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“Afortunadamente, nuestra Selección Argentina sigue haciendo historia y continúa en carrera rumbo a la cuarta estrella. Como el próximo partido coincide con una de las fechas de nuestra gira, y sabiendo que es un momento muy especial para todos, la producción del evento decidió suspender los shows previstos bajo su organización”, comenzó el comunicado publicado por la banda en sus redes sociales respecto a las presentaciones del 17 de julio en Santa Rosa, La Pampa; del 18 de julio en Bahía Blanca y del 18 de septiembre en Paraná, Entre Ríos.

Tras explicar que la suspensión no tenía que ver con una decisión artística, Lowrdez Fernández, Lissa Vera, Valeria Gastaldi y Virginia Da Cunha informaron el procedimiento de devolución de entradas y se mostraron apenadas por no poder subirse al escenario tal como estaba pautado. “Lamentamos los inconvenientes que esta decisión pueda ocasionar y les agradecemos, como siempre, el cariño, el apoyo y el acompañamiento de cada uno de ustedes. Nos volveremos a encontrar muy pronto. Mientras tanto… ¡vamos Argentina!“, expresaron.

La respuesta de la productora

La versión de las artistas fue rápidamente desmentida por ShowMax a través de otro comunicado en el que responsabilizó directamente al grupo por la caída de las fechas. “La producción de algunas fechas del tour de Bandana comunica al público en general los lamentables sucesos que se están produciendo por la cancelación de manera unilateral por parte del artista”, dice el escrito difundido por la productora desligándose de toda responsabilidad.

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Inmediatamente, la empresa organizadora advirtió que nunca recibió una explicación formal sobre esta decisión: “Al día de la fecha esta producción no tiene notificación alguna de las causas que motivaron al artista a esta cancelación, que no solo genera un daño a esta productora sino también a los fans que estaban ilusionados con el show”, continuó mientras esbozaba una posible teoría sobre el verdadero motivo detrás de la suspensión. “Solo nos queda analizar que la decisión quizás esté sostenida en la baja convocatoria de los mismos que oficialmente comunicamos”, lanzó.

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Mientras la productora ya dijo que iniciará acciones legales para reclamar por los perjuicios económicos ocasionados, fuentes cercanas a la banda pop aseguran que varios problemas de logística y contractuales habrían sido el verdadero detonante de la suspensión: “La realidad es muy distinta porque, según trascendió, el grupo tenía toda la voluntad de realizar los shows, pero se habrían plantado ante la informalidad de ShowMax”, aclararon desde el entorno de la banda.

Horas después de la polémica, Bandana volvió a lanzar un nuevo comunicado, dando más detalles de la situación: “Lamentamos profundamente la situación generada en relación con las presentaciones previstas en Formosa, Resistencia, Santa Rosa, Bahía Blanca y Paraná, y especialmente el perjuicio ocasionado a todas las personas que habían adquirido sus entradas. Queremos aclarar que BANDANA no anunció ni comunicó la cancelación de ninguno de estos shows. La situación se originó en un conflicto derivado de un incumplimiento contractual que actualmente se encuentra siendo tratado por las vías legales correspondientes”, aclaró la banda nacida en Popstars sin vueltas mientras remarcaba que su principal preocupación hoy es el público.

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“Lamentamos profundamente no poder encontrarnos con ustedes en esta oportunidad. El cariño y el respeto por nuestro público han guiado siempre cada una de nuestras decisiones y seguiremos honrando ese compromiso”, concluyeron mientras advertían que por recomendación de sus abogados no van a realizar más declaraciones públicas sobre este asunto.

Había nacido en Paraná el 31 de diciembre de 1933, por lo que tenía 92 años, buena parte de los cuales los pasó al frente de las más importantes orquestas de la Argentina y también del exterior.

Su currículum, de los más brillantes en su profesión, dice que comenzó sus estudios en su Entre Ríos natal en piano y composición y que fue discípulo de Vicente Scaramuzza, Francisco Amicarelli, Fernando Previtali, Alberto Ginastera, Roberto García Morillo y Luis Gianneo, entre otros. Pero, además, ya en su adolescencia sintió atracción por eso de subir al podio e hizo su primer curso con el alemán Hermann Scherchen, en una de sus visitas a Buenos Aires. Y ya en 1949, siendo un adolescente, dirigió su primer concierto al frente de la, por entonces, flamante Orquesta Sinfónica de Entre Ríos, donde además fue pianista.

En un recorrido vertiginoso, para mediados de la década siguiente, debutó en la capital argentina dirigiendo la Orquesta Sinfónica de Radio Nacional y en 1957 se presentó en el teatro Colón con la Sinfónica Nacional, el elenco de la Secretaría de Cultura del que luego sería su director estable.

Gracias a una beca del Fondo Nacional de las Artes, estuvo un año estudiando en Italia y, en 1963 -junto a sus colegas Claudio Abbado y Zdenek Kosler- obtuvo el primer premio en el Concurso Internacional para directores de orquesta Dimitri Mitropoulos, lo que lo llevó a trabajar durante un tiempo como asistente de Leonard Bernstein.

