El despliegue de escenografía y vestuario, provenientes de las compañías reales de Suecia y Dinamarca, es impresionante; “un tornado”, al decir del propio Wheeldon. Todas las áreas del teatro están prontas a trabajar como piezas de un mecanismo de relojería, porque los cambios no son expeditivos, ¡son vertiginosos!, y en bambalinas se vive como en la novela, corriendo detrás del tiempo. La magia ocurre frente al público, pero se teje en ese trajín entre teteras y tronos, bandejas con masas de utilería, árboles, armaduras, torres de cartas de las cuatro barajas y muchos corazones; una suerte de tienda de campaña para “cambios rápidos” se ha instalado en la “capilla” del escenario, donde los segundos cuentan en las manos de maquilladores y vestuaristas.

Caterina Stutz, Juan Pablo Ledo, Natalia Pelayo, Milagros Niveyro, Emanuel Abruzzo y Facundo Luqui son respectivamente Alicia, el Conejo, la Reina, el Sombrerero, la Duquesa y Jack, la Sota de Corazones, un nuevo personaje que Wheeldon incorporó a su espectáculo para darle un giro propio a la historia original, a la que se abrazó con respeto y admiración. La creación de un prólogo para el País de las Maravillas propone un desdoblamiento de muchos de los personajes más conocidos de la trama. Todo parte de una escena victoriana en la que una Alicia adolescente comparte un té no solo con sus padres y hermanas sino con Lewis Carroll, fotógrafo (igual que el escritor) y amigo de la familia, y un joven jardinero con el que vive un incipiente romance. Ellos son los alter ego de los seres fantásticos que habitan del otro lado del pasadizo fantástico, al que ingresan a través de una gran torta.

Detrás de todas estas transformaciones, seis artistas que protagonizan la obra (hay varios casts, a lo largo de las diez funciones, con entradas agotadas) abrieron las puertas de sus camarines a LA NACION como una forma de dejarnos entrar a la cocina del laborioso proceso que implica componer un personaje.

Empecemos por Alicia, en las páginas, una niña curiosa, inquieta, dispuesta a la aventura; alguien que deja sorprenderse, diríamos que atrevida y valiente, aunque cada tanto llore tanto como para formar un mar de lágrimas, y enseguida se dé ánimo para avanzar por el País de las Maravillas. Ya sabemos, allí bebe y se achica; come y se agranda. En el ballet ocurre lo mismo, pero sin las palabras ni los diálogos desopilantes, a la vez que agudos, del libro. Cuando la jovencita del vestido violeta (usa cuatro trajes diferentes del mismo color a lo largo de este espectáculo) tiene que expresar que seguir la vida por “el camino normal” es algo “de lo más soso y estúpido”, y que no le “preocupa mucho dónde ir siempre que llegue a alguna parte”, ese ideario de la novela queda asumido en el cuerpo, los gestos y la interpretación de la bailarina que se pone en la piel de esta chica a medias inocente, del todo enamorada.

Integrante de la compañía desde 2019 (había sido refuerzo desde varios años antes), llegó la hora del primer protagónico para Caterina Stutz, gran valor del cuerpo de baile del Teatro Colón, que viene destacándose como solista y ampliando su registro: de los “Cuatro cisnes” de la famosa variación de El lago… pasó este año al rol central de una pieza contemporánea desafiante en el Programa mixto (Aftermath, de Demis Volpi). Que la ocasión sea con una obra conectada con el juego y la expresión, la entusiasma. Sabe que tiene mucha demanda física, porque está las dos horas presente y activa, pero se entrenó para lograr esa resistencia con la misma conciencia que día a día manifiesta en sus hábitos: se traslada en bicicleta, cuida su alimentación y procura un buen descanso. “Un detalle no menor es la calma. Este es un rol importante, pero quiero mantenerme con los pies en la tierra; es mi trabajo y estoy haciendo arte, lo importante es disfrutarlo”, agrega. Mientras le esconden su larga cabellera reducida a un rodete dentro de una peluca -su caracterización lleva una melenita morocha, corta, y make up bien natural-, Stutz escucha por altoparlantes que faltan quince minutos para comenzar el ensayo; ella todavía sigue repasando en un video de su celular las últimas correcciones que acaban de marcarle.

