No lo dijo frente a un auditorio cualquiera. Lo escuchaban en la noche del último lunes, en el imponente auditorio del hotel-casino Caesars Palace, de Las Vegas, los representantes más poderosos de la exhibición cinematográfica de todo el mundo: los dueños de las cadenas más importantes de Estados Unidos. Son los organizadores de CinemaCon, la convención que cada año para esta fecha expone como ninguna otra la situación de la industria global del cine.

“Eliminen la publicidad interminable y acorten sustancialmente los largos preshows antes de cada función”, dijo Rothman frente a la incómoda reacción del auditorio, según los testigos de un encuentro que estuvo reservado a los profesionales del sector. Dijo que ahora, gracias a la posibilidad que brinda la reserva previa de las butacas, el público adoptó la costumbre de postergar el mayor tiempo posible la llegada al cine.

“Dejen de lado la publicidad –instó el ejecutivo de Sony-. Quienes van al cine ahora llegan a última hora, casi sobre el comienzo de la función, porque odian tener que ver anuncios interminables, algo que no necesitan hacer en sus casas donde las películas son gratis”. Sobre los anticipos de los próximos estrenos que se proyectan antes de la película principal, Rothman reconoció que la mayoría “ni siquiera los ve”, lo que deja como resultado alrededor de media hora de “atracciones desperdiciadas”.

Los espectadores de las funciones de cine que se realizan en las salas y los complejos de nuestro país no registran instancias previas a cada función tan extensas como las que hoy rigen en sus equivalentes de Estados Unidos en la mayoría de los casos. Unos 15 minutos antes del comienzo de cada función, con la sala todavía a medio iluminar (y en algunos casos con todas las luces encendidas), el público se va acomodando en sus butacas mientras en pantalla desfilan avisos publicitarios, publicidades institucionales de las propias cadenas promocionando sus campañas de fidelización de clientes y anticipos de los próximos estrenos (los clásicos trailers o “colas”).

Ese segmento de variedades apareció toda la vida en los cines de nuestro país. Los más memoriosos recuerdan que el programa de mano incluía para cada función el horario de la película principal y de las atracciones previas, que en otros tiempos se identificaban con un “noticiero”. En realidad, antes de desaparecer definitivamente, ese segmento estaba armado por lo general con imágenes de la actualidad empresarial, con imágenes de algún acto protocolar o presentaciones de nuevos productos.

Paralelamente, hasta llegar a la situación actual, se fue ampliando el número de avisos publicitarios, de promociones de las propias cadenas y de anticipos de próximos estrenos. Un par de décadas atrás no eran más que uno o dos, ahora se multiplican y pueden llegar a cinco o seis, sobre todo en vísperas de las vacaciones de invierno y cuando se esperan las películas más taquilleras del año para todo público.

Rothman fue el primer ejecutivo de un estudio importante que pidió públicamente la eliminación completa de esa práctica como requisito para mejorar la salud de la industria, expuesta como nunca en los últimos tiempos a una crisis de convocatoria y falta de interés frente a muchos de los grandes estrenos programados por los estudios más importantes de Hollywood.

“La asistencia a los cines ha disminuido claramente en comparación con la época previa al Covid-19 y todos tenemos trabajo urgente que hacer. Por nuestra parte, eso significa ofrecer una variedad de películas excelentes a todo tipo de público”, dijo antes de presentar las novedades del estudio, encabezadas por las nuevas películas del Hombre Araña y de Jumanji.

A la vez, Rothman dijo que los cambios que propone no podrían haberse planteado en un momento más oportuno, ya que estima que la taquilla global de 2026 será la mejor de los últimos años. “Este es un momento ideal para impulsar mejoras a largo plazo en la experiencia del público en las salas”, agregó.

Además de pedir la eliminación de las extensas “atracciones” previas a cada proyección de la película principal, el máximo ejecutivo de Sony reconoció que el otro motivo de preocupación real más importante de los estudios es el costo de las entradas. “Ir al cine debe volver a ser más accesible. Sé que la situación económica ha sido y es difícil, no los estoy criticando. Por el contrario los apoyo porque muchos de ustedes han realizado magníficas inversiones para modernizar sus salas de cine”, dijo frente a los organizadores de la convención.

Aunque el rango de variación es muy grande según el lugar (ciudad o región) en el que está ubicada la sala, el valor del ticket promedio para una película en los cines de Estados Unidos es de 16 dólares, con picos máximos en los casos de funciones Premium o IMAX, que pueden superar los 25 dólares. En la Argentina, el precio estándar de una entrada de cine oscila entre los 12.000 y 16.000 pesos, además de las promociones y descuentos aplicados para determinados días o funciones.

Rothman también instó a los dueños de los cines a mantenerse firmes en defender la ampliación de las ventanas de exhibición para garantizar la permanencia de las películas en los cines por más tiempo. Rothman dijo que deben seguir comprometiéndose a no proyectar en sus salas y complejos aquellas películas que estén disponibles muy rápido en las plataformas de streaming.

“Los plazos de proyección exclusivos de las películas en los cines deben ampliarse, inclusive si eso significa que no van a poder proyectarse allí todos los estrenos anunciados”, sostuvo. Y también defendió el valor de las películas originales frente a la invasión de las secuelas y continuaciones. “A pesar del éxito de las películas basadas en propiedades intelectuales ya existentes, la originalidad es esencial para el cine. Ni las salas de cine ni el arte cinematográfico en sí mismo podrían sobrevivir sin algo de originalidad. Al fin y al cabo, no podemos hacer secuelas de la nada”, agregó.

Después del mensaje de su titular, Sony presentó algunos de los próximos lanzamientos del estudio, entre los cuales se destacó Jumanji: Open World, tercera entrega de la actualización de la exitosa comedia de acción y ciencia ficción originalmente lanzada en la década del 90 con Robin Williams como estrella principal.

La nueva aventura, que será estrenada en los cines de todo el mundo en la Navidad de este año, fue presentada en Las Vegas por sus tres figuras protagónicas, Dwayne “The Rock” Johnson, Jack Black y Kevin Hart, que regresan para esta tercera película junto al resto del elenco de los dos títulos anteriores (Karen Gillan, Nick Jonas, Awkwafina, Danny DeVito) y el director Jake Kasdan.

Johnson adelantó que esta nueva entrega (que cierra la nueva etapa de Jumanji) recupera el juego de dados original utilizado en 1995 por Williams en la película inaugural. “Es una muestra de respeto a todo lo que Robin inició y también una forma de honrar su memoria y su legado mientras filmamos nuestra última participación en Jumanji”, dijo Johnson.

Fue un mago el que puso un cohete en el ojo de la luna. Georges Méliès no inventó el cine, pero sí inventó el cine como maravilla. Viaje a la Luna no es la primera película filmada, sí recibe su crédito como una de las más importantes. Para el visionario francés, el cinematógrafo fue más que una curiosidad de feria. Conjurando el espíritu de la literatura de Julio Verne, Méliès estrenó en 1902 la primera película de ficción científica. Y dio vida al cine como lo conocemos: como espectáculo, con imágenes que hasta el día de hoy conmueven, o se estudian como si se tratara de descifrar símbolos, o simplemente entretienen la mirada. O todo eso al mismo tiempo.

