mitterrand cimentará la obra que termina enfrentando la lucha del poder real frente al poder artístico.

“No es que sea un masoquista, pero he disfrutado poniéndome en la picota. Ha sido un ejercicio muy liberador”, dijo Pedro Almodóvar en un encuentro con la prensa española organizado pocos días antes del estreno comercial de Amarga Navidad, que un tiempo después de pasar por los cines de España -donde permanece en cartel desde el 20 de marzo pasado- fue parte de la competencia oficial del Festival de Cannes. Aunque el certamen exige “estreno mundial”, sus reglas permiten que una película compita si solo se ha estrenado comercialmente en su país de origen y no ha participado en otros festivales internacionales. Cannes quería que Almodóvar, a sus 76 años un mito del cine español, estuviera sí o sí.

La declaración del cineasta manchego resume el espíritu de su nuevo largometraje, el número 23 de su extensa y exitosa carrera, iniciada en 1980: Amarga Navidad se ocupa especialmente del precio íntimo que muchas veces implica convertir la experiencia en relato, un ejercicio de reflexión interna que el cineasta ha resuelto exponer también en público. Dolor y gloria (2019) denotaba esa misma transparencia emocional en el autoexamen, pero esta vez el enfoque es más crítico, menos indulgente.

4 stars

Una de las protagonistas de la historia es Elsa (Bárbara Lennie), una directora de cine de autor frustrada que se dedica sin mucha convicción a la publicidad pero intenta atravesar el duelo por la muerte de su madre refugiándose en ese trabajo que no la estimula. Tras una crisis de ansiedad, decide viajar a Lanzarote con una amiga mientras su pareja, Bonifacio (bombero y stripper), permanece en Madrid. Pero toda su historia, ambientada en 2004, es a la vez parte de un guion que escribe Raúl (Leonardo Sbaraglia), un director de cine asolado por una crisis creativa que busca inspiración en las vidas sentimentales de quienes lo rodean.

A partir de ahí, Amarga Navidad se repliega sobre sí misma. Lo que parecía un melodrama sobre el duelo deriva en un sofisticado recurso narrativo que Almodóvar pone en juego para repensar la apropiación artística, el vampirismo emocional y la ética de la autoficción. Así como Elsa utiliza el dolor de sus amigas como combustible narrativo, Raúl hace exactamente lo mismo con Elsa y con su círculo íntimo. Todos observan y convierten la intimidad ajena en material dramático. Y Almodóvar no se coloca por encima de ese mecanismo, se asume como partícipe necesario, se pregunta sin tapujos si el talento puede justificar ciertas formas de egoísmo afectivo.

Una de las mejores escenas de la película enfrenta a Raúl con Mónica, colaboradora muy cercana y amiga interpretada por Aitana Sánchez-Gijón. Mónica explota cuando descubre que su dolor y sus fracasos sentimentales han sido usados por Raúl. Funciona, de algún modo, como la conciencia crítica de Almodóvar.

Formalmente, Amarga Navidad confirma el oficio intacto del director. La estructura alterna tiempos y puntos de vista con elegancia, la fotografía de Pau Esteve Birba encuentra en Lanzarote una textura mineral que le da otra respiración al relato y la música de Alberto Iglesias, un socio de toda la vida, vuelve a envolver el melodrama en una densidad casi operística. Pero también es cierto que algunas escenas se sienten demasiado escritas, como si las ideas pesaran más que las emociones, como si la película solo pensara el dolor en lugar de abandonarse a él y vibrar.

Lennie sostiene a Elsa con una combinación muy precisa de gelidez y vulnerabilidad. Sbaraglia también compone a Raúl con una ambigüedad seductora: puede ser cálido y generoso, pero también narcisista y evasivo. A su alrededor orbitan Quim Gutiérrez, Victoria Luengo, Milena Smit, Rossy de Palma y Carmen Machi para ampliar un mapa emocional en el que el humor asoma de forma más tenue que de costumbre en las historias de Almodóvar. También aparece brevemente la joven cantante navarra Amaia interpretando una emotiva versión de Las simples cosas, tema de César Isella y Armando Tejada Gómez popularizado por la mexicana Chavela Vargas, una favorita de siempre del director.