Alicia en el País de las Maravillas le remite totalmente a su infancia. “Mi mamá me contaba que a los tres años era mi película favorita, hacía que la viéramos una y otra vez. Ahora leí el libro para tener muy presente este mundo; no sabía que Carroll lo había escrito para unas niñas y eso me fascinó: pudo desarrollar una historia súper entretenida al mismo tiempo que contiene temas profundos, sobre quiénes somos y hacia dónde vamos, y los ideales que defendemos”, señala expectante por cómo tomará el público esta comedia, casi un musical, que le permite reírse sobre el escenario (algo que en sí mismo la divierte).

“Aunque mantiene su esencia, Alicia pasa por tres contextos muy diferentes en el tiempo -explica su transformación-. El primero es en la era victoriana donde ‘debe ser’ de cierta forma y ahí se puede ver el carácter decisivo que tiene. Luego nos encontramos en el mundo fantasioso, donde hay mucho por lo cual maravillarse y ella busca a Jack para defenderlo, mostrando una actitud incluso hasta guerrera. Y finalmente volvemos a estos tiempos modernos, donde es una chica paseando con su novio. Hay ciertos detalles que actoralmente tenemos que buscar para acompañar estas transiciones”.

Siga a esas orejas

Juan Pablo Ledo, experimentado primer bailarín del Estable, repara detalladamente en la metamorfosis que Wheeldon ideó para los dos personajes que le toca desdoblar, y antes que todo señala lo interesante de la incorporación de Lewis Carroll a la escena, a quien define como un “confidente” de la familia y “protector” de la joven protagonista. “A partir del sonido del flash, cuando él le toma una foto a Alicia, empieza a darse una transformación progresiva –cuenta y va señalando lo que le sucede en el prólogo–: lo primero que se ve diferente es la pierna derecha, que empieza a deslizarse y hacer repiqueteos a velocidad bien nerviosa, como si fuera la patita del Conejo; luego aparece la cola, más tarde se deja ver la cara con unos anteojos muy fashion, tipo Elton John, que representan los ojos rojos del animal”. Finalmente le saldrán las prototípicas orejas.

El Conejo, pieza fundamental de la historia, es quien lleva a Alicia al mundo mágico donde pasará las mejores aventuras de su vida, y allí la guía, la cuida para que la reina no la capture; a la vez, se comporta como un cómplice y compinche en la travesía. Así lo va narrando el bailarín, que curiosamente encuentra similitudes entre su propio carácter y la ansiedad de la criatura. “El Conejo, lo sabemos, vive perseguido por el tiempo, siempre toma nota, está muy obsesionado con no llegar tarde, estar prolijo, tener todo bajo control, y creo que es un poco lo que me pasa a mí. En mi vida artística y personal, soy muy exigente conmigo, con el orden, la limpieza, con que las cosas salgan bien, no me gusta llegar antes a los lugares, al ensayo, a la clase, también me pasaba en la facultad”, compara el abogado, que juró por Dios, la Patria y los Santos Evangelios en la UBA en 2019. Ledo (que en otro reparto interpreta a la Duquesa) elige entre sus escenas preferidas el viaje en un barquito que hace con Alicia y, como todos sus compañeros de elenco, se divierte mucho con el juicio del final.

