En un comunicado publicado por Variety, Spielberg expresó: “Sam era excepcionalmente colaborativo. Para él era muy difícil componer a un personaje que trataba a los chicos como si fueran sucios y olorosos, porque eso era lo opuesto al modo en el que él, siendo un padre amoroso, trataba a sus propios hijos”.

Más adelante, el director agregó: “Realmente adoré hacer todas las películas de Jurassic Park con él. Junto a Laura Dern y Jeff Goldblum, siempre tendremos nuestra familia jurásica, y Sam nunca será olvidado por nosotros o por los millones de sus fans alrededor del mundo”.

Por su parte, Laura Dern, también escribió un mensaje dedicado a la memoria de Neill. En palabras cargadas de emotividad, la actriz redactó: “Sam fue mi querido amigo de toda la vida. Él me mostró la profundidad de la lealtad, la protección y el amor, siempre con una astucia seca. Él fue un caballero noble y verdadero, envuelto en el coprotagonista de mis sueños”. Y por último, la actriz concluyó: “Te amaré por siempre, Doctor Alan Grant”, en referencia al nombre de ficción que el actor utilizó en la saga de Jurassic Park.

View this post on Instagram

Jeff Goldblum, otro de los protagonistas de Jurassic Park, recurrió a sus redes sociales para despedir a Neill, y escribió: “Comienza la próxima gran aventura. Te amo, siempre y para siempre”.

De qué murió Sam Neill

En 2023, Neil contó en público que había sido diagnosticado con linfoma de células T angioinmunoblástico, un tipo poco común de linfoma no Hodgkin. Él mismo anunció que se trataba de un tipo de cáncer de sangre en etapa tres, una enfermedad por la que en ese momento ya recibía tratamiento desde principios del año anterior.

De acuerdo al comunicado que emitió su círculo íntimo en su cuenta de Instagram, el actor “seguía libre de cáncer” cuando murió y no precisó la causa de la muerte.

Poco después, contó que experimentó glándulas inflamadas por primera vez en marzo de 2022, durante una publicidad de Jurassic World: Dominio, película que protagonizó junto a Chris Pratt, Bryce Dallas Howard y Jeff Goldblum. Meses más tarde, volvió a referirse a su enfermedad y declaró: “Estoy preparado para eso [la muerte]. Sé que sucederá, pero realmente no me interesa. Está fuera de mi control”.

“Con inmensa tristeza, la familia de Sam Neill comunica la noticia de su fallecimiento, ocurrido el lunes 13 de julio en Sídney, Australia. Sam estuvo rodeado de sus seres queridos y partió con la dignidad que caracterizó toda su vida. La pérdida fue repentina e inesperada, aunque reconforta saber que Sam se mantuvo libre de cáncer. La familia desea expresar su más profundo agradecimiento al personal del Hospital Privado St. Vincent por sus increíbles cuidados”, dice el mensaje oficial y cierra: “Más adelante se darán a conocer más detalles; por ahora, en nombre de la familia, pedimos que se respete su privacidad mientras atraviesan esta pérdida inmensa”.

Después de trabajar en la Compañía de Cine de Nueva Zelanda como actor y director, fue el clásico australiano Mi brillante carrera (1979) junto a Judy Davis el que luego le abrió las puertas para encarnar el inolvidable papel de Damien Thorn en La última profecía. Desde entonces, su nombre fue elegido para interpretar a héroes y villanos en una sucesión de películas para la gran pantalla y televisión.

View this post on Instagram

En un divertido reel publicado por la cuenta BAQcanal, un segmento correspondiente al canal de televisión francés Canal+, Holland y Damon contaron a qué equipos ven en una posible final del actual mundial. En ese momento y entre risas, Damon confesó: “Estamos en Francia, pero tengo que contarles que como yo estoy casado con una argentina, no voy a poder entrar de nuevo a mi propia casa si no respondo Argentina”. Claro que más allá de esa salvedad, el actor luego agregó: “Pero a Francia se lo ve muy fuerte”.

Por su parte Holland, intérprete de origen inglés, no dudó en apostar por sus colores y sentenció: “A Inglaterra se la ve peligrosa, ahí puedo ver un camino hasta la final”, y luego Damon remarcó: “Todos los equipos que quedan son peligrosos”.

Finalmente los dos casi al unísono también concluyeron que “a Francia se la ve muy bien”. De ese modo, Damon y Holland en lo que sí coincidieron, ¡fue en olvidarse de España!

El fanatismo por Messi

Hace pocos días y durante una entrevista, Matt Damon se refirió al profundo vínculo que mantiene con la Argentina en pleno Mundial 2026. El actor estadounidense, casado con la salteña Luciana Barroso, contó que en su hogar conviven las banderas argentina y norteamericana y que se profesa una profunda devoción por Lionel Messi.

“En mi casa, Messi es más importante que yo; Argentina es mi equipo”, afirmó el actor entre risas en una entrevista con Telemundo, ante la mirada atenta de su compañero de elenco, el colombiano John Leguizamo. La escena ocurrió en el estadio de Miami en la antesala del empate sin goles entre los seleccionados de Portugal y Colombia. El intérprete incluso cerró la charla desafiando a su colega a ver quién gritaba más fuerte y lo superó con un eufórico grito en honor al astro rosarino: “¡Goooool! ¡Messi, Messi!”.

Damon y Barroso se conocieron en 2003, en Miami, en el bar de playa en donde ella trabajaba como camarera. Él ya era toda una celebridad: éxitos como En busca del destino, Rescatando al soldado Ryan, El talentoso señor Ripley y La gran estafa lo habían convertido en uno de los artistas más buscados. Luego de una larga jornada de grabación, el actor se acercó hasta la barra para tomar algo, pero lo que consiguió fue mucho más que un trago refrescante.

“Estábamos filmando con Eva Mendes en una playa de Miami cuando un grupo de fans me rodeó, me acosó como un enjambre de avispas y escapé. Me escondí detrás de la barra de un bar y apareció ella, que me miró y me preguntó: ‘¿Qué hacés acá?’”, recordó el galán sobre aquel día. “Dicen que algo increíble te pasa cuando conocés a la mujer de tu vida y así fue. Juro por Dios que me sucedió algo indescriptible. Cuando la vi, fue como si me golpeara un rayo”, confesó en una entrevista.

La pareja se comprometió en septiembre de 2005 y el 9 de diciembre de ese mismo año se casaron. En 2006 llegó la primera hija de la pareja, Isabella; dos años más tarde, nacería Gia Zavala, y en 2010, su tercera hija, Stella. Matt, además, adoptó legalmente a Alexia, la hija de Luciana con su primer marido.

Diecisiete son los participantes que siguen en carrera y uno de ellos será el ganador de una edición que, según confirmó Santiago del Moro, terminará en septiembre. Y por la cantidad de jugadores que hay dentro de la casa, la matemática indica que seguramente Gran Hermano tendrá doble o triple eliminación en el camino hacia la final. La placa de nominados de la semana veinte del reality quedó conformada por Matías Hanssen, Juan Carlos López, alias JC, Luana Fernández, Alejandra Majluf, Manuel Ibero, Mariela Prieto, Sol Abraham, Yisela “Yipio” Pintos y Emanuel Di Gioia.

La competencia de la noche comenzó con Pasapalabra versus Es mi sueño. En eltrece, el nuevo programa de Guido Kaczka, donde se busca a la nueva estrella que brille en todo el país, sigue conmoviendo por las historias de los participantes y el talento que tienen. En esta tercera instancia, todos los concursantes que fueron pasando de etapa tienen que superarse, en una nueva actuación, ganando la mayor cantidad de puntos para seguir el camino hacia “El Palco del Ópera”. Más de 200 intérpretes de todo el país se presentaron ante Abel Pintos, Jimena Barón, la “Mona” Jiménez y Joaquín Levinton, que los evaluaron según sus actuaciones.

En el ciclo de Telefe, que comenzó con un piso de 9,8 puntos, se enfrentaron Ginette Reynal, Naanim Timoyko y Sandra Villaruel versus Noemi Alan, Sandra Smith y Patricia Dal. Del otro lado, se lució Ramiro Cardozo que interpretó “Juntos” del propio Pintos que quedó fascinado con la autenticidad del participante. Es mi sueño llegó a una marca máxima de 8,5. Por su parte, LAM se mantuvo tercero con 4,3 puntos y Bendita lo siguió con 3,7.

¿Qué pasó con la gala de eliminación de Gran Hermano?

La gala comenzó pasadas las 22.30 con un piso de 12,3 puntos, liderando la franja. El domingo bajaron de la zona de peligro Majluf, Hanssen y Mariel Prieto y tras los primeros minutos del ciclo en vivo, Santiago del Moro anunció que el primero salvado era JC con el 0.1% de los votos, seguido de Emanuel con 0,4%, Yipio con el 0,8 % y Sol con el 19.9%. Finalmente, Luana y Manuel quedaron en la cuerda floja y el joven quedó fuera de juego con el 51,2 %. Gran Hermano lideró la noche con una marca máxima de 12,9. Cuando terminó el programa, todos los jugadores quedaron en una nueva placa de votos positivos express. Esto significa que uno se irá el miércoles.

En cuanto al resto de los canales, Mario Pergolini recibió en eltrece a Teté Coustarot . Otro día perdido se mantuvo segundo en la franja con un pico de 6 puntos, durante el monólogo inicial en el que el conductor hizo una inesperada confesión sobre el triunfo de la Selección argentina. Por su parte, BTV con el resumen del día y Bienvenidos a ganar con Hernán Drago pelearon por el tercer puesto con picos de 2,7 y 2,2, respectivamente.. El programa de Beto Casella acaba de cumplir 100 emisiones y se estabilizó, en el último mes, tercero en la franja. Más tarde, TL9 Denuncia llegó a los 1,7 y Pasó en América 1,1.

View this post on Instagram

“Afortunadamente, nuestra Selección Argentina sigue haciendo historia y continúa en carrera rumbo a la cuarta estrella. Como el próximo partido coincide con una de las fechas de nuestra gira, y sabiendo que es un momento muy especial para todos, la producción del evento decidió suspender los shows previstos bajo su organización”, comenzó el comunicado publicado por la banda en sus redes sociales respecto a las presentaciones del 17 de julio en Santa Rosa, La Pampa; del 18 de julio en Bahía Blanca y del 18 de septiembre en Paraná, Entre Ríos.

Tras explicar que la suspensión no tenía que ver con una decisión artística, Lowrdez Fernández, Lissa Vera, Valeria Gastaldi y Virginia Da Cunha informaron el procedimiento de devolución de entradas y se mostraron apenadas por no poder subirse al escenario tal como estaba pautado. “Lamentamos los inconvenientes que esta decisión pueda ocasionar y les agradecemos, como siempre, el cariño, el apoyo y el acompañamiento de cada uno de ustedes. Nos volveremos a encontrar muy pronto. Mientras tanto… ¡vamos Argentina!“, expresaron.

La respuesta de la productora

La versión de las artistas fue rápidamente desmentida por ShowMax a través de otro comunicado en el que responsabilizó directamente al grupo por la caída de las fechas. “La producción de algunas fechas del tour de Bandana comunica al público en general los lamentables sucesos que se están produciendo por la cancelación de manera unilateral por parte del artista”, dice el escrito difundido por la productora desligándose de toda responsabilidad.

View this post on Instagram

Inmediatamente, la empresa organizadora advirtió que nunca recibió una explicación formal sobre esta decisión: “Al día de la fecha esta producción no tiene notificación alguna de las causas que motivaron al artista a esta cancelación, que no solo genera un daño a esta productora sino también a los fans que estaban ilusionados con el show”, continuó mientras esbozaba una posible teoría sobre el verdadero motivo detrás de la suspensión. “Solo nos queda analizar que la decisión quizás esté sostenida en la baja convocatoria de los mismos que oficialmente comunicamos”, lanzó.

View this post on Instagram

Mientras la productora ya dijo que iniciará acciones legales para reclamar por los perjuicios económicos ocasionados, fuentes cercanas a la banda pop aseguran que varios problemas de logística y contractuales habrían sido el verdadero detonante de la suspensión: “La realidad es muy distinta porque, según trascendió, el grupo tenía toda la voluntad de realizar los shows, pero se habrían plantado ante la informalidad de ShowMax”, aclararon desde el entorno de la banda.

Horas después de la polémica, Bandana volvió a lanzar un nuevo comunicado, dando más detalles de la situación: “Lamentamos profundamente la situación generada en relación con las presentaciones previstas en Formosa, Resistencia, Santa Rosa, Bahía Blanca y Paraná, y especialmente el perjuicio ocasionado a todas las personas que habían adquirido sus entradas. Queremos aclarar que BANDANA no anunció ni comunicó la cancelación de ninguno de estos shows. La situación se originó en un conflicto derivado de un incumplimiento contractual que actualmente se encuentra siendo tratado por las vías legales correspondientes”, aclaró la banda nacida en Popstars sin vueltas mientras remarcaba que su principal preocupación hoy es el público.

View this post on Instagram

“Lamentamos profundamente no poder encontrarnos con ustedes en esta oportunidad. El cariño y el respeto por nuestro público han guiado siempre cada una de nuestras decisiones y seguiremos honrando ese compromiso”, concluyeron mientras advertían que por recomendación de sus abogados no van a realizar más declaraciones públicas sobre este asunto.

Si bien la estrella hollywoodense siempre procuró mantener su vida familiar lejos de los reflectores, habló del tema en una entrevista concedida al Sunday Times en 2014. Allí explicó que su familia era “más numerosa que la mayoría” y sorprendió al contar que tenía un hijo mayor al que no había visto durante un cuarto de siglo. Según su relato, Andrew nació cuando Neill era muy joven. Al no sentirse preparado para asumir la paternidad, tomó la difícil decisión de darlo en adopción. “Yo era bastante joven, tenía poco más de veinte años. No lo vi durante 25 años y luego nos reencontramos”, reveló.

Sobre cómo fue ese encuentro, el intérprete neozelandés advirtió que aquella reconciliación fue muy distinta a la que suelen mostrar las películas. “La mayoría de estos reencuentros se describen como sentimentales y macabros, pero no hubo nada de sentimentalismo. Nadie llora desconsoladamente en los brazos de nadie, es algo mucho más maduro”, recordó. Con el paso del tiempo, ambos se dieron la oportunidad de conocerse y lograron construir un vínculo desde la adultez basado en el respeto.

Al reflexionar sobre las decisiones que tomó en su juventud, Neill mostró su arrepentimiento y confesó cuál sería el consejo que le daría a ese muchachito del pasado. “Le diría: ‘Eres más capaz de lo que crees’”, se sinceró.

Una familia ensamblada

Tras aquel hecho que marcó su vida, Sam Neill volvió a ser padre. En 1983 tuvo a su segundo hijo, Tim, junto a la actriz Lisa Harrow, a quien conoció durante el rodaje de La profecía III: El conflicto final.

Años más tarde se casó con la maquilladora japonesa Noriko Watanabe. Durante su matrimonio, que duró de 1989 a 2017, nació Elena, la única hija biológica de la pareja. Además, el actor adoptó a Maiko, hija de Watanabe de una relación anterior, consolidando así una familia ensamblada que siempre describió con orgullo.

Pese a que evitó exponer su intimidad, en 2021 decidió compartir con sus seguidores uno de los momentos más felices de su vida: el nacimiento de su nieto Nahlo. “Amor. No suelo exponer a mi familia en las redes sociales. Excepto cuando son recién nacidos. Este es mi nieto recién nacido, Nahlo, el niño más maravilloso, de dos semanas”, escribió en sus redes sociales junto a una fotografía en la que sostenía al bebé en brazos. “Tan tranquilo, sin complicaciones. Simplemente come, duerme y piensa en cosas. Los padres están encantados y todos felices. Yo en particular. El amor”, concluyó.

En marzo de 2023, mientras promocionaba sus memorias ¿Alguna vez te dije esto?, Neill habló públicamente sobre la enfermedad que atravesaba: un linfoma angioinmunoblástico de células T; un tipo poco común de linfoma no Hodgkin. “Estoy preparado para eso [la muerte]. Sé que sucederá, pero realmente no me interesa. Está fuera de mi control”, confesó por aquel entonces.

Si bien no le tenía miedo a la muerte, la estrella admitió que sí lamentaba la posibilidad de perderse momentos junto a su familia. Una de las cosas que más le aterraba era no poder ver crecer a sus “adorables nietos”, a quienes consideraba una de las mayores alegrías de sus últimos años.

View this post on Instagram

Tras recibir un tratamiento de inmunoterapia experimental, el cáncer entró en remisión y Neill pudo retomar su trabajo en cine y televisión. Sin embargo, este lunes su familia confirmó su triste fallecimiento en Sídney. “Con inmensa tristeza, la familia de Sam Neill comparte la noticia de su fallecimiento, ocurrido el lunes 13 de julio en Sídney, Australia. Sam estuvo rodeado de sus seres queridos y partió con la dignidad que caracterizó toda su vida. La pérdida fue repentina e inesperada, aunque reconforta saber que Sam se mantuvo libre de cáncer” expresó el comunicado difundido por sus seres queridos.

Las imágenes de la reunión, compartidas por algunos de los invitados en sus redes sociales, mostraron el clima festivo que se vivió alrededor de la mesa chica de “La Chiqui”. Entre la delicada vajilla y las exquisiteces que nunca faltan, hubo una protagonista indiscutida: una torta de bizcochuelo en forma de pelota de fútbol con los colores celeste y blanco, preparada especialmente para celebrar el triunfo argentino.

“Así celebró la Mirthoneta”, posteó Teté Coustarot en sus historias de Instagram mientras se veía al grupo conformado por Dany Mañas, María Teresa Villarroel, Alejandro Veroutis, Héctor Vidal Rivas y Amalia Idoyaga Molina con banderas en sus manos. “Vamos vamos Argentina, vamos vamos a ganar, que esta barra quilombera, no te deja no te deja de alentar”, se los escucha cantar en otro video publicado.

Además de la torta y el cotillón albiceleste, hubo otro detalle que llamó la atención en la velada dominguera: una estampita con la figura de la diva de los almuerzos, que desde los últimos partidos es considerada la patrona de la Selección.

Al igual que sus “mesazas” se convirtieron en un clásico en la pantalla, sus tés de los domingos son una tradición en la casa de la conductora. Cada domingo, a las 17.30, los mismos rostros llegan a su domicilio de Barrio Parque para compartir una merienda en la que nunca faltan las conversaciones sobre actualidad, espectáculos y política. “Por supuesto se habla de los temas políticos de la semana y ahora se suma el Mundial, Messi y la Selección”, contó Dany Mañas en una reciente entrevista con LA NACION.

Además del famoso productor, quienes participan de estos encuentros son el empresario Martín Cabrales, Alejandro Veroutis, Alfredo Corti, su ases

or de imagen Héctor Vidal Rivas, sus amigas de toda la vida María Teresa Villarroel y Amalia Idoyaga Molina, Marcela Tinayre, el diseñador Gino Bogani y Teté Coustarot. En algunas oportunidades, también se suma Susana Giménez, una de las invitadas más esperadas.

“Santa Mirtha”

Esta Copa del Mundo convirtió a Mirtha Legrand en una protagonista inesperada de las redes sociales a través de los famosos memes, esos que con humor destacan su longevidad y la presentan como una figura capaz de haber sido testigo de algunos de los momentos más emblemáticos de la historia. En este caso, tuvo el privilegio de “ver” todos los mundiales.

A su estampita de “Santa Mirtha”, la patrona de la Selección dirigida por Scaloni surgió una nueva ola de chistes y fotomontajes que fueron incrementándose partido a partido. Mientras que antes del cruce con Egipto, miles de usuarios imaginaron a “La Chiqui” como una faraona del Antiguo Egipto disputándole el poder a Cleopatra, con Suiza las redes se llenaron de imágenes en las que Legrand aparecía recorriendo los Alpes o empujando al precipicio a Heidi y a su abuelo del universo creado por Johanna Spyri.

“A mí que me compararon con Cleopatra. Los memes y todo lo que se armó, yo no salía de mi asombro. Los memes... ¡es buenísimo!”, expresó en su programa sorprendida por el fenómeno.

Ahora, con la Selección clasificada a las semifinales y el enfrentamiento con Inglaterra en el horizonte, la creatividad volvió a dispararse. Los memes ya imaginan un duelo histórico entre la diva argentina y la reina Isabel II. Si bien la monarca falleció a los 96 años en 2022, la longevidad de ambas las ha convertido en grandes rivales a lo largo de distintos momentos.

Así, mientras el equipo liderado por Leo Messi busca un lugar en la final, Mirtha también parece tener su propio “partido” en las redes, convertida en uno de los personajes más inesperados y celebrados de este Mundial.

De qué murió Sam Neill

En 2023, Neil contó en público que había sido diagnosticado con linfoma de células T angioinmunoblástico, un tipo poco común de linfoma no Hodgkin. Él mismo anunció que se trataba de un tipo de cáncer de sangre en etapa tres, una enfermedad por la que en ese momento ya recibía tratamiento desde principios del año anterior.

De acuerdo al comunicado que emitió su círculo íntimo en su cuenta de Instagram, el actor “seguía libre de cáncer” cuando murió y no precisó la causa de la muerte.

Poco después, contó que experimentó glándulas inflamadas por primera vez en marzo de 2022, durante una publicidad de Jurassic World: Dominio, película que protagonizó junto a Chris Pratt, Bryce Dallas Howard y Jeff Goldblum. Meses más tarde, volvió a referirse a su enfermedad y declaró: “Estoy preparado para eso [la muerte]. Sé que sucederá, pero realmente no me interesa. Está fuera de mi control”.

“Con inmensa tristeza, la familia de Sam Neill comunica la noticia de su fallecimiento, ocurrido el lunes 13 de julio en Sídney, Australia. Sam estuvo rodeado de sus seres queridos y partió con la dignidad que caracterizó toda su vida. La pérdida fue repentina e inesperada, aunque reconforta saber que Sam se mantuvo libre de cáncer. La familia desea expresar su más profundo agradecimiento al personal del Hospital Privado St. Vincent por sus increíbles cuidados”, dice el mensaje oficial y cierra: “Más adelante se darán a conocer más detalles; por ahora, en nombre de la familia, pedimos que se respete su privacidad mientras atraviesan esta pérdida inmensa”.

Después de trabajar en la Compañía de Cine de Nueva Zelanda como actor y director, fue el clásico australiano Mi brillante carrera (1979) junto a Judy Davis el que luego le abrió las puertas para encarnar el inolvidable papel de Damien Thorn en La última profecía. Desde entonces, su nombre fue elegido para interpretar a héroes y villanos en una sucesión de películas para la gran pantalla y televisión.

“Es con enorme tristeza que los seres queridos de Sam Neill comparten la noticia de su fallecimiento ocurrido este lunes 13 de julio en Sídney, Australia. Sam estaba rodeado de su familia y murió con la dignidad que lo caracterizó toda su vida. Su partida fue repentina e inesperada aunque bendecida por el hecho de que Sam estaba libre de cáncer”, se lee en el comunicado que termina pidiendo respeto por la privacidad de los suyos.

View this post on Instagram

“No, al contrario. De hecho, tuve que sobreponerme a la ordinariez de mi apariencia”, contestó el actor al lector de The Guardian, una respuesta que de alguna manera resume quién era el intérprete que prefería decir que era mitad granjero y mitad actor, que solía bautizar a los animales en su campo con los nombres de sus colegas más famosos y que debe haber sido uno de los pocos en su profesión en hacer el casting para convertirse en James Bond deseando con todas sus fuerzas no ser elegido para el papel.

“Me sentí incómodo todo el día de la audición que fue larguísima. Qué alivio que hayan elegido a otro. Realmente no quería ser el Bond que no le guste a nadie. Es un destino peor que la muerte”, explicaba Neill en una entrevista de 2021 al recordar su experiencia como potencial agente 007 a finales de los años 80. En aquel entonces, Timothy Dalton fue seleccionado para interpretar al espía británico mientras que la carrera del actor neozelandés continuó por caminos alternativos que, sin embargo, en poco tiempo lo llevarían hasta la popularidad global. Incluso a pesar de su rechazo ante la idea de ser famoso. “Realmente espero no ser una celebridad. Creo que son trabajos distintos. Podés ser un actor-con suerte un muy buen actor-, pero ser una celebridad es otra cosa. Podés decidir si querés una o la otra. Yo nunca quise ese nivel de fama, de hecho la esquivé como a la plaga”, explicó el actor en una entrevista con el diario australiano The Sydney Morning Telegraph en 2022.

Nacido el 14 de septiembre de 1947 en la mesa de la cocina de la casa familiar en Omagh, Irlanda del Norte, donde su padre neozelandés estaba trabajando para la armada británica, el futuro actor fue bautizado con el nombre de Nigel John Dermot Neill.

De regreso en Nueva Zelanda, a los 9 años el pequeño Nigel ingresó como pupilo a uno de los colegios más distinguidos del país, donde rápidamente entendió que su acento raro, la tartamudez que padecía y su “tonto” nombre de pila le garantizaban la burla constante de sus compañeros. Así, inspirado por los valientes personajes de los westerns que admiraba, Neill tomó el nombre de Sam. “Probablemente la mejor decisión que tomé en mi vida. Sam es fácil de decir, suena amistoso y fuerte con un toque de perro labrador”, recapitulaba el actor en su libro de memorias, publicado en 2023 tras haber sido diagnosticado con una rara forma de cáncer.

Un estudiante vago y no especialmente brillante, según su propia descripción, el actor decidió estudiar letras en la universidad y fue allí dónde empezó a interesarse por el teatro. Luego de graduarse se sumó a una compañía que hacía giras presentando obras de Shakespeare y clásicos del repertorio infantil.