Hijo de la ciencia y las artes, desde su nacimiento el cine soñó con alcanzar la luna. El subgénero de los viajes espaciales es, junto al western, fundacional para las artes cinematográficas. Como lo atestiguan Buzz Lightyear y Woody, el astronauta y el vaquero de Toy Story.

A lo largo de la historia, no fueron pocas las películas que han querido honrar el legado de Viaje a la luna. Pocas lo consiguieron. Filmar una película en “el espacio”, del género que sea, requiere destreza técnica del más alto nivel. Pero no basta con los efectos visuales o los decorados para maravillar al público.

La Guerra Fría que calentó la pantalla grande

Borges observó, con mucha inteligencia, que la llegada del ser humano a la Luna fue la hazaña capital del siglo XX. “Por razones políticas, es decir, circunstanciales y efímeras, la gente tiende a disminuir esa hazaña”, afirmaba en uno de sus diálogos con Osvaldo Ferrari.

El escritor argentino pudo apreciar aquello que muchos de sus contemporáneos, poetas y escritores, no. W.H. Auden, en The New Yorker, desestimó el alunizaje como una competencia nacionalista.

El cine no tardó en subirse al cohete que disputaban las naciones. James Bond fue el encargado de evitar la guerra cuando su archienemigo, Blofeld, secuestró naves espaciales de la NASA y la Unión Soviética. Aunque los efectos visuales de Solo se vive dos veces eran buenos para su época, apenas un año después del estreno, en 1968, parecían hechos por principiantes. El motivo: una de las grandes obras maestras del cine.

El único Oscar que recibió Stanley Kubrick fue por los efectos visuales de 2001: Una odisea del espacio (disponible en HBO Max). Con justicia considerada una de las mejores películas de la historia; injustamente, el equipo que acompañó a Kubrick para diseñar los efectos de 2001... (entre ellos Douglas Trumbull) no recibió el premio.

2001..., como Viaje a la luna, es una película que mantiene intacto su poder para maravillar a los espectadores. Los efectos son tan buenos que incluso hoy asombran. Algunos creen en una teoría conspirativa: el hombre nunca llegó realmente a la Luna, sino que la NASA, luego de ver Una odisea en el espacio, contrató a Kubrick para filmar el alunizaje en un set.

No todas fueron loas. Andrei Tarkovsky calificó a 2001... como una película “pretenciosa”, “fría”, y “estéril”. La respuesta cinematográfica soviética llegó 4 años más tarde. En Solaris (no disponible actualmente) no hay monolitos, ni monos ni una inteligencia artificial tan carismática como Hal-9000. Aunque la película nunca fue tan popular como 2001..., no carece de méritos artísticos.

Los “fracasos exitosos”

“¿Sabés qué amé de tu película?” le confesó Billy Wilder, el gran cineasta detrás de Piso de soltero, a Ron Howard, director de Apolo 13 (se puede alquilar en Claro y en Apple TV). “Que celebra a las personas que no lograron sus sueños”.

Entre los griegos, la Luna tenía nombre y deseo propio: Selene, que se enamoró de un pastor llamado Endimión. Como si fuera “un sueño dentro de un sueño”, escribió John Keats, cobijados por el cielo nocturno, el pastor y la diosa mantuvieron su romance.

George Bailey le promete la Luna a Mary, en el clásico de 1946, ¡Qué bello es vivir!. La Luna, no solo para los griegos, representó el anhelo de lo soñado. Hollywood hizo eco de esta visión romántica y se encargó de darle un giro.

La nave para esta odisea se llama como el dios griego de la curación. Pero el número no parece ser un buen presagio. El rostro de Tom Hanks, suspendido entre la desilusión y la determinación, condensa todo: Apolo 13 no aparenta ser una historia inspiradora. Pero lo es.

La película sobre la misión fallida de la NASA fue una de las más taquilleras de 1995 en todo el mundo. Dejó una frase para la memoria: “Houston, tenemos un problema” y tuvo varias nominaciones a los Oscar.

Pero antes hubo otra película excepcional sobre “los que no llegan”. Los elegidos de la gloria (se puede alquilar en Apple TV) parece un título irónico para representar el trabajo descomunal de los 7 hombres seleccionados para el Proyecto Mercury, el primero de pilotos espaciales en los Estados Unidos.

La película se estrenó en 1983 y, aunque recibió 8 nominaciones al Oscar, fue un fracaso de taquilla. Protagonizada por Sam Shepard, Ed Harris (que también actuó en Apolo 13) y otros, el film recibió su merecido reconocimiento con el paso del tiempo. Aunque casi todo el relato sucede en la Tierra, esta historia sobre “perdedores”, cargada de adrenalina y con una mordaz mirada política, inspiró clásicos como Top Gun y, por supuesto, Apolo 13.

De padres e hijas

“Durante años, la gente me reconocía por Batman: El caballero de la noche. Pero en los últimos 10 años eso cambió por Interestelar, y eso es increíblemente gratificante”. La confesión de Christopher Nolan está cargada de orgullo.

Cuando se estrenó en 2014, la recepción de Interestelar (HBO Max), tanto en lo referido a la crítica como a la taquilla, fue buena pero no extraordinaria. No destacó tanto como otras películas dirigidas por Nolan. Pero el destino tuvo otros planes.

Más de 10 años después, cada vez que la película se reestrena en los Estados Unidos, la Argentina u otros rincones del globo terráqueo, llena las salas. En 2025, en la lista publicada por The New York Times, apareció como una de las mejores películas de este siglo, votada por el público y por directores de cine.

Como 2001: Una odisea del espacio, Interestelar solo ganó el Oscar por los efectos visuales. Para George R. R. Martin es “la película de ciencia ficción más ambiciosa” desde el film de Kubrick. Hasta la fecha, Interestelar es la película más taquillera de todas las de “viajes espaciales”.

El corazón de la película, inspirada en algunos relatos de Borges y diversas ideas científicas, es una historia sobre un padre y su hija, con la marca personal del director que busca esculpir en el tiempo. Si el espacio se mide por el tiempo, en Interestelar son océanos de tiempo los que ahogan a sus protagonistas. “Antes solíamos mirar hacia el cielo y preguntarnos por nuestro lugar entre las estrellas”, afirma decepcionado el papá de Murphy en una de las frases que captura el poético espíritu de cualquier exploración espacial. Y describe lo que sucede cuando la humanidad pierde el norte: “Ahora solo miramos hacia abajo y nos preocupamos por nuestro lugar entre la basura”.

La gravedad y las leyes de Newton

Cuenta la leyenda que fue una manzana la que inspiró la ley de gravitación de Isaac Newton. Como dice el libro Historia de las ideas científicas, con Newton alcanza para viajar y volver a la Luna.

Gravedad (HBO Max) se estrenó en 2013, fue un éxito de taquilla y ganó 7 Oscar. En apariencia, es una historia de acción espacial con Sandra Bullock y George Clooney, filmada con cámaras 3D y un despliegue visual imponente. Pero hay algo más debajo de esos trajes de astronauta y esas instalaciones espaciales que parecen úteros.

Ryan, la astronauta que interpreta Bullock, está deprimida por la muerte de su hija. Trabaja como si estuviera a la deriva en la inmensidad del espacio. Gravedad representa las tres leyes de Newton, metafóricamente y no tanto, cada vez que un imprevisto obliga a la doctora Ryan Stone a moverse.