Respecto del movimiento, el bailarín adopta un talante alerta y eléctrico, en la forma de tocarse, crujir los dientes, rascarse con la patita. “Nervioso, intenso, parece que no descansa, que le sobra la energía, por algo la coreografía, al final del segundo acto, es demoledora, con unas variaciones intensas, en las que el conejo salta, salta, salta a unas velocidades que no te puedo explicar”, confiesa acelerado. No es la primera vez que Ledo trabaja con Wheeldon; en 2009 habían tenido un encuentro fortuito que derivó en una experiencia laboral de casi tres meses. “Entonces el Colón estaba cerrado por reformas y fui a Nueva York por dos semanas a tomar clases con Willy Burmann; un día llegó Christopher buscando bailarines para su compañía”, recuerda. Así fue como terminó en una gira por Estados Unidos, Holanda e Inglaterra. “Es muy dinámico y con una fortaleza en su trabajo –sigue-; exigente, perfeccionista, sabe lo que quiere y por algo es uno de los grandes creadores geográficos del siglo XXI”. De esa época, cuando tenía 28 años, recuerda también a Jason Fowler, uno de los tres repositores de la obra ahora en Buenos Aires junto con Dustin Layton y Jillian Vanstone, de quienes todos los entrevistados hablan –nunca mejor dicho- maravillas.

La Reina de Corazones es uno de esos villanos que nadie jamás olvida: “¡Que le corten la cabeza!” es su frase de cabecera en el libro tanto como en el film animado de Disney y las películas de Tim Burton, que son las referencias más directas para los bailarines que hoy atraviesan esta experiencia. A Natalia Pelayo, que supo ser Alicia en la versión coreográfica de Alejandro Cervera, le sobra actitud para montarse en ese magnífico carromato que hace las veces de vestuario y hacer su entrada arrolladora. En el camarín, se cubre los tatuajes de los brazos con una base oscura y, mientras la maquillan, practica a través del espejo la severidad de la mirada, el arqueo de sus cejas; de pronto, afloja la mandíbula, se limpia los dientes con el dedo y desata una risa exagerada que… da miedo. Enseguida se pone seria y habla sobre “el vuelo surrealista” que tiene esta “obra cargada de simbolismos” que “reflexiona sobre la imaginación y la búsqueda de la identidad”.

El humor y el absurdo en el ballet es un desafío muy grande. “Siento que son roles y personajes atravesados por lo excéntrico. En mi caso, estoy encarando a la Reina de Corazones como si fuese un personaje con una bipolaridad, por esos cambios de humor tan abruptos, impredecibles, que tiene. Puede ser caprichosa, malhumorada, risueña, pasar de un estado al otro sin problema. Y con la gestualidad que requiere ese estado psicológico, porque el lenguaje obviamente es de ballet, pero hay que encontrar ese punto medio de lo teatral. Me entusiasma mucho, es interesante y muy lindo para mí”, dice.

Con respecto al desdoblamiento que tiene su personaje desde el prólogo hacia el País de las Maravillas, Pelayo observa: “al comienzo vemos a una Madre con tonos sutilmente autoritarios, en la época victoriana, unas pinceladas que después en la Reina van a estar completamente exacerbadas, llevadas al extremo. La Reina está atravesada por la maldad, solo sabe relacionarse con las personas generando terror. Creo que es un personaje que de alguna manera denuncia a los sistemas autoritarios extremos y a los sistemas del miedo. Un personaje hermoso para para abordar, con esta potencia que tiene”. ¿Escenas favoritas? Menciona dos: “El adagio de la tarta” parodia de “El adagio de la rosa” del ballet La bella durmiente, y el juicio, por supuesto. “Todo el segundo acto me divierte mucho, tiene una carga de ironía y absurdo particular. Aparece en escena un despliegue de situaciones y emociones extremas entre todos los personajes muy bien entrelazados”, anticipa.

La Duquesa –recordarán los lectores de Alicia las atrocidades que ocurren en su cocina, una locación adaptada con gran atractivo en esta producción– es, de alguna manera, como la hermanastra de La Cenicienta. No solo por las protuberantes verrugas del maquillaje y una laboriosa caracterización de vestuario –capas y capas, entre el corset y el vestido morado de volados– que demanda una hora de reloj, sino por el travestismo que recae en el histriónico Emanuel Abruzzo. El rosarino, que trabajó en Estados Unidos antes de ingresar al Ballet Estable del Teatro Colón, hace ya doce años, integró entre otros elencos Les Ballets Trockadero de Monte Carlo, famosa compañía de comedia all male, con hombres en zapatillas de puntas que hacen títulos de repertorio. Esa experiencia, sumada a su personalidad y gran ductilidad como bailarín –a sus casi 40 quedó a un lado el virtuosismo de los ídolos de bronce, bufones y Mercucios, pero quién no quisiera seguir viéndolo bailar jazz– le dio herramientas inmejorables para asumir los roles de carácter que le llegan a esta altura de su carrera. “No es fácil hacer comedia en el ballet sin perder la dignidad”, se ríe él que tan bien le sale.