En busca de un trabajo más estable cambió los escenarios por la producción de documentales y cortometrajes para el instituto de cine de Nueva Zelanda. Sin embargo, su interés por la actuación seguía intacto y cada tanto despuntaba el vicio apareciendo en los cortometrajes de sus colegas. Gracias a ellos consiguió su primer papel protagónico en un largometraje, Perros de presa (1977), el primer film en colores hecho en Nueva Zelanda que puso en marcha un nuevo movimiento de cine en el país. Pero fue su siguiente papel en el drama de época Mi brillante carrera, de Gillian Armstrong, el que lo convenció de que todo el asunto de la actuación podía funcionar para él. La película compitió en el festival de Cannes, lo que le dio una exposición internacional de alcances inesperados. Entre ellos estuvo la amistad con el legendario actor británico James Mason, con quien trabajó en el telefilm Ivanhoe y luego se ocupó de mandar cartas a sus productores amigos para recomendar al joven intérprete neozelandés instalado en Australia.

Gracias a la generosidad de Mason, Neill consiguió su primer trabajo en Hollywood como protagonista de La última profecía, la tercera parte de la serie de películas sobre Damien Thorn, el anticristo.

Más allá de la oportunidad de continuar su trayectoria en Los Ángeles, Neill optó por seguir un camino a la medida de su curiosidad artística. Así, apareció en Una mujer poseída, el film ganador de la Palma de Oro de Cannes dirigido por Andrezj Zulawski y protagonizado por Isabelle Adjani, al que siguió con un par de exitosas miniseries y películas australianas como Un grito en la oscuridad, que protagonizó junto a Meryl Streep y Terror a bordo, en la que compartía escenas con una estrella en ascenso: Nicole Kidman.

El suceso de ese thriller le dio un nuevo impulso a la carrera del actor que a principios de los 90 parecía estar en todos lados con papeles en La caza del Octubre Rojo, en Hasta el fin del mundo, de Wim Wenders y en La lección de piano, de Jane Campion. Curiosamente, el film independiente resultó un suceso entre los críticos, se llevó tres premios Oscar y para Neill, quién interpretaba al duro terrateniente casado por conveniencia con la mujer muda que encarnaba Holly Hunter, fue la mejor carta de presentación de su rango como actor. Es que el mismo año, 1993, en el que interpretó al villano del sombrío drama de Campion, el actor apareció en su película más popular: Jurassic Park.

Y aunque de ese momento en adelante el mundo entero empezó a reconocerlo como el doctor Alan Grant, el paleontólogo fascinado con el regreso de los dinosaurios vía experimentos genéticos, y muchos también lo recordaban por la escena en La lección de piano en la que en medio de un ataque de furia su personaje le cortaba un dedo a su esposa con un hacha, Neill prefería pensar que la atención del público no lo alcanzaba. “Si sos el tipo que le cortó un dedo a alguien en una película no vas a ser el ídolo de un espectador de 25 años que vive en Delaware. Y lo mismo sucede si estás en una gran película de Steven Spielberg en la que la atracción principal son los dinosaurios”, resumió el actor en una entrevista con The Hollywood Reporter en 1994.

Puede que su cara no figurara en los posters más colgados por los cinéfilos, pero su modestia era exagerada. Desde mitad de los noventa, su presencia en pantalla garantizaba que, al menos durante sus escenas, la película o la serie en cuestión valdría la pena.

Así lo prueban films como En la boca del miedo, de John Carpenter; Restauración, dos de las secuelas de Jurassic Park (Jurassic World 3 (2001) y Jurassic World Dominion (2022), Hunt for the Wilderpeople, de Taika Waititi, con el que volvió a colaborar en Thor Ragnarok y Thor: amor y trueno. Por el lado de la TV también se destacó en series como Merlín y más recientemente gracias a su participación en las dos primeras temporadas de Peaky Blinders, donde interpretó a Chester Campbell, un jefe de policía corrupto, y Apples Never Fall (2024), miniserie disponible en Universal+.

Siempre ocupado con uno o varios proyectos a la vez, de todos modos Neill se hizo el espacio para dedicarle tiempo a su pasión por la vida en el campo. A principios de los 90 compró tierras y un viñedo en Nueva Zelanda desde el que comenzó a producir su propio vino que, para su sorpresa, resultó lo suficientemente bueno para ganar algunos premios y continuar en marcha más de 30 años después. “Tenía pensado producir solo un par de cientos de cajones de algo que fuera bebible, así que nadie se sorprendió más que yo cuando abrí la primera botella y resultó que era un vino bastante bueno”, contó en 2001.

Desde su viñedo, el actor se transformó en una suerte de estrella viral durante la pandemia gracias a los videos que publicaba en las redes sociales en los que se lo veía y escuchaba tocar conocidas canciones en su ukelele rodeado de sus animales con aspiraciones de estrellas acordes con sus nombres: entre una y otra canción el intérprete contaba las últimas novedades de su vaca Helena Bonham Carter, las aventuras en las que se había metido su gallo Michael Fassbender y la suerte de su cerdo Amy Adams. Por ese tiempo, en 2021, Neill anunció que había sido diagnosticado con una forma rara de cáncer en la sangre y que debía someterse a un tratamiento de inmediato.

“No tengo miedo a morir. No es algo que me preocupa, pero si sucediera ahora sí me molestaría bastante, porque todavía hay muchas cosas que quiero hacer”, explicó en una entrevista televisiva en 2023. Tal vez para cumplir con uno de sus pendientes, en el proceso de atravesar su enfermedad el actor escribió un libro de memorias al que tituló Did I Ever Tell You This? (¿Alguna vez te conté esto?), en el que desplegaba un humor filoso siempre apuntado a reírse de sí mismo. Allí hablaba de sus tiempos de escuela-”era un estudiante mediocre e irremediablemente perezoso”-, bromeaba con su temperamento-”soy un ser trivial, superficial. No van a encontrar en mí ningún lago de profundidad glaciar”-, y finalmente admitía que nunca había dejado de ser el chico aterrorizado que había viajado de Irlanda del Norte a Nueva Zelanda.

“Mi exterior corresponde indudablemente con Sam, el neozelandés. Un tipo que incluso podés reconocer, pero en mi interior, en algún lugar muy profundo, vive un chico pequeño y tímido con un acento peculiar y su nombre no es Sam. Es Nigel”.

Había nacido en Paraná el 31 de diciembre de 1933, por lo que tenía 92 años, buena parte de los cuales los pasó al frente de las más importantes orquestas de la Argentina y también del exterior.

Su currículum, de los más brillantes en su profesión, dice que comenzó sus estudios en su Entre Ríos natal en piano y composición y que fue discípulo de Vicente Scaramuzza, Francisco Amicarelli, Fernando Previtali, Alberto Ginastera, Roberto García Morillo y Luis Gianneo, entre otros. Pero, además, ya en su adolescencia sintió atracción por eso de subir al podio e hizo su primer curso con el alemán Hermann Scherchen, en una de sus visitas a Buenos Aires. Y ya en 1949, siendo un adolescente, dirigió su primer concierto al frente de la, por entonces, flamante Orquesta Sinfónica de Entre Ríos, donde además fue pianista.

En un recorrido vertiginoso, para mediados de la década siguiente, debutó en la capital argentina dirigiendo la Orquesta Sinfónica de Radio Nacional y en 1957 se presentó en el teatro Colón con la Sinfónica Nacional, el elenco de la Secretaría de Cultura del que luego sería su director estable.

Gracias a una beca del Fondo Nacional de las Artes, estuvo un año estudiando en Italia y, en 1963 -junto a sus colegas Claudio Abbado y Zdenek Kosler- obtuvo el primer premio en el Concurso Internacional para directores de orquesta Dimitri Mitropoulos, lo que lo llevó a trabajar durante un tiempo como asistente de Leonard Bernstein.

Fue responsable, en diferentes momentos de su vida, de la Orquesta Estable del Teatro Colón, la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, la Orquesta Sinfónica de la Universidad Nacional de Tucumán y la Orquesta Sinfónica Nacional, donde estuvo por más de dos décadas y en la que permaneció varios años como director emérito luego de su retiro de la actividad. Pero esa responsabilidad con elencos locales, no le quitó la posibilidad de ponerse al frente, como director invitado, de orquestas en Francia, España, Austria, la Unión Soviética, Japón, los Estados Unidos o América Latina.

En un terreno más personal, fue el fundador, en 1966, del Ensamble Musical de Buenos Aires, para dedicarse a la música de cámara, pero también para acercarse a la música popular que lo tuvo como un gran promotor. Con esa agrupación, hizo audiciones televisivas, grabó y editó registros de compositores clásicos argentinos, estreno en 1970 en Washington el “Tangazo. Variaciones sobre Buenos Aires” de Astor Piazzolla y actuó con el grupo humorístico-musical Les Luthiers. Y era aún el director del ensamble cuando se hizo una nueva versión de “La Biblia” de Vox Dei, junto a otras figuras del rock argentino, aunque en el registro esa responsabilidad de la conducción y de los arreglos recayera en Gustavo Beytelmann.

También se cuentan en cantidad los premios y reconocimientos que acumuló, entre los que pueden mencionarse el de Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires y el Konex de Platino. Y casi como una curiosidad en una vida tan fructífera, vale agregar que colaboró en películas como El santo de la espada (1970), La vuelta de Martín Fierro (1974), De cara al cielo (1979) y Buenos Aires, la tercera fundación (1980).

Con la muerte de Pedro Ignacio Calderón, se fue una parte importantísima de lo que fue la dirección orquestal y uno de los protagonistas fundamentales de esta profesión en nuestro país. Un hombre formado en una actividad cuando aún no hacía parte de los cursos regulares de conservatorios y academias. Tuvo tres hijos, compartió los últimos años de su vida con quien había sido su compañera artística en diversos proyectos, la violinista Haydée Seibert, y se mantuvo vital y activo mientras que la salud se lo permitió. Y aunque ya hacía un tiempo que había tenido que retirarse, el mundo de la música argentina extrañará su paso por este mundo. Y es seguro que en los próximos días conoceremos diversos homenajes que le tributarán en diversos lugares de nuestro país.

“La fusión ilegal de estos dos gigantes del entretenimiento conllevaría precios más altos, menor calidad y menos contenido para el cine y la televisión, perjudicando a las salas de cine, a los distribuidores de cable básicos y, en última instancia, al público en cada sofá y butaca de cine en los Estados Unidos”, dijo el fiscal general de California, Rob Bonta, en un comunicado al que también adhirieron los estados de Arizona, Colorado, Connecticut, Massachusetts, Minnesota, Nevada, Nueva Jersey, Nuevo México, Nueva York, Oregón y Washington.

La demanda alega, según reporta Variety, que la empresa resultante tras la adquisición de Waner Bros. Discovery por parte de Paramount por 111.000 millones de dólares controlará el 27% del mercado de distribución cinematográfica de estrenos masivos, el 30% del submercado de las películas taquilleras más esperadas y el 27% del paquete básico de televisión por cable. Los estados argumentan que dicha consolidación perjudicará a las salas de cine y a los proveedores de cable y satélite, que dependen de la competencia entre distribuidores.

“También reduce las oportunidades para que surjan historias importantes y limita las maneras en que el público puede acceder a historias, ideas y perspectivas que trasciendan sus propias experiencias”, declaró el fiscal Bonta. “En este país, nadie está por encima de la ley. Con esta demanda, California y los demás estados luchan por mercados libres y justos, no por mercados manipulados. En Estados Unidos no hay reyes, ni en el gobierno ni en la economía”, enfatizó.

De aprobarse definitivamente la fusión, Paramount sumará a sus actuales activos (el estudio de cine del mismo nombre, la plataforma Paramount+ y las cadenas CBS y CBS News) todos los negocios y las marcas del patrimonio de Warner Bros. Discovery: Warner Bros. Pictures, HBO, HBO Max, CNN, TNT, TBS, Cartoon Network, TCM, Discovery Channel, Animal Planet y varias señales y canales más. Si esto ocurre comenzará una nueva era para todo el ecosistema de la industria del entretenimiento más poderosa del mundo, con epicentro en Hollywood.

La respuesta de Paramount

Por su parte, Paramount Skydance respondió que “la demanda interpuesta distorsiona la legislación antimonopolio vigente y se basa en una tergiversación de la competencia en la industria del entretenimiento actual”. En ese sentido destacó que, según concluyeron numerosas autoridades antimonopolio tras meses de análisis, la transacción creará “un competidor más fuerte frente a las plataformas de streaming y tecnología dominantes que han perjudicado el mercado de la exhibición cinematográfica y el empleo en la industria del entretenimiento”.

“Defenderemos enérgicamente la transacción. Retrasarla solo perjudicará a los trabajadores del sector del entretenimiento, quienes ya han sufrido en los últimos años debido a la disrupción tecnológica en sus medios de vida y a la pérdida de decenas de miles de empleos en California”, señaló la compañía a través de un comunicado.

“El efecto práctico de esta demanda es proteger a las plataformas de streaming dominantes, como Netflix, y a las empresas tecnológicas de la competencia que tanto necesitan, impidiendo al mismo tiempo los importantes beneficios que esta transacción aportará a los consumidores, creadores, trabajadores y a la economía de Hollywood en general. Seguiremos luchando contra cualquier intento de frustrar un acuerdo que fortalece la competencia, amplía las oportunidades y posiciona a la empresa resultante para competir en un panorama mediático global cada vez más competitivo”, remarcaron desde Paramount en el citado escrito.

Nacido el 1° de noviembre de 1942, Basaldúa es un apellido ineludible de la historia del arte argentino. A su padre, Héctor Basaldúa (1895-1976) se lo reconoce especialmente como pintor, pero también como un notable ilustrador y escenógrafo. Había completado su formación en París en la década de 1920 en la escuela de André Lothe, con otros jóvenes como Lino Enea Spilimbergo y Antonio Berni. A su vuelta a Buenos Aires, trabajó en el Colón aportando una nueva mirada sobre el trabajo escenográfico.

Inevitablemente, aquella influencia lo marcó. Emilio Basaldúa aprendió desde chico a amar la música y buscar que los espacios respiren al ritmo del sonido, de las historias, de las partituras. “Me pasé mi niñez recorriendo los pasillos y talleres del Teatro porque mi padre fue director escenográfico durante tres décadas”, solía reconocer este porteño sumamente respetado y querido entre sus colegas.

View this post on Instagram

Se graduó de arquitecto en la UBA y empezó a diseñar escenografías y vestuarios para teatro, televisión, cine y ópera. De hecho, pasó de ser director escenotécnico del Teatro Colón a desempeñar el cargo de director general y artístico de la histórica sala entre 2001 y 2002, en reemplazo de la gestión de Sergio Renán.

A poco de concluir sus estudios universitarios, viajó a Londres gracias a una beca. Junto a un grupo de colegas realizó trabajos experimentales de diseño y planificación para las futuras ciudades del 2000. Al regresar al país en 1970, se desempeñó como dibujante en el equipo de escenografía del Colón. Contratado por el Fondo Nacional de las Artes, realizó un audiovisual sobre el pintor Prilidiano Pueyrredón. Y al poco tiempo comenzó su vinculación con el cine: trabajó como ayudante de escenografía en Los siete locos, de Leopoldo Torre Nilsson.

Después de continuar con sus estudios en Florencia, volvió a la pantalla grande como escenógrafo de Fernando Ayala en Triángulo de cuatro (1974). A esa película siguieron, entre otras, Los viernes de la eternidad (1980), Plata dulce (1982), No habrá más penas ni olvido (1983), Una sombra ya pronto serás (1994) y Tango, el film de Carlos Saura nominado al premio Oscar (1998).

“El cine obliga a armar una panorámica de fotografías de edificios en escala y de decorados con utilería real, que pueden filmarse con el simple retiro de las paredes. Simbólicamente, para mí, de una manera algo casual, la arquitectura ha pasado a un segundo plano para dejar paso a la escenografía”, decía Basaldúa después de tomarle el gusto a su nuevo oficio de la mano de Ayala. También fue el encargado de diseñar la escenografía de La vuelta al hogar, de Harold Pinter y con dirección de Alejandro Maci, y de Incendios, de Wajdi Mouawad con puesta de Sergio Renán, entre otros montajes.

Para el CETC, el sótano del Colón dedicado a la experimentación, realizó la escenografía y el vestuario de Il combattimento di Tancredi e Clorinda, Pierrot Lunaire, El milagro secreto, Noche transfigurada, Trazas sobre trazas y La rosa. Fue Sergio Renán quien le dio la primera oportunidad de llegar a la sala grande del Colón, en 1993, cuando lo convocó para hacerse cargo de la puesta de La vida breve, que contó con régie de Emilio Sagi. Le siguieron La ciudad ausente (1995, régie David Amitin), Macbeth (1998, régie Jérôme Savary), El cónsul (1999, régie Gian Carlo Menotti), La Cenerentola (2012) y L’elisir d’amore (2015), ambas con puesta de Renán.

“El Colón me fascinaba”

En una charla organizada por la Fundación Proa reflexionó sobre los hitos de su propia formación. “A través de mi padre fui al Colón desde muy chico. El Colón me fascinaba mucho, pero me parecía inalcanzable. Como mi padre quería que tuviera un título, estudié arquitectura, que en los últimos años de facultad me aburrió mucho. Eso de que la arquitectura es ‘una mezcla de lo artístico con la técnica’ es medio mentira. En un punto creo que la escenografía es como una arquitectura construida ultrarrápidamente, algo que se levanta en 10 días y después desaparece”, apuntó.

A lo largo de su trayectoria, por esas piezas construidas en pocos días para desaparecer, obtuvo también el Cóndor de Plata (1994), el premio a la mejor dirección de arte del Festival de La Habana (1996) y el Konex (2001).

Si de joven se la pasó caminando por los pasillos del Colón, cuando asumió durante esa corta gestión no perdió ese hábito. “Quiero mucho a este Teatro por razones personales. Soy de hablar con la gente y de ir a los talleres donde todos los días veo a técnicos y artesanos que se las ingenian para sacar soluciones de la galera. Y no quisiera perder esa costumbre”, dijo a LA NACION apenas aceptó el desafío de dirigir la histórica sala tras el paso al costado de su amigo Renán.

Asumió tamaña responsabilidad en tiempos de corralito, de crisis económica, de demandas gremiales, de agitación en las calles, de cambios políticos. En medio de ese campo minado, se concentró en lo suyo: “No considero conveniente que una ópera sea repuesta per se sin alguna contribución original. Algo nuevo tiene que haber. Hay que evitar que el teatro o la ópera se vuelvan arqueológicos. Al mismo tiempo, tampoco hay que introducir elementos extemporáneos que pudieran impedir que se pueda vivir y respirar la música", confesó a poco tiempo de haber iniciado su gestión en el Colón.

En su contrato había propuesto que, dentro de sus honorarios anuales como director, estuvieran incluidos, sin costos extra, una escenografía y una realización de vestuario de su autoría. “Para mí, son un cable a tierra, una necesidad personal. No acepto que porque sea director del Colón no pueda hacer una escenografía. Me considero un artista que va a poner su mejor voluntad en esta tarea, pero no me quiero transformar en un empresario ni en un funcionario”, había aclarado por entonces.

Basaldúa será velado mañana, martes, de 16 a 21 en Malabia 1662, y su entierro se realizará en el Cementerio Alemán al día siguiente, a las 11 de la mañana.

La cantante Lucila Torres Argüello, popularmente conocida como Lwlo, se sincera en esta entrevista con LA NACION, la que brinda casi sin voz, producto de una afonía y estrés postraumático luego del parto prematuro de su embarazo gemelar. El pasado 10 de junio le tuvieron que hacer una cesárea de urgencia y sus mellizos Lara y Matteo nacieron en la semana 26 de gestación. Desde entonces, los pequeños se encuentran en neonatología, bajo cuidados intensivos, luchando día a día para salir adelante.

Lwlo y su pareja, Alan Noailles –quien genera contenido y hace humor en Instagram-, eligen compartir el día a día de sus hijos en sus redes sociales. Suelen subir un video por la mañana y otro por la noche, contando las novedades y parte médico que reciben ellos. La artista, cantautora y compositora puso en pausa su carrera desde que se enteró de que su embarazo era de riesgo. Por caso, en la semana 22 de gestación debieron realizarle una operación porque su cuello de útero estaba corto y había riesgo de parto prematuro. “Si nacen ahora, no van a sobrevivir”, les dijeron los médicos.

View this post on Instagram

Luego de aquel procedimiento llamado cerclaje, estuvo en reposo absoluto. Cuatro semanas después nacieron Lara y Matteo, tres meses y medio antes de lo que se conoce como un embarazo a término.

—¿Cómo estás hoy?

—Disfónica, con un nivel de estrés que me cuesta explicar. Acepté hacer esta nota para contar nuestra experiencia. Porque a nosotros nadie nos lo contó. Mis amigas tuvieron embarazos a término y nadie nos había hablado de la neo, que es un mundo aparte: estás todo el tiempo como en la guerra, es un estrés constante, día a día.

—Y elegiste contarlo a través de tus redes sociales.

—Sí, empecé a documentar todo porque dije: ¿qué carajo hago acá? ¿Cómo hago? ¿En dónde estoy parada? Somos primerizos en todo sentido.

—Y pusiste en pausa tu carrera tiempo antes de que nacieran, sin saber que iban a llegar antes de lo esperado.

—Sí, cuando nos dijeron que era un embarazo de riesgo. Y hoy, con ellos de este lado, ya no me importa más nada. Estoy cien por ciento abocada a ellos, solo quiero que mis hijos vivan. Si yo pudiera les daría mi pulmón, pero no se puede, es más grande que el cuerpo de ellos.

—¿Cómo estás atravesando esta situación?

—Es muy traumático y a la vez es una enseñanza muy zarpada, porque el ambiente superficial en el que me moví durante años es una cachetada al ego. Esto te enseña a valorar pequeñas cosas como acariciarles el pie a nuestros hijos, y que ellos los muevan, sentirlos. Cosas que un padre en el día a día por ahí no ve. No sabés lo que puede pasar cuando tenés un bebé tan vulnerable. A Matteo recién pudimos cambiarle el pañal por primera vez 17 días después de su nacimiento. Y recién el último fin de semana los pudimos alzar. Son muy chiquitos.

View this post on Instagram

—Imagino que en estas semanas han vivido de todo...

—Sí, tuvieron que reanimar a Lara delante nuestro. Fue horrible. Estábamos parados al lado de la incubadora, le estaba cantando “Capullito de alelí”, que se las cantaba en la panza, le estaba tocando el pie y de repente empezaron a sonar las alarmas, que ya las tenemos impregnadas en la cabeza, y vino la enfermera. “Larita, no te me vayas”, le decía mientras la movía. Yo me empecé a descomponer, ella se puso morada hasta que el sonido de la máquina hizo “tic, tic, tic...” y volvió. Después nos explicaron que en los bebitos muy prematuros esto pasa todo el tiempo. Y que a Matteo también le había pasado. Ellos no saben respirar por sus propios medios. Para nosotros son nuestro milagro. Fue muy duro y me generó un estrés postraumático. Es fuerte volver a tu casa, ver su ropa, sus cunas vacías y pensar: “Un día más”. Adelgacé nueve kilos, me cuesta mucho comer y dormir, se me cierra el estómago. Me obligo a comer porque tengo que estar fuerte para mis bebés. El otro día una amiga se quejaba por despertarse a la madrugada a dar la teta, y yo le decía que eso es una bendición. Todas sus quejas para mí son un deseo.

—¿Estás haciendo terapia?

—Hay una psicóloga del Hospital Austral, en donde están internados, que está disponible 24/7 para que hables. Es terapeuta especialista en padres de neo. Pero lo mejor que nos hace a nuestra psiquis es hablar con otros padres que estén pasando, y hayan pasado, por lo mismo. Todo el mundo te aconseja, pero nadie te dice lo que es ser papá de neo. A mí me hace bien hablar con otras mamás y que me digan que pasaron por lo mismo y que sus hijos salieron adelante.

—¿Creen en alguna religión en la que se apoyen en este momento?

—Yo creo en Dios. No iba a la iglesia, creía que había algo más, y creo mucho en mi abuela, que era el amor de mi vida. Ella nació el 26 de octubre, mis hijos nacieron en la semana 26. Es un número que tengo tatuado desde antes, es todo muy loco. Yo siento que nos está acompañando y que los bebitos tienen un Dios aparte.

—¿Cómo estás durante el día en los momentos en que no estás en neo con tus hijos?

—Alan está trabajando y me dice que no llame tanto al hospital para ver cómo están. Ellos siempre llaman. Él no quiere que me estrese, pero yo necesito llamar si tengo algún presentimiento horrible. Al principio no sabía si era real lo que estaba viviendo, después nos explicaron que no es un presentimiento, que es estrés postraumático.

—Tenías un proyecto de música infantil...

—Sí, El universo de Lwlo. Hicimos 12 capítulos y saqué cinco canciones en Spotify. Yo pasé por todos los estilos, y no me animaba a hacer infantil porque la industria es muy complicada. Iba a presentar todos los temas en un canal de aire, y también en una plataforma, pero el tipo con el que íbamos a cerrar el acuerdo para hacer el programa me invitó a tomar un vino a las tres de la mañana, no le respondí y al día siguiente me bloqueó. Era un proyecto hermoso que, aunque se frenó, llegamos a poder trabajar en Navidad con las canciones que habíamos lanzado, hicimos shows en algunos shoppings y me llamaron de tres colegios. Dspués me enteré que estaba embarazada y quise frenar. Yo quería cuidarme porque sentía que algo no estaba bien.

View this post on Instagram

—¿Qué sentías?

—Sentía la panza baja, una presión en el pubis todo el tiempo cuando caminaba. Y en un estudio a los dos meses de embarazo me dijeron que no era normal.

—¿Cuándo les dijeron que era un embarazo de riesgo?