La llave del espacio

“El espacio está lleno de azar y mala suerte. No coopera. En algún punto, se los prometo, todo lo que pueda salir mal va a salir mal. Van a pensar que es el final. Pueden aceptarlo o ponerse a trabajar. A resolver las ecuaciones”. El monólogo es de Mark Watney, el astronauta que interpreta Matt Damon en Misión rescate (Disney+).

Galileo Galilei, que nunca se graduó pero fue profesor de matemáticas, decía que la humanidad sin el lenguaje de las matemáticas solo conseguiría viajar por un oscuro laberinto. Siglos más tarde, Borges retomó esa línea de pensamiento cuando escribió: “Como la música, las matemáticas pueden prescindir del universo, cuyo ámbito comprenden y cuyas ocultas leyes exploran”. “La imaginación y las matemáticas no se contraponen”, sostenía el argentino, “se complementan como la cerradura y la llave”.

Esa idea sobrevive en Misión rescate. Watney sobrevive, entre papas y música disco, esperando un salvavidas desde el planeta Tierra. La humanidad, en esta comedia dramática utópica, borra límites y nacionalidades en pos de un bien mayor.

Entre el humor y los temas de ABBA, Donna Summer, Gloria Gaynor o David Bowie, esta no parece una historia para Ridley Scott, el director de Alien y Blade Runner. Pero, en 2015, el cineasta consiguió hacer una de las películas más exitosas de su carrera.

¿Por qué alguien querría viajar al espacio, cuando las probabilidades de supervivencia, naturalmente, son más bajas que en la Tierra? Todos lo saben y, sin embargo, no faltan candidatos para ser astronautas. Kennedy, en su discurso en Texas, citó al explorador George Mallory cuando le preguntaron por qué quería escalar el Monte Everest: “Porque está ahí”. El explorador argentino Alfredo Barragán, cuando terminó la exploración Atlantis, afirmó: “Que el hombre sepa que el hombre puede”.

Entre el optimismo, la ciencia y la religión

Misión rescate y Proyecto Fin del Mundo (en cines) comparten guionista (Drew Goddard), fuente literaria (el escritor Andy Weir) y algo más difícil de fabricar: optimismo.

En Proyecto Fin del Mundo, el protagonista es Ryan Gosling como Grace, un hombre que parece estar fuera de lugar entre tantas computadoras y elementos espaciales. La nave es la Ave María. La misión es, ni más ni menos, que la de salvar a la humanidad. Una sustancia misteriosa está apagando al sol, pero nadie sabe cómo resolverlo.

Dante Alighieri en la Divina Comedia describe al sol como un planeta con una corona ardiente con doce espíritus luminosos. La luz del conocimiento. La leyenda dice que Galileo, en su defensa, argumentó: “La religión no nos enseña cómo es el cielo, sino cómo se va al cielo”. Aunque su historia se usa para reforzar la idea del enfrentamiento entre la ciencia y la religión, el propio Galileo no las veía como fuerzas antagónicas sino complementarias.

Los primeros, pero no los últimos

La historia de las artes está emparentada con la contemplación del espacio. A Johannes Kepler se le atribuye la primera novela de ciencia ficción de la historia, El sueño. Cuando Artemis II captura el lado oscuro de la Luna, es difícil no pensar en Pink Floyd.

El cantante de jazz Gil Scott-Heron compuso “Whitey on the Moon”, una canción de protesta que denunciaba la realidad económica y social de los negros en Estados Unidos mientras los “blanquitos” iban a la Luna.

En El primer hombre en la Luna (HBO Max), otra película de viajes espaciales con Ryan Gosling, pero con un tono muy distinto al de Proyecto Fin del Mundo, se escucha esa canción antes de la llegada a la Luna, cuando el gobierno gastaba millones para un programa espacial que nadie sabía si iba a funcionar o no.

En esa película Gosling interpreta a Neil Armstrong. Hace su propio viaje a la Luna. El título de la película hace referencia a una novela de H. G. Wells, el autor que pensaba en viajar al espacio como algo tan fantasioso como viajar en el tiempo. Gosling viaja para algo más que hacer un duelo.

Kennedy no vivió para ver el “pequeño paso para el hombre”. Pero en la película su voz resuena en segundo plano, como si hablara desde otro tiempo: “Elegimos ir a la Luna no porque sea fácil, sino porque es difícil”. El cine de viajes espaciales existe, en el fondo, para recordarnos que esa frase pertenece a nuestra época.

Veterano de Hollywood que dirigió más de 70 películas, DeMille conocía muy bien la industria cinematográfica. Sabía que esa introducción era inusual y podía resultar pedante, pero su cine nunca optó por la humildad. Al contrario, sus producciones eran faraónicas, gigantescas, donde en cada plano se tenía que notar hasta el último centavo de los miles de millones de dólares invertidos en producción, sets, maquillaje, utilería o actores.

En esta presentación atípica, primero advierte a la audiencia cuál es el tema de la obra: “¿Son los hombres propiedad del Estado o son almas libres de Dios?”. Luego, avisa que la película dura 3 horas con 40 minutos, pero “habrá un intermedio”. La pantalla se funde a negro para dar por finalizada la presentación. Y luego, como si fuera una ópera, se escucha el tema principal de la película. Finalmente aparece el logo de Paramount, como si la montaña de la empresa fuera el mismísimo Monte Sinaí. Aunque ya empezó con esa introducción, ahora la película está por comenzar. Recién en este momento se escucha la voz de Dios: “Hágase la luz”.

El actor que fue elegido “por una nariz”

No era la primera vez que DeMille adaptaba Los diez mandamientos para la pantalla grande. Ya lo había hecho en 1923, pero consideraba que la revolución del sonido y el color en las películas ameritaba una nueva versión. El público se renueva. Con Henry Wilcoxon, el actor y productor con el que había trabajado en películas como Cleopatra y Sansón y Dalila, empezó a diagramar la que iba a ser la producción más grande de su vida. DeMille consideraba que no había relato bíblico más grande que la historia de Moisés, así que el primer desafío era encontrar a un actor al que no le quedaran grandes las sandalias.

“¿Y ese quién es?”, le preguntó DeMille a su secretaria. Estaban en las calles de los estudios Paramount cuando pasó un joven actor manejando un convertible. Desde el auto, el muchacho le hizo un gesto de saludo al director. “Ese es un actor de Broadway, usted lo conoció hace 10 días”, le dijo la secretaria leyendo la agenda. “Pero no le gustó. Su nombre es Charlton Heston”. “Ahora sí me gusta, quiero conocerlo”, dijo el jefe.

Lo que llamó la atención de DeMille fue el perfil de Charlton Heston. Cuando el director y su productor asociado, Wilcoxon, empezaron a buscar candidatos para interpretar a Moisés, usaron una escultura italiana como referencia. “Dios mío, es Moisés”, dijo cuando comparó una foto de Heston con una de la estatua hecha por Miguel Ángel. El director hasta tenía una réplica de la escultura italiana sobre su escritorio. Sin darle ni siquiera el guion, mandó a llamar a Heston y le ofreció un papel en su próxima película.

Heston desconocía qué rol iba a interpretar, pero aceptó encantado. Sabía que podría convertirse en una estrella en una producción con la firma de DeMille. Durante las primeras entrevistas, el cineasta le mostró las maquetas, bocetos y pinturas que iban a inspirar la remake de Los diez mandamientos.