Para Abruzzo la Duquesa –que es una niñera con gran capelina y cochecito de bebé, en el prólogo- escuda detrás de su exageración una gran vulnerabilidad. En una conversación en su camarín, que comparte con la Liebre de Marzo, se explaya sobre estas características psicológicas que definen a quien encarnará cuando termine de calzarse “un traje tan grande que puede comerte el personaje”. Hay que saber llevarlo. “La veo como alguien extremadamente insegura, que busca constantemente caerle bien a todos a su alrededor, aunque esto le resulta imposible: es consciente de que no posee la gracia física ni hegemónica para agradar en primera instancia. Entonces, impone su energía como mecanismo de defensa y busca hacerse notar constantemente (por ejemplo, haciendo ver que fue invitada, que ya llegó a tomar el té o presumiendo a su hijo). Desde la primera aparición, la Duquesa es disruptiva: ella entra y la música cambia, es una fuerza, la ves o la ves”, dice, mientras se prueba los tocados y empieza a mudar de piel. Si desde que se enteró que Alice’s Adventures in Wonderland venía al Teatro Colón la noticia fue para él pura alegría, el público que conoce su trayectoria seguramente esperará verlo también zapatear en los repartos que le toque hacer de Sombrerero. De un modo u otro, siempre con el pie derecho antes (cábalas son cábalas), pisará el escenario todas las funciones.

Con su colorido, el Sombrerero puede ser desopilante, loco, entrañable, absurdo, melancólico o macabro según las versiones. Milagros Niveyro vio varias de estas adaptaciones y encontró en Johnny Depp una gran fuente de inspiración para su trabajo de esta temporada. Wheeldon le otorgó a este personaje un don extra, el de las chapitas: el excéntrico personaje hace tap, un estilo que la bailarina, de 28 años, estudió desde que tenía seis en su ciudad natal, Luján. “Siempre sentí que todas las disciplinas que aprendemos complementan la formación en ballet clásico, pero sinceramente nunca imaginé que algún día iba a bailar tap de manera profesional en el Teatro Colón. De alguna forma, este personaje me conecta con aquella etapa de mi infancia: siento que vuelve a aparecer la nena que disfrutaba y descubría la danza desde el juego”, cuenta al mismo tiempo que manifiesta cómo detrás de lo lúdico surge un reto. “El Sombrerero exige una fuerte presencia actoral, una gran precisión técnica y la capacidad de integrar el zapateo de manera orgánica dentro del personaje. Además, tradicionalmente es un rol interpretado por hombres, por lo que asumirlo siendo mujer representa un gran desafío”.

También en este caso, hay una cara y ceca del personaje, desde el comienzo, galeras mediante. “Me enfoco en que el Mago es una persona de la vida ‘normal’ –contrapone el Prólogo a los sucesivos actos–, mientras que el Sombrerero posee un carácter completamente distinto. Si bien ambos tienen un aire de misterio, el Sombrerero se destaca por su comportamiento poco convencional y se expresa de una manera que muchas veces resulta difícil de comprender. Esa complejidad es, justamente, una de las cualidades que hacen al personaje tan fascinante”.

A nivel general, Niveyro señala una dificultad para sortear función tras función: “es una obra con muchísimos personajes interactuando al mismo tiempo, lo que exige un nivel alto de concentración y coordinación por parte de todo el elenco. Además, la música tiene una gran complejidad, y lograr que el baile, la actuación y la partitura se integren con precisión es un desafío constante”.