—Cuando nos dijeron que eran dos. Estábamos en una ecografía, escuchamos un latido, yo me puse a llorar de emoción y la chica me dice: “No te muevas porque no puedo encontrar el segundo”. Nos cambió todo el panorama. Todos los embarazos múltiples se consideran de riesgo. Entonces, decidí frenar todo y dedicarme a mi embarazo.

—Imagino que hoy es muy difícil pensar a futuro, pero en algún momento tendrás ganas de retomar tu carrera...

—Hoy quiero que mis hijos vivan. Esto es un día a día. Y todo lo que hago es por ellos. Incluso yo les tengo que agradecer a mis bebés lo que hicieron por mí, por mi vida personal y profesional que, a la larga, va a ser para ellos, para darles de comer. Lo que ellos generan es para ellos. Fui a ver a una astróloga que me dijo: “Tus bebés van a salir adelante, te van a conectar con una comunidad”. Elijo pensarlo así para no bajonearme. Si no, ¿por qué tanto sufrimiento? Si no lo pienso así, estoy en el horno.

Su refugio

Lejos de prestarle atención al algoritmo de Instagram, y sin mirar el horario en que hace una publicación, Lwlo se apoyó muchísimo en las redes sociales. La cantante descubrió una comunidad de madres y padres que vivieron lo mismo que ella y que le dan esperanzas contándoles sus experiencias con sus hijos que ya son grandes y que también estuvieron en neo.

“También documento porque el día de mañana les quiero mostrar a mis hijos lo valientes que son, que fueron. Si se rinden, quiero mostrarles los videos y decirles: ‘Mirá lo chiquito que eras y saliste adelante’. Yo lo veo desde ese lado. Tengo que canalizar para no explotar”, explica la artista y cuenta que, además, fue una forma de llegar al público que buscaba, el infantil, a esas madres que quiere que les pongan su música a sus hijos.

View this post on Instagram

—En una de las internaciones previas al nacimiento de Lara y Matteo, vos y Alan se hicieron virales por un video en el que él se desmaya cuando mira el suero.

—Sí, le bajó la presión, se le aflojaron las piernas, le pasa siempre. Se tambaleó y se puso una curita para la foto, pero después aclaramos que fue para ponerle humor, como si se hubiera golpeado contra la cama de al lado, pero se cayó al piso y no se lastimó. Quisimos ponerle humor porque la estábamos pasando muy mal. Lo aclaramos. No sabíamos que se iba a viralizar. La cuestión es que a raíz de esa situación se acercaron muchas mamás a contarme que también les habían hecho un cerclaje. Para mí estaba siendo muy difícil entrar en la comunidad de las mamás con el infantil, y la astróloga me había dicho que mis hijos iban a venir con el pan bajo el brazo. “Van a traer bendiciones incluso para tu carrera”. Es muy fuerte conceptualmente para mí que mis hijos, sin saberlo ni planearlo, solamente por su condición y porque yo uso las redes para descargarme emocionalmente, me conectaron con una comunidad que el día de mañana puede ser que escuchen mi música para sus hijos. Me estaba costando un montón, con esta gente que te llama a las 3 de la mañana para tomar un vino, se me había cerrado esa puerta y quedé muy bajón. Hace muchos años la vengo remando. Ahora estoy siendo escuchada por esas mamás.

—Entre tus miles de seguidores, se destaca Pampita. ¿De dónde se conocen?

—Empecé mi carrera a los 13 años, y también soy productora musical. Abrí el show de Wos, entre otros artistas, y compuse para Cristian Castro. A Pampita la conocí porque le produje el disco a un chico de la Villa 21 de Barracas, y tenía dos canciones que me invitó a cantar con él, ganamos un premio en la Usina del Arte. Y se hizo un evento solidario al que llamaron a los productores del disco, en el que también estaba Pampita con quien era su pareja en ese momento y uno de sus hijos, que conocía mi música. Entonces, se me acercó para contarme eso, me preguntó cuál era mi Instagram y me empezó a seguir en ese momento.

—¿Te contactó en este último tiempo, desde que empezaste a compartir lo de tus hijos en neo?

—Me pone like a algunas historias, pero no me escribió. Sí soy muy amiga de otros artistas que conocí a lo largo de mi carrera y también cuando fui jurado de Canta conmigo ahora (eltrece). Ahí me hice muy amiga de Cristian Castro, nos volvimos íntimos. Yo le compuse dos temas, uno me dijo que lo quería cantar conmigo y no me quiso cobrar las regalías. Con esa plata me compré un terreno y hoy estamos construyendo con Alan. La idea era mudarnos con nuestros bebés cuando estuviera edificado, pero nacieron en el medio. Yo no tengo la cabeza para hacerme cargo de la obra, así que le dije a Alan que se ocupara él de las decisiones que hay que tomar; la prioridad son ellos.

View this post on Instagram

—¿Cómo atraviesa Alan esta situación?

—Él es una persona que vive las cosas para adentro, de una forma muy tranquila, tiene bastante fe, pero un día nos acostamos a dormir y le dieron ganas de vomitar. Le dije que estaba canalizando. Le afecta, nos afecta a los dos de manera diferente. En los videos, yo soy la que habla, pero él está al lado siempre. Es durísimo lo que vivimos, no se lo deseo a nadie; le estamos poniendo la mejor, pero la realidad es horrible. Todos los padres de neo son luchadores y los chicos, unos guerreros. En neo nos dicen “un día a la vez” y se convirtió en nuestro mantra. El 24 de agosto recién podrían irse a casa, falta un montón. Tacho los días como los presos.

Antes de finalizar la entrevista, y mientras sigue de cerca las novedades de sus hijos, Lwlo enfatiza: “Esta es un poco nuestra historia. La idea es hablar del tema. Mucha gente romantiza el embarazo y el tener hijos, pero nadie muestra la cara B, que es esto. Yo la estoy pasando mal, necesito ayuda, y hay que hablarlo, visibilizarlo”.

“Hace un par de semanas falleció mi abuela Conce, la persona que todos conocen y conocieron. Fue parte de la familia de todos nosotros”, contó Occhiato antes de finalizar su programa, Nadie dice nada. “Ella estaba mal hacía un tiempo. Mucha gente por ahí me escribía y me decía ‘mostrala, ¿por qué no hacés videos con tu abuela?’, desde el amor, obviamente, y siempre lo tomaba desde ese lugar. Era porque ella no estaba tan bien y la estábamos cuidando y acompañando a que suceda lo que terminó sucediendo. Es el ciclo de la vida", explicó.

Si bien la pérdida de su “nona” fue semanas atrás, el conductor remarcó que “necesitaba estar más fuerte” para poder informarlo. “Todavía estoy atravesando el duelo, pero seguramente los que nos miran todos los días se daban cuenta de que a mí algo me pasaba. Por ahí lo asociaban a otras cosas que estaban pasando, pero no, era esto”, dijo, en referencia al escándalo que se generó en su canal de streaming.

“Los programas me costaron una banda, me costaron muchísimo, pero yo sentía que era lo que tenía que estar haciendo. Traté de ser lo más profesional posible, dejaba todo y tuve un equipo que me acompañó de una forma muy hermosa; no hubiese sido lo mismo sin ellos”, agregó sobre sus compañeros: su pareja, Flor Jazmín Peña, Momi Giardina, Ángela Torres y Santi Talledo.

“Como digo, era algo que todos sabíamos que iba a pasar, pero, en lo particular, creo que no tengo que explicar lo que significaba mi nona para mí, para mi familia, para todos. Prácticamente me crié con ella, fue la persona que más me enseñó con las palabras y con los actos, con la forma de salir adelante cada vez que tenía un problema”, enumeró a la hora de hablar de las virtudes de Concepción Papasidero.

“Mi abuela tenía Parkinson hace muchísimos años”, aclaró sobre la enfermedad que la aquejaba. “Si la veían bien era porque intentábamos darle todo el amor del mundo, porque intentábamos motivarla a que se levante, a que salga de la cama. El Parkinson es una enfermedad degenerativa y desde que se lo detectaron, los neurólogos que la trataban siempre me decían: ‘Traten de mantenerla con la cabeza ocupada, con ganas de hacer cosas’. Y por ese lado iba lo que ustedes siempre veían de que la íbamos a ver, la grabábamos o la traíamos acá. Queríamos que ella siempre tuviera un objetivo corto para el cual estar bien, ponerse linda, ir a la peluquería, pensar qué decir; eso la hacía seguir adelante”, relató el creador de Luzu TV.

“En el medio fueron apareciendo otras enfermedades, no voy a entrar en detalle; el ciclo de la vida. Obvio que es durísimo que suceda, yo necesitaba estar con mi familia, necesitaba atravesar un poco ese duelo en la privacidad de mis seres queridos. En el momento en que sucedió no estaba preparado para contarlo y abrirlo públicamente porque es el día de hoy que todavía no puedo ver fotos de mi abuela, o abro el WhatsApp para escuchar algún audio y no me animo a darle play“, continuó Occhiato al aire de Nadie dice nada.

“Sé que ella me va a estar acompañando mucho más ahora. Últimamente no estaba siendo mi abuela porque, pobrecita, estaba dejando todo para pelearla. Por suerte no sufrió. Les juro que ya la siento acompañándome, la siento cerca. Es una de las personas que más me enseñó a disfrutar de la vida, de lo simple, a no dejar de pelearla nunca; siempre fue una leona”, dijo, intentando contener sus lágrimas de emoción.

View this post on Instagram

Por un momento, Occhiato se quebró al recordar cómo su abuela le “enseñó de amor” con su vínculo con su abuelo Victorio. “Quería comunicarlo en algún momento porque se me estaba haciendo un poco difícil (...) Ella seguramente hubiese querido que todo sea arriba, festivo, porque era así, hasta hablé del tema con ella; siempre fue una persona súper inteligente y adelantada a las cosas”.

“Hacíamos vivos de Instagram para que la gente le diga cosas lindas y ella se ponía contenta. Con eso tiraba una semana más; era la motivación que tenía para salir adelante. Entonces, los hago parte de mi familia; le dieron mucha felicidad a mi abuela”, agradeció a su audiencia.

“Mi nona fue una de las personas más importantes de mi vida. Era lo que más terror le tenía en mi vida, pero con mi familia estamos muy felices de haber hecho todo lo que teníamos a nuestro alcance para que ella fuera feliz y pudiéramos disfrutarla lo máximo posible. Si tienen la suerte de tenerlos [a sus abuelos], no dejen de decirles las cosas que sienten, de reírse mucho con ellos. Yo me reía a carcajadas con mi abuela y eso es algo que me lo voy a guardar por siempre en mi corazón“, concluyó Occhiato sobre la muerte de su abuela Conce.

Las entradas están disponibles mediante Passline. La ticketera oficial publica localidades desde $80.000 para el concierto, anunciado como Sepultura The Last Show.

Cuándo y dónde será el último show de Sepultura en la Argentina

• ¿Cuándo? Martes 6 de octubre de 2026, a las 19,
• ¿Dónde? C Art Media, Av. Corrientes 6271, Villa Crespo, CABA.

Los clásicos que formarán parte de la despedida

La fecha será parte del tramo final de Celebrating Life Through Death, el recorrido internacional con el que Sepultura decidió cerrar su carrera. Cada concierto fue planteado como una celebración de su historia y como un último encuentro con seguidores de distintas generaciones.

Durante la noche, la agrupación repasará las distintas etapas de un catálogo que transformó al metal brasileño en una referencia internacional y tuvo influencia sobre bandas de diferentes países.

El repertorio estará pensado para recorrer los principales momentos de la trayectoria de Sepultura. Entre las canciones mencionadas para esta etapa se encuentran “Refuse/Resist”, “Roots Bloody Roots”, “Territory” y “Ratamahatta”.

El grupo construyó buena parte de su legado con discos como Beneath the Remains, Arise, Chaos A.D. y Roots. Esos trabajos combinaron la potencia del thrash y el groove metal con ritmos, percusiones y elementos vinculados con la identidad musical brasileña.

La presentación en Buenos Aires será uno de los últimos capítulos de una carrera que atravesó cambios de integrantes, etapas musicales diferentes y giras por numerosos continentes.

The Cloud of Unknowing, el último EP de Sepultura

En paralelo con la gira de despedida, Sepultura presentó The Cloud of Unknowing, el trabajo que marca su cierre discográfico.

El EP fue grabado junto con el baterista estadounidense Greyson Nekrutman, incorporado a la banda en 2024. Las sesiones se desarrollaron durante diez días en Criteria Studios, en Miami, donde surgieron nuevas composiciones sin una planificación previa.

El lanzamiento está integrado por cuatro canciones. Entre ellas aparecen “All Souls Rising”, centrada en la intensidad característica del grupo, y “Beyond the Dream”, de tono más introspectivo.

Las composiciones abordan la transformación personal, la búsqueda de identidad y la unión frente a las divisiones sociales. El material combina la agresividad que acompañó a Sepultura durante su carrera con exploraciones sonoras y una fuerte carga emocional.

Cuánto cuestan las entradas y cómo comprarlas

La venta se realiza de manera online mediante la ticketera oficial y tienen un valor de $80.000 en preventa:

1. Ingresar a la página de Sepultura en Passline.
2. Seleccionar las localidades disponibles.
3. Indicar la cantidad de entradas.
4. Completar los datos solicitados por la plataforma.
5. Elegir uno de los medios de pago habilitados.
6. Revisar la información y finalizar la operación.

Tras las críticas del conductor, que aseguró que la administración mileísta tiene “cosas más importantes que hacer” que ocuparse del sector artístico, la Asociación Argentina de Actores y Actrices le respondió con un contundente comunicado.

“Actor kuka por antonomasia”, definió Fantino al actor en su programa en el canal de streaming Neura. Tras leer algunos fragmentos de una entrevista en la que el actor analizó la situación económica, el periodista redobló la apuesta: “Por ahí, si tenés el carnet de conducir podés agarrar un Uber, Tomás... Podés laburar en Uber, podés laburar, no sé, qué sé yo, cortando el pasto, podés hacer un curso de electricidad, hacer un curso de reparación de lavarropas".

Para cerrar, añadió: “Y claro, papá. Es mas importante generar otras cosas que ustedes actúen. Actuá de chofer de Uber. ¿Está mal?“.

La polémica escaló rápidamente y generó diversas reacciones en el arco del espectáculo. La Asociación Argentina de Actores publicó un texto contra las “irritantes palabras” del periodista en su página oficial, a quien tildaron de “experiodista deportivo, devenido en ideólogo libertario“.

“Respondiendo con el epíteto de ‘kuka’ y mandándolo a ‘hacer Uber’ o a ‘aprender a arreglar lavarropas’ ante la objetiva descripción de la crisis brutal de desocupación que vive el gremio, y tantos otros trabajadores y trabajadoras, parece transparentar los objetivos finales de la ‘guerra cultural’ emprendida por el Gobierno: destruir una tradición cultural argentina, gloriosa, potente, generadora de trabajo, de poder de reflexión y de felicidad", comenzó el comunicado.

Y destacaron: “El que actores como el nombrado, igual que lo han hecho muchos otros que no deberán, por su posición en la profesión, apelar a otros trabajos para sobrevivir, salgan a denunciar una situación que afecta a todo el colectivo, pero especialmente a los más vulnerables, habla de una solidaridad y valentía que nos enorgullece“.

Finalmente, consideraron que el “argumento medieval” de que los críticos los manden a “hacer algo serio” no hace más que reafirmar la convicción acerca de “en qué tipo de sociedad queremos vivir y por qué valores luchar”. “Trabajo, cultura, justicia social, derechos laborales y democracia: los mismos por los que la AAAA fue fundada hace 108 años”, cerraron.

Repudio en redes

Quien también se sumó a la defensa del actor fue la hermana de Tomás Fonzi, la también actriz y directora Dolores Fonzi. “Miles de trabajadores ven cómo se desarman industrias y vos le pegás al que habla, en lugar de discutir el desastre que Tomás denuncia. No sorprende tu ignorancia ni tu poca ética como ‘periodista’. Rata. Ni para disimular te da, la impunidad es total, dan asco", escribió en su cuenta de la red social X.

“Y, por si no lo sabías, Tomás trabaja en ‘Una Navidad de mierda’, una de las obras más vistas y premiadas de la calle Corrientes. Él no habla por él, ¿pero qué vas a saber vos de empatía?“, apuntó.

Pablo Echarri fue otro de los que repudió las declaraciones de Fantino. “La miserabilidad de militar la pobreza de la gente. Una Argentina sin clase media, sin cultura, sin educación ni salud. Si con tu oficio no te alcanza, salí a manejar un Uber. Antes te mandaban a manejar un taxi”, comparó.

“Todo esto, el tipo te lo dice mientras cada día se forra más y más, justamente por ser vocero de este modelo de destrucción. Sólo espero que esta semilla ruin, despreciable y canalla que intenta sembrar le traiga una excelente cosecha. Querido Tomy, siempre claro, certero y valiente", sumó.

SAGAI, la organización que gestiona los derechos intelectuales de actores, también publicó un comunicado. “Expresamos nuestro más enérgico rechazo a lo que consideramos una operación mediática contra del aparato productivo argentino”, lamentaron y añadieron: “Expresa una mirada que desprecia el trabajo artístico y naturaliza el desmantelamiento de una actividad que genera empleo, identidad, producción y desarrollo”

pic.twitter.com/uJuZ8I3iRv

— SAGAI (@Sagai_Org) July 9, 2026

“Hace años se mandaba a ingenieros, médicos, docentes y artistas a manejar un taxi; hoy, un Uber. La lógica sigue siendo la misma: natural la pérdida de trabajo”, remarcaron.

“¿Hay negociaciones? ¿Están más cerca de que Flor Peña vuelva a Luzu?”, le preguntó esta mañana el movilero Alejandro Guatti en la puerta de Luzu TV. “No. No sé si llamarlo negociaciones. Charlé con ella la semana pasada, hablamos re bien, en re buenos términos, y me quedo con eso. Fue una buena conversación”, confió Occhiato.

View this post on Instagram

Cuando le consultaron por la judicialización del caso y si el diálogo se dio como parte de una audiencia o de una manera más informal, Occhiato aclaró que se trató de un encuentro. “Fue personal”, aclaró. “Estábamos mi socia, yo y ella, solo los tres, y charlamos un montón. La verdad es que fue una buena charla, en buenos términos, y creo que estuvo buena”, agregó, aunque prefirió luego no dar más detalles del asunto.

“Lo que hablé va a quedar en el ámbito de lo privado”, sostuvo Occhiato y no aclaró si el encuentro tuvo como objetivo la negociación del regreso de Florencia Peña a Luzu TV o la coordinación de su desvinculación definitiva del canal de streaming. “No tengo idea lo que dio a entender Ale”, afirmó de inmediato cuando le recordaron que Marley dijo que la idea era, de ser posible, continuar con el ciclo que llevaba adelante junto a la actriz.

Occhiato volvió a hablar del tema con la prensa una semana después de decir que el caso estaba “judicializado”. El lunes pasado, apenas volvió de Miami, se refirió por primera vez al conflicto después de su primer descargo al aire. “Está judicializado, así que no tengo nada para decir”, respondió tajante ante las cámaras de Puro Show.

Consultado sobre la conversación que mantuvo con Peña después del episodio, el ex Combate prefirió no dar detalles. “La charla existió después del hecho. Fue una charla que va a quedar en el ámbito de lo privado”, señaló. Cuando le preguntaron si le había dolido la situación, respondió escuetamente: “Lo atravieso”.

En tanto, Fernando Burlando, quien representa a Peña en las negociaciones, aclaró ese mismo día que el caso todavía no ingresó formalmente a la Justicia, remarcó que aún existen instancias de conciliación y aseguró que la actriz no quiere llegar a juicio. Incluso fue un paso más allá: dijo que le gustaría verla nuevamente en el canal de streaming. “Florencia no quiere litigio, no quiere el problema, no desea retirarse así. Todo lo contrario”, comentó en una charla con los periodistas del programa que tienen Marina Calabró y Luis Ventura en América.

La palabra de Marley

El miércoles 8 de julio, Marley decidió dar su versión de los hechos a través de dos mensajes que le mandó a Ángel de Brito desde Atlanta, Estados Unidos y que el periodista compartió en LAM. “Mi relación con Florencia Peña está en su mejor momento. Hablo todos los días con Florencia Peña, todos los días. Cuando ella está triste, yo estoy para levantarle el ánimo y siempre estamos hablando”, aseveró y respondió así a las versiones sobre un supuesto distanciamiento entre ambos.

El conductor también contó que decidió mantenerse al margen de la exposición pública porque así lo acordó con su amiga. “Lo que pasa es que no todo se hace a cámara. A veces las relaciones pueden ser privadas y no todo tiene que salir en cámara ni contarse. Como veo que el tema escala semana tras semana y no se detiene, básicamente lo que les puedo decir es eso”, señaló.

Uno de los aspectos más llamativos de su relato fue el rol que asumió en el conflicto. El conductor reveló que se reunió con Occhiato y que, desde entonces, intenta acercar posiciones entre él y Peña. “Yo también me reuní con Occhiato. Le dije lo que Florencia me dijo. Estoy como intermediario entre los dos y esperando que ellos se reúnan. Si ellos se juntan y deciden volver, ahí volveremos”.

El despliegue de escenografía y vestuario, provenientes de las compañías reales de Suecia y Dinamarca, es impresionante; “un tornado”, al decir del propio Wheeldon. Todas las áreas del teatro están prontas a trabajar como piezas de un mecanismo de relojería, porque los cambios no son expeditivos, ¡son vertiginosos!, y en bambalinas se vive como en la novela, corriendo detrás del tiempo. La magia ocurre frente al público, pero se teje en ese trajín entre teteras y tronos, bandejas con masas de utilería, árboles, armaduras, torres de cartas de las cuatro barajas y muchos corazones; una suerte de tienda de campaña para “cambios rápidos” se ha instalado en la “capilla” del escenario, donde los segundos cuentan en las manos de maquilladores y vestuaristas.

Caterina Stutz, Juan Pablo Ledo, Natalia Pelayo, Milagros Niveyro, Emanuel Abruzzo y Facundo Luqui son respectivamente Alicia, el Conejo, la Reina, el Sombrerero, la Duquesa y Jack, la Sota de Corazones, un nuevo personaje que Wheeldon incorporó a su espectáculo para darle un giro propio a la historia original, a la que se abrazó con respeto y admiración. La creación de un prólogo para el País de las Maravillas propone un desdoblamiento de muchos de los personajes más conocidos de la trama. Todo parte de una escena victoriana en la que una Alicia adolescente comparte un té no solo con sus padres y hermanas sino con Lewis Carroll, fotógrafo (igual que el escritor) y amigo de la familia, y un joven jardinero con el que vive un incipiente romance. Ellos son los alter ego de los seres fantásticos que habitan del otro lado del pasadizo fantástico, al que ingresan a través de una gran torta.

Detrás de todas estas transformaciones, seis artistas que protagonizan la obra (hay varios casts, a lo largo de las diez funciones, con entradas agotadas) abrieron las puertas de sus camarines a LA NACION como una forma de dejarnos entrar a la cocina del laborioso proceso que implica componer un personaje.

Empecemos por Alicia, en las páginas, una niña curiosa, inquieta, dispuesta a la aventura; alguien que deja sorprenderse, diríamos que atrevida y valiente, aunque cada tanto llore tanto como para formar un mar de lágrimas, y enseguida se dé ánimo para avanzar por el País de las Maravillas. Ya sabemos, allí bebe y se achica; come y se agranda. En el ballet ocurre lo mismo, pero sin las palabras ni los diálogos desopilantes, a la vez que agudos, del libro. Cuando la jovencita del vestido violeta (usa cuatro trajes diferentes del mismo color a lo largo de este espectáculo) tiene que expresar que seguir la vida por “el camino normal” es algo “de lo más soso y estúpido”, y que no le “preocupa mucho dónde ir siempre que llegue a alguna parte”, ese ideario de la novela queda asumido en el cuerpo, los gestos y la interpretación de la bailarina que se pone en la piel de esta chica a medias inocente, del todo enamorada.

Integrante de la compañía desde 2019 (había sido refuerzo desde varios años antes), llegó la hora del primer protagónico para Caterina Stutz, gran valor del cuerpo de baile del Teatro Colón, que viene destacándose como solista y ampliando su registro: de los “Cuatro cisnes” de la famosa variación de El lago… pasó este año al rol central de una pieza contemporánea desafiante en el Programa mixto (Aftermath, de Demis Volpi). Que la ocasión sea con una obra conectada con el juego y la expresión, la entusiasma. Sabe que tiene mucha demanda física, porque está las dos horas presente y activa, pero se entrenó para lograr esa resistencia con la misma conciencia que día a día manifiesta en sus hábitos: se traslada en bicicleta, cuida su alimentación y procura un buen descanso. “Un detalle no menor es la calma. Este es un rol importante, pero quiero mantenerme con los pies en la tierra; es mi trabajo y estoy haciendo arte, lo importante es disfrutarlo”, agrega. Mientras le esconden su larga cabellera reducida a un rodete dentro de una peluca -su caracterización lleva una melenita morocha, corta, y make up bien natural-, Stutz escucha por altoparlantes que faltan quince minutos para comenzar el ensayo; ella todavía sigue repasando en un video de su celular las últimas correcciones que acaban de marcarle.

Alicia en el País de las Maravillas le remite totalmente a su infancia. “Mi mamá me contaba que a los tres años era mi película favorita, hacía que la viéramos una y otra vez. Ahora leí el libro para tener muy presente este mundo; no sabía que Carroll lo había escrito para unas niñas y eso me fascinó: pudo desarrollar una historia súper entretenida al mismo tiempo que contiene temas profundos, sobre quiénes somos y hacia dónde vamos, y los ideales que defendemos”, señala expectante por cómo tomará el público esta comedia, casi un musical, que le permite reírse sobre el escenario (algo que en sí mismo la divierte).