Igual que en su film anterior, Dolor y gloria, Almodóvar explora el peso de sus fantasmas, la culpa y la soledad, pero esta vez asume con más decisión los temores al agotamiento creativo que naturalmente lo acechan. Lo hace con valentía y honestidad, exhibiendo sin ambages debilidades y pequeñas miserias de dos personajes (Elsa y Raúl) que funcionan como su álter ego duplicado. “Mi pudor se ha resquebrajado. Ahora me siento más desnudo”, ha explicado él sobre el resultado de esta película ideada como un juego de espejos que reflejan crudamente muchas de sus facetas.

Backrooms, estrenada con los cines de nuestro país con un redundante e innecesario agregado (“Sin salida”) al título original, llega precedida por una formidable serie de acciones de marketing y una expectativa que viene en aumento. Desde hace por lo menos tres años se viene hablando con ese título del trabajo de Kane Parsons, un inquieto creador visual que inventó con apenas 17 años todo el andamiaje conceptual y narrativo de Backrooms a través de 25 breves episodios seguidos y comentados con extraordinaria repercusión a partir de su llegada a YouTube en 2022.

Ahora, en 110 minutos y también con la firma de Parsons, esta película confirma y sistematiza al mismo tiempo todo el sentido original de la serie, que desde su aparición funcionó como puerta de entrada a un mundo claustrofóbico, pesadillesco y laberíntico. Ese camino nos lleva al encuentro con algunos de nuestros miedos ancestrales, sobre todo el que aparece cuando experimentamos la sensación asfixiante de no encontrar una puerta para escapar de un escenario de angustiante encierro, propio de los peores sueños.

3 stars

La película reproduce el diseño básico de la serie y su punto de partida: una variante del found footage y su característico marco de imágenes recuperadas de algún viejo registro en video de situaciones anómalas, cruentas o directamente paranormales. Lo que vemos aquí tiene todas las características de las grabaciones de las cámaras de video usadas a fines de la década del 80 y comienzos de los 90 y lo que capturan se repite una y otra vez: recintos vacíos (o apenas ocupados por materiales aleatorios) de paredes, techos y baldosas en tono amarillento que se asemejan a las oficinas de alguna organización burocrática, iluminadas por tubos fluorescentes de eterno parpadeo y unidos por pasillos interminables de variado espesor.

Los guiños y zumbidos de las lámparas y la estrechez de los espacios generan un efecto de ahogo, opresión y falta de aire cada vez más fuerte. Allí (y no en los clásicos efectos de puertas que se cierran de golpe o siluetas terroríficas surgidas de la oscuridad) descansa el miedo más puro e inquietante que a través de la experiencia de los personajes no tarda en llegar al espectador, ansioso por encontrar una salida que nunca aparece.

Con la indudable ayuda de gente muy experimentada como James Wan y Osgood Perkins (dos de los muchos productores de la película), Parsons construye un andamiaje narrativo en el que todo ese cuadro adquiere una nueva configuración. Quienes lo padecen son Clark (Chiwetel Ejiofor), propietario de una languideciente mueblería, instalada en el oscuro rincón de un decadente mall, y su terapeuta Mary (Renate Reinsve), que le sugiere temerarios juegos de rol para mitigar sus penas. Cuando empiezan a abrirse para ellos en el sótano de la mueblería las infinitas muestras de una dimensión paralela (generadas a partir de un virtuoso software llamado Blender) el miedo se activa desde todos los ángulos posibles. El miedo adquiere contornos más precisos, sin necesidad de recurrir a sobresaltos efectistas, cuando quedamos a merced de lo inexplicable.