Nadie como Facundo Luqui en este grupo tiene el privilegio de estrenar un papel nuevo en una historia con más de un siglo y medio de éxito: Jack, la Sota de Corazones, funciona como el as en la manga de Wheeldon. “Lo interesante es que se trata de un personaje creado totalmente para este ballet y es muy importante en el relato. Lo pienso como un jardinero joven que trabaja para la familia de Alicia; un chico noble, inocente, bastante tímido, que está muerto de amor por ella –anticipa–. El desafío para mí está en que, por más que el contexto cambie y se vuelva fantástico, él pueda seguir siendo la misma persona. Como cuando le muestra a Alicia el mundo de las flores o durante el juicio del segundo acto: más allá de lo que sucede alrededor, su amor es completamente genuino, lo que los impulsa a atravesar todo”, analiza.

Luqui, de 28 años, cuenta que desde su niñez en Mar del Plata Alicia en el país de las Maravillas siempre le llamó la atención. “Para mí lo lindo de esta producción es que tiene una identidad muy propia y nos da oportunidades a los bailarines a desenvolvernos en roles más actorales y teatrales”. Sus momentos favoritos, son los que ocurren de este lado del túnel: el prólogo y el epílogo. “Es una alegría enorme que un ballet como Alice’s Adventures in Wonderland pase a formar parte del repertorio de la compañía. Conozco la obra desde que se creó, la vi en videos con bailarines que admiro muchísimo y es un título que siempre quise poder hacer; una megaproducción creada por un coreógrafo actual y un gran referente de la danza hoy”.

Para agendar

Alice’s Adventures in Wonderland. Ballet en dos actos inspirado en la novela Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carroll, con Coreografía de Christopher Wheeldon y música original de Joby Talbot. Del 16 al 26 de julio, por el Ballet Estable del Teatro Colón.

Desde entonces el Prix de Lausanne no cesó su actividad. Ofreció a estudiantes de ballet de entre 15 y 18 años un formato de competencia exclusivo, de una semana, con clases y pruebas que -como han declarado y siguen relatando aún hoy bailarines de todo el mundo- se parece más a una exigente escuela premium e intensiva que a un certamen en busca del primer puesto. Cualquiera puede verlo en las transmisiones en vivo que dejan entrar al espectador en las salas de ensayo, detrás del escenario y también en la intimidad de instancias decisivas.

Ayer, por ejemplo, después de las semifinales que pusieron uno por uno a los candidatos en escena con pasajes de La bella durmiente, Paquita y Don Quijote, entre otros clásicos, la exfigura de la Ópera de París Elisabeth Platel daba una clase de ballet soñada para esas jovencitas que la seguían de punta en blanco. Más tarde, de pie junto al presidente Prix Stéphane Lagonico, el propio Jean-Christophe Maillot, Director de Les Ballets de Monte-Carlo, les hablaba a los aspirantes y avalaba con su aplauso a los elegidos para pasar hoy a la ronda final. “Recuerden -decía, antes de que empezaran a sonar los nombres- son muy jóvenes y la vida es muy larga”, los alentaba.

En esta aceitada maquinaria suiza que no detiene su funcionamiento trabajan coaches y coreógrafos internacionales para crear condiciones inmejorables. Tres argentinos coinciden allí este año: Julio Bocca -quien ya ha estado en varias ediciones anteriores, inclusive, como presidente del jurado-, Cinthia Labaronne -hace unas horas, era ella quien presentaba en el escenario las variaciones de las instancias semifinales- y Demian Vargas, también como maestro. “Es importante que esta competencia siga creciendo y cambiando porque representa una gran oportunidad para muchos estudiantes de todo el mundo”, declara Bocca, agradecido por esta nueva invitación que le permite seguir ver generaciones emergentes de bailarines. “Disfruto ser parte. Realmente lo aprecio y espero que continúe por muchas ediciones más”.

Por supuesto no es fácil hacerse de un lugar en el certamen. Cada temporada llegan solamente entre 70 y 80 adolescentes de países de todo el globo que son elegidos en preselecciones regionales -notoria es esta vez la gran cantidad de jóvenes de Corea, Japón y China que lograron clasificar por un lugar en la competencia-. Muchísimo menos sencillo todavía es quedar entre los veinte que esta mañana (con streaming desde las 10.30 hora argentina) buscarán su consagración en la final.