Fue responsable, en diferentes momentos de su vida, de la Orquesta Estable del Teatro Colón, la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, la Orquesta Sinfónica de la Universidad Nacional de Tucumán y la Orquesta Sinfónica Nacional, donde estuvo por más de dos décadas y en la que permaneció varios años como director emérito luego de su retiro de la actividad. Pero esa responsabilidad con elencos locales, no le quitó la posibilidad de ponerse al frente, como director invitado, de orquestas en Francia, España, Austria, la Unión Soviética, Japón, los Estados Unidos o América Latina.

En un terreno más personal, fue el fundador, en 1966, del Ensamble Musical de Buenos Aires, para dedicarse a la música de cámara, pero también para acercarse a la música popular que lo tuvo como un gran promotor. Con esa agrupación, hizo audiciones televisivas, grabó y editó registros de compositores clásicos argentinos, estreno en 1970 en Washington el “Tangazo. Variaciones sobre Buenos Aires” de Astor Piazzolla y actuó con el grupo humorístico-musical Les Luthiers. Y era aún el director del ensamble cuando se hizo una nueva versión de “La Biblia” de Vox Dei, junto a otras figuras del rock argentino, aunque en el registro esa responsabilidad de la conducción y de los arreglos recayera en Gustavo Beytelmann.

También se cuentan en cantidad los premios y reconocimientos que acumuló, entre los que pueden mencionarse el de Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires y el Konex de Platino. Y casi como una curiosidad en una vida tan fructífera, vale agregar que colaboró en películas como El santo de la espada (1970), La vuelta de Martín Fierro (1974), De cara al cielo (1979) y Buenos Aires, la tercera fundación (1980).

Con la muerte de Pedro Ignacio Calderón, se fue una parte importantísima de lo que fue la dirección orquestal y uno de los protagonistas fundamentales de esta profesión en nuestro país. Un hombre formado en una actividad cuando aún no hacía parte de los cursos regulares de conservatorios y academias. Tuvo tres hijos, compartió los últimos años de su vida con quien había sido su compañera artística en diversos proyectos, la violinista Haydée Seibert, y se mantuvo vital y activo mientras que la salud se lo permitió. Y aunque ya hacía un tiempo que había tenido que retirarse, el mundo de la música argentina extrañará su paso por este mundo. Y es seguro que en los próximos días conoceremos diversos homenajes que le tributarán en diversos lugares de nuestro país.

Las entradas están disponibles mediante Passline. La ticketera oficial publica localidades desde $80.000 para el concierto, anunciado como Sepultura The Last Show.

Cuándo y dónde será el último show de Sepultura en la Argentina

• ¿Cuándo? Martes 6 de octubre de 2026, a las 19,
• ¿Dónde? C Art Media, Av. Corrientes 6271, Villa Crespo, CABA.

Los clásicos que formarán parte de la despedida

La fecha será parte del tramo final de Celebrating Life Through Death, el recorrido internacional con el que Sepultura decidió cerrar su carrera. Cada concierto fue planteado como una celebración de su historia y como un último encuentro con seguidores de distintas generaciones.

Durante la noche, la agrupación repasará las distintas etapas de un catálogo que transformó al metal brasileño en una referencia internacional y tuvo influencia sobre bandas de diferentes países.

El repertorio estará pensado para recorrer los principales momentos de la trayectoria de Sepultura. Entre las canciones mencionadas para esta etapa se encuentran “Refuse/Resist”, “Roots Bloody Roots”, “Territory” y “Ratamahatta”.

El grupo construyó buena parte de su legado con discos como Beneath the Remains, Arise, Chaos A.D. y Roots. Esos trabajos combinaron la potencia del thrash y el groove metal con ritmos, percusiones y elementos vinculados con la identidad musical brasileña.

La presentación en Buenos Aires será uno de los últimos capítulos de una carrera que atravesó cambios de integrantes, etapas musicales diferentes y giras por numerosos continentes.

The Cloud of Unknowing, el último EP de Sepultura

En paralelo con la gira de despedida, Sepultura presentó The Cloud of Unknowing, el trabajo que marca su cierre discográfico.

El EP fue grabado junto con el baterista estadounidense Greyson Nekrutman, incorporado a la banda en 2024. Las sesiones se desarrollaron durante diez días en Criteria Studios, en Miami, donde surgieron nuevas composiciones sin una planificación previa.

El lanzamiento está integrado por cuatro canciones. Entre ellas aparecen “All Souls Rising”, centrada en la intensidad característica del grupo, y “Beyond the Dream”, de tono más introspectivo.

Las composiciones abordan la transformación personal, la búsqueda de identidad y la unión frente a las divisiones sociales. El material combina la agresividad que acompañó a Sepultura durante su carrera con exploraciones sonoras y una fuerte carga emocional.

Cuánto cuestan las entradas y cómo comprarlas

La venta se realiza de manera online mediante la ticketera oficial y tienen un valor de $80.000 en preventa:

1. Ingresar a la página de Sepultura en Passline.
2. Seleccionar las localidades disponibles.
3. Indicar la cantidad de entradas.
4. Completar los datos solicitados por la plataforma.
5. Elegir uno de los medios de pago habilitados.
6. Revisar la información y finalizar la operación.