“Aunque mantiene su esencia, Alicia pasa por tres contextos muy diferentes en el tiempo -explica su transformación-. El primero es en la era victoriana donde ‘debe ser’ de cierta forma y ahí se puede ver el carácter decisivo que tiene. Luego nos encontramos en el mundo fantasioso, donde hay mucho por lo cual maravillarse y ella busca a Jack para defenderlo, mostrando una actitud incluso hasta guerrera. Y finalmente volvemos a estos tiempos modernos, donde es una chica paseando con su novio. Hay ciertos detalles que actoralmente tenemos que buscar para acompañar estas transiciones”.

Siga a esas orejas

Juan Pablo Ledo, experimentado primer bailarín del Estable, repara detalladamente en la metamorfosis que Wheeldon ideó para los dos personajes que le toca desdoblar, y antes que todo señala lo interesante de la incorporación de Lewis Carroll a la escena, a quien define como un “confidente” de la familia y “protector” de la joven protagonista. “A partir del sonido del flash, cuando él le toma una foto a Alicia, empieza a darse una transformación progresiva –cuenta y va señalando lo que le sucede en el prólogo–: lo primero que se ve diferente es la pierna derecha, que empieza a deslizarse y hacer repiqueteos a velocidad bien nerviosa, como si fuera la patita del Conejo; luego aparece la cola, más tarde se deja ver la cara con unos anteojos muy fashion, tipo Elton John, que representan los ojos rojos del animal”. Finalmente le saldrán las prototípicas orejas.

El Conejo, pieza fundamental de la historia, es quien lleva a Alicia al mundo mágico donde pasará las mejores aventuras de su vida, y allí la guía, la cuida para que la reina no la capture; a la vez, se comporta como un cómplice y compinche en la travesía. Así lo va narrando el bailarín, que curiosamente encuentra similitudes entre su propio carácter y la ansiedad de la criatura. “El Conejo, lo sabemos, vive perseguido por el tiempo, siempre toma nota, está muy obsesionado con no llegar tarde, estar prolijo, tener todo bajo control, y creo que es un poco lo que me pasa a mí. En mi vida artística y personal, soy muy exigente conmigo, con el orden, la limpieza, con que las cosas salgan bien, no me gusta llegar antes a los lugares, al ensayo, a la clase, también me pasaba en la facultad”, compara el abogado, que juró por Dios, la Patria y los Santos Evangelios en la UBA en 2019. Ledo (que en otro reparto interpreta a la Duquesa) elige entre sus escenas preferidas el viaje en un barquito que hace con Alicia y, como todos sus compañeros de elenco, se divierte mucho con el juicio del final.

Respecto del movimiento, el bailarín adopta un talante alerta y eléctrico, en la forma de tocarse, crujir los dientes, rascarse con la patita. “Nervioso, intenso, parece que no descansa, que le sobra la energía, por algo la coreografía, al final del segundo acto, es demoledora, con unas variaciones intensas, en las que el conejo salta, salta, salta a unas velocidades que no te puedo explicar”, confiesa acelerado. No es la primera vez que Ledo trabaja con Wheeldon; en 2009 habían tenido un encuentro fortuito que derivó en una experiencia laboral de casi tres meses. “Entonces el Colón estaba cerrado por reformas y fui a Nueva York por dos semanas a tomar clases con Willy Burmann; un día llegó Christopher buscando bailarines para su compañía”, recuerda. Así fue como terminó en una gira por Estados Unidos, Holanda e Inglaterra. “Es muy dinámico y con una fortaleza en su trabajo –sigue-; exigente, perfeccionista, sabe lo que quiere y por algo es uno de los grandes creadores geográficos del siglo XXI”. De esa época, cuando tenía 28 años, recuerda también a Jason Fowler, uno de los tres repositores de la obra ahora en Buenos Aires junto con Dustin Layton y Jillian Vanstone, de quienes todos los entrevistados hablan –nunca mejor dicho- maravillas.

La Reina de Corazones es uno de esos villanos que nadie jamás olvida: “¡Que le corten la cabeza!” es su frase de cabecera en el libro tanto como en el film animado de Disney y las películas de Tim Burton, que son las referencias más directas para los bailarines que hoy atraviesan esta experiencia. A Natalia Pelayo, que supo ser Alicia en la versión coreográfica de Alejandro Cervera, le sobra actitud para montarse en ese magnífico carromato que hace las veces de vestuario y hacer su entrada arrolladora. En el camarín, se cubre los tatuajes de los brazos con una base oscura y, mientras la maquillan, practica a través del espejo la severidad de la mirada, el arqueo de sus cejas; de pronto, afloja la mandíbula, se limpia los dientes con el dedo y desata una risa exagerada que… da miedo. Enseguida se pone seria y habla sobre “el vuelo surrealista” que tiene esta “obra cargada de simbolismos” que “reflexiona sobre la imaginación y la búsqueda de la identidad”.

El humor y el absurdo en el ballet es un desafío muy grande. “Siento que son roles y personajes atravesados por lo excéntrico. En mi caso, estoy encarando a la Reina de Corazones como si fuese un personaje con una bipolaridad, por esos cambios de humor tan abruptos, impredecibles, que tiene. Puede ser caprichosa, malhumorada, risueña, pasar de un estado al otro sin problema. Y con la gestualidad que requiere ese estado psicológico, porque el lenguaje obviamente es de ballet, pero hay que encontrar ese punto medio de lo teatral. Me entusiasma mucho, es interesante y muy lindo para mí”, dice.

Con respecto al desdoblamiento que tiene su personaje desde el prólogo hacia el País de las Maravillas, Pelayo observa: “al comienzo vemos a una Madre con tonos sutilmente autoritarios, en la época victoriana, unas pinceladas que después en la Reina van a estar completamente exacerbadas, llevadas al extremo. La Reina está atravesada por la maldad, solo sabe relacionarse con las personas generando terror. Creo que es un personaje que de alguna manera denuncia a los sistemas autoritarios extremos y a los sistemas del miedo. Un personaje hermoso para para abordar, con esta potencia que tiene”. ¿Escenas favoritas? Menciona dos: “El adagio de la tarta” parodia de “El adagio de la rosa” del ballet La bella durmiente, y el juicio, por supuesto. “Todo el segundo acto me divierte mucho, tiene una carga de ironía y absurdo particular. Aparece en escena un despliegue de situaciones y emociones extremas entre todos los personajes muy bien entrelazados”, anticipa.

La Duquesa –recordarán los lectores de Alicia las atrocidades que ocurren en su cocina, una locación adaptada con gran atractivo en esta producción– es, de alguna manera, como la hermanastra de La Cenicienta. No solo por las protuberantes verrugas del maquillaje y una laboriosa caracterización de vestuario –capas y capas, entre el corset y el vestido morado de volados– que demanda una hora de reloj, sino por el travestismo que recae en el histriónico Emanuel Abruzzo. El rosarino, que trabajó en Estados Unidos antes de ingresar al Ballet Estable del Teatro Colón, hace ya doce años, integró entre otros elencos Les Ballets Trockadero de Monte Carlo, famosa compañía de comedia all male, con hombres en zapatillas de puntas que hacen títulos de repertorio. Esa experiencia, sumada a su personalidad y gran ductilidad como bailarín –a sus casi 40 quedó a un lado el virtuosismo de los ídolos de bronce, bufones y Mercucios, pero quién no quisiera seguir viéndolo bailar jazz– le dio herramientas inmejorables para asumir los roles de carácter que le llegan a esta altura de su carrera. “No es fácil hacer comedia en el ballet sin perder la dignidad”, se ríe él que tan bien le sale.

Para Abruzzo la Duquesa –que es una niñera con gran capelina y cochecito de bebé, en el prólogo- escuda detrás de su exageración una gran vulnerabilidad. En una conversación en su camarín, que comparte con la Liebre de Marzo, se explaya sobre estas características psicológicas que definen a quien encarnará cuando termine de calzarse “un traje tan grande que puede comerte el personaje”. Hay que saber llevarlo. “La veo como alguien extremadamente insegura, que busca constantemente caerle bien a todos a su alrededor, aunque esto le resulta imposible: es consciente de que no posee la gracia física ni hegemónica para agradar en primera instancia. Entonces, impone su energía como mecanismo de defensa y busca hacerse notar constantemente (por ejemplo, haciendo ver que fue invitada, que ya llegó a tomar el té o presumiendo a su hijo). Desde la primera aparición, la Duquesa es disruptiva: ella entra y la música cambia, es una fuerza, la ves o la ves”, dice, mientras se prueba los tocados y empieza a mudar de piel. Si desde que se enteró que Alice’s Adventures in Wonderland venía al Teatro Colón la noticia fue para él pura alegría, el público que conoce su trayectoria seguramente esperará verlo también zapatear en los repartos que le toque hacer de Sombrerero. De un modo u otro, siempre con el pie derecho antes (cábalas son cábalas), pisará el escenario todas las funciones.

Con su colorido, el Sombrerero puede ser desopilante, loco, entrañable, absurdo, melancólico o macabro según las versiones. Milagros Niveyro vio varias de estas adaptaciones y encontró en Johnny Depp una gran fuente de inspiración para su trabajo de esta temporada. Wheeldon le otorgó a este personaje un don extra, el de las chapitas: el excéntrico personaje hace tap, un estilo que la bailarina, de 28 años, estudió desde que tenía seis en su ciudad natal, Luján. “Siempre sentí que todas las disciplinas que aprendemos complementan la formación en ballet clásico, pero sinceramente nunca imaginé que algún día iba a bailar tap de manera profesional en el Teatro Colón. De alguna forma, este personaje me conecta con aquella etapa de mi infancia: siento que vuelve a aparecer la nena que disfrutaba y descubría la danza desde el juego”, cuenta al mismo tiempo que manifiesta cómo detrás de lo lúdico surge un reto. “El Sombrerero exige una fuerte presencia actoral, una gran precisión técnica y la capacidad de integrar el zapateo de manera orgánica dentro del personaje. Además, tradicionalmente es un rol interpretado por hombres, por lo que asumirlo siendo mujer representa un gran desafío”.

También en este caso, hay una cara y ceca del personaje, desde el comienzo, galeras mediante. “Me enfoco en que el Mago es una persona de la vida ‘normal’ –contrapone el Prólogo a los sucesivos actos–, mientras que el Sombrerero posee un carácter completamente distinto. Si bien ambos tienen un aire de misterio, el Sombrerero se destaca por su comportamiento poco convencional y se expresa de una manera que muchas veces resulta difícil de comprender. Esa complejidad es, justamente, una de las cualidades que hacen al personaje tan fascinante”.

A nivel general, Niveyro señala una dificultad para sortear función tras función: “es una obra con muchísimos personajes interactuando al mismo tiempo, lo que exige un nivel alto de concentración y coordinación por parte de todo el elenco. Además, la música tiene una gran complejidad, y lograr que el baile, la actuación y la partitura se integren con precisión es un desafío constante”.

Nadie como Facundo Luqui en este grupo tiene el privilegio de estrenar un papel nuevo en una historia con más de un siglo y medio de éxito: Jack, la Sota de Corazones, funciona como el as en la manga de Wheeldon. “Lo interesante es que se trata de un personaje creado totalmente para este ballet y es muy importante en el relato. Lo pienso como un jardinero joven que trabaja para la familia de Alicia; un chico noble, inocente, bastante tímido, que está muerto de amor por ella –anticipa–. El desafío para mí está en que, por más que el contexto cambie y se vuelva fantástico, él pueda seguir siendo la misma persona. Como cuando le muestra a Alicia el mundo de las flores o durante el juicio del segundo acto: más allá de lo que sucede alrededor, su amor es completamente genuino, lo que los impulsa a atravesar todo”, analiza.

Luqui, de 28 años, cuenta que desde su niñez en Mar del Plata Alicia en el país de las Maravillas siempre le llamó la atención. “Para mí lo lindo de esta producción es que tiene una identidad muy propia y nos da oportunidades a los bailarines a desenvolvernos en roles más actorales y teatrales”. Sus momentos favoritos, son los que ocurren de este lado del túnel: el prólogo y el epílogo. “Es una alegría enorme que un ballet como Alice’s Adventures in Wonderland pase a formar parte del repertorio de la compañía. Conozco la obra desde que se creó, la vi en videos con bailarines que admiro muchísimo y es un título que siempre quise poder hacer; una megaproducción creada por un coreógrafo actual y un gran referente de la danza hoy”.

Para agendar

Alice’s Adventures in Wonderland. Ballet en dos actos inspirado en la novela Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carroll, con Coreografía de Christopher Wheeldon y música original de Joby Talbot. Del 16 al 26 de julio, por el Ballet Estable del Teatro Colón.

El gran día de Herzigova comenzó en la iglesia de San Vito, un templo de estilo barroco al que decoraron para la ocasión con rosas blancas y naranjas, al que llegó junto a su padre. Allí la esperaba Marsiaj, quien había llegado al lugar más temprano a bordo de un Aston Martin V8 junto a George, de 18 años, Philip, de 15, y Edward, de 12, los tres hijos de la pareja.

Luego de la ceremonia religiosa, los novios desafiaron la lluvia y caminaron por las calles de la ciudad muy felices y todo el tiempo agarrados del brazo. Durante el recorrido rumbo al Palazzo Carignano, donde se casaron por civil, la modelo de 53 años compartió su singular look.

Herzigova marcó la diferencia con un vestido blanco de inspiración boho y largo midi de Lanvin. A su relajada y elegante elección le sumó unas sandalias de taco alto a tono, un ramo de flores blancas y el pelo recogido de una forma muy natural.

El flamante matrimonio coronó la velada con una recepción en el restaurante Del Cambio, un local que cuenta con una estrella Michelin, donde agasajó a sus seres queridos con un brindis y un menú pensado especialmente para la ocasión.

Entre los invitados, se destacaron varias celebridades del mundo de la moda como las modelos Carmen Kass, Marpessa Hennink y Mariacarla Boscono. También estuvo presente la presentadora estadounidense Jill Cooper.

Una historia de amor que comenzó de una forma inesperada

View this post on Instagram

El romance entre Eva Herzigova y Gregorio Marsiaj comenzó en 2001 de la manera más inesperada: la supermodelo checa quedó varada en Italia cuando el espacio aéreo internacional se cerró tras los atentados del 11 de septiembre en los Estados Unidos. Lo que parecía una escala obligada en el pequeño pueblo costero de Varigotti, en la región de Liguria, terminó convirtiéndose en el inicio de una relación que desafió el paso del tiempo.

Por entonces, Herzigová ya era una de las modelos más famosas del mundo gracias a la icónica campaña de Wonderbra que la consagró en los años 90. Además, acababa de dejar atrás su matrimonio con Tico Torres, el baterista de Bon Jovi, con quien se había casado en 1996 y divorciado apenas dos años después. Marsiaj, en cambio, era un empresario turinés perteneciente a una de las familias industriales más reconocidas del norte de Italia.

Aunque durante años evitaron hablar de su intimidad, la modelo dejó en claro en varias entrevistas que nunca sintió la necesidad de formalizar el vínculo. En 2007, cuando esperaba a su primer hijo, explicó que el amor que compartían no dependía de un documento. “Le dije a Greg que algún día me casaría con él por los chicos, pero nuestro amor está escrito en mi corazón. No necesito que esté en un papel”, había asegurado en una entrevista a The Times. También admitió que, después de haber vivido una boda tradicional, había dejado de idealizar el vestido blanco y que, con el tiempo, lo verdaderamente importante pasó a ser el significado del compromiso.

A lo largo de más de dos décadas construyeron una familia con tres hijos y atravesaron distintos momentos, incluidos rumores de crisis e incluso versiones de una supuesta infidelidad que no lograron romper la relación. Y si bien siempre mantuvieron un perfil bajo y priorizaron la vida familiar por encima de la exposición mediática, en los últimos años Herzigova comenzó a compartir postales de su vida junto a Marsiaj en las redes sociales.

La pequeña debilidad de Michael Landon

Jennifer nació el 29 de agosto de 1983 en Malibú, fruto del matrimonio entre Michael Landon y Cindy Clerico, una maquilladora que fue parte del staff de La familia Ingalls durante los últimos años de la serie. Fue la menor del clan Landon, una familia numerosa compuesta por el famoso patriarca, su mujer, dos exesposas y nueve hijos. Cuando se sumó a la familia, Michael Landon ya había marcado a generaciones enteras con Bonanza, La familia Ingalls y Camino al cielo.

Mientras Michael Landon era una de las caras más populares de la televisión, Jennifer pasó sus primeros años de vida entre estudios de grabación y sets de filmación. Incluso, aunque todavía era muy pequeña para pensar en su futuro, vivió su primera experiencia frente a cámara de la mano de su papá. Tenía cinco años, una melena dorada y una sonrisa que le ocupaba toda la cara cuando le dieron un pequeño papel en un capítulo de Camino al cielo. “Tengo muy buena memoria. Creo que estaba muy nerviosa porque estoy casi segura de que tenía diarrea y de que llegué tarde al set”, contó entre risas en una entrevista que le concedió a la revista Smashing Interviews. “Había otros chicos y para ellos actuar era su trabajo. Yo no era una actriz infantil”, explicó.

View this post on Instagram

Con el paso de los años, la actriz encontró una forma muy simple de explicar aquel debut y de quitarle el peso al privilegio que tuvo por llevar el apellido Landon. “Mi papá quería poner a su hija en un capítulo y podía hacerlo. Siempre digo que si tu padre tiene una fiambrería lo más probable es que tu primer trabajo sea allí. Pero la dimensión cambia cuando hay mucha gente que también quiere ese trabajo”. La actriz siempre habló con naturalidad de su legado y su lugar de privilegio, aunque con la construcción de su carrera dejó en claro que si bien su apellido le abrió una primera puerta, siempre sostuvo que no era suficiente para mantenerse en pie.

Un padre muy especial

Dos años después de su primera aparición en la pantalla, la vida de Jennifer cambió para siempre: el 1° de julio de 1991 Michael Landon murió como consecuencia de un cáncer de páncreas. Tenía 54 años y su partida temprana provocó una profunda conmoción en la industria del entretenimiento y entre los millones de espectadores que habían crecido con su imagen todas las semanas en televisión. Jennifer tenía apenas siete años.

“Era increíblemente divertido y muy gracioso. Era todo lo que uno había oído. Le tenía mucho respeto. Nunca tenía que enfadarse porque era imposible hacerlo enojar, lo cual era genial”, dijo sobre su padre. Entre todos los recuerdos que conserva, Landon compartió uno que resume mejor que cualquiera el humor y el amor con el que crio a sus hijos y que sucedió durante un viaje de esquí del que también participó una amiga de Jennifer.

“Papá nos despertó y dijo: “¡Vamos! ¡Vámonos!”. Nos puso el equipo de esquí, bajamos, abrió la puerta del patio y la nieve me llegaba hasta la cintura. Con tres o cuatro años, no sabía qué tan alta era, pero salí y toda la nieve fresca era rosa... completamente rosa. Había tomado polvo de frutilla Nestlé Quik, que era mi comida favorita en el mundo y que mi madre me prohibía, y había cubierto todo el patio con eso. Nos llevó a las dos afuera, con la nieve rosa hasta la cintura, con cucharas, y nos la comimos. Ese fue uno de los momentos más especiales de mi vida. Fue mágico”, recordó. “Si alguien hiciera algo así por mí ahora, pensaría: ‘Esa persona realmente me quiere’. No creo que nadie haya hecho jamás algo que requiriera semejante esfuerzo”, sumó.

Cuando Landon murió, a Jennifer le tomó mucho tiempo darse cuenta de lo famoso que era. “No tenía ni idea. De alguna manera, hay algo misterioso en esa persona. Sé que todos los padres son misteriosos para sus hijos, pero siento que las personas que están en el ojo público tienen esa cualidad esquiva”, analizó. Y si bien admitió que casi nunca mira televisión, hay una excepción: si alguna vez encuentra un episodio de La familia Ingalls, se queda frente a la pantalla por varios minutos. “Me hace sentir muy bien. Si perdés a un padre que no es una figura pública, quizás te quedan fotos o videos caseros. Yo puedo sentirme cerca de él igual que cualquier persona que lo admiró: simplemente encendiendo la televisión”.

Sin embargo, la actriz admitió que crecer con un padre convertido casi en un mito también tuvo sus contradicciones. “A veces, mientras crecía, quería escuchar algo malo sobre él. Yo también tengo mis defectos y mis rarezas, y muchas veces siento el peso de la genética. Sé que era una gran persona, pero también quería saber cómo era en sus aspectos menos perfectos. Creo que eso les pasa a muchos hijos que perdieron a sus padres”, concluyó.

El verdadero punto de partida como actriz

“Mi verdadero comienzo fue cuando estaba en la Universidad de Nueva York. Un viejo amigo trabajaba en Lionsgate; me presentó a un representante y empecé a trabajar enseguida. Tuve mucha suerte”, confió Landon en 2017.

Mucho antes de eso, descubrió que quería seguir los pasos de su papá gracias a dos recuerdos muy nítidos de su infancia. El primero ocurrió durante el cumpleaños de una amiga, donde todos los chicos podían elegir un personaje de La Sirenita. Mientras las demás niñas peleaban por el papel de Ariel, ella optó por Úrsula, la villana. “No quería saber nada con Ariel. Me parecía el personaje más aburrido de todos. Recuerdo que la gente se reía de verdad. Sentí que algo se encendía”, recordó.

El segundo episodio fue incluso anterior. Tenía cuatro o cinco años cuando participó de una función de ballet. Desde el escenario vio que el público parecía distraído y tomó una decisión inesperada: aflojó deliberadamente el nudo de su pollera para que comenzara a caerse durante la presentación. “Sabía perfectamente cómo solucionar el problema y seguir bailando, pero no lo hice. Exageré toda la situación y la gente se moría de risa. Ahí pensé: ‘Me encanta entretener a la gente’”.

Con esa certeza, Landon comenzó, de a poco, un recorrido que estuvo lejos de los grandes golpes de efecto. Su primer gran reconocimiento llegó gracias a As the World Turns, la histórica telenovela de CBS. Allí interpretó a Gwen Norbeck Munson, un personaje que le valió tres premios Emmy Diurnos consecutivos como mejor actriz joven en una serie dramática, una distinción que muy pocos intérpretes consiguieron. Después llegaron participaciones en producciones como The Young and the Restless, Dr. House, Banshee, Chicago Med, Animal Kingdom, Days of Our Lives y FBI: Most Wanted, lo que la consolidó como una cara reconocible dentro de la pantalla chica.

Yellowstone, el papel de sus sueños

View this post on Instagram

En 2020 apareció la oportunidad que terminaría por cambiar su relación con el público. El director de casting John Papsidera la convocó para una audición para Yellowstone, el exitoso drama creado por Taylor Sheridan. “Dos de los trabajos más importantes que conseguí llegaron gracias a él. Fui a una audición, hice la prueba y listo. O conseguís el papel o no. Es muy distinto de esos procesos interminables con ocho castings”, contó a Decider.

Para la prueba recibió apenas dos páginas del guion y una breve descripción del personaje. Lo que más le llamó la atención fue que todos los diálogos de Teeter estaban escritos fonéticamente para reflejar su particular forma de hablar. “Mi preparación cambia con cada personaje, pero para esa audición pasé dos horas mirando fotos de vaqueras y mujeres que trabajaban en ranchos hasta sentir que encontraba algo en mi cuerpo”, explicó.

Pero aún había un problema: Teeter, su personaje, debía montar a caballo con absoluta naturalidad, y Jennifer no se subía a uno desde que tenía siete años. Motivada por el deseo de quedarse con el papel, decidió correr el riesgo: cuando le preguntaron si sabía montar, respondió que sí. “Supongo que esa mentira funcionó y después tuvimos que resolver el problema”, reconoció entre risas durante una entrevista con CBS Sunday Morning.

El aprendizaje fue intenso, pero dio resultado. Su interpretación de la vaquera de pelo rosa, leal y trabajadora se convirtió en uno de los personajes favoritos de los seguidores de la serie. “Yellowstone es increíble. Soy una actriz que trabaja duro. Cada proyecto es un trabajo por el que luchás. Después de tanto esfuerzo, conseguir algo así y trabajar con Taylor Sheridan y con actores de este nivel era una decisión obvia”, señaló. “No sé si volveré a audicionar para un personaje tan genial como ese en toda mi vida. Y, sinceramente, no me importa”, se sinceró de inmediato.

View this post on Instagram

Después de cinco temporadas en el lejano oeste, a Landon le llegó el momento de despedirse del universo Dutton. Poco después se incorporó a Grey’s Anatomy, otra de las ficciones más populares de la televisión estadounidense. “Llego un poco tarde, pero espero que hayan disfrutado conociendo a la doctora Toni Wright tanto como yo disfruté interpretándola. Aprender sobre medicina de médicos y enfermeras reales fue genial”, escribió en sus redes sociales después de su debut en Grey’s Anatomy.

Un poco antes, Landon fue parte del elenco de Brothers (2024), una comedia negra protagonizada por Josh Brolin, Brendan Fraser y Peter Dinklage.

Una estrella de perfil bajo

Fuera de los sets, Landon mantiene un perfil bajo. Nunca hizo de su vida sentimental un tema público y prefiere mantener sus relaciones lejos de los medios. En cambio, disfruta hablar de las cosas más simples: se define como una caminante compulsiva y sus perros son sus grandes compañeros en el día a día. “Puedo caminar kilómetros y kilómetros”, aseguró y contó que no ve demasiada televisión porque se pasa el día limpiando lo que ensucian sus “perros babosos”.