Como un trampolín efectivo, el Prix de Lausanne lanzó la carrera de jóvenes que hoy son nombres muy relevantes para este arte y, a su vez, se convirtió en una plataforma -con tradición, pero moderna y actualizada- que le permitiera seguir cumpliendo una labor señera. Pasaron cincuenta años: la edición que conmemora estas bodas de oro está en su apogeo y este domingo celebrará su gran gala.

No hay nada más ilustrativo que revisar el archivo del concurso para descubrir la historia que escribió. La lista es elocuente; yendo por décadas, en 1980 Lausanne consagró a una jovencísima Alessandra Ferri; seis años más tarde empujaba la incipiente carrera de Julie Kent y en 1987, hacía lo mismo con la británica Darcey Bussell. La década siguiente premió, entre otros, al cubano Carlos Acosta (1990), a Christopher Wheeldon (1991), a Benjamin Millepied (1994) y al brasileño Marcelo Gomes (1996), figura del ABT y flamante director en la Semperoper de Dresden, en Alemania, que mañana participará del broche de oro. Para rematar esos años dorados, se podría sumar a Alina Cojocaru y Friedemann Vogel, ambos triunfantes en 1997 (juntos abrirán la gala estelar haciendo La dama de las camelias de Neumeier). El registro pormenorizado de ganadores está disponible en la página web del certamen -en el nuevo milenio, tuvieron su medalla la rusa Maria Kochetkova, el bailarín del Royal Ballet Steven McRae, por citar solo algunos-, y allí se puede bucear por año o por nacionalidad. Argentinos, por ejemplo, aparecerán solo tres nombre. El primero, Sergio Neglia, recuerda desde Búfalo, Nueva York, la “experiencia fenomenal” de aquel 1981 en Suiza. “Fui con mi maestro, Rodolfo Fontán. Había sido elegido de un grupo que armó George Balanchine. Yo no tenía ni idea lo que era competir, en ese momento solo estaba Lausanne, París, Varna y Moscú. Vi tantos bailarines que eran fenomenales, porque no solo eran buenos, sino de una destreza y técnica impresionante para los 17 años que teníamos. Fui el primer argentino en ganar y luego la segunda fue Larissa Fanlo [en 1987], más joven que yo”, resume, antes de viajar a Buenos Aires, para dar sus clases de verano. Hubo una tercera vez que el país conquistó la medalla, en 2010, y consta en actas que lo hizo Cristian Emanuel Amuchástegui.

Ganar no es el premio

Con el número 413 en la pechera, a los 17 años, Facundo Luqui llegó a Lausanne en 2016. “Participé en la preselección latinoamericana que se hizo en Buenos Aires, en el CCK, en 2015, y con dos chicos de Brasil quedamos para ir a Suiza”, recuerda desde Alemania. “Participé porque había sido mi sueño por mucho tiempo. De chico, antes de que pasaran todo en vivo, veía esos videos cortitos de algunos participantes que mostraban cada día de la competencia. Los sabía de memoria. Yo quería ir a ese lugar, vivir la experiencia y cuando sucedió no lo podía creer. No paraba de llorar”.