“Hoy recibimos la noticia de la lamentable partida de Pedro Ignacio Calderón. Su talento, su rigor artístico y su compromiso con la excelencia dejaron una huella imborrable en generaciones de músicos y en las principales instituciones sinfónicas del país. Al frente de la Orquesta Sinfónica Nacional, de la que fue nombrado Director Emérito, contribuyó de manera decisiva al desarrollo y la proyección de la música académica argentina, formando intérpretes y acercando el repertorio sinfónico a públicos de todo el país. Desde la Secretaría de Cultura de la Nación acompañamos a su familia y a toda la comunidad musical en este momento de dolor", escribió Cifelli en su cuenta de X.

Hoy recibimos la noticia de la lamentable partida de Pedro Ignacio Calderón.

Su talento, su rigor artístico y su compromiso con la excelencia dejaron una huella imborrable en generaciones de músicos y en las principales instituciones sinfónicas del país. Al frente de la Orquesta… pic.twitter.com/igpPHq91rX

— Leonardo Cifelli (@leocifelli) July 13, 2026

“Con profundo pesar, el Teatro Colón despide al maestro Pedro Ignacio Calderón, notable director de orquesta argentino fundamental para la difusión de la música nacional y ligado a nuestra casa, siendo director musical de la Orquesta Estable del Teatro Colón (entre 1992 y 1993) y de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires por más de 20 años", señalaron las autoridades del Teatro Colón a través de un sentido comunicado.

Pedro Ignacio Calderón nació en Paraná, Entre Ríos, el 31 de diciembre de 1933. Allí en Paraná estudió música y luego continuó sus estudios en Buenos Aires primero y en Roma después. Vincenzo Scaramuzza, Alberto Ginastera, Hermann Scherchen y Fernando Previtali fueron sus maestros.

“Mi formación ha sido totalmente autodidacta. Aprendía yendo a ver los ensayos. En una época en Buenos Aires pude ver a grandes directores. Yo me colaba en todos los ensayos que ellos hacían con la Orquesta Sinfónica Nacional. Iba a escucharlos. Recuerdo haber visto ensayos y conciertos de personalidades como Wilhelm Furtwängler y Herbert Von Karajan”, contó Calderón en septiembre de 2023 en una entrevista con EL DIARIO de su Paraná natal.

Su debut como director de orquesta se produjo a los 15 años. A los 20, en tanto, dirigió por primera vez en Buenos Aires. Cinco años más tarde fue nombrado director titular de la Orquesta Sinfónica de la Universidad Nacional de Tucumán y, en 1963, gracias a una beca del Fondo Nacional de las Artes, continuó sus estudios en Italia.

En 1963, junto con Claudio Abbado y Zdenek Kosler, Calderón ganó el primer premio del Concurso Internacional para Directores de Orquesta Dimitri Mitropoulos, organizado por la Orquesta Filarmónica de Nueva York, lo que le permitió trabajar durante un año como director asistente de Leonard Bernstein.

Al regresar a la Argentina fue designado para director musical de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, cargo que desempeñó por más de veinticinco años.

En 1966, creó el Ensamble Musical de Buenos Aires. En Europa dirigió las orquestas de Pasdeloup de París, Toulouse y Lille de France; la Sinfónica de Radio Televisión Española y Nacional de España; Tonkunstler de Viena, la Filarmónica de Leningrado y Radiotelevisión de Moscú. Entre 1992 y 1993 se desempeñó como Director de la Orquesta Estable del Teatro Colón, del cual también fue director general y artístico en varias ocasiones.

Entre 1994 y 2015, Calderón estuvo al frente de la Orquesta Sinfónica Nacional. En su despedida del organismo fue nombrado Director Emérito. “Hoy empieza un nuevo camino, pero sé que voy a estar siempre cerca de la orquesta y alguna vez volveremos a hacer un poco de ruido musical organizado”, destacó con humor el director en aquella oportunidad.

En su último concierto al frente de la Sinfónica Nacional, realizado en 2015 en La Ballena Azul del ex CCK, actual Palacio Libertad, la Orquesta Sinfónica Nacional ejecutó La Pasión según San Juan. El concertino Luis Roggero se dirigió a Calderón en nombre del cuerpo de músicos y señaló: “Directores hay muchos, pero maestros hay pocos. Cada uno de nosotros, en estos más de veinte años, ha recibido una enseñanza de su parte. Por eso, maestro, nuestra enorme gratitud”.

“Todas las obras que me interesaron tuve la oportunidad de hacerlas. Me siento al día con lo que hubiera querido hacer como director. No puedo pedir nada más y soy feliz así como estoy”, señaló el histórico director en aquella entrevista con EL DIARIO de Paraná.

Para el lanzamiento de Foreign Tongues, el nuevo álbum de 14 canciones de The Rolling Stones, en una entrevista con LA NACION, Mick Jagger había reconocido que le encantaría hacer una gira con este disco. “Hay muchas canciones del álbum que podemos hacer en el escenario. No creo que salgamos de gira este año pero espero que la hagamos en el próximo. Y espero hacerla lo antes posible. Y también me encantaría ir a la Argentina, obviamente”, apuntó en aquella oportunidad.