DeMille no lo recordaba, pero ya había trabajado con Heston en El espectáculo más grande del mundo. Pero esta vez la exigencia era distinta. Sobre la imagen de este actor desconocido iba a caer todo el peso de una producción enorme. Moisés era un profeta. El único que había conocido a Dios cara a cara. Heston sabía que era una figura muy importante y empezó a estudiar las Sagradas Escrituras antes de ni siquiera tener un guion.

Para dar con Ramsés, DeMille viajó en tren hasta Nueva York. Fue al teatro en Broadway. Cuando terminó la obra, El rey y yo, se acercó a uno de los actores: Yul Brynner. Y le dijo: “¿Te interesaría interpretar al hombre más poderoso del mundo en una película?”. El actor ni lo dudó.

El resto del elenco de Los diez mandamientos se conformó con algunas estrellas que ya acumulaban años de experiencia frente a cámara, y otras que eran nuevos rostros. Edward G. Robinson -quien consideró que el rol de Datán había “salvado” su carrera-, Vincent Price y John Carradine también formaron parte del elenco.

Para el papel de Nefertiti, DeMille quería a Grace Kelly, pero MGM no permitía que la actriz se fuera a trabajar para Paramount. La segunda opción era Audrey Hepburn, pero había un gran problema: Hepburn no daba la apariencia de mujer egipcia. El rol finalmente recayó sobre Anne Baxter.

El director era famoso por involucrarse en todo el proceso creativo de sus películas. Desde el diseño de los sets y el vestuario, hasta la elección de los actores más jóvenes. A una joven actriz de 15 años, le dijo antes de contratarla: “Vas a hacer el nexo entre la película y los adolescentes que estén en el público. Te ofrezco el papel si me prometés no ponerte mal si llego a gritarte durante el rodaje, y además venís todos los días a ver cómo se hace una película”. Para DeMille era importante que todos conocieran cómo se hacía “la magia” del cine, pero más importante era que todos supieran cómo trabajaba él.

Para hacer el vestuario, contrató a cinco expertos. Por un lado, quería veracidad histórica. Por el otro, quería diseños vistosos. Los diseñadores hacían bocetos y DeMille devolvía anotaciones antes de mandar a confeccionar cada prenda. Solo para Anne Baxter tardaron 5 meses en diseñar los trajes.

La voz de Dios: ¿un misterio resuelto?

Su médico personal le advirtió con mucha seriedad: “Si vas a filmar a Egipto vas a morir”. El director le respondió: “Entonces moriré filmando una película”. DeMille tenía 73 años y había sido diagnosticado con una enfermedad cardíaca cuando decidió filmar gran parte de Los diez mandamientos alejado de la comodidad de los estudios de Hollywood.

Quería filmar en Egipto: “En los mismos lugares donde el pueblo elegido estuvo”, decía. Visitó las pirámides y mandó a construir sets gigantescos, como si fueran los estudios de Paramount en otro continente. El campamento era enorme, parecía un despliegue militar para albergar a cientos de actores, técnicos, animales y vehículos.

Durante el rodaje, DeMille tuvo un ataque al corazón, pero lo mantuvo en secreto. No quería que nadie se enterara porque sabía que si Paramount conocía su situación personal, podía cancelar el proyecto o, peor aún para él, darle el trabajo de dirección a otra persona.

La producción era tan grande, que cuando filmaron la escena del éxodo, DeMille tenía que disparar un revólver para hacerse escuchar. Había más de 800 extras, ciudadanos de El Cairo, que susurraban “¡Moisés!” cada vez que veían a Heston llegar al rodaje totalmente vestido como el personaje.

El Monte Sinaí era el clímax. Para llegar al Monte Sinaí había que viajar tres días. DeMille lo escaló antes de filmar, acompañado por un equipo pequeño. Montaron campamento, cenaron bajo las estrellas y entrevistaron al abad del monasterio como si estuvieran preparando, ellos también, una especie de éxodo.

Heston tuvo dos ideas cuando visitaron el monasterio. La primera: Moisés iba a descender del monte descalzo, porque un hombre que había conocido a Dios “no se detendría para preocuparse por algo como el calzado”. La segunda: él mismo podía ponerle voz a Dios.

Aunque el abad del monasterio aprobó ambas ideas, DeMille no compartió la segunda propuesta. “Ya tenés el rol de Moisés, ¿todavía querés más?”. La voz de Dios, finalmente, se mantuvo como una incógnita. En los créditos de la película figuraba un signo de interrogación. El actor que puso la voz permaneció en el anonimato, aunque según Heston, el trabajo lo hizo un tal Donald Hayne.

Heston confesó que filmar la orgía bajo el Monte Sinaí fue un desafío. “No podían filmar desnudos, y tuvieron que fingir estar de fiesta durante más de 3 días de rodaje. La broma que hacían los actores, exhaustos, era: ‘¿A quién hay que coger para salir de esta película?’“.

Filmaron la orgía en un set. Cuando DeMille retó a dos chicas que hacían de extras, porque estaban hablando mientras él daba indicaciones, les pidió que dijeran para todos los presentes cuál era el motivo de la charla. “Le preguntaba a mi compañera cuándo nos va a dejar parar para almorzar ese viejo pelado hijo de puta”, contestó una de las mujeres. Todos los actores rieron, y el director, en complicidad, dijo: “Hora del almuerzo”.

El único Oscar que ganó la película

Aunque Los diez mandamientos tuvo 7 nominaciones a los premios de la Academia, incluyendo mejor película, solo ganó una estatuilla dorada: mejores efectos visuales. La producción combinó efectos hechos durante el rodaje con otros que se hicieron en posproducción.

Por ejemplo, para las plagas que azotaron Egipto, usaron distintos trucos frente a cámara: el granizo, en realidad, era pochoclo. Las aguas que se transforman en sangre se lograron con trucos de cavidades especiales y colorantes. Para la plaga de sapos, el departamento de utilería hizo cientos de sapitos de goma. Para el hijo muerto de Ramsés usaron un muñeco de cera.

Sin embargo, el mayor desafío durante los 14 meses de postproducción fue la división del Mar Rojo. John Foulton tuvo una idea que no era necesariamente innovadora: reutilizar la técnica de la versión de 1923. Dejaron caer cantidades enormes de agua en los tanques de Paramount, y luego usaron ese material filmado, pero en retroceso. De esa manera, parecía que las aguas “se abrían” ante los actores.

El estreno de una producción inmensa

La música fue el último eslabón. Victor Young, el compositor que trabajaba siempre con DeMille, estaba muy enfermo. El director decidió contratar, por una semana, a Elmer Bernstein, para hacer música incidental. “DeMille era un perfeccionista y no era sencillo trabajar con él, porque exigía perfección”, reveló Bernstein. Casi 30% de la música de Bernstein fue reescrita a pedido de DeMille, que hacía sugerencias tan extrañas como que “si la música se acelera, entonces el público mira más rápido cada escena”. Finalmente, el director decidió extender el contrato de trabajo para Bernstein, no sin antes preguntar: “¿Vas a poder soportarme seis meses más?”.

“El público es el mejor crítico”, solía repetir DeMille. “Si la audiencia de Utah disfruta la película, va a funcionar en todo el mundo”. La premiere fue en Nueva York y la reacción de la audiencia fue muy positiva. Aunque el director fue crítico con la actuación del protagonista: “En general es impresionante, muchas veces es buena, pero a menudo no era lo que necesitaba”, dijo sobre el trabajo de Heston.