Lucas Erni, un "gaucho santafesino" que llegó lejos

Preparado por Lidia Segni y apadrinado por Julio Bocca, que pagó su pasaje y le dio un puñado de buenos consejos (”me dijo que abriera los ojos para absorber lo que más pueda y eso me sirvió para tener más hambre de conocimiento”), Luqui participó del concurso con la variación de Albrecht del segundo acto de Giselle; llevó además una coreografía de su amigo, el italiano Fabrizio Coppo, y preparó una variación contemporánea que lo había obsesionado, A solo for Diego, de Richard Wherlock. “¿Cómo me fue? Fue una de las mejores semanas de mi vida, una full experience. Era la primera vez que salía del país, el plan que tenía para cada día era increíble: te olvidabas de que estabas en una competencia; cada clase con los maestros invitados o en los ensayos, todo lo que te da el concurso. Me acuerdo que la selección era un viernes. Cuando bailé pensé ‘wow, quedé’, di todo de mí, me sentí bien, a gusto, y luego no, no pasé. Pero en el Prix de Lausanne los que no llegan a la final tienen una clase que ven los representantes de compañías y escuelas asociadas, y te seleccionan para reunirse con vos”. A Facundo le ofrecieron una beca en la escuela de Rosella Hightower, en Cannes, aunque finalmente no la tomó porque a su regreso a Buenos Aires ganó por concurso la estabilidad en el Ballet del Teatro Colón. Ahora, a los 25 años, integra el Leipzig Ballet de Alemania, una compañía que le ha dado buenas oportunidades de lucirse como solista y donde satisface esa sed de bailar creaciones contemporáneas a la vez que cumple otro anhelo, trabajar en Europa. Sin embargo, anticipa a LA NACION que a mitad de este año regresará a Buenos Aires. “Me motiva volver y comenzar otra etapa. Siento que cambie un montón en estos dos años acá y quiero ver como me encuentro en la Argentina con este nuevo yo. Vivir afuera no siempre es color de rosa, son ritmos muy diferentes y culturas distintas”.

En la misma dirección que realza aquello que ganar no es el único premio se alinea el caso de Paloma Ramírez, una de las últimas argentinas en participar -el año pasado viajaron dos jóvenes bailarinas y éste hubo una representante del país, Lucía Abril Marcucci, que no llegó a la final-. Desde los 10 años, cuando empezó a meterse en el mundo de los concursos, el Prix de Lausanne era una meta para ella, pero claro, antes tenía que cumplir los 15 reglamentarios; entonces sí, se presentó y obtuvo el primer lugar entre los candidatos de América Latina, lo que le permitió llegar a Suiza con todo pago. “Uno va con la idea de lograr las becas, pero son más o menos 80 personas de excelente nivel y que justo te toque a vos no es fácil, pero creo que es una gran oportunidad para contactarte con directores de escuelas, compañías, maestros, gente importantísima que te puede abrir puertas a lo largo de tu vida”, reflexiona.

Sobre esa semana intensa de 2019 que jamás olvidará, Paloma sentencia: “Fui a casi todos los concursos que hay y te puedo decir que el Prix de Lausanne se diferencia mucho del resto porque cada candidato vale: no sos solo un número; en los otros, no te dan posibilidad de ensayar con maestros como Elisabeth Platel de la Ópera de París, dándote correcciones para vos. Acá tenés fisioterapia, comida de excelente calidad, la estructura y el espacio son maravillosos. Todo un lujo. Y te reciben con mucho cariño, hay traductores disponibles para los que no manejan el idioma, la verdad que es un concurso demasiado bien organizado y una experiencia enorme. Y a la vez como un reality show, transmiten todo, estás permanentemente con las cámaras al lado tuyo. Te hacés conocer y para el currículum eso es muy bueno. Es muy difícil estar ahí, pero se puede, te llena de aprendizaje, es una oportunidad que te cambia la cabeza”, comparte la bailarina, de 19 años, que continúa con su trabajo como freelance mientras cursa el ciclo de Perfeccionamiento del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón.

De profesión ingeniero, Braunschweig, aquel hombre visionario del principio de esta historia, había heredado la pasión por el funcionamiento de los relojes de su padre mientras que como mecenas de la danza, su otra gran devoción, acertó él mismo con un mecanismo para apoyar a jóvenes promesas. Alcanzó a ver con claridad el éxito de su emprendimiento antes morir, en 2010. Para entonces, había trascendido que su mayor preocupación estaba en el otro extremo de la vida de los artistas: se preguntaba cómo asegurar el retiro a los bailarines en la vejez. Quién sabe cincuenta años después haya un próximo filántropo listo para tomar ese legado.

Para agendar

La gala de estrellas de este domingo se transmitirá a las 12.30 de Argentina (4.30 pm en Suiza) en www.prixdelausanne.org/live-streaming