De la supuesta gira y las ciudades que incluiría no hay nada confirmado todavía. Pero antes de los partidos de ayer en los que las selecciones inglesa y argentina se clasificaron para la próxima instancia del Mundial, subieron un Visualizer de "Divine Intervention", una de las canciones del disco, que fue filmado en Puente Alsina, el histórico cruce que une el barrio porteño de Nueva Pompeya con Valentín Alsina, del partido de Lanús.

Aunque el tema comience diciendo “Caminando por la calle en la ciudad de Nueva York”, en verdad se trata de este puente de carácter monumental y de estilo neocolonial que fue inaugurado el lejano 26 de noviembre de 1938.

A lo largo de casi cinco minutos, el video sigue a un bailarín joven en distintos sitios del monumental puente. En la misma pieza visual no aparece consignado el nombre del creador del videoclip ni del magnético performer que se desplaza. El tema cuenta con la participación especial de Robert Smith, líder de The Cure, en la guitarra; acompañado por Steve Winwood, en piano y órgano, Andrew Watt, en sintetizadores y coros; el saxofonista James King y el trompetista Ron Blake.

En aquella entrevista con LA NACION, Mick Jagger recordó su primera visita a Buenos Aires, en 1995. “Recuerdo que llegamos y todos estaban tan eufóricos. Nos recibieron cantando afuera del hotel. Los shows fueron increíbles y estuvieron llenos de entusiasmo. Un público brillante. Nunca me olvidé de eso, fue un momento increíble”, sostuvo.

En tiempos de esa espera, Rolling Stones le hizo un guiño a sus fanáticos locales usando como locación al impactante puente sobre el Riachuelo cargado de historias que entablan puentes con otras figuras icónicas de la música argentina. De hecho, Sandro (Roberto Sánchez, según su DNI) vivía a pocas cuadras de Puente Alsina. Muchas noches, luego de aquellas presentaciones en el Gran Rex, manejando su Rambler Ambassador hacía una parada en La Blanqueada, histórica pizzería de Pompeya, antes de cruzar el puente para llegar a su casa. Ya del lado de Lanús hay un mural en homenaje al gran cantante que, en sus inicios, era el Elvis Presley local.

El puente ocupa un lugar importante en la historia del rock nacional. Para la banda 2 Minutos, nacida en Valentín Alsina, fue su verdadero lugar en el mundo. El álbum debut de este grupo símbolo del punk local, Valentín Alsina (1994), lleva el nombre de la localidad y en la portada aparece la imagen de ingreso al puente que, formalmente, tuvo otros nombres.

El libro Un regalo del diablo–2 Minutos, Valentín Alsina y la reivindicación del punk argentino, escrito por el poeta y periodista Walter Lezcano, reflexiona sobre la identidad barrial de la banda. “Cuando salió Valentín Alsina, para un montón de jóvenes que vivían en esa tierra arrasada que era por ese entonces el conurbano, fue un momento muy esperanzador, porque por fin había una banda que podía expresar un montón de cosas que pasaban en esos lugares, en ese territorio tan distinto a la Capital", aseguró en un reportaje publicado en la revista Rolling Stone.

En un reportaje de LA NACION de hace tres años, a Walter “Mosca” Velázquez, cantante de 2 Minutos, se le consultaba sobre las consideraciones que le generaba que esos temas de 2 Minutos creados en Valentín Alsina conectaran con el público de otras latitudes. “Son canciones urbanas, hablan de un barrio y todas las personas viven en él -aseguraba-. Yo nací en Valentín Alsina, pero un pibe puede ser de Palermo, otro de Almagro y así en todo el mundo. Capaz que pegás justo en la tecla y se sienten identificados. Estamos totalmente agradecidos, nunca pensamos ni soñamos esto”.

Tal vez no soñaron nunca que el monumental puente que une Pompeya con Lanús sea la locación central de un nuevo tema de los Rolling Stones, la banda icónica liderada por Mick Jagger quien, hace poco confesó que espera volver pronto a Buenos Aires. De paso, ¿por qué no?, se dé una vuelta por Puente Alsina para reconocer las imágenes del Visualizer de “Divine Intervention”.

Una carrera de alrededor de cuarenta años respalda a Moro y a la opinión de Kleiman. El rosarino, nacido el 24 de enero de 1948, fue un activo partícipe en el desarrollo del rock local desde sus albores, incorporándose con tan solo 18 años a Los Gatos. Liderada por Litto Nebbia, los éxitos cantados en castellano como “La Balsa” la volverían una agrupación fundacional del género, que registró media docena de álbumes hasta su separación en 1971. “Además de todas las andanzas musicales que compartimos, íbamos juntos al colegio en Rosario en 3º grado. Una persona de gran corazón y un músico súper intuitivo, con un estilo y sonido muy personal. Fundamental para cualquier agrupación”, diría Litto tiempo después.