Aunque la crítica no solía ser benévola con las películas de DeMille, Los diez mandamientos tuvo una buena recepción entre los especialistas. Pero el director atesoraba sobre todo el desempeño en la taquilla: la película se convirtió en una de las más taquilleras de la historia hasta ese momento. A DeMille empezaron a llegarle elogios y cartas desde todo el mundo. Pero la que más atesoró no venía de nadie importante. Decía, simplemente: “Esta película hizo que Dios fuera real para mí”.

Claro que mientras esas gestiones se ponían en marcha y los Ellison anunciaban sus proyectos para el nuevo mega estudio y la posibilidad de unir las plataformas Paramount+ y HBO Max, un movimiento de resistencia empezó a surgir desde la cima de Hollywood. El primer resultado público de esa iniciativa es la carta abierta publicada hoy, en el diario The New York Times, entre otros medios norteamericanos, firmada por algunos de los nombres más destacados de la industria del cine y la TV.

Joaquin Phoenix, Jane Fonda, Kristen Stewart, Mark Ruffalo, Ben Stiller, Bryan Cranston y Javier Bardem, entre muchos otros, son algunos de los actores que pusieron su firma en el comunicado que también incluye a algunas de las voces creativas más destacadas del Hollywood actual como los directores y productores David Fincher, Denis Villeneuve, J.J. Abrams, Yorgos Lanthimos y David Chase. Más allá de la notable fuerza que ostentan en Hollywood muchos de los que adscriben a la carta, también llama la atención que algunos de los firmantes como Abrams, Villeneuve y Chase tienen vínculos contractuales con Warner.

En total más de mil integrantes de la industria entre artistas y técnicos suscribieron al texto que expresa una “rotunda oposición” a la fusión. “Estamos profundamente preocupados por los apoyos que tiene esta fusión que prioriza los intereses de un pequeño y poderoso grupo de accionistas por sobre el bien común del público en general. La integridad, independencia y diversidad de nuestra industria se verá severamente comprometida. La competencia es parte esencial para una economía y una democracia sanas”, se puede leer en el texto disponible también en la página https://blockthemerger.com/openletter, donde figura la lista completa de firmantes.

“Como realizadores, documentalistas y profesionales de todas las áreas del cine y la televisión escribimos esta carta para expresar nuestra unánime y rotunda oposición a la propuesta fusión Paramount-Warner Bros. Discovery. Esta transacción profundizará la concentración que ya existe en nuestra industria, reduciendo la competencia en un momento que tanto nosotros como las audiencias para las que trabajamos menos pueden afrontarlo. El resultado serán menos oportunidades para los creadores, menos trabajo para todo el espectro del ecosistema de producción, costos más altos y menos opciones para el público norteamericano y del resto del mundo. Nos parece alarmante que esta fusión suponga reducir el número de estudios de cine estadounidenses solo a cuatro. Nuestra industria ya está bajo severa presión. Fuimos testigos de cómo declinó la cifra de films producidos y estrenados, además de la limitación del tipo de historias que se cuentan. Cada vez más un pequeño grupo de poderosas entidades determina qué se hace y qué términos, dejando a los creadores y a los productores independientes con menos opciones para sustentar su trabajo”, dice el texto que aún no tuvo una respuesta oficial de parte de Paramount ni Warner.

La carta abierta concluye mencionando que “por fortuna, alguien está haciendo algo con todo esto” en referencia al fiscal general de California, Rob Bonta, que está investigando la transacción y considerando los recursos legales necesarios para bloquearlo. “Estamos agradecidos por su liderazgo. Estamos listos para apoyar todos los esfuerzos para preservar la competencia, proteger el empleo y asegurar el mejor futuro para nuestra industria, la cultura estadounidense y nuestra exportación más significativa”.

La idea de una comedia que gira en torno a Hollywood no es nueva. Todo lo contrario. De la película Jay Kelly, de Noah Baumbach, a las series como El estudio, The Comeback y Hacks, por citar los ejemplos más recientes, muchos parecen fascinados con reírse del detrás de escena donde habitan los jefes de los estudios, las estrellas y los creativos que los padecen. Los resultados son proyectos que intentan equilibrar la autoindulgencia con algunas observaciones brillantes, a veces hilarantes, sobre el quehacer de la industria audiovisual.

Cuando el balance funciona, como sucede en El estudio, The Comeback y Hacks, la comedia se eleva más allá de las preocupaciones narcisistas y ombliguistas. Cuando la receta no está del todo calibrada, como en el caso de Jay Kelly, ni siquiera la aparición de estrellas interpretando versiones de sí mismos puede salvar el proyecto. Si George Clooney con su carisma intacto y la sensible actuación de Adam Sandler no lograron rescatar a Jay Kelly de sus desaciertos, mucho menos lo consigue Keanu Reeves en Outcome, el film estrenado hace pocos días en Apple TV.

Dirigido y escrito por Jonah Hill, quien también interpreta en la película a uno de los personajes más insoportables de una carrera en la que encarnó a unos cuantos, el film vuelve a fustigar sobre los estragos que causa la fama y la fortuna y el sistema construido para proteger las reputaciones de quienes muchas veces no merecen esos tratos. Lo que intenta ser una sátira sobre el Hollywood actual donde “la cultura de la atención” y las redes sociales moldean una sociedad vacía y caníbal, termina por ser uno de los largometrajes más fallidos de su tipo.

2 stars

La trama de Outcome gira en torno a Reef Hawk (Reeves), un actor consagrado que logró superar la etapa de estrella infantil para convertirse en uno de los intérpretes más queridos, y exitosos del cine mundial. Hawk no solo fue protagonista de las películas más taquilleras sino que además ganó dos premios Oscar, un dato que él se ocupa de recordarle al entrevistador de turno. La inseguridad y baja autoestima del actor tienen una explicación: tras cinco años alejado de la vida pública, un tiempo en el que se dedicó a luchar contra una adicción a la heroína de la que el público no sabe nada, el actor está listo para retomar su carrera.

Desde el comienzo del film y luego casi en todas las escenas que lo componen se repetirá que los únicos que acompañaron a Reef en su larga batalla fueron Xander (Matt Bomer) y Kyle (Cameron Diaz), sus amigos desde la escuela secundaria. Esos que lo protegen del mundo exterior y, más habitualmente, de sus conflictos internos. Es que como le dice una exnovia a la que abandonó hace tiempo, Hawk no es una buena persona. O por lo menos hace décadas que no actúa como tal.

En plena campaña de regreso al primer plano, Ira (Hill), el abogado especializado en crisis de relaciones públicas de Reef, le anuncia un desastre inminente. Alguien tiene un video que podría destruir la carrera y la vida del actor, pero nadie sabe quién es el extorsionador ni qué imágenes contiene el video en cuestión.

Así, Reef debe enfrentarse con la realidad que todo su entorno se esforzó por ocultarle: la lista de quienes lo odian y podrían querer perjudicarlo es tan larga que su asistente personal la dividió en diferentes categorías. En pánico, el actor decide emprender una gira para disculparse con quienes ofendió y maltrató en el pasado y de paso averiguar si alguno de ellos es el responsable del video que pende sobre su cabeza.