Su gran fantasía, incluso, no tiene nada que ver con Hollywood: le gustaría ganar el dinero suficiente como para abrir un restaurante que apenas cubra los gastos. La idea es que funcione como un club gastronómico donde, junto con un amigo de Alabama, pueda sentarse a conversar con personas interesantes. “Las entrevistamos durante quince minutos. Si después queremos seguir hablando con ellas, pasan a formar parte del club”, explicó entre risas.

La idea nació de una sensación muy personal sobre Los Ángeles. “Tiene lugares hermosos y comida excelente, pero también está llena de gente horrible. Yo solo quiero crear un lugar con buena comida y gente que me guste, dejando afuera a los snobs. No los soporto”, explicó.

“Hoy recibimos la noticia de la lamentable partida de Pedro Ignacio Calderón. Su talento, su rigor artístico y su compromiso con la excelencia dejaron una huella imborrable en generaciones de músicos y en las principales instituciones sinfónicas del país. Al frente de la Orquesta Sinfónica Nacional, de la que fue nombrado Director Emérito, contribuyó de manera decisiva al desarrollo y la proyección de la música académica argentina, formando intérpretes y acercando el repertorio sinfónico a públicos de todo el país. Desde la Secretaría de Cultura de la Nación acompañamos a su familia y a toda la comunidad musical en este momento de dolor", escribió Cifelli en su cuenta de X.

Hoy recibimos la noticia de la lamentable partida de Pedro Ignacio Calderón.

Su talento, su rigor artístico y su compromiso con la excelencia dejaron una huella imborrable en generaciones de músicos y en las principales instituciones sinfónicas del país. Al frente de la Orquesta… pic.twitter.com/igpPHq91rX

— Leonardo Cifelli (@leocifelli) July 13, 2026

“Con profundo pesar, el Teatro Colón despide al maestro Pedro Ignacio Calderón, notable director de orquesta argentino fundamental para la difusión de la música nacional y ligado a nuestra casa, siendo director musical de la Orquesta Estable del Teatro Colón (entre 1992 y 1993) y de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires por más de 20 años", señalaron las autoridades del Teatro Colón a través de un sentido comunicado.

Pedro Ignacio Calderón nació en Paraná, Entre Ríos, el 31 de diciembre de 1933. Allí en Paraná estudió música y luego continuó sus estudios en Buenos Aires primero y en Roma después. Vincenzo Scaramuzza, Alberto Ginastera, Hermann Scherchen y Fernando Previtali fueron sus maestros.

“Mi formación ha sido totalmente autodidacta. Aprendía yendo a ver los ensayos. En una época en Buenos Aires pude ver a grandes directores. Yo me colaba en todos los ensayos que ellos hacían con la Orquesta Sinfónica Nacional. Iba a escucharlos. Recuerdo haber visto ensayos y conciertos de personalidades como Wilhelm Furtwängler y Herbert Von Karajan”, contó Calderón en septiembre de 2023 en una entrevista con EL DIARIO de su Paraná natal.

Su debut como director de orquesta se produjo a los 15 años. A los 20, en tanto, dirigió por primera vez en Buenos Aires. Cinco años más tarde fue nombrado director titular de la Orquesta Sinfónica de la Universidad Nacional de Tucumán y, en 1963, gracias a una beca del Fondo Nacional de las Artes, continuó sus estudios en Italia.

En 1963, junto con Claudio Abbado y Zdenek Kosler, Calderón ganó el primer premio del Concurso Internacional para Directores de Orquesta Dimitri Mitropoulos, organizado por la Orquesta Filarmónica de Nueva York, lo que le permitió trabajar durante un año como director asistente de Leonard Bernstein.

Al regresar a la Argentina fue designado para director musical de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, cargo que desempeñó por más de veinticinco años.

En 1966, creó el Ensamble Musical de Buenos Aires. En Europa dirigió las orquestas de Pasdeloup de París, Toulouse y Lille de France; la Sinfónica de Radio Televisión Española y Nacional de España; Tonkunstler de Viena, la Filarmónica de Leningrado y Radiotelevisión de Moscú. Entre 1992 y 1993 se desempeñó como Director de la Orquesta Estable del Teatro Colón, del cual también fue director general y artístico en varias ocasiones.

Entre 1994 y 2015, Calderón estuvo al frente de la Orquesta Sinfónica Nacional. En su despedida del organismo fue nombrado Director Emérito. “Hoy empieza un nuevo camino, pero sé que voy a estar siempre cerca de la orquesta y alguna vez volveremos a hacer un poco de ruido musical organizado”, destacó con humor el director en aquella oportunidad.

En su último concierto al frente de la Sinfónica Nacional, realizado en 2015 en La Ballena Azul del ex CCK, actual Palacio Libertad, la Orquesta Sinfónica Nacional ejecutó La Pasión según San Juan. El concertino Luis Roggero se dirigió a Calderón en nombre del cuerpo de músicos y señaló: “Directores hay muchos, pero maestros hay pocos. Cada uno de nosotros, en estos más de veinte años, ha recibido una enseñanza de su parte. Por eso, maestro, nuestra enorme gratitud”.

“Todas las obras que me interesaron tuve la oportunidad de hacerlas. Me siento al día con lo que hubiera querido hacer como director. No puedo pedir nada más y soy feliz así como estoy”, señaló el histórico director en aquella entrevista con EL DIARIO de Paraná.

En 2023, Neill reveló que le habían diagnosticado un linfoma de células T angioinmunoblástico, un tipo de cáncer de sangre raro y muy agresivo. En tanto, en el comunicado su familia indicó que el actor “seguía libre de cáncer” cuando murió y no precisó la causa de la muerte.

Fue un actor de elegancia serena y versátil, cuya carrera transitó entre el cine de autor y los grandes éxitos de taquilla: desde su icónico papel protagónico en Jurassic Park hasta encarnar al severo terrateniente que toma por esposa a Holly Hunter en La lección de piano. Asimismo, su nombre quedó sellado a fuego en el mapa internacional gracias a la era dorada del cine australiano y neozelandés que deslumbró al mundo desde finales de la década de 1970, brillando con luz propia junto a figuras como Mel Gibson, Judy Davis, Geoffrey Rush y los realizadores Peter Weir y Jane Campion.

En marzo de 2023, tal como informó LA NACION, el actor sorprendió al mundo al revelar que tenía cáncer de sangre en etapa tres, una enfermedad por la que en ese momento ya recibía tratamiento desde principios del año anterior. Neill había dado la noticia como parte del lanzamiento de su libro ¿Alguna vez te dije esto?

Asimismo, contó que la primera vez que sintió que algo le pasaba fue en marzo de 2022 cuando estaba rodando una publicidad para Jurassic World: Dominio, la película que protagonizó junto a Chris Pratt, Bryce Dallas Howard y Jeff Goldblum. Después de realizarse algunos estudios, le diagnosticaron linfoma de células T angioablástico. Meses más tarde, volvió a referirse a su enfermedad y declaró: “Estoy preparado para eso [la muerte]. Sé que sucederá, pero realmente no me interesa. Está fuera de mi control”.

El actor, que también interpretó a John Carpenter en Diario de un hombre invisible, explicó que desde que fue diagnosticado, su vida cambió para siempre. “Empecé a mirarla y me di cuenta de lo inmensamente agradecido que estoy por gran parte de ella”, contó.

Luego de recibir su diagnóstico, Neill se sometió a sesiones de quimioterapia, pero el tratamiento dejó de hacerle efecto después de tres meses. Tras ello, comenzó a tomar un medicamento que, si bien redujo la enfermedad, le fue dejando daños secundarios.

Sus primeros pasos

Nacido en 1947 en la ciudad de Omagh, Irlanda del Norte, como Nigel John Dermot Neill, era hijo de una madre británica y de un militar neozelandés destinado en el Reino Unido. A sus siete años, la familia se trasladó definitivamente a la ciudad de Christchurch, en la Isla Sur de Nueva Zelanda, donde Nigel echó raíces por el resto de su vida. Allí fue también donde decidió empezar a llamarse Sam dado que, durante el colegio secundario, tenía otros dos compañeros de clase con el mismo nombre que él.

Su primer contacto con la interpretación fue en la Universidad de Canterbury, donde estudió literatura inglesa. Más tarde se trasladó a Wellington para finalizar su carrera y se graduó en Artes y Literatura Inglesa. Después de trabajar en la Compañía de Cine de Nueva Zelanda como actor y director, fue el clásico australiano Mi brillante carrera (1979) junto a Judy Davis el que le abrió las puertas para encarnar a Damien Thorn en La última profecía (1981). Desde entonces, fue elegido para interpretar a héroes y villanos en una sucesión de películas para la gran pantalla y la televisión.

Terror a bordo (1989), La caza del Octubre Rojo (1990), Diario de un hombre invisible (1992), La lección de piano (1993), Jurassic Park (1993), En la boca del miedo (1994), La nave de la muerte (1997) y Jurassic Park III (2001) fueron algunos de los títulos que lo mantuvieron vigente. Este último film hizo que Neill rechazara el papel de Elrond en la trilogía de El señor de los anillos de Peter Jackson.

En 1995 se dio el gusto de contar sus vivencias con el cine neozelandés en el film Cinema of Unease: A Personal Journey by Sam Neill (1995), producción que escribió y dirigió junto a Judy Rymer. Luego, apareció en Merlín (1998) y su secuela de 2006, películas basadas en la leyenda del Rey Arturo y la Dama del Lago. En televisión también hizo lo suyo. Su participación en el drama histórico Los Tudor y en Happy Town, donde interpretó a un vendedor de objetos cinematográficos de los años 40, son algunas de las más recordadas. Su vasta trayectoria incluyó el papel del inspector Chester Campbell en las primeras dos temporadas de Peaky Blinders. En los últimos años se lo vio en la producción para la televisión australiana The Twelve (2022-2025), adaptación de la serie belga El jurado, y en la miniserie Apples Never Fall (2024), basada en el libro de la exitosa autora Liane Moriarty.

En 1991 fue nombrado Oficial de la Orden del Imperio Británico por su labor actoral, así como Caballero Compañero de la Orden del Mérito de Nueva Zelanda, en 2022.

Una familia “algo caótica”

En cuanto a su vida sentimental, el actor tuvo dos matrimonios. El primero fue en 1978 con la actriz, activista medioambiental y autora neozelandesa Lisa Harrow, con quien compartió elenco en La última profecía (1981). En 1983 tuvieron un hijo llamado Tim y se divorciaron en 1989. Ese mismo año conoció a la maquilladora Noriko Watanabe en el set de Terror a bordo, a quien logró conquistar, según él mismo confesó, después de varios intentos. Se casaron en 1993 y juntos tuvieron a Elena; además, el actor adoptó a Maiko, la hija de su mujer fruto de una relación anterior. Su separación fue en 2017 de forma muy discreta, dado que Neill solía mantener a resguardo su vida privada. Su última relación conocida fue entre 2018 y 2021 con la periodista australiana de la cadena ABC Laura Tingle.

Alrededor de sus 20 años, antes de alcanzar la fama, Sam Neill tuvo un hijo que fue dado en adopción, que recién volvió a ver en 1994. “Mi primer hijo, Andrew, fue dado en adopción cuando era muy pequeño. Yo también era bastante joven, tenía poco más de veinte. No lo vi durante 25 años y luego nos reencontramos”, contó en una entrevista con The Times en 2014.

“Estos reencuentros se suelen representar como sentimentales y emotivos, pero no tienen nada de sentimental. Nadie llora desconsoladamente en los brazos de nadie; es mucho más maduro…”, reveló entonces, a la vez que señaló que, si pudiera darle un consejo a su yo de 20 años le diría que “sos más capaz de lo que creés”.

Sobre su vida familiar, el protagonista de Jurassic Park llegó a decir que era “algo caótica” debido a su carrera actoral. “Gran parte de mi experiencia como padre se ha caracterizado por mi ausencia por una u otra razón, sobre todo porque mi trabajo implica muchos viajes”, dijo a ABC y aseguró que convertirse en abuelo le produjo una inmensa alegría. “Ahora tengo ocho nietos. ¡Esto tiene que parar! Apenas me sé todos sus nombres y voy a tener problemas. ¡Pero son adorables!, bromeó con ternura.

Lejos de Hollywood

Su lugar en el mundo estaba en la región de Otago Central, en Nueva Zelanda. Allí tenía una finca de unas 60 hectáreas llamada Two Paddocks que incluía cuatro viñedos, huertos, jardines, árboles frutales, campos de lavanda, cultivos de azafrán y robles destinados a la producción de trufas, así como una granja con animales a los que bautizaba con nombres de estrellas de Hollywood: Jeff Goldblum, Laura Dern, Meryl Streep, Susan Sarandon, Helena Bonham Carter o Graham Norton.

"Mi verdadero hogar es mi granja de Nueva Zelanda. Allí es donde encuentro la mayor paz. Tengo a todos mis animales, cultivamos nuestras propias frutas y verduras y todo es ecológico. Eso es lo que me mantiene cuerdo“, dijo a Hindustan Times.

Su amor por la naturaleza lo convirtió también en portavoz de causas ambientales que consideraba importantes. Así, en los últimos años aprovechó su fama y su influencia para apoyar a los activistas locales y pronunciarse en contra de la excavación de una mina de oro a cielo abierto de 85 hectáreas en las montañas Dunstan, a unos kilómetros de su granja.

View this post on Instagram

Con información de AP y AFP

“Con el corazón destrozado comparto que el brillante Josh Grisetti se suicidó el viernes. Ni siquiera estoy preparado para intentar entenderlo. Mi corazón está con su esposa y su familia mientras intentan afrontar esta realidad”, escribió McClure en su cuenta de Instagram.

View this post on Instagram

“Algunos de mis recuerdos favoritos de toda la vida fueron al lado de este hombre: interpretando a su hermano sobre el escenario durante años, viéndolo inspirar a sus alumnos mientras transformaba el programa de Teatro Musical de Cal State Fullerton... y teniendo el honor de ser el padrino en su casamiento”, sumó el intérprete, y aseguró que tanto él como su mujer están “devastados”. “Las comunidades de todo el mundo nunca volverán a ser las mismas sin él. Te queremos, Josh. Es una pérdida verdaderamente catastrófica”, lamentó, conmovido.

McClure acompañó sus palabras con una serie de fotografías, entre las que se destacan varias del plano personal. Entre los cientos de comentarios que los seguidores del actor dejaron en el posteo, varias celebridades compartieron su tristeza. Rachel Zegler sumó un corazón. La actriz y cantante Ariana DeBose, por su parte, compartió sus condolencias. “Envío todo mi amor y cariño a sus seres más queridos”, escribió. Simon Helberg, en tanto, compartió su conmoción: “Qué destello tan brillante de luz y talento. Estoy desolado y totalmente conmocionado. Les envío todo mi amor”.

View this post on Instagram

Apenas unos días antes de su muerte, Grisetti había usado su cuenta de Instagram para explicar que, “por motivos personales”, había tenido que abandonar antes del estreno su trabajo como director de Legalmente rubia: el musical en el Festival de Música de Trentino, en Italia. Conmovido, el actor agradeció al elenco por haber posado sobre el escenario con una imagen suya en un teléfono celular. “Los pequeños gestos ayudan mucho cuando te duele el corazón. Estoy muy orgulloso de todos ustedes”, escribió entonces.

Si bien Griscetti se hizo conocido para el gran público por su papel de Ralph Emerson en la quinta y última temporada de The Marvelous Mrs. Maisel, donde participó en ocho episodios, construyó gran parte de su prestigio sobre los escenarios de Broadway. Antes de ese trabajo también había tenido un papel destacado en la comedia The Knights of Prosperity, emitida en Estados Unidos por ABC en 2007, donde compartió elenco con Sofía Vergara.

Griscetti nació en Washington D.C. el 1 de diciembre de 1981 y creció en el sudoeste de Virginia. Apasionado por la actuación desde muy pequeño, estudió en la North Carolina School of the Arts, de donde egresó en 2000. Cuatro años más tarde obtuvo una licenciatura en Teatro Musical en el Boston Conservatory.

View this post on Instagram

En Broadway. Griscetti integró el elenco de It Shoulda Been You. En 2016 reemplazó a John Cariani en el papel de Nigel Bottom en Something Rotten!, producción en la que compartió escenario con Rob McClure. El éxito de la obra los llevó luego a recorrer Estados Unidos durante más de un año con una gira nacional del musical.

A lo largo de su trayectoria también participó en producciones como Broadway Bound, Camelot en versión concierto y numerosos espectáculos del circuito Off-Broadway, entre ellos Rent, Peter and the Starcatcher, Enter Laughing, Candida y After the Ball. En cine tuvo participaciones en El buen nombre (2006), Solo un sueño (2008), Hombres de negro 3 (2012) y The Immigrant (2013). Además, publicó el libro God in My Head.

En los últimos años, combinó su carrera artística con la docencia. Se desempeñó como director del programa de Teatro Musical de la California State University, Fullerton, donde formó a nuevas generaciones de intérpretes. Anteriormente también había dado clases de actuación y teatro musical en Fullerton College y Loyola Marymount University.

Como es habitual cada viernes, la plataforma de streaming seleccionó las producciones más vistas en la Argentina, para que los usuarios puedan elegir según sus preferencias y disfrutarlas desde la comodidad de su hogar, con un buen balde de pochoclos.

Las cinco mejores series para disfrutar este fin de semana en Netflix

1. Te encontraré (2026)

Drama/Thriller. Un padre encarcelado por el asesinato de su hijo recibe pruebas que sugieren que su hijo puede estar vivo, lo que le obliga a escapar y descubrir la verdad. Duración: ocho episodios. Ver Te encontraré.

2. La casa de la pradera (2026)

Western/Drama. Una combinación de drama familiar con tintes de esperanza y relato de supervivencia. Esta nueva versión de los célebres libros semiautobiográficos de Laura Ingalls Wilder ofrece una visión única de las dificultades y los logros de quienes forjaron los orígenes del Oeste de EE. UU. Duración: ocho episodios. Ver La casa de la pradera.

3. Mi otra yo, temporada 3 (2026)

Drama/Romance. Esta entrega se centra en sus nuevas etapas personales, mientras confrontan traumas familiares, dilemas y relaciones sentimentales en el pueblo costero de Ayvalık. Las protagonistas buscan un nuevo comienzo y sanar de sus miedos, lidiando con decisiones trascendentales que lo cambian todo. Duración: ocho episodios. Ver Mi otra yo, temporada 3.

4. El polígamo (2026)

Drama/Romance. Joyce, muy popular en las redes sociales, parece el ejemplo ideal de la felicidad conyugal... hasta que las conquistas de su marido infiel desencadenan una gran crisis. Duración: 22 episodios. Ver El polígamo.

5. Verano del 36 (2026)

Drama/Intriga. Niza, verano de 1936, justo en el momento histórico en el que los trabajadores y las trabajadoras francesas comienzan a disfrutar de sus primeras vacaciones pagadas. Esta llegada masiva de veraneantes de clase media y baja altera por completo la paz de la alta burguesía que acostumbra veranear en la lujosa Costa Azul. En medio de este choque cultural y social, cuatro mujeres de orígenes muy distintos se ven involucradas en el misterioso asesinato de un fiscal en el exclusivo hotel Riviera. Duración: seis episodios. Ver Verano del 36.

Las cinco mejores películas para disfrutar este fin de semana en Netflix

1. Aguas que corroen (2018)

Terror/Acción. Una mala decisión en la ruta provoca que Sawyer, una joven que se dirige a una entrevista laboral, se pierda en un bosque helado en el que se oculta una banda de criminales. Entrar fue un error; salir con vida del bosque será un milagro. Duración: 1 h 47 min. Ver Aguas que corroen.

2. La portera (2020)

Acción/Suspenso. Ali, una exmarina traumatizada en combate regresa a su país para comenzar una nueva vida como encargada de un antiguo edificio de Nueva York. Ali deberá enfrentar a un grupo de ladrones. Duración: 1 h 37 min. Ver La portera.

3. Contrarreloj (2023)

Acción/Suspenso. Matt, un empresario estadounidense que reside en Berlín lleva a sus dos hijos en auto cuando, de improvisto, recibe una llamada. Un desconocido le informa de que hay una bomba en el vehículo y la hará estallar si no sigue sus indicaciones. Duración: 1 h 31 min. Ver Contrarreloj.

4. Hasta el final (2026)

Drama/Maternidad. Cuando su hijo pequeño enferma, Jada, que lo dio todo por ser madre, está dispuesta a hacer cuanto sea necesario por encontrar un donante y salvarlo cueste lo que cueste. Duración: 1 h 42 min. Ver Hasta el final.

5. Enola Holmes 3 (2026)

Intriga/Comedia. La detective Enola Holmes viaja a Malta para casarse, donde sus aspiraciones personales se entremezclan con su caso más complejo y peligroso hasta la fecha: el secuestro de su hermano Sherlock el día de la ceremonia. Duración: 1 h 48 min. Ver Enola Holmes 3.

En esta oportunidad, el espectáculo llevará el nombre de “¡Festejemos en Familia!” y contará con la participación de figuras icónicas de distintas películas animadas. Entre los personajes confirmados estarán Elsa, Anna y Olaf de Frozen, además de Mirabel y la familia Madrigal de Encanto. Uno de los grandes atractivos de esta edición será el debut de Stitch dentro del show sobre hielo, una incorporación muy esperada por los fanáticos.

Cómo comprar las entradas para Disney on Ice 2026

Las entradas para Disney on Ice ya se encuentran disponibles y pueden adquirirse únicamente a través del sitio oficial del Movistar Arena. Desde la organización remarcaron que se trata del único canal de venta autorizado para evitar estafas o tickets falsos.

Los precios de los boletos disponibles parten desde los $28.000, dependiendo de la ubicación elegida. Además, algunos bancos seleccionados, como BBVA, ofrecen promociones especiales y la posibilidad de comprar en cuotas sin interés.

Otro dato importante para quienes planean asistir es que existe un límite máximo de seis entradas por transacción. Debido a que el espectáculo suele convertirse en uno de los eventos más convocantes de las vacaciones de invierno, recomiendan comprar los tickets con anticipación para conseguir mejores ubicaciones y evitar que se agoten rápidamente.

Un clásico de las vacaciones de invierno

Con funciones pensadas para toda la familia, Disney on Ice se consolidó como uno de los espectáculos infantiles más populares de los últimos años en la Argentina. Su combinación de escenografía, coreografías sobre hielo, efectos visuales y canciones clásicas de Disney lo transformaron en una experiencia elegida por miles de personas durante cada temporada invernal.

La edición 2026 buscará mantener ese espíritu festivo con una puesta renovada y nuevas sorpresas para el público. La presencia de personajes de películas recientes y el esperado debut de Stitch apuntan a conquistar tanto a quienes crecieron con las historias clásicas de Disney como a las nuevas generaciones.

Tanto en la Ciudad como en la provincia de Buenos Aires, el receso escolar va del lunes 20 al viernes 31 de julio.

Actividades especiales para disfrutar con los chicos

Este año, el gran diferencial del receso de invierno será vivir los últimos partidos del Mundial, que se pueden mirar en puntos especialmente preparados. El Buenos Aires Fan Fest, ubicado en Plaza Seeber, que contará con transmisiones en pantalla gigante, propuestas gastronómicas, shows musicales y actividades para toda la familia hasta el 19 de julio, de 12 a 20 (con jornadas extendidas según el fixture).

La agenda invernal de la Ciudad incluirá propuestas especialmente pensadas para chicos. Del sábado 18/7 al domingo 2/8, se realizará la Feria del Libro Infantil en el Centro de Convenciones de Buenos Aires Av. Figueroa Alcorta 2099 , Recoleta. El evento se extiende de 14 a 20 con entrada libre y gratuita.

Todos los días de julio, de 18:30 a 23, en Ciudad Universitaria (Av. Costanera 2100, Núñez) se llevará a cabo la Minecraft Experience, que es una actividad nocturna al aire libre, que transporta a los visitantes a un entorno del videojuego que cobra vida.

También se puede visitar la muestra Exploradores del Espacio en La Rural, en avenida Santa Fe y Thames, Palermo. De martes a viernes, de 12 a 20, y sábados y domingos, 10 a 20.45, se accede a esta experiencia virtual espacial para vivir una aventura extraordinaria a bordo de la Estación Espacial Internacional, a 400 k de la Tierra.

Por su parte, Maravillosa Alicia (Jardín Botánico Av. Santa Fe 3951) ofrecerá una experiencia inmersiva inspirada de Alicia en el País de las Maravillas a través de un recorrido nocturno en el corazón de la Ciudad.

Propuestas teatrales para chicos

Durante las receso invernal, la oferta teatral de la ciudad de Buenos Aires cobra un papel protagónico. Entre las opciones destacadas se encuentran:

• Disney on Ice (Movistar Arena, Humboldt 450). Una aventura sobre hielo llena de magia, emoción y diversión que reúne a los personajes de Frozen y Encanto, con Stitch, por primera vez.
• Annie (Teatro Ópera, Av. Corrientes 860), una historia conmovedora y sensible que sigue impactando en todas las generaciones.
• Anastasia (Teatro Astral, Av. Corrientes 1639), una obra que invita al público a un viaje en el tiempo a través de una puesta en escena que combina música, romance y aventura.
• Charly y la fábrica de chocolate (Gran Rex, Av. Corrientes 857)) es otra de las propuestas para toda la familia durante las vacaciones de invierno: una espectacular adaptación musical del clásico de Roald Dahl que invita a sumergirse en un mundo de fantasía, música y aventuras. 
•  Colón para niños | Cuentos líricos (Teatro Colón, Cerrito 628), una propuesta especialmente diseñada para acercar al público infantil al universo de la ópera a través de relatos, música y personajes inolvidables.
• El Mago de Oz (Teatro Cervantes, Libertad 815). Un cuento que invita a asomarse a la vida a través del ojo de la fantasía, y que enseña que todo es más lindo y divertido si lo compartimos.