El final de esa experiencia daría lugar a muchas otras para el baterista a lo largo de los años setenta, destacándose su inclusión en el efímero cuarteto Huinca -también junto a Nebbia- con el que grabó una única placa en 1972 y, enseguida, el reemplazo a David Lebón en Color Humano, el trío experimental conformado junto a Edelmiro Molinari y Rinaldo Raffanelli. “Le propuse a Moro que tocara con nosotros cuando se fue David y recuerdo que cuando aceptó me sentí en la gloria. En Almendra todos lo admirábamos. Con él tejimos un montón de música y lo viví como una época impresionante. Como tipo era bárbaro. Tenía una timidez total, pero se sentaba en la batería y era un monstruo“, declararía Molinari. Para el propio Moro también se trató de una buena experiencia: ”Me gustaba ensayar porque yo era enemigo de tocar boludeces, y eso [lo que tocaba el trío] era exigente. Con Edelmiro aprendí muchísimo".

La segunda mitad de esa década encontró a Moro pudiendo desarrollar su interés por una rítmica más latinoamericana e intrincada al formar parte de La Máquina de Hacer Pájaros, el grupo con el que Charly García llevó sus canciones hacia el jazz-rock progresivo por primera vez. Su aporte quedó registrado en los dos discos de la banda antes de su disolución, el homónimo de 1976 y Películas, al año siguiente.

Luego, en una demostración de confianza por parte del hombre del bigote bicolor, baterista y compositor se asociarían nuevamente para integrar -junto a David Lebón y Pedro Aznar- Serú Girán, considerada como una de las más brillantes expresiones rockeras en la Argentina. El conjunto publicó su propio debut homónimo en 1978, La Grasa de las Capitales (1979), Bicicleta (1980), Peperina (1981) y No Llores Por Mí, Argentina (1982). Dijo Lebón: “Moro es un baterista único. Ha tenido una vida llena de altas y bajas, pero siempre tocó bien, es una máquina“.

García, en tanto, tras el fallecimiento de su excompañero, añadiría: “Era un batero de grupo como Ringo Starr. Fue el primero que vi acá con dos bombos. Moro tenía una manera muy particular de lograr el backbeat; entre él y Pedro Aznar tocaban una maraña de notas que se definía por la confección de la canción y el pulso rítmico de la guitarra y el piano”.

Al finalizar su experiencia con Serú, su búsqueda estética lo vinculó con el bajista uruguayo y amigo Beto Satragni, mentor del grupo de fusión Raíces y exintegrante de Spinetta Jade, para conformar un dúo que en su único disco, Moro-Satragni (1983, con la participación de muchas figuras del rubro como los ya mencionados Charly y el Flaco Spinetta) sentó las bases de lo que varios años después se llamaría “rock latino”.

La vida profesional de Moro adquirió un nuevo giro rítmico que exhibió su ductilidad interpretativa al ser convocado para una de las tantas vueltas de Riff, uno de los grupos insignia del lado más pesado de la escena local, en 1985. El reencuentro con Pappo -con quien había compartido un tramo de la historia de Los Gatos- derivó en la publicación de Riff VII.

El millonario pero frustrante regreso a los escenarios de Serú en 1992 fue quizás el último gran suceso de la carrera de un baterista que tocó con todos y que, como también aportó Nebbia, “Es de esa clase de tipos que jamás vas a escuchar en el ambiente que alguien hable mal de ellos, queridos por todo el mundo. Por eso, además de su maestría musical, se mantienen en el recuerdo”. Un recuerdo que también lleva adelante el propio hijo de Oscar, Juanito, quien lidera el proyecto La Máquina de Hacer Pájaros x FMSV -junto a José Luis Fernández, bajista original del grupo- y que fue parte del reciente regreso a los escenarios de Lebón y Aznar para interpretar los temas de Serú Girán.

"No sé si soy un batero brillante. A veces pienso que me llaman de todos lados porque no jodo a nadie. Creo que mi mejor virtud musical es ser buen tipo“.

Junto a su piano, Peppino di Capri acompañó a Italia desde el boom económico posterior al desastre de la Segunda Guerra Mundial, hasta los años dosmil: por más de sesenta años fue uno de los rostros más conocidos de la música italiana.

Célebre no sólo por “Champagne”, sino también por “Un grande amore e niente più”, otro hit, contribuyó a transformar la canción napolitana en un lenguaje pop capaz de hablarle al mundo. “Cantó la Dolce Vita, los veranos en el mar, los grandes amores y las nostalgias. Con él la canción napolitana aprendió a dialogar con el rock’n’roll norteamericano, el twist, el jazz y el pop internacional sin perder su propia identidad”, destacó Carmine Aymone en el Corriere della Sera.

“Uno de los mayores logros artísticos de Peppino Di Capri fue rescatar la canción napolitana de los clichés folclóricos. Nunca renegó de sus raíces; por el contrario, las reinterpretó. El dialecto adquirió un carácter contemporáneo, mientras que el mar, Capri y el Mediterráneo dejaron de ser meras imágenes de postal para transformarse en símbolos de un estilo de vida reconocido incluso en el extranjero”, agregó.