Planteado el conflicto de manera algo tosca pero interesante, especialmente gracias a las interpretaciones de Reeves, Diaz y Bomer, al momento del desarrollo del relato la película pierde inmediatamente el rumbo que no recupera nunca. Con un estilo de puesta en escena que tiende a los planos cerrados y sofocantes y una fotografía que pasa de los tonos cálidos y saturados a la iluminación plana del neón sin solución de continuidad, Outcome incluso se da el lujo de desperdiciar la participación de Martin Scorsese. El realizador, que dirigió a Hill en El lobo de Wall Street, interpreta a Red Rodriguez, el representante de Hawk cuando era un actor infantil y el primero en recibir las disculpas del Reef adulto.

Esa secuencia rebalsa sensibilidad pero rápidamente queda olvidada cuando Hill reaparece en escena para boicotear su propia película a fuerza de poner a sus personajes a pontificar sobre “el capitalismo de la víctima” y reírse de los activistas de las redes que confunden un clic con la verdadera participación. Una bajada de línea que pretende causar gracia y no llega ni siquiera a provocar una sonrisa.

Ese es el sentido profundo de la independencia cinematográfica; más allá de los presupuestos y modos de producción, las películas del Bafici comparten la cualidad de ser expresiones artísticas singulares, con ambición de llegar a un público abierto a la experiencia que proponen.

La 27.ª edición del festival organizado por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, que comenzará el próximo miércoles 15 y terminará el domingo 26, promete continuar con esa tradición cinéfila, presentando 327 títulos, entre los que hay espacio para los descubrimientos de nuevos talentos y las confirmaciones de grandes autores.

Las funciones del Bafici se distribuirán entre distintas sedes, que incluyen la tradicional sala Lugones del Teatro San Martín; el Centro Cultural 25 de mayo; el Cine Arte Cacodelphia; el Gaumont; el Teatro Alvear; el Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken; y las salas de los complejos Cinépolis Plaza Houssay y Recoleta. La venta de entradas ya está disponible en la página del festival, bafici.org. Ahí se pueden encontrar también el catálogo y la grilla de programación, las dos herramientas fundamentales para armar un recorrido por el festival.

La tarea puede resultar un poco abrumadora, aun para los más entusiastas. Aquí, un resumen de algunos de los puntos más sobresalientes de la oferta del próximo Bafici, para organizar estos días de maratón cinéfila.

Apertura y cierre

Las películas que dan inicio y cierran el festival ocupan un lugar de privilegio dentro de la programación. Parte de la impronta del director del Bafici, Javier Porta Fouz, y su equipo de programadores es la fuerte presencia de la comedia, género que tiene su propia sección dentro del festival.

Siguiendo este criterio, la película de apertura de este año será de nuevo una comedia. Orgullo y prejuicio, del prolífico Matías Szulanski, quien ya abrió el Bafici en 2023, gira en torno al rodaje de una adaptación cinematográfica de la novela homónima de Jane Austen, que promete estar lejos de las versiones clásicas estilo BBC.

Otro género siempre presente en el festival es el musical, ya sea en forma de documental o con ficciones en las que la música cumple un papel principal. Ese es el caso de Letras robadas, la película elegida para cerrar esta edición. El nuevo film del director irlandés John Carney, responsable de Once, Sing Street y ¿Puede una canción de amor salvar tu vida?, está protagonizado por Paul Rudd y Nick Jonas, quienes interpretan a un cantante de bodas veterano y a un exintegrante de una boy band.

Cine argentino

La diversidad del cine argentino está representada en las distintas secciones del festival. A pesar de la profunda crisis que vive el sector, el esfuerzo y la creatividad de quienes hacen cine en el país quedan demostrados en la cantidad de cortos y largometrajes nacionales que integran la programación de esta nueva edición del Bafici.

El tren fluvial, de Lorenzo Ferro y Lucas A. Vignale, estrenada en el último festival de Berlín, es uno de los largometrajes que participan de la Competencia Internacional, donde también se presentará Los vencedores, de Pablo Aparo, en calidad de estreno mundial.

Los cortos Las visitas de Camilo, de Itatí Olmedo; Monstruo madre, de María Canale, y Queda en mí, de Rafael Nir, también serán parte de la sección competitiva internacional del festival.

Seguir la Competencia Argentina es una buena forma de ponerse al día con lo que está pasando en el cine nacional. Además de los nuevos talentos, a quienes vale la pena conocer, que están presentando sus primeras películas, se destacan los largometrajes más recientes de directores reconocidos como Raúl Perrone, uno de los realizadores más programados en la historia del Bafici, que estrenará Cin3 Fili4. Ana García Blaya, directora de Las buenas intenciones y La uruguaya, estará presente con una película muy personal, La muerte es algo que les sucede a los demás; Juan Villegas, director de Sábado y Las Vegas, entre otros films, presentará No matar; y Renzo Cozza, realizador de El hincha y Parado mirando, estrenará La hora de irse.

Nombres conocidos

El plan para una experiencia ideal en un festival de cine implica un equilibrio entre entregarse a lo desconocido, dando lugar a los descubrimientos, y el reencuentro con cineastas reconocidos, que despiertan interés con sus nuevos trabajos.

En esta edición no faltarán los nombres propios, ya sean celebridades en el ámbito de los festivales o para el público en general. Tal como sucede con las actrices Juliette Binoche y Kristen Stewart, cuyas primeras películas, En nous y The Chronology of Water, respectivamente, se presentarán en la sección Óperas Primas.

Viejos conocidos del festival regresarán con sus nuevas películas. Por supuesto, no puede faltar la nueva de Hong sang soo, el director coreano con seguidores tan fieles como los de un club de fans de un cantante pop, quien vuelve al Bafici con The Day She Returns.

En la sección Trayectorias también se presentarán Eight Bridges, de otro habitué de la programación del festival, James Benning; Le Cris des tardes, de Claire Denis; Duse, de Pietro Marcello; L’Etranger, de François Ozon; Blue Moon, de Richard Linklater, por la que Ethan Hawke fue nominado este año al Oscar a Mejor Actor; My Wife Cries, de la talentosa directora Angela Schanelec; I Am Curious Johnny, del documentalista emblemático del punk rock Julien Temple; The Loneliest Man in Town, de Tizza Covi y Rainer Frimmel; y Un hijo propio, de la documentalista chilena Maite Alberdi.

Retratos de artistas

Una de las cualidades más fascinantes del cine es su capacidad para acercarle al público las vidas de los otros. En las secciones del Bafici dedicadas a lugares, al cine sobre cine, a las artes y oficios, abundan los documentales sobre figuras creativas que dejaron su huella en sus respectivas disciplinas.

Annemarie, de Mariana Sanguinetti, se centra en la gran fotógrafa Annemarie Hienrich, bisabuela de la directora; mientras que Xul, de Cristián Costantini, recorre la vida y obra del multifacético artista Xul Solar.

En Donn. Instrumento de Dios, los realizadores Florencia Dávila y Mariano Baez reconstruyen, apoyándose en el material de archivo, la vida e increíble carrera del bailarín Jorge Donn.

Dos cineastas fundamentales están representados en documentales que los ponen en foco: Eric Rohmer, esprit d’enfance, de Pascale Bouhénic y Noël Herpe, dedicado al gran director francés, que fue parte de la Nouvelle Vague; y The Ozu Diaries, centrado en el maestro japonés Yasujiro Ozu.