Plazas, restaurantes y más

Para quien buscan más variedad que los teatros, pueden consultar la web Salidas con Chicos, que es una guía de actividades, paseos y propuestas para familias con niños, especialmente útil para quienes buscan ideas de ocio en Buenos Aires y alrededores.

En ese sitio se puede filtrar por zona, el tipo de plan y el presupuesto para realizar distintos planes con los chicos, que van desde cafés y restoranes con espacios infantiles, planes gratis como plazas y parques con juegos, actividades bajo techo para días de lluvia o nublados e, incluso, se puede buscar salones de fiesta para celebrar ocasiones especiales.

La gran apuesta teatral de la calle Corrientes

La gran espera llegó con Charlie y la Fábrica de Chocolate donde 26 actores dan vida a todos los personajes a lo largo de la obra. Hace un año que comenzó el diseño y la realización tanto de la escenografía como del vestuario. Fue en julio de 2025 cuando productores, junto a los distintos equipos creativos y técnicos empezaron a desarrollar el proyecto que incluyó diseñar cada espacio de la fábrica, crear cientos de piezas de vestuario, pelucas y utilería. “Se trabajó para dar vida a un mundo de fantasía que estuviera a la altura de la historia y sorprendiera al público desde el primer momento”, asegura Magalí Altman, a cargo de la dirección de producción.

Entre su elenco de adultos se luce Agustín “Rada” Aristarán en su rol de Willy Wonka: “No hubiera existido Charlie y la Fábrica de Chocolate sin él. Cuando imaginábamos quién podía interpretar a Wonka, Agustín aparecía naturalmente por su talento, su humor, su capacidad musical y esa mezcla de sensibilidad, misterio y juego que requiere el personaje. A partir de esa convicción comenzamos el proceso para obtener los derechos de la obra”, admite la productora.

El abuelo Joe es representado por Sebastián Almada que llegó a la audición como otros tantos actores, pero “su prueba fue tan contundente que la decisión fue prácticamente inmediata. Apenas terminó sentimos que era él”, cuenta Altman. Su dominio de la comedia, su versatilidad y fuerte presencia escénica lo llevaron a encajar a la perfección con el personaje.

En el caso de Mery del Cerro la producción ya había trabajado con ella años atrás en Casi Ángeles y sentían que tenía la calidez, vulnerabilidad y el instinto maternal genuino que buscaban para la Sra. Bucket. Al principio del Cerro dudó en audicionar pero finalmente se presentó en el casting que se realizó en Mar del Plata y convenció al equipo creativo de inmediato. “Su interpretación tenía exactamente la emoción y la verdad que estábamos buscando”, aseguran.

¿Cómo es trabajar con niños? Charlie y la fábrica de chocolate tiene cuatro elencos para cada uno de los personajes infantiles, lo que hace un total de 20 niños que forman parte de la producción, tienen entre 10 y 14 años y todos atraviesan un proceso de formación y ensayo tan exigente como el de los adultos.

“En cuanto a las funciones, trabajamos bajo un sistema de rotación muy organizado. Cada elenco tiene sus presentaciones preasignadas de acuerdo con la legislación vigente sobre trabajo infantil, que establece normas muy estrictas respecto de las horas de ensayo, descanso y funciones. Nosotros cumplimos esas disposiciones de manera rigurosa, porque creemos que es fundamental que los chicos puedan disfrutar de esta experiencia sin dejar de lado su bienestar, su educación y su vida cotidiana”, asegura Altman.

Algunos de los chicos habían participado en producciones anteriores como Matilda y School of Rock, sin embargo para este proyecto fue requisito que todos volvieran a pasar por el proceso de audición. “Cada musical tiene necesidades muy específicas y creemos que cada elenco debe seleccionarse desde cero, evaluando qué requiere esa historia en particular”, explica la directora de producción.

En los últimos años podemos ver una fuerte presencia de producciones teatrales con niños como protagonistas, una nueva generación de talentos en nuestro país está demostrando arriba del escenario el nivel y profesionalismo del teatro musical en la Argentina.

Más información: Hasta el 2 de agosto en el Teatro Gran Rex, Av. Corrientes 857.

Una obra en plena oscuridad

La propuesta es vivenciar una obra en total oscuridad, afinando el resto de los sentidos y usando la imaginación es que el Teatro Ciego pensó para esta temporada de invierno propuestas breves para todas las edades.

Una de ellas es La canción del abuelo, que dura 50 minutos, el tiempo justo para que los chicos no se cansen o asusten ante tanta oscuridad. De todas formas, antes de ingresar se aconseja estar siempre de la mano de los acompañantes y quien no se sienta seguro puedo decir en voz alta “quiero salir” y alguien del staff lo guiará hacia la salida.

La sala es pequeña, con filas de cuatro asientos. Comienza con una tenue luz que se apaga a medida que el abuelo comienza relatar su historia, es en ese momento donde los personajes aparecen por medio de sus voces y llegan a los oídos desde diferentes rincones, un perro juguetón que olfatea a los espectadores, aromas, sensaciones y clásicas canciones interpretadas con la guitarra del abuelo que invitan a cantar a todo el público presente.

La técnica del teatro ciego surgió en Córdoba en 1991 y el 4 de julio de 2008 abrió sus puertas el primer Teatro Ciego del mundo con un enfoque cooperativo e inclusivo. “La oscuridad vuelve innecesario el sentido de la vista y habilita la participación plena de personas con discapacidad visual”, aseguran desde el teatro de un formato que permite vivir una experiencia única.

Más información: funciones durante todo julio. Teatro Ciego, Borges 1974, Palermo.

Rock y comedia para padres e hijos

Llegan Los Raviolis con la segunda temporada de Piyama Party, un show de música y comedia dirigido por Diego Reinhold. La idea parte de una situación tan cotidiana como caótica: una pareja logra organizar una noche tranquila a solas pero una llamada cambia todos los planes cuando sus cuatro hijos que se quedaban a dormir en la casa de la abuela quieren volver a su casa. A partir de ese momento la trama se convierte en un torbellino de situaciones absurdas y reconocibles para cualquier familia.

Entre escenas delirantes y momentos emotivos, el espectáculo se construye a partir de canciones que ya se transformaron en verdaderos himnos del cancionero familiar, interpretadas con la impronta rockera de Los Raviolis.

“Creo que la clave es que la obra no necesita reinventarse para seguir vigente. Habla de situaciones muy cotidianas de la crianza y de la vida familiar con las que distintas generaciones de madres, padres e hijos siguen identificándose. Pero, sobre todo, utiliza el humor para desdramatizar esas pequeñas dificultades de todos los días y reírse de experiencias que muchas veces generan estrés, cansancio o culpa. Además, cada integrante de la familia encuentra algo distinto en el espectáculo: los chicos se conectan desde el juego, la música y el humor, mientras que los adultos se reconocen en esas pequeñas escenas y emociones que forman parte de la crianza. Eso hace que nadie quede relegado, algo que no siempre ocurre en las propuestas familiares”, dice Gabriel “Gabichu” Wisznia, voz y guitarra de Los Raviolis.

Los Raviolis son una banda de rock para familias que se juntan para hacer música y catarsis sobre el lado B de la crianza. Desde 2014 recorren escenarios nacionales e internacionales, fueron dos veces nominados a los Premios Gardel por Mejor Álbum Infantil, fueron declarados de interés cultural por la Ciudad de Buenos Aires y el año pasado recibieron el premio Konex a la música infantil.

Los años pasan y ellos siguen buscando nuevas formas de pasar de ser una obra de teatro tradicional a una experiencia en sí misma: “Desde los almohadones que vuelan entre el escenario y la platea hasta los momentos en que el público opina, resuelve, baila, juega y participa activamente, todo hace que la gente deje de ser una espectadora para convertirse en parte de la historia. Esa interacción fortalece el vínculo con el público y hace que cada función sea única. Además, aparecen guiños a la actualidad que mantienen la propuesta siempre cercana, sin perder de vista el corazón de la obra: hablar de esos temas universales de la crianza y la vida familiar con los que todos, de una manera u otra, terminamos identificándonos”, concluye Gabichu

Más información: funciones sábados y domingos y días de semana del 22 de julio al 2 de agosto. Teatro Paseo La Plaza, Av. Corrientes 1660.

Bartolito y sus amigos cumplen 10 años

Para los más chiquitos de la familia continúa el clásico que sorprende con espectáculo renovado todos los años: La Granja de Zenón cumple 10 años ininterrumpidos en la calle Corrientes.

La propuesta, que tendrá sus funciones durante las vacaciones de invierno, se llama En busca del Arcoíris. Tito y el gallito Bartolito comparten el mismo sueño que es llegar hasta el arcoíris. Pero cuando Zenon y Pinto les aseguran que eso es imposible la ilusión de los dos amigos parece desvanecerse pero su determinación no se termina. Juntos emprenderán una aventura llena de desafíos y aprendizajes guiados por la certeza de que los sueños siempre valen la pena.

La dirección general del espectáculo está a cargo de Maximiliano Córdoba, quien trabaja con Sebastián Irigo en la dirección escénica y Vanessa García Millán, referente en el género infantil, a cargo de la coreografía.

Más información: del 20 de julio al 2 de agosto en el Teatro Astral, Av. Corrientes 1639.

View this post on Instagram

Aunque Hollywood nunca lo convirtió en una superestrella, gracias a este último personaje (que trascendió varias generaciones de fanáticos) el actor encontró un lugar privilegiado dentro de la televisión contemporánea. Hoy, a sus 48 años, alterna proyectos en la pantalla chica con su participación en convenciones de la exitosa saga sobrenatural; esa que lo convirtió en una figura de culto.

De repartir pizzas a los sets

Matthew Wadsworth Davis nació el 8 de mayo de 1978 en Salt Lake City, Utah. A pesar de no crecer en una familia de artistas, demostró interés por la actuación desde muy pequeño. Mientras asistía al secundario en la Woods Cross High School, tomaba clases de teatro y luego, estudió arte dramático en la Universidad de Utah.

Para costear sus estudios Matt tuvo varios empleos ocasionales, entre ellos como repartidor de pizzas. Una experiencia que él mismo recordó con humor al contar que una vez le llevó un pedido al actor Andy García. Con el tiempo decidió mudarse a Los Ángeles para probar suerte en la industria del entretenimiento.

Su debut en el medio llegó en 2000 con la película de terror Leyenda Urbana 2; secuela de la exitosa saga de los ‘90. Ese mismo año obtuvo un papel en Tigerland, el drama bélico dirigido por Joel Schumacher y protagonizado por Colin Farrell.

Sin embargo, el gran salto lo dio en 2001 con Legalmente rubia. En la exitosa comedia protagonizada por Reese Witherspoon, Davis interpretó a Warner Huntington III, el novio de Elle Woods por el que ella ingresa a la Facultad de Derecho de Harvard. Luego, este la abandona por considerarla poco seria para su futuro político. El personaje se convirtió en uno de los villanos románticos más recordados de comienzos de siglo y le dio una enorme visibilidad. “Todavía la gente me dice: ‘¡Dios mío, eres Warner, el cretino de Legalmente rubia!’ o ‘¡Qué idiota eres!’ pero me parece gracioso y encantador", reveló quién no imaginaba el éxito que iba a tener la franquicia.

“No teníamos idea de que se iba a convertir en lo que terminó siendo (…) Siempre le digo a la gente que sin Warner, no existiría Elle Woods. Warner convence a Elle para que vaya a Harvard. Piensen en eso. ¡Sin Warner, no existiría Legalmente rubia!”, bromeó el actor en diálogo con US Weekly sobre la importancia de su personaje.

Este papel no solo le permitió volverse una cara conocida dentro de la industria, sino también conocer a su amor platónico: Reese Witherspoon. “Desde que tenía 15 años y vi Viaje al gran desierto, tuve el enamoramiento más grande con Reese”, confesó quien los primeros días de rodaje estaba muy nervioso de tener que trabajar con ella. “Al principio era un completo torpe con ella. Un día los productores me llevaron aparte para preguntarme si estaba bien”, contó, entre risas, mientras advertía que todo el equipo se había dado cuenta de sus sentimientos.

“Me quedé impresionado porque todo sucedió muy rápido y no me había adaptado. Definitivamente no estaba tranquilo. En la primera lectura del guion, no paraba de hablar de lo mucho que me encantaba su trabajo, adulándola sin parar”, recordó en otra entrevista con el sitio News.com.au.

Respecto a la reacción de la actriz cuando le confesó que era uno de sus grandes admiradores, recordó: “Ella me dijo: ‘¡Qué tierno! Bueno, trabajemos en la escena’”. Los proyectos en los que puede trabajar con “buena gente” siguen siendo sus favoritos. “Teniendo en cuenta la situación actual del mundo, uno simplemente quiere trabajar con gente a la que aprecia”, expresó en la nota con US Weekly.

El 20 de junio pasado, Davis volvió a reencontrarse con sus compañeros para rendir homenaje al legado de la saga y dar la bienvenida a Elle, la serie precuela que explora los años de colegio secundario de Elle Woods y que ya puede verse por Prime Video. “Fue una noche adorable. Fue una fiesta para celebrar el 25 aniversario y el nuevo show Elle, que es fantástico. Fue maravilloso poder reencontrame con tanta gente linda con la que he tenido la chance de trabajar. Hay gente que no había vuelto a ver desde que rodamos la película y todos lucen muy bien”, relató en su cuenta de Instagram sobre esa gran noche que vivió hace unas semanas en el Hall des Lumières de Manhattan.

View this post on Instagram

También compartió una fotografía junto a Selma Blair, con quién entabló una profunda amistad durante el rodaje. “Que buena noche. Te adoro Selma”, escribió en un segundo posteo.

El papel que cambió su carrera

Tras el éxito de la película, Matt Davis participó en producciones como Blue Crush: olas salvajes, el thriller bélico Below y el film de terror Seeing Other People, aunque fue la televisión la que terminó convirtiéndose en su gran hogar artístico. Después de protagonizar la comedia dramática What About Brian entre 2006 y 2007, el estadounidense encontró el personaje que marcaría definitivamente su carrera: Alaric Saltzman en The Vampire Diaries.

El actor se incorporó a la ficción de The CW en 2009 como un profesor de historia y cazador de vampiros. Lo que en principio parecía un papel secundario terminó convirtiéndose en uno de los personajes más queridos de la serie. A lo largo de ocho temporadas, Alaric atravesó muertes, resurrecciones y romances imposibles, y se transformó en una figura paternal para varios de los protagonistas.

“Siempre amé su lado terrenal y su punto de vista pragmático. Me encanta que sea profesor de historia. Me gusta que sea un protector y que quiera que el universo esté en equilibrio para que la gente pueda vivir en paz”, dijo sobre este papel que creció a la par de él: “A medida que yo crecí como persona, él también creció conmigo. Es genial haber llegado a mis cuarenta años junto a este personaje”, agregó.

La popularidad del personaje fue tan grande que, una vez finalizada la serie en 2017, Davis retomó el papel en los dos spin-off que vinieron después, The Originals y Legacies. Este último centrado en las nuevas generaciones de la Escuela Salvatore. “Me entusiasma finalmente darle la atención que siento que se merece. Será fantástico poder ver sus fortalezas y verlo en su mejor versión”, anunció por aquel entonces.

View this post on Instagram

Tras el final de Legacies en 2022, el actor continuó participando en proyectos cinematográficos y televisivos. En los últimos años formó parte de títulos como Blunt y el drama de NBC, Grosse Pointe Garden Society, donde interpretó a un agente de policía. A su vez, sigue participando en convenciones y encuentros con fanáticos de la exitosa saga sobrenatural que lo convirtió en una figura de culto.

Dos matrimonios y la paternidad

En el plano sentimental, Matthew ha tenido una vida amorosa relativamente discreta. En 2008, se casó con la actriz Leelee Sobieski, conocida por películas como Jamás besada e Impacto profundo, en una boda secreta. Sin embargo, el matrimonio duró apenas unos meses y la pareja se separó ese mismo año.

Una década después, el actor volvió a apostar al amor al casarse con la actriz Kiley Casciano, conocida por sus papeles en La guerra del mañana y NCIS: New Orleans. “Cuando le preguntas a tu pareja si quiere casarse contigo mientras compras en la sección de frutas y verduras de Erewhon, y tres horas después estás casado en la víspera de Nochebuena”, escribió el actor junto a una serie de fotos en Instagram a fines de 2018.

View this post on Instagram

Lejos de ser una boda planificada, la pareja intercambió votos en la Capilla de Albertson de Los Ángeles ese mismo 23 de diciembre. Dos años después, la actual instructora de yoga compartió la noticia de la llegada de su primera hija en la misma red social: “Llega en abril de 2020 #niña”, reveló junto a una imagen de ropa de bebé y una ecografía. “Nada es más emocionante que tener un bebé durante esta pandemia”, posteó tiempo después mostrando su pancita.

View this post on Instagram

Finalmente Ripley Nightingale Davis nació el 31 de marzo de 2020 y la pareja lo anunció con bombos y platillos: “3100 kg, cabello rubio, ojos azules y el hermoso rostro de mamá. Gracias a todos por todo el amor y el apoyo”, publicaron los actores a la par. La familia se completó con la llegada de su segunda hija, Dorothy Lavender Davis, que nació el 24 de enero de 2022. “Te adoro @immatthewdavis”, confesó Casciano junto a una foto de sí misma en el hospital, abrazando a la recién nacida y sonriéndole a su esposo.

View this post on Instagram

En febrero de 2024, Matthew y Kiley pusieron fin a su matrimonio. Actualmente comparten la custodia de las niñas. De hecho, el actor ha mostrado en más de una oportunidad cómo las chicas lo acompañan a su trabajo cuando le falla la niñera.

La inventora del binge-watching, el modelo que acostumbró a los espectadores de todo el mundo a seguir a ver de un tirón sus series favoritas a través de maratones interminables, ahora no sabe cómo afrontar la baja gigantesca de audiencia registrada recientemente en las nuevas temporadas de algunos de sus éxitos originales.

Este es un hecho inédito para Netflix en particular y para el streaming en general. Muchos creyeron que con esta nueva manera de ver los contenidos audiovisuales la televisión tal como la entendimos siempre había quedado definitivamente atrás, pero nadie previó este coletazo imprevisto derivado del crecimiento mismo del modelo impuesto por las plataformas.

El 25 de junio pasado Netflix lanzó en todo el mundo la segunda temporada de Avatar: La leyenda de Aang (Avatar: The Last Airbender), inspirada en el popular dibujo animado de Nickelodeon con relatos mitológicos sobre artes marciales y superpoderes. Pocos días después, Variety informó que la serie perdió el 59% de su audiencia respecto de los números de la primera temporada. El debut en 2024 obtuvo algo más de 21 millones de visualizaciones en los primeros cuatro días; ahora, en igual período, no llegó a los nueve millones.

Lo mismo pasa con otros títulos muy populares que sumaron nuevas temporadas a la plataforma. Las cuatro estaciones, la agridulce sitcom romántica protagonizada por Tina Fey, Will Forte y Colman Domingo, sumó apenas 4 millones y medio de visualizaciones frente a los casi 12 millones de la temporada inicial: la caída de audiencia en este caso fue del 63%.

Con Beef pasó algo parecido: la segunda temporada de otro de los flamantes estrenos de Netflix, bajó un 58% respecto de la primera. Y peor le fue a Asesinato para principiantes (A Good Girl’s Guide to Murder), la serie policial ambientada en el mundo adolescente que fue tan bien recibida hace dos años. La fuerte campaña que acompañó a finales de mayo el estreno de la segunda temporada no funcionó: la audiencia se desplomó hasta un 80% respecto de la anterior.

¿Cómo se explica semejante cambio de tendencia y de conducta? En principio desde la ansiedad generada a partir de un lanzamiento completo e integral que se devora en poco tiempo (el término binge-watching equivale literalmente a un atracón televisivo) y provoca en el espectador la necesidad inmediata de querer saber qué pasará después. Como el regreso puede demorarse entre dos o tres años, cuando llega ese momento el interés ya no es el mismo. Así, el bajón resulta inevitable. A menos que exista un componente adictivo poderoso en la conexión entre el suscriptor de la plataforma y el contenido, la euforia previa desaparece y la fidelidad termina reemplazada por el desgano o la indiferencia.

Esa reacción también puede verse como una proclama implícita de rechazo a la estrategia de las plataformas, la respuesta inconsciente del espectador como manifiesto de condena al hecho (absolutamente natural) de postergar durante un largo tiempo el regreso de su programa favorito. “¿Por qué me hacen esperar tanto? ¿Para qué puse tanto entusiasmo en algo que va a tardar tanto tiempo en volver?”, es el planteo.

No hay manera de convencer a la audiencia de que hay plazos imposibles de evitar: los guionistas, los actores y los realizadores tienen sus propias agendas y otros proyectos para atender. Una temporada razonable en términos de calidad demanda muchos meses (y hasta años) de elaboración, rodaje y post-producción antes de quedar lista.

Paradójicamente, el “modelo Netflix” sostenido desde el binge-watching pierde, para sorpresa de muchos, frente a un reflejo de la televisión tradicional que demuestra su vigencia. Las series estrella de HBO Max y, en menor medida, de Disney+ y Paramount+, no pierden tanta audiencia en su paso de una temporada a otra como ocurre con la “N” roja.

¿El motivo? En esas plataformas, títulos como Game of Thrones, The Last of Us, The White Lotus, Tierra de mafia o Dutton Ranch no estrenan en un mismo momento sus temporadas completas, sino a través del lanzamiento de un episodio nuevo por semana, como en los tiempos de la TV del pasado. La vieja fórmula demuestra ser mucho más eficaz: la conversación perdura, se sostiene mucho más allá de la llegada al streaming del primer episodio y no hay tanta demora entre una temporada y otra. Entre la segunda y la tercera temporada, la caída de audiencia global de Game of Thrones, según Variety, fue de apenas el 8%.

Hay más. “Netflix define el éxito no por la audiencia, sino por el número de nuevos suscriptores que logra atraer -señala un análisis publicado hace pocos días en el diario inglés The Guardian-. Y eso es mucho más difícil de conseguir con una segunda temporada. Si te entusiasmó tanto la idea de una serie como Avatar: la leyenda de Aang que te llevó a suscribirte a Netflix, la plataforma no ganará más dinero produciendo otra temporada. Ya lo tiene, así que su mejor opción para crecer es apostarlo todo a la primera temporada de una nueva serie que pueda atraer a su vez nuevos suscriptores”.

A pesar de perder audiencia con las nuevas temporadas de algunos de sus productos recientes mejor recibidos, la lógica de los números le sigue sonriendo a Netflix. Según el sitio especializado FlixPatrol, la “N” roja es la plataforma con mayor número de suscriptores globales, 325 millones registrados a fines de 2025. Le siguen, muy lejos, Amazon Prime (200 millones), HBO Max (140 millones) y Disney+ (131 millones y medio).

La cifra de 325 millones de suscriptores fue la última que difundió oficialmente Netflix a fines de 2025. En ese momento, la compañía informó también un aumento de casi el 18% en sus ingresos trimestrales y una ganancia neta que se elevó casi en un 30% respecto del período anterior. Pero al analizar esos números, Variety hizo notar que el aumento de 40 millones de suscriptores durante ese año fue notoriamente inferior al registrado en 2024.

Frente a esta situación, trascendió en los últimos días un cambio de estrategia de Netflix respecto de sus planes futuros para seguir capturando nuevos suscriptores. No parece haber intenciones de modificar el modo en que programa estrenos o regresos de sus programas más vistos, sino la diversificación de sus planes de programación.

El detalle más importante de todos, revelado por The Wall Street Journal, es la posibilidad de lanzar canales temáticos de TV con emisiones “en vivo y en directo” durante las 24 horas a la manera de otras plataformas de streaming gratuitas como Pluto TV.

Si llegara a concretarse esta novedad, Netflix hará una movida muy significativa en materia de publicidad. Como saben quienes siguen las emisiones de Pluto TV, un canal en vivo que transmite contenidos temáticos durante las 24 horas incluye tandas publicitarias que el consumidor no tiene manera de saltar o evitar.

De concretarse esta idea, Netflix profundizaría una agenda de programación en vivo que ya empieza a dar muestras cada vez más visibles de continuidad, también a la manera de la vieja televisión. “En nuestros comienzos, cuando teníamos pocos ingresos, el crecimiento de la membrecía era un claro indicador de nuestro potencial futuro. Ahora estamos generando beneficios y flujos de caja libre muy sustanciales, además de desarrollar nuevas fuentes de ingresos como la publicidad”, indica una carta enviada recientemente por Netflix a sus accionistas y difundida por medios especializados.

Está claro que ya no se busca la fidelidad de los consumidores por el solo hecho de pagar una suscripción, sino a partir de una multiplicación de estrategias. Ya nadie se pone colorado si tiene que recurrir a métodos que la propia dinámica de evolución del streaming parecía haber erradicado para siempre. Todo vuelve en materia televisiva. La vieja pantalla chica saborea su “venganza”.

La prueba está en el espacio cada vez más destacado que Netflix dedica a la difusión de la temporada oficial de lucha libre organizada por World Wresting Entertainment (WWE), uno de los entretenimientos mediáticos más populares para la audiencia de Estados Unidos que va extendiéndose gracias al streaming hacia el resto del mundo.

Los suscriptores argentinos de la plataforma tienen a su disposición tres nuevas emisiones semanales en vivo de las principales competencias de WWE: RAW (lunes, a las 21), NXT (martes, a las 21) y SmackDown (miércoles, a las 21). Y hay planes de sobra en Netflix para aumentar la oferta de transmisión de acontecimientos deportivos en tiempo real: boxeo, tenis y mucho más.