Nacido en el seno de una familia humilde como Giuseppe Faiella en la isla de Capri el 27 de julio de 1939, fue uno de los protagonistas de la música popular italiana, como cantante, pianista, compositor, autor, empresario, cuya marca registrada fue la elegancia.

La leyenda cuenta que fue una suerte de niño prodigio que ya a los cuatro años tocaba piano ante los soldados “americani” llegados durante la Segunda Guerra Mundial a la isla, ya entonces famosa por su belleza, mar y grutas y frecuentada por artistas, intelectuales y músicos de todo el mundo. Tras estudiar piano clásico, a fines de los años Cincuenta, junto a un grupo de amigos el joven Giuseppe fundó una banda llamada los “Rockers” que en 1965 entró en la historia porque fue seleccionada para abrir tres recitales que los Beatles tuvieron en Italia.

Aunque antes, en 1958, Peppino di Capri comenzó a hacerse notar cuando obtuvo su primer contrato discográfico y con dos temas en dialecto napolitano “Nun è peccato” y “Malatia”, logró un gran éxito. Había comenzado a ganar dinero abriendo el “Splash, la primera discoteca de Capri, a la que iban personajes como el modisto Valentino.

Ya afianzado en el panorama musical, en 1970 conquistó el Festival de Nápoles con “Me chiamme ammore” y fundó su propia casa discográfico, algo que le dio mayor autonomía creativa. Tres años más tarde, en 1973, ganó el Festival de San Remo -el evento más prestigioso de la música local- con “Un grande amore e niente più”, interpretada junto a Tonina Torrielli, el momento más importante de su carrera. Ese mismo año, publicó “Champagne”, una canción destinada a entrar en el colectivo imaginario nacional, que habla de la melancolía del final de un amor, que suele estar siempre presente en fiestas, casamientos y demás reuniones familiares junto a una guitarra.

Addio Peppino Di Capri. Un anno fa alla Certosa cantava ‘Champagne’ per l'ultima volta. #ANSA pic.twitter.com/BqB6AUZyTd

— Agenzia ANSA (@Agenzia_Ansa) July 11, 2026

En 1976, volvió a triunfar en Saremo con “Non lo faccio più” y comenzó a cosechar premios en el resto del mundo, donde vendió millones de discos y realizó giras, que incluyeron por supuesto también América latina y la Argentina.

En su última entrevista con el Corriere della Sera, concedida a Michela Proietti el año pasado, Peppino di Capri contó que cambió de nombre cuando su amigo, también músico, Mario Cenci, que era su guitarrista, le hizo notar que su apellido, Faiella, hacía pensar en el término “iella”, yeta. “Me dijo: ‘Como sos de Capri, te vas a llamar Peppino di Capri”, evocó.

También recordó que tuvo una relación difícil con su padre, un hombre del sur que nunca lo tuteó, de viejo estilo, de origen humilde, que igual le abrió las puertas al mundo artístico al permitirle tomar clases de piano. “Un día, al volver de la escuela, descubrí que mi piano había desaparecido: mi padre lo había hecho pedazos para usarlo como leña. Pero luego se dio cuenta de que yo sufría, así que me compró otro”, evocó.

Y habló del origen del gran éxito de su vida, el tema “Champagne”: “Mi cuñado había escrito la canción ‘Una coppa di champagne’. Quería que Aznavour la cantara. Yo le dije: ‘¡La cantaré yo!’”.

En esa lista de apropiaciones involuntarias, la galesa Bonnie Tyler ocupa un Olimpo bizarro y glorioso: su voz raspada y su sensibilidad melódica terminaron dándole forma al insulto más temido de las canchas locales y, al mismo tiempo, a la banda sonora secreta de la mayor gesta del fútbol nacional.

El primer gran hito de esta colonización cultural a la inversa ocurrió a finales de la década de 1970. En 1977, Tyler lanzó “It’s a Heartache” (“Es un dolor de corazón”), una balada country-pop que se convirtió en su primer éxito masivo a nivel global. La canción hablaba de la desilusión, de lo estúpido que es amar a alguien que te lastima y del vacío que queda cuando un romance se apaga. Un clásico de la melancolía anglo. Sin embargo, cuando el vinilo cruzó el Atlántico, el oído de los hinchas detectó un pulso rítmico perfecto para el reclamo.

Los que estudian la historia de las hinchadas, sus canciones, sus rituales y sus crímenes, coinciden en que la primera hinchada en cantar la adaptación fue la de Huracán. El ingenio de la tribuna extirpó el dolor romántico de la canción y lo transformó en impaciencia colectiva. La melodía de “It’s a Heartache” devino en el clásico y universal: “Jugadores, la c... de su madre, a ver si ponen huevos, que no juegan con nadie”.

Mientras Tyler rasgaba la garganta cantando sobre un amor que te defrauda, miles de hinchas colgados de los alambrados la replicaban a los gritos para exigirle actitud a su equipo.