Sobrevuelan en medio de esta inquietante atmósfera preguntas inquietantes sobre la lógica del consumo, la alienación urbana y el papel que ocupan ciertas disciplinas científicas en una realidad que, sin darnos cuenta, deja de tener sentido en términos de libre albedrío. El original dispositivo de la serie se adapta aquí a la dinámica del largometraje con seguridad y confianza en sus propias y espeluznantes fuerzas. Pero a primera vista no quedaría mucho más para decir si el éxito que todos pronostican llegara a cumplirse y aparece la tentación de una o más futuras secuelas.

Cuando un género se empeña tanto en volver a sus orígenes, surge una pregunta inevitable: ¿Es que no hay nada nuevo para contar? ¿O será que la moda retro nos ha invadido de tal manera que volver sobre nuestros pasos es hoy una forma de avanzar? No es de extrañar que estos y otros interrogantes invadan la mente del espectador mientras asiste a ese festival sucio y salvaje que es Dolly, juega conmigo.

Macy (Fabianne Therese) es la típica chica en apuros que, de excursión rural con su novio Chase (Seann William Scott), se va a topar con un horror en un entorno de naturaleza pesadillesca. Previo a iniciar el viaje, suceden dos acontecimientos que tendrán mucha importancia para lo que viene después: mientras él deja a su hija en casa de su hermana, ella descubre que le va a proponer casamiento. Sin embargo, a Macy no le convence la idea de perder su soltería, y mucho menos ser madrastra o, potencialmente, madre.

2 stars

Llegados al bosque, y luego de sorprenderse por la cantidad de muñecas que cuelgan de los árboles, la pareja se enfrenta por primera vez con la asesina del póster: Dolly. La figura embutida en una terrorífica máscara de muñeca de porcelana, de enorme porte y fuerza irreal, le parte una pierna y la mandíbula a Chase, y se lleva a Macy a su casa, perdida en el bosque. Su objetivo es “criar” a la joven como si fuera su hija pequeña. A partir de entonces, Macy se ve obligada a vestirse con ropa infantil, seguirle la corriente a Dolly en decisiones absurdas y enfrentar los castigos del monstruo ante cada intento de escape.

Dolly, juega contigo dialoga directamente con los slasher de la década del 70, como The Last House On The Left o La masacre de Texas. Tanto su fotografía como su estética, sumado al hecho de haber sido filmada en 16 mm, remiten a una representación de aquella construcción primigenia del subgénero. El problema es que, semejante culto al cine de entonces, la termina convirtiendo en una propuesta que tiene demasiado poco para ofrecer. Da la sensación de que sus responsables nunca entendieron que la gracia de homenajear a períodos anteriores no es calcar sus virtudes y sus defectos, sino tomar los primeros y reinventarlos hacia una narrativa nueva, acorde al momento en que el nuevo proyecto ve la luz.

Luego de unos primeros minutos, donde estética y transgresión llaman la atención, la película se hunde en una sucesión de decisiones de guion incomprensibles, sumadas a una falta de ritmo que arruina cualquier atmósfera que la puesta en escena haya buscado lograr. La violencia y el morbo se suceden (lo que está bien en un producto como este), pero dominan de tal manera el conjunto, que ahogan cualquier intento de desarrollo de personajes o progresión dramática. Nada de eso se encuentra, apenas un punto de partida para nada original, que no muestra suficientes elementos como para avanzar.

Y cuando lo hace, es mediante decisiones incongruentes que hasta resultan risibles, incluso no siendo una película para reírse. Chase intentando ser un héroe, con la mandíbula colgando; o la conducta absurda de Macy en su paso por la casa, son algunos de los problemas de lógica interna que abundan en el film. También, la trama gira sobre sí misma demasiado tiempo, tanto que se marea; y de pasada, marea al que la está viendo.

Entre un grotesco intencional y otro involuntario, la película de Rod Blackhurst (basada en el cortometraje Babydoll de 2022, también de su autoría) logra incomodar, pero no consigue construir nada a partir de ello.