En esta nueva etapa de la evolución audiovisual Netflix ya diseña su futuro inmediato pensando en un nuevo tipo potencial de competidor: Tik Tok, YouTube, plataformas con reels y ficciones cada vez más breves y rápidas. Y lo que parecía revolucionario ayer nomás, el modelo de maratones compulsivas, ya es una etapa superada.

Para Netflix el futuro equivale a dejar atrás a la criatura mediática que inventó en su momento con notable éxito para derrotar al pasado. Esa es su encrucijada.

Para el lanzamiento de Foreign Tongues, el nuevo álbum de 14 canciones de The Rolling Stones, en una entrevista con LA NACION, Mick Jagger había reconocido que le encantaría hacer una gira con este disco. “Hay muchas canciones del álbum que podemos hacer en el escenario. No creo que salgamos de gira este año pero espero que la hagamos en el próximo. Y espero hacerla lo antes posible. Y también me encantaría ir a la Argentina, obviamente”, apuntó en aquella oportunidad.

De la supuesta gira y las ciudades que incluiría no hay nada confirmado todavía. Pero antes de los partidos de ayer en los que las selecciones inglesa y argentina se clasificaron para la próxima instancia del Mundial, subieron un Visualizer de "Divine Intervention", una de las canciones del disco, que fue filmado en Puente Alsina, el histórico cruce que une el barrio porteño de Nueva Pompeya con Valentín Alsina, del partido de Lanús.

Aunque el tema comience diciendo “Caminando por la calle en la ciudad de Nueva York”, en verdad se trata de este puente de carácter monumental y de estilo neocolonial que fue inaugurado el lejano 26 de noviembre de 1938.

A lo largo de casi cinco minutos, el video sigue a un bailarín joven en distintos sitios del monumental puente. En la misma pieza visual no aparece consignado el nombre del creador del videoclip ni del magnético performer que se desplaza. El tema cuenta con la participación especial de Robert Smith, líder de The Cure, en la guitarra; acompañado por Steve Winwood, en piano y órgano, Andrew Watt, en sintetizadores y coros; el saxofonista James King y el trompetista Ron Blake.

En aquella entrevista con LA NACION, Mick Jagger recordó su primera visita a Buenos Aires, en 1995. “Recuerdo que llegamos y todos estaban tan eufóricos. Nos recibieron cantando afuera del hotel. Los shows fueron increíbles y estuvieron llenos de entusiasmo. Un público brillante. Nunca me olvidé de eso, fue un momento increíble”, sostuvo.

En tiempos de esa espera, Rolling Stones le hizo un guiño a sus fanáticos locales usando como locación al impactante puente sobre el Riachuelo cargado de historias que entablan puentes con otras figuras icónicas de la música argentina. De hecho, Sandro (Roberto Sánchez, según su DNI) vivía a pocas cuadras de Puente Alsina. Muchas noches, luego de aquellas presentaciones en el Gran Rex, manejando su Rambler Ambassador hacía una parada en La Blanqueada, histórica pizzería de Pompeya, antes de cruzar el puente para llegar a su casa. Ya del lado de Lanús hay un mural en homenaje al gran cantante que, en sus inicios, era el Elvis Presley local.

El puente ocupa un lugar importante en la historia del rock nacional. Para la banda 2 Minutos, nacida en Valentín Alsina, fue su verdadero lugar en el mundo. El álbum debut de este grupo símbolo del punk local, Valentín Alsina (1994), lleva el nombre de la localidad y en la portada aparece la imagen de ingreso al puente que, formalmente, tuvo otros nombres.

El libro Un regalo del diablo–2 Minutos, Valentín Alsina y la reivindicación del punk argentino, escrito por el poeta y periodista Walter Lezcano, reflexiona sobre la identidad barrial de la banda. “Cuando salió Valentín Alsina, para un montón de jóvenes que vivían en esa tierra arrasada que era por ese entonces el conurbano, fue un momento muy esperanzador, porque por fin había una banda que podía expresar un montón de cosas que pasaban en esos lugares, en ese territorio tan distinto a la Capital", aseguró en un reportaje publicado en la revista Rolling Stone.

En un reportaje de LA NACION de hace tres años, a Walter “Mosca” Velázquez, cantante de 2 Minutos, se le consultaba sobre las consideraciones que le generaba que esos temas de 2 Minutos creados en Valentín Alsina conectaran con el público de otras latitudes. “Son canciones urbanas, hablan de un barrio y todas las personas viven en él -aseguraba-. Yo nací en Valentín Alsina, pero un pibe puede ser de Palermo, otro de Almagro y así en todo el mundo. Capaz que pegás justo en la tecla y se sienten identificados. Estamos totalmente agradecidos, nunca pensamos ni soñamos esto”.

Tal vez no soñaron nunca que el monumental puente que une Pompeya con Lanús sea la locación central de un nuevo tema de los Rolling Stones, la banda icónica liderada por Mick Jagger quien, hace poco confesó que espera volver pronto a Buenos Aires. De paso, ¿por qué no?, se dé una vuelta por Puente Alsina para reconocer las imágenes del Visualizer de “Divine Intervention”.

Una carrera de alrededor de cuarenta años respalda a Moro y a la opinión de Kleiman. El rosarino, nacido el 24 de enero de 1948, fue un activo partícipe en el desarrollo del rock local desde sus albores, incorporándose con tan solo 18 años a Los Gatos. Liderada por Litto Nebbia, los éxitos cantados en castellano como “La Balsa” la volverían una agrupación fundacional del género, que registró media docena de álbumes hasta su separación en 1971. “Además de todas las andanzas musicales que compartimos, íbamos juntos al colegio en Rosario en 3º grado. Una persona de gran corazón y un músico súper intuitivo, con un estilo y sonido muy personal. Fundamental para cualquier agrupación”, diría Litto tiempo después.

El final de esa experiencia daría lugar a muchas otras para el baterista a lo largo de los años setenta, destacándose su inclusión en el efímero cuarteto Huinca -también junto a Nebbia- con el que grabó una única placa en 1972 y, enseguida, el reemplazo a David Lebón en Color Humano, el trío experimental conformado junto a Edelmiro Molinari y Rinaldo Raffanelli. “Le propuse a Moro que tocara con nosotros cuando se fue David y recuerdo que cuando aceptó me sentí en la gloria. En Almendra todos lo admirábamos. Con él tejimos un montón de música y lo viví como una época impresionante. Como tipo era bárbaro. Tenía una timidez total, pero se sentaba en la batería y era un monstruo“, declararía Molinari. Para el propio Moro también se trató de una buena experiencia: ”Me gustaba ensayar porque yo era enemigo de tocar boludeces, y eso [lo que tocaba el trío] era exigente. Con Edelmiro aprendí muchísimo".

La segunda mitad de esa década encontró a Moro pudiendo desarrollar su interés por una rítmica más latinoamericana e intrincada al formar parte de La Máquina de Hacer Pájaros, el grupo con el que Charly García llevó sus canciones hacia el jazz-rock progresivo por primera vez. Su aporte quedó registrado en los dos discos de la banda antes de su disolución, el homónimo de 1976 y Películas, al año siguiente.

Luego, en una demostración de confianza por parte del hombre del bigote bicolor, baterista y compositor se asociarían nuevamente para integrar -junto a David Lebón y Pedro Aznar- Serú Girán, considerada como una de las más brillantes expresiones rockeras en la Argentina. El conjunto publicó su propio debut homónimo en 1978, La Grasa de las Capitales (1979), Bicicleta (1980), Peperina (1981) y No Llores Por Mí, Argentina (1982). Dijo Lebón: “Moro es un baterista único. Ha tenido una vida llena de altas y bajas, pero siempre tocó bien, es una máquina“.

García, en tanto, tras el fallecimiento de su excompañero, añadiría: “Era un batero de grupo como Ringo Starr. Fue el primero que vi acá con dos bombos. Moro tenía una manera muy particular de lograr el backbeat; entre él y Pedro Aznar tocaban una maraña de notas que se definía por la confección de la canción y el pulso rítmico de la guitarra y el piano”.

Al finalizar su experiencia con Serú, su búsqueda estética lo vinculó con el bajista uruguayo y amigo Beto Satragni, mentor del grupo de fusión Raíces y exintegrante de Spinetta Jade, para conformar un dúo que en su único disco, Moro-Satragni (1983, con la participación de muchas figuras del rubro como los ya mencionados Charly y el Flaco Spinetta) sentó las bases de lo que varios años después se llamaría “rock latino”.

La vida profesional de Moro adquirió un nuevo giro rítmico que exhibió su ductilidad interpretativa al ser convocado para una de las tantas vueltas de Riff, uno de los grupos insignia del lado más pesado de la escena local, en 1985. El reencuentro con Pappo -con quien había compartido un tramo de la historia de Los Gatos- derivó en la publicación de Riff VII.

El millonario pero frustrante regreso a los escenarios de Serú en 1992 fue quizás el último gran suceso de la carrera de un baterista que tocó con todos y que, como también aportó Nebbia, “Es de esa clase de tipos que jamás vas a escuchar en el ambiente que alguien hable mal de ellos, queridos por todo el mundo. Por eso, además de su maestría musical, se mantienen en el recuerdo”. Un recuerdo que también lleva adelante el propio hijo de Oscar, Juanito, quien lidera el proyecto La Máquina de Hacer Pájaros x FMSV -junto a José Luis Fernández, bajista original del grupo- y que fue parte del reciente regreso a los escenarios de Lebón y Aznar para interpretar los temas de Serú Girán.

"No sé si soy un batero brillante. A veces pienso que me llaman de todos lados porque no jodo a nadie. Creo que mi mejor virtud musical es ser buen tipo“.

Como ocurrió a lo largo de toda la Copa del Mundo, el triunfo volvió a trasladarse rápidamente a las redes sociales, donde distintos famosos argentinos compartieron su alegría con fotos, videos y mensajes de apoyo al equipo argentino.

Uno de los primeros en manifestarse fue Nico Vázquez. El actor compartió una imagen de Julián Álvarez en pleno festejo y escribió: “Extraordinario @julianalvarez. Vamos Argentina carajo”. Más tarde republicó el posteo de Lionel Messi y agregó: “Qué espectacular es este equipo. Vamos Argentina carajo. Qué orgullo”.

Otra de las figuras que viene siguiendo de cerca el recorrido de la Selección fue Marcelo Tinelli. Desde las tribunas de Kansas City, el conductor publicó dos videos en su cuenta de Instagram en los que registró su reacción a los goles de Álvarez y Lautaro Martínez. “¡Vamos Argentina! Gracias por tantas alegrías”, escribió.

View this post on Instagram

View this post on Instagram

Marcela Tinayre también compartió su entusiasmo desde el estadio. En un video publicado en sus historias de Instagram se la vio alentando con la camiseta de la selección y un gorro con los colores argentinos. ”¡Vamos, Argentina!”, exclamó frente a cámara y, una vez consumada la clasificación, anticipó el próximo desafío con otro mensaje: ”¡Nos vemos en Atlanta!”.

View this post on Instagram

La China Suárez también recurrió a sus historias para expresar el alivio tras el sufrido triunfo argentino. “Qué manera de sufrir siempre, lpm…”, escribió junto a varios corazones rojos y la bandera argentina, mientras en el video se la veía celebrando al ritmo de “Pa’ la Selección”, de La T y La M.

Otro de los que mostró imágenes desde el estadio fue Marley. El conductor publicó un video del festejo de los jugadores junto a los hinchas una vez finalizado el partido y escribió: “Estamos en semifinales. #VamosArgentina”.

Entre quienes siguieron el encuentro desde las tribunas también estuvo Martita Fort. La influencer compartió una selfie con el campo de juego de fondo y escribió: ”¿Y qué dije? ¡Vamos Argentina! ¡3-1!”, en referencia a su pronóstico del partido.

View this post on Instagram

Pampita fue otra de las figuras presentes en Kansas City. La modelo publicó un carrusel de imágenes festejando el triunfo albiceleste. En una de las fotos posó junto a Valu Cervantes, pareja de Enzo Fernández.

View this post on Instagram

También desde el estadio, Jimena Barón compartió una serie de imágenes junto a su pareja y sus hijos y acompañó la publicación con un mensaje cargado de entusiasmo: “Veni veniii cantá conmigo💙🤍💙!!!!!!! Vamos Argentina carajo!!!!!”.

View this post on Instagram

Desde su casa, Zaira Nara también vivió el partido con mucha intensidad. Durante el encuentro compartió una historia junto a su hija con la palabra “Nerviosssss” y, una vez consumada la victoria, publicó otra historia con un eufórico “Vamosssssssssssss”.

Además de compartir sus propias imágenes, varios famosos celebraron el triunfo con comentarios en los posteos de los protagonistas. La publicación de Lionel Messi, en el que el capitán escribió “Otra vez tocó sufrir pero este equipo nunca deja de creer. Volvemos a estar entre los cuatro mejores del mundo!!! Vamos carajo!!!!”, rápidamente se llenó de mensajes.

View this post on Instagram

Entre las reacciones estuvo Bizarrap, quien comentó: “Te amo para siempre”, mientras que Soledad Pastorutti resumió su admiración con un “De otro planeta”. También dejaron su mensaje Jimena Barón, con un efusivo “Vamossss Leooooo carajooooo”; Mariana Brey, que destacó al capitán y al equipo como “imbatibles”; Andy Kusnetzoff, con un simple “Te amamos”; L-Gante, que escribió “Daleeeeeeee señorrrrrr”; Connie Ballarini, con un “Vamos Argentina. Los amo”; y Gabriel Oliveri, quien agradeció al rosarino con un: “Gracias querido Leo por todo”, entre cientos de comentarios que inundaron la publicación.

Antonella Rocuzzo, esposa del capitán argentino, también celebró la clasificación desde el palco junto a sus tres hijos, Thiago, Mateo y Ciro: “Vamos, Argentina. Un pasito más”.

View this post on Instagram

Mientras el plantel ya piensa en el duelo frente a Inglaterra, las redes volvieron a convertirse en el espacio elegido por los famosos para expresar su orgullo por una selección que sigue alimentando la ilusión de todo un país.

Y justamente la cuestión generacional es uno de los puntos más interesantes de la serie, puesto que hoy son caras nuevas las que interpretan a los icónicos personajes que entre los 70 y 80 representaron Michael Landon, Karen Grassle, Melissa Sue Anderson y Melissa Gilbert. Justamente esta última tuvo la oportunidad de pasarle personalmente la antorcha a su sucesora. Alice Halsey, la niña de 11 años que interpreta a Laura Ingalls, reveló que conoció a Gilbert cuando fue al set de rodaje y tuvo una efusiva reacción cuando estuvieron cara a cara.

“Melissa Gilbert vino al set un día y la conocimos. Es muy amable”, reveló la joven actriz en diálogo con la revista People. Contó que cuando vio a la actriz que originalmente personificó a Laura, corrió a darle un fuerte abrazo. “Ni siquiera nos conocíamos. Simplemente la vi y corrí hacia ella. Creo que es una persona muy agradable. Me apoyó muchísimo. Me hizo sentir muy bienvenida al mundo de La casa de la pradera”, aseguró. Y es que, de una u otra manera, fue literal y metafóricamente un traspaso de mando soñado.

Halsey, que hizo su debut en la pantalla chica en 2023 en la serie de Apple TV Lecciones de química (Lessons in Chemistry), protagonizada por Brie Larson y Lewis Pullman, aseguró que es “un privilegio” interpretar a “un personaje tan increíble” como el de la hija menor del matrimonio Ingalls. “Fue un ícono para varias generaciones y me siento muy honrada de poder interpretar a este personaje y aparecer en pantalla como Laura Ingalls. Creo que mi parte favorita fue descubrir quién es, porque sin duda tiene muchas facetas”, sostuvo. Y es que, si bien cuando se emitió la serie original no había nacido, hizo una profunda investigación sobre la historia, leyó los libros de Laura Ingalls Wilder y vio varios de los episodios.

En este sentido, reconoció que sintió “mucha responsabilidad” de hacer bien las cosas: “Sabía que tenía que honrar su legado y su historia porque realmente era una mujer increíble, una gran narradora, escritora y trabajadora. Así que sentí mucha presión. Pero creo que estuve rodeada de compañeros de reparto maravillosos, y estoy muy contenta de haber podido hacerlo con ellos”.

Esta nueva adaptación del clásico que llevó adelante Rebecca Sonnenshine tiene como protagonistas a Luke Bracey como Charles Ingalls, Crosby Fitzgerald como Caroline Ingalls, Alice Halsey como Laura Ingalls y Skywalker Hughes como Mary Ingalls. Cuenta con un total de ocho episodios de una duración de entre 40 y 60 minutos y está disponible en Netflix.

Mick Jagger fue, como tantas otras veces, uno de los espectadores más buscados. El líder de los Rolling Stones es un seguidor histórico de la selección inglesa y lleva décadas apareciendo en Mundiales y grandes partidos. Esta vez llegó a Miami pocos días después de presentar el nuevo álbum de la banda, Foreign Tongues, y, antes del encuentro, se había mostrado prudente sobre las posibilidades de Inglaterra. Incluso advirtió sobre el peligro de Haaland, aunque fiel a su estilo evitó hacer pronósticos demasiado optimistas.

Su presencia también reactivó una de las bromas favoritas de los hinchas británicos: la supuesta “maldición de Mick Jagger”. Desde hace años, cada vez que el cantante aparece alentando a un equipo que luego pierde, las redes recuperan la teoría de que trae mala suerte. El mito se alimentó con derrotas de Inglaterra en distintos torneos y con aquella histórica caída de Brasil por 7 a 1 frente a Alemania en 2014. Para muchos fanáticos, ver a Jagger en pantalla produce una mezcla de orgullo y preocupación.

A pocos metros también estaban David y Victoria Beckham, una pareja que resume como pocas la unión entre fútbol y el glamour de la moda. Para David, el partido tenía un componente especialmente emotivo: fue capitán de Inglaterra, disputó tres Mundiales y continúa siendo una de las figuras más reconocidas de la historia reciente del seleccionado. Además, el encuentro se jugó en Miami, la ciudad donde construyó buena parte de su proyecto empresarial como copropietario del Inter Miami.

Su participación no se limitó a ocupar una butaca. Durante la semana, Beckham visitó a los jugadores ingleses mientras entrenaban en las instalaciones de Inter Miami y se acercó para desearles suerte antes del choque con Noruega. Sus hijos Romeo y Cruz también pasaron por el entrenamiento. En este Mundial, David se transformó en una presencia casi permanente: anfitrión, exfutbolista, empresario y embajador informal del fútbol inglés en los Estados Unidos.

A su lado, Victoria volvió a ocupar ese lugar que conoce desde los años noventa, cuando acompañaba a David durante su etapa como jugador. Sin embargo, hoy su figura tiene una identidad propia muy marcada: dejó atrás su etiqueta de ex- Spice Girl para convertirse en diseñadora y empresaria internacional. Su presencia en la tribuna conectó, una vez más, el partido con el universo de la moda y reforzó la sensación de que los grandes estadios de este Mundial funcionan también como enormes alfombras rojas.

La aparición de Venus Williams también captó la atención de los flashes. Ganadora de siete títulos de Grand Slam y una de las atletas más influyentes de las últimas décadas, la tenista estadounidense representó a la élite del deporte internacional. Acostumbrada a competir bajo presión en los escenarios más importantes, siguió el encuentro desde el otro lado: ya no como protagonista dentro de una cancha, sino como invitada de lujo de un evento que reunió a distintas generaciones de campeones.

Las imágenes de Jagger, los Beckham y Venus resumieron uno de los fenómenos más visibles de esta Copa del Mundo. Los palcos se convirtieron en parte del espectáculo. Mientras Inglaterra y Noruega peleaban por un lugar en las semifinales, las cámaras también jugaban su propio partido: encontrar a la próxima celebridad, registrar una reacción y transformar cada gesto en una escena viral. Fue una tribuna difícil de igualar: una leyenda del rock, el excapitán más famoso de Inglaterra, una diseñadora que marcó una época y una campeona histórica del tenis.

Inspirado en el cuento más importante y reconocido del autor, publicado por primera vez en la revista Sur, 1945, el espectáculo cuenta además, con escenografía del artista plástico Eduardo Basualdo y Mariana Tirantte.

Montero, que el año pasado montó para la compañía que dirige Julio Bocca una obra contemporánea con música de Bach, Chacona, se declara un lector apasionado de la obra de Borges, a la que vuelve todo el tiempo, atraído por su universalidad. No era de extrañar, entonces, que fuera el relato de 1945, el que marcara el norte de su creación, ya que aborda un tema central en la literatura del escritor argentino, el infinito, a partir de un punto donde confluyen todos los tiempos y todos los espacios.

Una “obra de arte total”

A quince días de su llegada a Buenos Aires para empezar a trabajar en las salas de ensayo con los bailarines del Estable, el madrileño anticipó a LA NACION que están ultimando el score con Santaolalla, que tiene música adicional de Owen Belton.

A propósito de las imágenes que el Teatro Colón compartió hoy en redes sociales, y que registran a Darín con Bocca, juntos, en el estudio de grabación, el coreógrafo comentó: “Es un honor contar con Ricardo Darín para sumar texto original de Jorge Luis Borges, con su increíble interpretación y originalidad, e integrarlo dentro de la obra, como una obra de arte total. Creo que va a tener todavía otra textura más a partir de la voz de este gran actor, que ha tenido la generosidad de aceptar la invitación de Julio para formar parte”, dice en tiempo de descuento para ponerse a trabajar en su “proyecto soñado”.

“El Aleph” condensa el universo borgeano. Y, aunque no trascendió con precisión qué fragmentos se incluirán en Principio de éxtasis, sería muy probable que aquella famosa enumeración de todo lo que “ve” el narrador Borges (el populoso mar, el alba y la tarde) haya sido parte de lo que registró Darín.

“Ausencia”, incluido en el primer libro del escritor, de 1923, comienza así: Habré de levantar la vasta vida/ que aún ahora es tu espejo: cada mañana habré de reconstruirla./ Desde que te alejaste,/ cuántos lugares se han tornado vanos/ y sin sentido, iguales/ a luces en el día. También "Despedida" forma parte del mismo poemario, Fervor de Buenos Aires. Son bien conocidos sus primeros versos: Entre mi amor y yo han de levantarse/ trescientas noches como trescientas paredes/ y el mar será una magia entre nosotros.

Sin dudas, el encargo de una obra basada en la máxima referencia de la literatura argentina para el Ballet del Teatro Colón es una ocasión excepcional, así como una hazaña artística. ¿Cómo se verá en los cuerpos de los bailarines ese Principio de éxtasis, un instante en el que confluyen todos los instantes? Eso se develará a los ojos del mundo dentro de dos meses exactos.

Junto a su piano, Peppino di Capri acompañó a Italia desde el boom económico posterior al desastre de la Segunda Guerra Mundial, hasta los años dosmil: por más de sesenta años fue uno de los rostros más conocidos de la música italiana.

Célebre no sólo por “Champagne”, sino también por “Un grande amore e niente più”, otro hit, contribuyó a transformar la canción napolitana en un lenguaje pop capaz de hablarle al mundo. “Cantó la Dolce Vita, los veranos en el mar, los grandes amores y las nostalgias. Con él la canción napolitana aprendió a dialogar con el rock’n’roll norteamericano, el twist, el jazz y el pop internacional sin perder su propia identidad”, destacó Carmine Aymone en el Corriere della Sera.

“Uno de los mayores logros artísticos de Peppino Di Capri fue rescatar la canción napolitana de los clichés folclóricos. Nunca renegó de sus raíces; por el contrario, las reinterpretó. El dialecto adquirió un carácter contemporáneo, mientras que el mar, Capri y el Mediterráneo dejaron de ser meras imágenes de postal para transformarse en símbolos de un estilo de vida reconocido incluso en el extranjero”, agregó.

Nacido en el seno de una familia humilde como Giuseppe Faiella en la isla de Capri el 27 de julio de 1939, fue uno de los protagonistas de la música popular italiana, como cantante, pianista, compositor, autor, empresario, cuya marca registrada fue la elegancia.

La leyenda cuenta que fue una suerte de niño prodigio que ya a los cuatro años tocaba piano ante los soldados “americani” llegados durante la Segunda Guerra Mundial a la isla, ya entonces famosa por su belleza, mar y grutas y frecuentada por artistas, intelectuales y músicos de todo el mundo. Tras estudiar piano clásico, a fines de los años Cincuenta, junto a un grupo de amigos el joven Giuseppe fundó una banda llamada los “Rockers” que en 1965 entró en la historia porque fue seleccionada para abrir tres recitales que los Beatles tuvieron en Italia.

Aunque antes, en 1958, Peppino di Capri comenzó a hacerse notar cuando obtuvo su primer contrato discográfico y con dos temas en dialecto napolitano “Nun è peccato” y “Malatia”, logró un gran éxito. Había comenzado a ganar dinero abriendo el “Splash, la primera discoteca de Capri, a la que iban personajes como el modisto Valentino.

Ya afianzado en el panorama musical, en 1970 conquistó el Festival de Nápoles con “Me chiamme ammore” y fundó su propia casa discográfico, algo que le dio mayor autonomía creativa. Tres años más tarde, en 1973, ganó el Festival de San Remo -el evento más prestigioso de la música local- con “Un grande amore e niente più”, interpretada junto a Tonina Torrielli, el momento más importante de su carrera. Ese mismo año, publicó “Champagne”, una canción destinada a entrar en el colectivo imaginario nacional, que habla de la melancolía del final de un amor, que suele estar siempre presente en fiestas, casamientos y demás reuniones familiares junto a una guitarra.

Addio Peppino Di Capri. Un anno fa alla Certosa cantava ‘Champagne’ per l'ultima volta. #ANSA pic.twitter.com/BqB6AUZyTd

— Agenzia ANSA (@Agenzia_Ansa) July 11, 2026

En 1976, volvió a triunfar en Saremo con “Non lo faccio più” y comenzó a cosechar premios en el resto del mundo, donde vendió millones de discos y realizó giras, que incluyeron por supuesto también América latina y la Argentina.