Con los años, el tema pasó a ser patrimonio de todas las hinchadas del país. Es el himno del desahogo, la cortina musical que suena cuando las papas queman, el equipo no corre y el descenso o la eliminación acechan. En las canchas de Boca y River, al mismo tiempo, el año pasado. Una herencia galesa que late en el cemento argentino cada fin de semana.

La playlist de Diego

Pero el destino de Bonnie Tyler con el fútbol argentino no se iba a limitar a la catarsis del hincha indignado. Unos años después, su música subió un escalón y se metió directamente en el santuario de los protagonistas: el vestuario. En 1983, de la mano del productor Jim Steinman, la cantante editó “Total Eclipse of the Heart”, una obra maestra del pop operístico, exagerada, dramática y épica. Un tema que, por su propia fuerza arrolladora, estaba destinado a acompañar momentos grandilocuentes.

El encargado de darle su lugar en la historia grande del deporte fue, cuando no, Diego Armando Maradona. En su libro testimonial México 86. Mi mundial, mi verdad, el Diez reveló la estricta y obsesiva rutina mística que montó la delegación argentina durante aquella Copa del Mundo. El trayecto en micro desde la concentración del América hasta los estadios era un ritual inalterable controlado por el propio Maradona. Y allí, en el corazón del casete que tronaba en el reproductor del ómnibus, Bonnie Tyler era una pieza fundamental.

Diego recordaba que la playlist de la cábala mundialista tenía tres columnas estables que debían sonar sí o sí antes de salir a jugar: “Eye of the Tiger” (de la película Rocky III), “Gigante Chiquito” de Sergio Denis, y “Total Eclipse of the Heart”. La transición entre la épica del boxeador, el estribillo tribunero local y el drama pasional de la galesa construía el clima de trance que el plantel necesitaba. La voz rota, casi al límite, de Tyler encendía las fibras íntimas de los jugadores. Funcionaba como un combustible emocional inmejorable.

“Total Eclipse de Heart” terminó musicalizando la consagración de una Selección inolvidable.

Bonnie Tyler falleció dejando un vacío enorme en la música pop, pero su eco en el sur del continente sigue siendo eterno. Quizás nunca dimensionó en su total magnitud que, mientras ella giraba por teatros de Europa interpretando sus canciones de amor y desamor, en esta esquina del mapa su discografía se había bifurcado en dos mitos vivientes: el insulto más temido por los jugadores del fútbol argentino y la melodía sagrada que acompañó al Diego a levantar la Copa del Mundo.

La particularidad es que tendrá como invitado al violinista Jeremías Sergiani-Velázquez, que lleva más de una década y media radicado en los Estados Unidos. Cuando se toma unas semanas de vacaciones enfila para la Argentina para visitar a su familia y, si se puede, tocar.

En realidad, programar conciertos son la mejor excusa para volver. De hecho, su esposa, la flautista Katie Althen, es bastante fan de nuestro país y la que lo impulsa a programar actuaciones en la Argentina. Katie tiene agendado para el 12 de julio un recital de flauta y piano con Natalia Suriano en Pro Música Rosario. Jeremías, antes de la gira con la Camerata tiene un concierto como concertino invitado de la Sinfónica Nacional, con dirección de Emmanuel Siffert. El programa incluye obras de Franz Liszt y Alex Nante.

Jeremías dejó su Córdoba natal a los 18 y llegó a los Estados Unidos en 2010. Se formó en el New England Conservatory (donde conoció a Katie) y luego en la prestigiosa escuela Juilliard. Integró la Orquesta Sinfónica de Pittsburgh y la Orquesta Sinfónica Grant Park de Chicago. Realizó giras con la Orquesta de Cámara Orpheus y fue concertino de los New York Classical Players. También realizó una intensa actividad en música de cámara e integró el cuarteto tanguero de Pedro Giraudo.

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Lo más cotidiano para Jeremías es ser solista de la fila de segundos violines de la orquesta de la Metropolitan Opera House de Nueva York (MET), que en la temporada 2026-2027, tiene una agenda de unos 18 títulos (el 30 por ciento son producciones de estreno). Es decir, estará ocupado, incluso con las giras que hace la orquesta. Pero busca nuevos desafíos.

-¿Le podés explicar al lector el rol de primer violín de los segundos de la orquesta y como llegaste a ese lugar?

-Iba a comenzar en 2020 pero por la pandemia se postergó. Pasé 17 meses en la casa de mis suegros. Es decir, en la casa de los padres de quien entonces era mi novia. Por suerte la pasamos bárbaro. Recién en 2021 comencé con la orquesta. Para explicarlo, una orquesta tiene unos 14 “primeros” violines, otros 14 “segundos”, unas diez violas y ocho chelos. La primera silla de los segundos violines lidera la sección y es el nexo entre esa sección y el director. Además tiene que estar en contacto con los solistas del resto de las secciones. Hay que liderar, dar confianza, musicalmente hablando, a la sección, y estar bien preparado y escuchando a los cantantes, porque hacemos ópera.

-Con la cantidad de títulos que tiene el MET, la actividad es fuerte. ¿Queda tiempo para otra cosa?