La sala deja al desnudo sus paredes, el micrófono de pie, un par de cámaras y las luminarias, estratégicamente distribuidas. En la pantalla del fondo aparecen un par de frases, mientras se escucha el sonido del golepteo de las teclas de una máquina de escribir. Esos signos advierten sobre dos cosas que lo que se verá es una ficción y que donar órganos salva vidas.

El dispositivo subraya la ficción en todos los aspectos posibles, pero hay uno más: esto es un unipersonal, pero de ningún modo se presenta un solo personaje en un solo lugar.

Juan Valero lleva adelante su relato. Todo comienza en un quirófano en el que el protagonista recibirá un trasplante de corazón. Allí se entera parcialmente de algunos datos de la donante y es testigo de la discusión entre los cirujanos que sostienen que el órgano guarda cierta memoria y entre aquellos que simplemente lo consideran un mero órgano.

Para que la historia pueda tener lugar es la primera de las opciones la que habilita el desarrollo de la propuesta. Así, se verá la transformación de un personaje rígido, en las antípodas de la ternura. Es calculador y empresario de una compañía poderosa. Sobre ese personaje, empiezan a inscribirse otros gestos, otros deseos, elegidos de manera incisiva ¿irónica? por la dramaturgia y un conflicto interior empieza a desplegarse en el personaje.

Esta obra que estuvo en el Teatro San Martín hasta el 29 de marzo, volvió desde el 8 de abril al Regio.

Transformaciones

La puesta construida desde su punto de vista –en una obligación de acompañar de modo abierto lo que le pasa, lo que siente, lo que no comprende, lo que desconoce- mostrará sus transformaciones, primero, levemente visibles y, luego, definitivamente evidentes.

El oscilar entre el personaje femenino que falleció cuyo corazón late en ese cuerpo exacerbadamente masculino y la existencia anterior al trasplante se va corriendo de modo cada vez más exagerado. Para la dramaturgia, la hipérbole es el procedimiento. Cada vez apuesta por algo que va un poco más allá. Que no se desarrollará acá, justamente, porque las vueltas de tuerca constantes son parte del disfrute de la obra.

Las decisiones de puesta no recurren a la desmesura, sino por el contrario a la reutilización de los objetos o los dispositivos técnicos cambiándoles el sentido. Se produce la transformación de uno de esos muñecos que se utilizan para practicar RCP a un número considerable de personajes, de la mesa de un quirófano a un escritorio o a una cama. Lo sonoro amplía universos, las luminarias devienen en flashes fotográficos y la misma pantalla tiene variedad de usos.

De hecho, Valero se transmite a sí mismo y sobre la superficie blanca se lo observa en primer plano, pero no vemos su imagen del modo esperado, sino, tal vez, con un funcionamiento metafórico. Así como el ojo humano funciona solo bajo determinado rango y hay cosas que no puede ver y la tecnología ha ido probando prótesis como la visión térmica para contextos de escasa o nula luz, del mismo modo, puede jugarse con la idea de acceder a sus pensamientos o sentimientos más profundos, esos que él mismo no querría verbalizar.

Esta combinación entre la orientación de la dramaturgia y las decisiones de todo el resto de los lenguajes constituyen una puesta con un ritmo imbatible. Y falta, por supuesto, el dato fundamental: la magnífica actuación de Luciano Cáceres que deviene en un péndulo entre las mutaciones constantes de la dramaturgia y las transformaciones de una escena que con, en apariencia, pocos elementos se despliega de un modo sorpresivo.

“Paraíso” es el topónimo de un distrito de República Dominicana. Un término que denota elementos positivos nombra, según la dramaturgia de Alvear, una especie de basural a cielo abierto. Título además de la obra en cuestión, lo que puede observarse es la contradicción latente, la puja por los sentidos y por las diversas posturas.

Paraíso, la obra, tiene una cantidad innumerable de capas entramadas, de cuestionamientos, de perspectivas, de puntos de vista encontrados. Una sola verdad es la que postula: donar órganos salva vidas. Todo lo demás está puesto en cuestión y de un modo definitivamente muy atractivo.