Los músicos suelen ser sujetos de fascinación, no solo para el público, sino también para los cineastas, que buscan capturar con sus cámaras ese hechizo. El camino contrario reconstruye la historia de Hernán Reyna, líder de la banda post-punk El Corte, a partir de una larga investigación, entrevistas y recopilación de material de archivo, realizada por los directores Daniel Flores y Martín Wain, ambos con amplia trayectoria en el periodismo cultural.

También en la sección de música se podrá ver El infierno está encantador - Gulp.1985, dirigida por Lisandro Carcavallo, sobre la presentación del disco de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, en Cemento, mítico enclave del rock argentino, a quien el mismo director ya le dedicó un documental, estrenado en el Bafici.

Cinéfilos en crecimiento

El festival sostiene desde hace varias ediciones una sección especial dedicada al público más joven. Baficito ofrece un espacio para que los pequeños cinéfilos (¡y los grandes también!) puedan ver cortos y largometrajes, con una variedad de orígenes y estéticas, que se extraña en la cartelera cinematográfica cotidiana.

Entre los valiosos títulos de la sección, se destaca Mary Anning, de Marcel Barelli, una película suiza, de animación 2D, que se centra en una chica rebelde que emprende una aventura paleontológica.

Otro tipo de descubrimiento es el que se da en Papaya, de Priscilla Kellen, un film brasileño de animación, sin diálogos, protagonizado por una pequeña semilla de papaya con grandes aspiraciones.

Lo viejo funciona

A veces, el mayor descubrimiento en un festival de cine puede surgir de la recuperación del pasado. Reivindicando la importancia de la conservación y divulgación del cine de distintas épocas, el Bafici ofrece cinco focos que presentan la obra de directores, y dos programas especiales, dedicados a las cinematografías canadiense y argentina.

Los focos de la presente edición tienen como protagonistas al director húngaro György Pálfi; la realizadora argentina Liliana Paolinelli; el director y productor Pere Portabella; el joven cineasta japonés Yugo Sakamoto; y el realizador español Ángel Santos.

El programa de la National Film Board of Canada está compuesto por largometrajes realizados en ese país, entre 1966 y 1978, incluyendo Shivers, de David Cronenberg.

La selección del Museo del Cine indaga sobre la identidad independiente del festival, relacionando la obra de la Generación del 60 con el cine actual, presentando una mayoría de funciones en formato fílmico (16 y 35mm). Películas como Alias Gardelito, de Lautaro Murúa; Circe, de Manuel Antín; y Las ruteras, de Ignacio Tankel; conviven con La mecha, de Raúl Perrone; y con un foco de cortometrajes de animación con muñecos, realizados por Carlos González Groppa, en las décadas del 50 y 60.

Por su parte, la sección Rescates invita al revisionado, la oportunidad de saldar una deuda cinematográfica, o la posibilidad de ver por primera vez en sala algún clásico ya visto en la pantalla chica (ya sea TV, teléfono o computadora)

En esta edición de presentarán El color del dinero, de Martin Scorsese, con Paul Newman y Tom Cruise sacándose chispas en la mesa de pool; El desencanto, de Jaime Chávarri, en su aniversario 50; La idiocracia, de Mike Judge, graciosísima en toda su estremecedora cualidad premonitoria; y dos regresos de la propia historia del Bafici, en pleno momento de desarrollo del Nuevo Cine Argentino: Ciudad de María, de Enrique Bellande, y Modelo 73, de Rodrigo Moscoso.

En los extremos

Como siempre, una de las secciones a prestarle atención en el Bafici será la Competencia Vanguardia y Género, una propuesta que pone lado a lado al cine experimental con películas de géneros populares. La combinación, solo aparentemente contradictoria, suele resultar en un programa con las propuestas más arriesgadas de ambas vertientes.

También estará la tradicional sección Nocturna, en la que el terror y el fantástico tienen su lugar reservado. En esta edición se podrán ver los nuevos largometrajes de directores argentinos, como Cristian Bernard, quien estrenará Bajo tus pies; y Ramiro y Adrián García Bogliano, que presentarán La mancha.

Hay muchas más películas, organizadas en secciones sobre política, pasiones, coming of age, entre otras, además de actividades especiales. La mejor forma de disfrutar el festival es elegir algunas películas, organizar la agenda y asegurarse las entradas. Pero también es una buena idea, cuando sea posible, dejar de lado los planes y ver una película fuera de la lista. Ahí es donde aparecen las mayores sorpresas.

Para agendar

Más información, catálogo, grilla de programación y venta de entradas en bafici.org

En las últimas décadas artistas como Tom Cruise, Brad Pitt, Julia Roberts y Leonardo DiCaprio mantuvieron, aunque con altibajos, su condición de imanes de la venta de entradas sin que se asomara una nueva generación de estrellas con peso propio que pudieran tomar la posta. Se dirá que en la lista de los actores con mayor recaudación en la historia reciente de Hollywood figuran otros contendientes como Zoe Saldaña con la impresionante cifra acumulada de casi 16 mil millones de dólares en venta de entradas global por las 33 películas en las que participó como protagonista o Robert Downey Junior que superó los 14 mil millones de taquilla en los 45 films que lideró. Pero lo cierto es que ambos representan un fenómeno diferente para el cine de gran presupuesto: más allá de que sus figuras atraen a los espectadores, el influjo ocurre en gran medida por los proyectos en los que aparecen, ya sea en el universo cinematográfico de Marvel o en la saga Avatar.

Es decir, más allá de las estrellas de más de cincuenta años como Cruise, Pitt, Roberts y DiCaprio, Hollywood necesita de luminarias que tengan éxitos sostenidos en la taquilla global. Una nueva guardia cuya sola mención alcance para llenar las salas de cine, al menos durante el primer fin de semana de exhibición. Para alivio y alegría de la industria en los últimos meses parecen haber surgido cuatro candidatos que podrían representar al casi mitológico actor para los cuatro cuadrantes. A saber: un intérprete que despierte el interés de las cuatro principales muestras demográficas, espectadores masculinos y femeninos menores y mayores de 25 años, en las que la industria del cine estadounidense organiza al público general.

Ryan Gosling, Sydney Sweeney, Timothée Chalamet y Margot Robbie tienen todas las de ganar para ser las nuevas estrellas que con su sola presencia impulsen la trayectoria de la taquilla mundial, cada uno a su manera. No se trata, claro, de las ganancias a título personal, de hecho ninguno de los integrantes de los cuatro fantásticos, figuró en el listado que elabora la revista Forbes de los actores mejor pagos de 2025, en la que sí aparece, Millie Bobby Brown, por ejemplo, que a los 22 años es la más joven de la lista con un “sueldo” anual de 26 millones de dólares derivado exclusivamente de sus proyectos en Netflix, una cifra notable para la primera estrella nativa del streaming, pero que no contribuye a la vitalidad del cine en salas.