En su última entrevista con el Corriere della Sera, concedida a Michela Proietti el año pasado, Peppino di Capri contó que cambió de nombre cuando su amigo, también músico, Mario Cenci, que era su guitarrista, le hizo notar que su apellido, Faiella, hacía pensar en el término “iella”, yeta. “Me dijo: ‘Como sos de Capri, te vas a llamar Peppino di Capri”, evocó.

También recordó que tuvo una relación difícil con su padre, un hombre del sur que nunca lo tuteó, de viejo estilo, de origen humilde, que igual le abrió las puertas al mundo artístico al permitirle tomar clases de piano. “Un día, al volver de la escuela, descubrí que mi piano había desaparecido: mi padre lo había hecho pedazos para usarlo como leña. Pero luego se dio cuenta de que yo sufría, así que me compró otro”, evocó.

Y habló del origen del gran éxito de su vida, el tema “Champagne”: “Mi cuñado había escrito la canción ‘Una coppa di champagne’. Quería que Aznavour la cantara. Yo le dije: ‘¡La cantaré yo!’”.

En El Yang-Tsé en llamas, McQueen interpretó a Jake Holman, un marinero trasladado a un cañonero en el río Yangtsé, en medio de la China de 1926, mientras que Bergen dio vida a Shirley, una misionera atrapada en el fuego cruzado del estallido de la Guerra Civil china. El actor, fallecido en 1980 a los 50 años, obtuvo por ese papel la única nominación al Oscar de toda su carrera.

Bergen recordó que McQueen se portó de manera excelente con ella durante el rodaje, realizado en locaciones de Taiwán y Hong Kong. Según contó, el actor —fanático confeso de las motocicletas y conocido en la industria como una verdadera referencia de estilo— siempre tenía una moto a mano en el set, sin importar dónde estuvieran filmando. “Él tenía todo lo que quería allí”, dijo, remarcando el estatus de estrella de su coprotagonista.

La actriz relató que, mientras ella debía usar el vestuario poco favorecedor de su personaje de misionera, McQueen solía invitarla a subirse a su moto para escaparse juntos a recorrer la playa en medio de las jornadas de filmación. Esas escapadas eran tan frecuentes que, según Bergen, cuando la producción intentaba ubicar al actor para retomar el rodaje, nadie sabía dónde encontrarlo.

La actriz fue más allá y compartió un recuerdo bastante más perturbador sobre el comportamiento de McQueen fuera de cámara. Contó que el actor solía viajar acompañado por tres hombres con los que se dedicaba a golpear gente, casi como si se tratara de una rutina de ejercicio físico.

“Viajaba con tres tipos. Eran como tres matones. Y los fines de semana, le daban palizas a la gente. Lo hacían como si estuvieran ejercitándose”, reveló. Y agregó que McQueen y sus amigos se decían entre sí: “Vamos a darle una paliza a un botones”. Y ante la sorpresa del conductor y la otra entrevistada, aclaró: “No mataron a nadie”.

Según explicó, en esa época algunos hoteles de Asia contaban con botones apostados en los pasillos, dispuestos a conseguir lo que los huéspedes necesitaran. De acuerdo con el relato de Bergen, McQueen y sus acompañantes elegían a esos empleados como blanco de sus peleas nocturnas, organizando enfrentamientos que, según contó, se daban de manera reiterada durante el rodaje. “Los botones se organizaron y se armaron peleas por la noche”, rememoró.

Más allá de la reveladora anécdota, la película fue bien recibida por la crítica en su momento, aunque no logró un gran éxito comercial. El film sumó ocho nominaciones al Oscar, entre ellas la de mejor actor para McQueen. El actor continuó consolidando su estatus como ícono de Hollywood con títulos posteriores como El affaire de Thomas Crown y Bullitt, ambas de 1968, además de La fuga en 1972 y Papillon en 1973.

Por su parte, Candice Bergen construyó una carrera igualmente sólida en el cine, con papeles en Tres no hacen pareja (1979), que le valió una nominación al Oscar, y Gandhi (1982). Sin embargo, su consagración definitiva llegó en televisión, cuando se puso en la piel de la protagonista de Murphy Brown, la serie que la llevó a la fama mundial durante sus diez temporadas al aire a partir de 1988.

En esa lista de apropiaciones involuntarias, la galesa Bonnie Tyler ocupa un Olimpo bizarro y glorioso: su voz raspada y su sensibilidad melódica terminaron dándole forma al insulto más temido de las canchas locales y, al mismo tiempo, a la banda sonora secreta de la mayor gesta del fútbol nacional.

El primer gran hito de esta colonización cultural a la inversa ocurrió a finales de la década de 1970. En 1977, Tyler lanzó “It’s a Heartache” (“Es un dolor de corazón”), una balada country-pop que se convirtió en su primer éxito masivo a nivel global. La canción hablaba de la desilusión, de lo estúpido que es amar a alguien que te lastima y del vacío que queda cuando un romance se apaga. Un clásico de la melancolía anglo. Sin embargo, cuando el vinilo cruzó el Atlántico, el oído de los hinchas detectó un pulso rítmico perfecto para el reclamo.

Los que estudian la historia de las hinchadas, sus canciones, sus rituales y sus crímenes, coinciden en que la primera hinchada en cantar la adaptación fue la de Huracán. El ingenio de la tribuna extirpó el dolor romántico de la canción y lo transformó en impaciencia colectiva. La melodía de “It’s a Heartache” devino en el clásico y universal: “Jugadores, la c... de su madre, a ver si ponen huevos, que no juegan con nadie”.

Mientras Tyler rasgaba la garganta cantando sobre un amor que te defrauda, miles de hinchas colgados de los alambrados la replicaban a los gritos para exigirle actitud a su equipo.

Con los años, el tema pasó a ser patrimonio de todas las hinchadas del país. Es el himno del desahogo, la cortina musical que suena cuando las papas queman, el equipo no corre y el descenso o la eliminación acechan. En las canchas de Boca y River, al mismo tiempo, el año pasado. Una herencia galesa que late en el cemento argentino cada fin de semana.

La playlist de Diego

Pero el destino de Bonnie Tyler con el fútbol argentino no se iba a limitar a la catarsis del hincha indignado. Unos años después, su música subió un escalón y se metió directamente en el santuario de los protagonistas: el vestuario. En 1983, de la mano del productor Jim Steinman, la cantante editó “Total Eclipse of the Heart”, una obra maestra del pop operístico, exagerada, dramática y épica. Un tema que, por su propia fuerza arrolladora, estaba destinado a acompañar momentos grandilocuentes.

El encargado de darle su lugar en la historia grande del deporte fue, cuando no, Diego Armando Maradona. En su libro testimonial México 86. Mi mundial, mi verdad, el Diez reveló la estricta y obsesiva rutina mística que montó la delegación argentina durante aquella Copa del Mundo. El trayecto en micro desde la concentración del América hasta los estadios era un ritual inalterable controlado por el propio Maradona. Y allí, en el corazón del casete que tronaba en el reproductor del ómnibus, Bonnie Tyler era una pieza fundamental.

Diego recordaba que la playlist de la cábala mundialista tenía tres columnas estables que debían sonar sí o sí antes de salir a jugar: “Eye of the Tiger” (de la película Rocky III), “Gigante Chiquito” de Sergio Denis, y “Total Eclipse of the Heart”. La transición entre la épica del boxeador, el estribillo tribunero local y el drama pasional de la galesa construía el clima de trance que el plantel necesitaba. La voz rota, casi al límite, de Tyler encendía las fibras íntimas de los jugadores. Funcionaba como un combustible emocional inmejorable.

“Total Eclipse de Heart” terminó musicalizando la consagración de una Selección inolvidable.

Bonnie Tyler falleció dejando un vacío enorme en la música pop, pero su eco en el sur del continente sigue siendo eterno. Quizás nunca dimensionó en su total magnitud que, mientras ella giraba por teatros de Europa interpretando sus canciones de amor y desamor, en esta esquina del mapa su discografía se había bifurcado en dos mitos vivientes: el insulto más temido por los jugadores del fútbol argentino y la melodía sagrada que acompañó al Diego a levantar la Copa del Mundo.

La particularidad es que tendrá como invitado al violinista Jeremías Sergiani-Velázquez, que lleva más de una década y media radicado en los Estados Unidos. Cuando se toma unas semanas de vacaciones enfila para la Argentina para visitar a su familia y, si se puede, tocar.

En realidad, programar conciertos son la mejor excusa para volver. De hecho, su esposa, la flautista Katie Althen, es bastante fan de nuestro país y la que lo impulsa a programar actuaciones en la Argentina. Katie tiene agendado para el 12 de julio un recital de flauta y piano con Natalia Suriano en Pro Música Rosario. Jeremías, antes de la gira con la Camerata tiene un concierto como concertino invitado de la Sinfónica Nacional, con dirección de Emmanuel Siffert. El programa incluye obras de Franz Liszt y Alex Nante.

Jeremías dejó su Córdoba natal a los 18 y llegó a los Estados Unidos en 2010. Se formó en el New England Conservatory (donde conoció a Katie) y luego en la prestigiosa escuela Juilliard. Integró la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh y la Orquesta Sinfónica Grant Park de Chicago. Realizó giras con la Orquesta de Cámara Orpheus y fue concertino de los New York Classical Players. También realizó una intensa actividad en música de cámara e integró el cuarteto tanguero de Pedro Giraudo.

View this post on Instagram

Lo más cotidiano para Jeremías es ser solista de la fila de segundos violines de la orquesta de la Metropolitan Opera House de Nueva York (MET), que en la temporada 2026-2027, tiene una agenda de unos 18 títulos (el 30 por ciento son producciones de estreno). Es decir, estará ocupado, incluso con las giras que hace la orquesta. Pero busca nuevos desafíos.

-¿Le podés explicar al lector el rol de primer violín de los segundos de la orquesta y como llegaste a ese lugar?

-Iba a comenzar en 2020 pero por la pandemia se postergó. Pasé 17 meses en la casa de mis suegros. Es decir, en la casa de los padres de quien entonces era mi novia. Por suerte la pasamos bárbaro. Recién en 2021 comencé con la orquesta. Para explicarlo, una orquesta tiene unos 14 “primeros” violines, otros 14 “segundos”, unas diez violas y ocho chelos. La primera silla de los segundos violines lidera la sección y es el nexo entre esa sección y el director. Además tiene que estar en contacto con los solistas del resto de las secciones. Hay que liderar, dar confianza, musicalmente hablando, a la sección, y estar bien preparado y escuchando a los cantantes, porque hacemos ópera.

-Con la cantidad de títulos que tiene el MET, la actividad es fuerte. ¿Queda tiempo para otra cosa?

-El MET hace siete funciones por semana. Cada uno de nosotros tiene que participar en, al menos, cuatro, más los ensayos. Yo hago cuatro o cinco por semana. Pueden ser cuatro óperas diferentes y en los ensayos, otras que son las que tendremos funciones más adelante, en dos semanas. Es como una calesita de repertorio que se mueve y tenés que mantenerte a flote. Pero, la verdad, me encanta. Es buena la orquesta, son buenos los colegas, me encanta el repertorio que hacemos. Es mucho trabajo, pero es mi pasión.

-¿Fuera de lo musical, como es tu vida allá?

-La realidad de conseguir trabajo es complicada. Es estadísticamente difícil. Llegan 400 currículums para un puesto. Tenés graduados de distintas escuelas que tocan muy bien. Es una competencia, hay mucho de preparación y se trata de estar en la mejor forma posible. Y hay otro tanto de circunstancia. Me presenté en varios lugares. En las primeras audiciones que hice no me fue muy bien. Cuando gané en el MET logré algo que se sentía como un sueño. Luego, vivir en Nueva York, obviamente es una ciudad muy cara, pero por suerte estamos cómodos. Nos mantenemos muy activos. Mi esposa da clases, tiene un ciclo de música de cámara. Siempre está dando conciertos. Y ahora va a dar recitales en Buenos Aires y Rosario. Tratamos de hacer mucha música de cámara porque eso nos mantiene la inspiración rodando. No hay que perder la inspiración para que no se sienta como un trabajo. Obviamente, hay días en los que uno no tiene ganas de ir.

-¿Cómo será la experiencia tanguera con la Camerata?

-He tocado otras cosas de tango pero nunca las estaciones porteñas. Ignacio Quiroz y Danisa me hicieron la propuesta y me encantó la idea de esta Camerata que tiene la flexibilidad de muchos tipos de repertorios. La verdad que hasta ahora ha sido un placer. Son todos increíbles músicos en la orquesta y Danisa también. Estoy contento de colaborar con ellos.

-¿Hay un plus emocional al momento de tocar acá?

-Me pone nervioso tocar en Córdoba. Súper contento y nervioso. En los últimos tres o cuatro años vuelvo todos los años. Y toco música de cámara. También me gusta dar clases, cuando hay oportunidad. Porque me siento afortunado. La realidad argentina es difícil para salir a formarse. Mi familia lo vivió en carne propia. Sin la ayuda de mis padres, tías y abuelos, y de mi profesor en Córdoba, Fabricio Valvasori, no hubiera podido hacerlo. Ahora que estoy más establecido, mi sueño es volver más y dar clases, tocar conciertos, colaborar con la sinfónica o con otras orquestas.

-¿Y tu esposa?

-Y ella, que es de allá, es la que más le gusta venir. Le encanta Buenos Aires. “¿Cuándo vamos a ir?, me dice. “Vamos, organicemos un recital”. Y esa es la razón por la que comencé a venir más. A veces quiero descansar, porque la temporada [de ópera en el MET] estuvo muy ocupada. Pero al final venimos, organizamos cosas y me re engancho.

-Ahora estarás de vacaciones del MET, que está por comenzar la temporada 2026-2027.

-Claro. Empieza en septiembre, pero en la mitad de agosto nos vamos de gira por Europa. Salimos de gira una vez por año. El que viene nos toca Asia.

-O sea que las vacaciones son para seguir trabajando.

-Pero me da una energía bárbara. Me motiva. Me encanta mi trabajo. Venir acá es hacer cosas con otros anteojos. Otro punto de vista. Me recarga más que una vacación sin hacer nada.

-¿Cuándo a los 18 decidiste formarte afuera, Estados Unidos fue la primera opción?

-Originalmente pensé en Europa por los costos. En Estados Unidos los costos son prohibitivos para nosotros. El costo académico puede ser de 40 mil dólares.

-¿Por año?

-Sí. Mis padres son de clase media, empleados públicos. Nunca me faltó nada, pero no había chances para eso. Tuve la buena fortuna de haber conocido en Brasil a quien luego fue mi profesora, Miriam Freed. Fue ella la que me dijo si quería ir a Boston, para estudiar con ella. Y por suerte en New England me dieron una beca completa. Aun así fue difícil. Al año siguiente, el Mozarteum Argentino me dio una beca por tres años. Sin ellos hubiera sido imposible.

-¿Cómo fueron las primeras experiencias?

-La primera vez que fui a audicionar, iba escuchando al resto de los chicos y eran, literalmente, los mejores violinistas que había escuchado en mi vida, en persona. No hablo de discos. “¿Qué estoy haciendo acá?“, pensaba. Síndrome de impostor al máximo. Recién cuando me graduó dije: ahora quiero un trabajo. Mientras estudiaba en la Jiulliard tocaba música de cámara y tango, en milongas, con el grupo de Pedro Giraudo.

-¿Qué fue lo más difícil?

-Ese principio de ver a los chicos de mi edad tocando Paganini. Estuve cuatro años estudiando. No había atajos; había que estudiar. No salía, no conocía Boston. Me la pasaba estudiando. No era lo más saludable, pero me sirvió para mejorar.

Desde entonces el Prix de Lausanne no cesó su actividad. Ofreció a estudiantes de ballet de entre 15 y 18 años un formato de competencia exclusivo, de una semana, con clases y pruebas que -como han declarado y siguen relatando aún hoy bailarines de todo el mundo- se parece más a una exigente escuela premium e intensiva que a un certamen en busca del primer puesto. Cualquiera puede verlo en las transmisiones en vivo que dejan entrar al espectador en las salas de ensayo, detrás del escenario y también en la intimidad de instancias decisivas.

Ayer, por ejemplo, después de las semifinales que pusieron uno por uno a los candidatos en escena con pasajes de La bella durmiente, Paquita y Don Quijote, entre otros clásicos, la exfigura de la Ópera de París Elisabeth Platel daba una clase de ballet soñada para esas jovencitas que la seguían de punta en blanco. Más tarde, de pie junto al presidente Prix Stéphane Lagonico, el propio Jean-Christophe Maillot, Director de Les Ballets de Monte-Carlo, les hablaba a los aspirantes y avalaba con su aplauso a los elegidos para pasar hoy a la ronda final. “Recuerden -decía, antes de que empezaran a sonar los nombres- son muy jóvenes y la vida es muy larga”, los alentaba.

En esta aceitada maquinaria suiza que no detiene su funcionamiento trabajan coaches y coreógrafos internacionales para crear condiciones inmejorables. Tres argentinos coinciden allí este año: Julio Bocca -quien ya ha estado en varias ediciones anteriores, inclusive, como presidente del jurado-, Cinthia Labaronne -hace unas horas, era ella quien presentaba en el escenario las variaciones de las instancias semifinales- y Demian Vargas, también como maestro. “Es importante que esta competencia siga creciendo y cambiando porque representa una gran oportunidad para muchos estudiantes de todo el mundo”, declara Bocca, agradecido por esta nueva invitación que le permite seguir ver generaciones emergentes de bailarines. “Disfruto ser parte. Realmente lo aprecio y espero que continúe por muchas ediciones más”.

Por supuesto no es fácil hacerse de un lugar en el certamen. Cada temporada llegan solamente entre 70 y 80 adolescentes de países de todo el globo que son elegidos en preselecciones regionales -notoria es esta vez la gran cantidad de jóvenes de Corea, Japón y China que lograron clasificar por un lugar en la competencia-. Muchísimo menos sencillo todavía es quedar entre los veinte que esta mañana (con streaming desde las 10.30 hora argentina) buscarán su consagración en la final.

Como un trampolín efectivo, el Prix de Lausanne lanzó la carrera de jóvenes que hoy son nombres muy relevantes para este arte y, a su vez, se convirtió en una plataforma -con tradición, pero moderna y actualizada- que le permitiera seguir cumpliendo una labor señera. Pasaron cincuenta años: la edición que conmemora estas bodas de oro está en su apogeo y este domingo celebrará su gran gala.

No hay nada más ilustrativo que revisar el archivo del concurso para descubrir la historia que escribió. La lista es elocuente; yendo por décadas, en 1980 Lausanne consagró a una jovencísima Alessandra Ferri; seis años más tarde empujaba la incipiente carrera de Julie Kent y en 1987, hacía lo mismo con la británica Darcey Bussell. La década siguiente premió, entre otros, al cubano Carlos Acosta (1990), a Christopher Wheeldon (1991), a Benjamin Millepied (1994) y al brasileño Marcelo Gomes (1996), figura del ABT y flamante director en la Semperoper de Dresden, en Alemania, que mañana participará del broche de oro. Para rematar esos años dorados, se podría sumar a Alina Cojocaru y Friedemann Vogel, ambos triunfantes en 1997 (juntos abrirán la gala estelar haciendo La dama de las camelias de Neumeier). El registro pormenorizado de ganadores está disponible en la página web del certamen -en el nuevo milenio, tuvieron su medalla la rusa Maria Kochetkova, el bailarín del Royal Ballet Steven McRae, por citar solo algunos-, y allí se puede bucear por año o por nacionalidad. Argentinos, por ejemplo, aparecerán solo tres nombre. El primero, Sergio Neglia, recuerda desde Búfalo, Nueva York, la “experiencia fenomenal” de aquel 1981 en Suiza. “Fui con mi maestro, Rodolfo Fontán. Había sido elegido de un grupo que armó George Balanchine. Yo no tenía ni idea lo que era competir, en ese momento solo estaba Lausanne, París, Varna y Moscú. Vi tantos bailarines que eran fenomenales, porque no solo eran buenos, sino de una destreza y técnica impresionante para los 17 años que teníamos. Fui el primer argentino en ganar y luego la segunda fue Larissa Fanlo [en 1987], más joven que yo”, resume, antes de viajar a Buenos Aires, para dar sus clases de verano. Hubo una tercera vez que el país conquistó la medalla, en 2010, y consta en actas que lo hizo Cristian Emanuel Amuchástegui.

Ganar no es el premio

Con el número 413 en la pechera, a los 17 años, Facundo Luqui llegó a Lausanne en 2016. “Participé en la preselección latinoamericana que se hizo en Buenos Aires, en el CCK, en 2015, y con dos chicos de Brasil quedamos para ir a Suiza”, recuerda desde Alemania. “Participé porque había sido mi sueño por mucho tiempo. De chico, antes de que pasaran todo en vivo, veía esos videos cortitos de algunos participantes que mostraban cada día de la competencia. Los sabía de memoria. Yo quería ir a ese lugar, vivir la experiencia y cuando sucedió no lo podía creer. No paraba de llorar”.

Lucas Erni, un "gaucho santafesino" que llegó lejos

Preparado por Lidia Segni y apadrinado por Julio Bocca, que pagó su pasaje y le dio un puñado de buenos consejos (”me dijo que abriera los ojos para absorber lo que más pueda y eso me sirvió para tener más hambre de conocimiento”), Luqui participó del concurso con la variación de Albrecht del segundo acto de Giselle; llevó además una coreografía de su amigo, el italiano Fabrizio Coppo, y preparó una variación contemporánea que lo había obsesionado, A solo for Diego, de Richard Wherlock. “¿Cómo me fue? Fue una de las mejores semanas de mi vida, una full experience. Era la primera vez que salía del país, el plan que tenía para cada día era increíble: te olvidabas de que estabas en una competencia; cada clase con los maestros invitados o en los ensayos, todo lo que te da el concurso. Me acuerdo que la selección era un viernes. Cuando bailé pensé ‘wow, quedé’, di todo de mí, me sentí bien, a gusto, y luego no, no pasé. Pero en el Prix de Lausanne los que no llegan a la final tienen una clase que ven los representantes de compañías y escuelas asociadas, y te seleccionan para reunirse con vos”. A Facundo le ofrecieron una beca en la escuela de Rosella Hightower, en Cannes, aunque finalmente no la tomó porque a su regreso a Buenos Aires ganó por concurso la estabilidad en el Ballet del Teatro Colón. Ahora, a los 25 años, integra el Leipzig Ballet de Alemania, una compañía que le ha dado buenas oportunidades de lucirse como solista y donde satisface esa sed de bailar creaciones contemporáneas a la vez que cumple otro anhelo, trabajar en Europa. Sin embargo, anticipa a LA NACION que a mitad de este año regresará a Buenos Aires. “Me motiva volver y comenzar otra etapa. Siento que cambie un montón en estos dos años acá y quiero ver como me encuentro en la Argentina con este nuevo yo. Vivir afuera no siempre es color de rosa, son ritmos muy diferentes y culturas distintas”.

En la misma dirección que realza aquello que ganar no es el único premio se alinea el caso de Paloma Ramírez, una de las últimas argentinas en participar -el año pasado viajaron dos jóvenes bailarinas y éste hubo una representante del país, Lucía Abril Marcucci, que no llegó a la final-. Desde los 10 años, cuando empezó a meterse en el mundo de los concursos, el Prix de Lausanne era una meta para ella, pero claro, antes tenía que cumplir los 15 reglamentarios; entonces sí, se presentó y obtuvo el primer lugar entre los candidatos de América Latina, lo que le permitió llegar a Suiza con todo pago. “Uno va con la idea de lograr las becas, pero son más o menos 80 personas de excelente nivel y que justo te toque a vos no es fácil, pero creo que es una gran oportunidad para contactarte con directores de escuelas, compañías, maestros, gente importantísima que te puede abrir puertas a lo largo de tu vida”, reflexiona.

Sobre esa semana intensa de 2019 que jamás olvidará, Paloma sentencia: “Fui a casi todos los concursos que hay y te puedo decir que el Prix de Lausanne se diferencia mucho del resto porque cada candidato vale: no sos solo un número; en los otros, no te dan posibilidad de ensayar con maestros como Elisabeth Platel de la Ópera de París, dándote correcciones para vos. Acá tenés fisioterapia, comida de excelente calidad, la estructura y el espacio son maravillosos. Todo un lujo. Y te reciben con mucho cariño, hay traductores disponibles para los que no manejan el idioma, la verdad que es un concurso demasiado bien organizado y una experiencia enorme. Y a la vez como un reality show, transmiten todo, estás permanentemente con las cámaras al lado tuyo. Te hacés conocer y para el currículum eso es muy bueno. Es muy difícil estar ahí, pero se puede, te llena de aprendizaje, es una oportunidad que te cambia la cabeza”, comparte la bailarina, de 19 años, que continúa con su trabajo como freelance mientras cursa el ciclo de Perfeccionamiento del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón.

De profesión ingeniero, Braunschweig, aquel hombre visionario del principio de esta historia, había heredado la pasión por el funcionamiento de los relojes de su padre mientras que como mecenas de la danza, su otra gran devoción, acertó él mismo con un mecanismo para apoyar a jóvenes promesas. Alcanzó a ver con claridad el éxito de su emprendimiento antes morir, en 2010. Para entonces, había trascendido que su mayor preocupación estaba en el otro extremo de la vida de los artistas: se preguntaba cómo asegurar el retiro a los bailarines en la vejez. Quién sabe cincuenta años después haya un próximo filántropo listo para tomar ese legado.

Para agendar

La gala de estrellas de este domingo se transmitirá a las 12.30 de Argentina (4.30 pm en Suiza) en www.prixdelausanne.org/live-streaming