-El MET hace siete funciones por semana. Cada uno de nosotros tiene que participar en, al menos, cuatro, más los ensayos. Yo hago cuatro o cinco por semana. Pueden ser cuatro óperas diferentes y en los ensayos, otras que son las que tendremos funciones más adelante, en dos semanas. Es como una calesita de repertorio que se mueve y tenés que mantenerte a flote. Pero, la verdad, me encanta. Es buena la orquesta, son buenos los colegas, me encanta el repertorio que hacemos. Es mucho trabajo, pero es mi pasión.

-¿Fuera de lo musical, como es tu vida allá?

-La realidad de conseguir trabajo es complicada. Es estadísticamente difícil. Llegan 400 currículums para un puesto. Tenés graduados de distintas escuelas que tocan muy bien. Es una competencia, hay mucho de preparación y se trata de estar en la mejor forma posible. Y hay otro tanto de circunstancia. Me presenté en varios lugares. En las primeras audiciones que hice no me fue muy bien. Cuando gané en el MET logré algo que se sentía como un sueño. Luego, vivir en Nueva York, obviamente es una ciudad muy cara, pero por suerte estamos cómodos. Nos mantenemos muy activos. Mi esposa da clases, tiene un ciclo de música de cámara. Siempre está dando conciertos. Y ahora va a dar recitales en Buenos Aires y Rosario. Tratamos de hacer mucha música de cámara porque eso nos mantiene la inspiración rodando. No hay que perder la inspiración para que no se sienta como un trabajo. Obviamente, hay días en los que uno no tiene ganas de ir.

-¿Cómo será la experiencia tanguera con la Camerata?

-He tocado otras cosas de tango pero nunca las estaciones porteñas. Ignacio Quiroz y Danisa me hicieron la propuesta y me encantó la idea de esta Camerata que tiene la flexibilidad de muchos tipos de repertorios. La verdad que hasta ahora ha sido un placer. Son todos increíbles músicos en la orquesta y Danisa también. Estoy contento de colaborar con ellos.

-¿Hay un plus emocional al momento de tocar acá?

-Me pone nervioso tocar en Córdoba. Súper contento y nervioso. En los últimos tres o cuatro años vuelvo todos los años. Y toco música de cámara. También me gusta dar clases, cuando hay oportunidad. Porque me siento afortunado. La realidad argentina es difícil para salir a formarse. Mi familia lo vivió en carne propia. Sin la ayuda de mis padres, tías y abuelos, y de mi profesor en Córdoba, Fabricio Valvasori, no hubiera podido hacerlo. Ahora que estoy más establecido, mi sueño es volver más y dar clases, tocar conciertos, colaborar con la sinfónica o con otras orquestas.

-¿Y tu esposa?

-Y ella, que es de allá, es la que más le gusta venir. Le encanta Buenos Aires. “¿Cuándo vamos a ir?, me dice. “Vamos, organicemos un recital”. Y esa es la razón por la que comencé a venir más. A veces quiero descansar, porque la temporada [de ópera en el MET] estuvo muy ocupada. Pero al final venimos, organizamos cosas y me re engancho.

-Ahora estarás de vacaciones del MET, que está por comenzar la temporada 2026-2027.

-Claro. Empieza en septiembre, pero en la mitad de agosto nos vamos de gira por Europa. Salimos de gira una vez por año. El que viene nos toca Asia.

-O sea que las vacaciones son para seguir trabajando.

-Pero me da una energía bárbara. Me motiva. Me encanta mi trabajo. Venir acá es hacer cosas con otros anteojos. Otro punto de vista. Me recarga más que una vacación sin hacer nada.

-¿Cuándo a los 18 decidiste formarte afuera, Estados Unidos fue la primera opción?

-Originalmente pensé en Europa por los costos. En Estados Unidos los costos son prohibitivos para nosotros. El costo académico puede ser de 40 mil dólares.

-¿Por año?

-Sí. Mis padres son de clase media, empleados públicos. Nunca me faltó nada, pero no había chances para eso. Tuve la buena fortuna de haber conocido en Brasil a quien luego fue mi profesora, Miriam Freed. Fue ella la que me dijo si quería ir a Boston, para estudiar con ella. Y por suerte en New England me dieron una beca completa. Aun así fue difícil. Al año siguiente, el Mozarteum Argentino me dio una beca por tres años. Sin ellos hubiera sido imposible.

-¿Cómo fueron las primeras experiencias?

-La primera vez que fui a audicionar, iba escuchando al resto de los chicos y eran, literalmente, los mejores violinistas que había escuchado en mi vida, en persona. No hablo de discos. “¿Qué estoy haciendo acá?“, pensaba. Síndrome de impostor al máximo. Recién cuando me graduó dije: ahora quiero un trabajo. Mientras estudiaba en la Jiulliard tocaba música de cámara y tango, en milongas, con el grupo de Pedro Giraudo.

-¿Qué fue lo más difícil?

-Ese principio de ver a los chicos de mi edad tocando Paganini. Estuve cuatro años estudiando. No había atajos; había que estudiar. No salía, no conocía Boston. Me la pasaba estudiando. No era lo más saludable, pero me sirvió para mejorar.