Ryan Gosling

Aunque las perspectivas eran buenas nadie esperaba que Proyecto fin del mundo se transformara en un éxito de público tan rotundo. A tres semanas de su estreno la comedia de ciencia ficción sumó una ganancia global de más de 425 millones de dólares. Es la tercera película más vista de la carrera de Gosling, detrás de Barbie (mil quinientos millones) y La La Land (523.1 millones) aunque en ambos casos el actor canadiense compartía el protagonismo con sus compañeras de elenco, Margot Robbie y Emma Stone, respectivamente, sino que además los elementos que despertaron la curiosidad de los espectadores por las películas excedían su presencia en ellas. En cambio, Proyecto fin del mundo, más allá de ser la adaptación de una exitosa novela de Andy Weir y de contar con una atractiva premisa inicial, es indudablemente la película de Gosling. El intérprete aparece en el 95% de las escenas film y en la mayoría de ellas su único compañero de cuadro es una simpática roca extraterrestre sin cara. ¿Alcanza eso para concluir que el actor ya forma parte del selecto grupo de intérpretes a los que una película les debe su éxito? Hay evidencias en contra y a favor. Por un lado, las últimas tres películas protagonizadas por Gosling más allá de Barbie-Blade Runner 2049, El primer hombre en la luna y la fantástica Profesión peligro-, obtuvieron resultados decepcionantes de taquilla. Y los directores de Proyecto fin del mundo, Phil Lord y Chris Miller, podrían haber sido un factor decisivo del suceso del film gracias a su experiencia en realizar sorpresivos éxitos aptos para todo público como Lluvia de hamburguesas y La gran aventura Lego y comedias de parejas desparejas como Comando especial.

A favor del grado de responsabilidad de Gosling en el taquillazo actual y la posibilidad de que pueda repetir la hazaña en sus futuros proyectos, aparece el esfuerzo y el compromiso total del actor durante la campaña de promoción de la película. Por estos días, la ubicuidad del protagonista de un film puede ser la llave para conseguir la buena respuesta del público. En este caso, Gosling se puso al frente de un emprendimiento tan importante para el futuro de Hollywood como lo es en la ficción el que emprende su personaje para salvar al mundo. Tal vez su próxima película sirva para confirmar su capacidad de generar un fenómeno de taquilla: el año que viene llegará a los cines Star Wars: Starfighter, una nueva aventura del universo creado por George Lucas en la que Gosling interpreta a un piloto rebelde que podría devolverle la fuerza a la extensa saga.

Sydney Sweeney

El caso de la actriz que se hizo conocida por su papel en la serie Euphoria es uno de los más curiosos del Hollywood actual. La publicidad alrededor de Sweeney como persona, la constante atención de los medios y los paparazzi sobre ella, más allá de las ficciones en las que esté involucrada resulta en un arma de doble filo que en más de una ocasión terminó por perjudicarla en la taquilla. En estos agitados tiempos políticos en los Estados Unidos una parte del público concluyó, con mucha ayuda de la prensa, que la ideología conservadora de la actriz-que ella nunca confirmó explícitamente-, no la hacía digna del lugar de estrella en ascenso que pretendía ocupar. Para otros, fue justamente su rápida trayectoria de la TV al cine y de los papeles de reparto a los protagónicos la que le jugó en contra. Lo cierto es que en los últimos cinco años, la carrera de Sweeney y sus resultados de taquilla fueron más que irregulares. Consiguió éxitos indiscutidos como gracias a la comedia romántica Con todos menos contigo y el reciente thriller La empleada-con una secuela ya anunciada-, pero también fracasos estrepitosos. En esa columna figuran films como Americana y la biopic Christy, un retrato de la vida de la boxeadora Christy Martin, que acumuló poco más de dos millones de dólares en venta de entradas. Y no solo eso: mientras que antes de su estreno se mencionaba la posibilidad de que la actriz podría formar parte de la temporada de premios por su interpretación, ante la casi nula respuesta del público y los varios escándalos públicos alrededor de Sweeney, no solo fue ignorada por los galardones de Hollywood sino que muchos se regocijaron por el aparente final de su carrera.

Sin embargo, en el corto plazo, esos tropiezos la ayudaron a subrayar su conquista de la taquilla con La empleada. No solo le pagaron siete millones y medio de dólares para encabezar el film de suspenso sino que cuando la película acumuló casi 400 millones en la taquilla global con un presupuesto inicial de 35 millones, una cifra modesta para los estándares de Hollywood, la industria tuvo que admitir que tener a Sweeney como protagonista es un buen negocio. Siempre y cuando no sea en un film biográfico sombrío en la que la mayoría del público ni siquiera la reconocía como la rubia voluptuosa que es.

Timothée Chalamet

A comienzos de febrero cuando parecía que nada podía impedir que el protagonista de Marty Supremo se llevara el Oscar a mejor actor la revista Indiewire le sumó una medalla que aún si los premios le eran esquivos, nadie podría quitarle. Según los cálculos de la publicación Chalamet acumula ganancias por dos mil millones de dólares en taquilla gracias a las trece películas que lleva como protagonista en su carrera. Si se sumaran las cifras de la venta de entradas de los films en los que formó parte del elenco, el número crecería hasta los tres mil millones. La marca es notable por varias razones: por un lado por su consistencia. En 2024 el actor encabezó dos películas exitosas con el público y la crítica en el transcurso de ocho meses -la segunda entrega de Duna superó los 700 millones en ventas de entradas a nivel global y Un completo desconocido no solo le aportó una taquilla de más de 140 millones de dólares sino también su segunda nominación al Oscar. En 2025, sumó la tercera con Marty Supremo que también logró un récord en el circuito de cine independiente al sumar un acumulado de taquilla global cercano a los 150 millones. La capacidad de Chalamet de atraer gente a las salas de cine volverá a probarse este año con el estreno de la tercera y última parte de Duna, la saga que ya lleva ganados más de mil millones de dólares desde su estreno en 2021. De todos modos, el mayor mérito del actor es haber conseguido esas cifras sin haber participado hasta ahora de las películas de superhéroes que suelen atraer la atención de la mayoría.

Margot Robbie

La carrera de la actriz australiana está dividida en dos partes: antes de Barbie y después de Barbie. Durante el primer periodo Robbie participó en películas de gran ambición artística como El lobo de Wall Street, Había una vez en Hollywood y Yo, Tonya, y otras de grandes presupuestos como Escuadrón suicida. Todas obtuvieron muy buenos resultados en taquilla pero ninguna dependió de su presencia para alcanzarlos. Eso cambió rotundamente cuando Robbie puso en marcha la película sobre la muñeca articulada más famosa de la historia. Lo que comenzó como un proyecto que Hollywood miraba de reojo, se transformó en un suceso tanto en términos de venta de entradas (sumó casi 1500 millones de dólares en la taquilla global), sino también en un fenómeno cultural que llevaba su cara como estandarte. Era justo: la actriz no solo fue la protagonista del film dirigido por Greta Gerwig sino que también fue su productora y más acérrima defensora ante el desconcierto de los ejecutivos de los estudios a los que se la ofrecía.

Claro que la capacidad de Robbie de convertir en oro todo proyecto en el que apareciera se puso en duda el año pasado cuando se estrenó El gran viaje de tu vida, un fallido drama romántico con elementos fantásticos que no logró atraer la atención del público. Sin embargo, antes de que alguien pudiera apresurar un juicio sobre la actriz y su atractivo para los espectadores, se estrenó “Cumbres borrascosas”. En medio de polémicas y la incomodidad de los conocedores de la novela de Emily Brönte, el film dirigido por Emerald Fennell se convirtió en un suceso inmediato de taquilla. Con Robbie como protagonista y productora la película acumuló 239 millones de dólares a nivel global. A partir de un presupuesto de 80 millones y en medio de la crisis mundial en la venta de entradas de cine, la película despejó las dudas. Más allá de algún tropiezo, la actriz australiana tiene lo que se necesita para sentar al público en las salas.