Según explican sus productores, Maravillosa Alicia fue diseñada integralmente en sintonía con el Jardín Botánico, uno de los espacios patrimoniales más emblemáticos de la ciudad, ubicado en el corazón de Palermo de la Ciudad de Buenos Aires. Toda la iluminación es LED de bajo consumo, sin contaminación lumínica. Las estructuras son autoportantes: sin excavación, sin fijaciones al suelo. Tampoco se utilizan plásticos de un solo uso; al retirarse, el jardín queda exactamente igual.

El proyecto se basa en instalaciones inmersivas, tecnología interactiva y una guía narrativa para habitar el universo de Alicia. Con doce instalaciones creadas especialmente para convivir con la naturaleza viva del jardín, la propuesta combina arte lumínico, escenografía monumental, sonido envolvente y tecnología interactiva para construir un recorrido nocturno único en Buenos Aires.

Las entradas se podrán conseguir desde los 20.000 pesos únicamente en MundoTicket.com. Los clientes de Banco Galicia accederán a una preventa exclusiva con tarjeta Visa desde el jueves 28 de mayo a las 12, hasta el domingo 31 de mayo a la medianoche. La venta general comenzará el lunes 1 de junio, a las 12.

Cada estación fue concebida como una obra en sí misma, con identidad visual propia, narrativa inmersiva y una dimensión lúdica que hace que ningún recorrido sea igual a otro. Los momentos más icónicos del universo de Lewis Carroll —el Conejo Blanco, el Té de Locos, el Jardín de la Reina, el Gato de Cheshire y la partida de ajedrez— se transforman en espacios habitables donde los visitantes pasan a formar parte activa de la historia“, explican desde la producción.

“La experiencia está diseñada con múltiples capas de lectura: quienes conocen la obra original encontrarán referencias y guiños ocultos, mientras que quienes se acerquen por primera vez podrán disfrutar un recorrido completamente accesible, emocional y sensorial. Uno de los grandes diferenciales de Maravillosa Alicia es ALI, primera guía narrativa del mundo que vive en WhatsApp, sin necesidad de descargar aplicaciones ni utilizar dispositivos especiales. Durante el recorrido, ALI desbloquea contenido, propone desafíos y sostiene un juego interactivo que evoluciona a lo largo de la experiencia, haciendo que cada visita sea única. Además, el público podrá interactuar con AlicIA, una inteligencia artificial desarrollada especialmente para expandir el universo de Carroll más allá del recorrido físico”.

Además, Maravillosa Alicia contará con recorridos diferenciados para adultos, jóvenes y niños. Los más chicos tendrán además un dispositivo especialmente adaptado —sin necesidad de teléfono ni lectura— para vivir su propia aventura dentro del universo de Alicia.

Desde su concepción, la propuesta fue desarrollada con criterios de accesibilidad integral: todas las estaciones incluirán contenido en Lengua de Señas Argentina, señalética con pictogramas y un diseño libre de luces estroboscópicas o sonidos abruptos, para garantizar una experiencia cómoda y accesible para todos los públicos.

Las entradas para ambas funciones figuran agotadas en AllAccess, la ticketera oficial. De todos modos, la plataforma mantiene publicados los valores por sector, con ubicaciones numeradas y sin numerar, y conviene revisar el sitio ante una eventual liberación de tickets.

Cuándo toca Lali en River

• Fechas: sábado 6 y domingo 7 de junio de 2026.
• Horario: 20.
• Dónde: Estadio River Plate.
• Dirección: Av. Figueroa Alcorta 7597, Núñez.
• Ticketera oficial: All Access.
• Estado de las funciones: agotadas.

Precios de entradas para Lali en River

Aunque las dos fechas figuran agotadas, estos son los valores publicados por la ticketera:

• Sívori Alta: $50.000 + $7500 de cargo de servicio. Sin numerar.
• Campo: $70.000 + $10.500 de cargo de servicio. Sin numerar.
• Belgrano Alta: $75.000 + $11.250 de cargo de servicio. Sin numerar.
• San Martín Alta: $75.000 + $11.250 de cargo de servicio. Sin numerar.
• Platea Belgrano Baja: $110.000 + $16.500 de cargo de servicio. Numerada.
• Platea Belgrano Inferior: $110.000 + $16.500 de cargo de servicio. Numerada.
• Platea Belgrano Media: $110.000 + $16.500 de cargo de servicio. Numerada.
• Platea San Martín Baja: $110.000 + $16.500 de cargo de servicio. Numerada.
• Platea San Martín Inferior: $110.000 + $16.500 de cargo de servicio. Numerada.
• Platea San Martín Media: $110.000 + $16.500 de cargo de servicio. Numerada.

Cómo comprar entradas para Lali en River

Por el momento, ambas funciones figuran agotadas. En caso de que se liberen nuevas ubicaciones, el procedimiento de compra será:

1. Ingresar al sitio oficial de venta.
2. Buscar el evento LALI.
3. Seleccionar la fecha disponible.
4. Elegir sector o tipo de entrada.
5. Indicar cantidad de entradas.
6. Completar los datos solicitados.
7. Elegir el medio de pago.
8. Confirmar la compra y guardar el comprobante.

Cómo llegar al Estadio River Plate

Para un evento masivo en el Monumental, la opción más práctica suele ser organizar el traslado con anticipación y priorizar el transporte público, especialmente para evitar demoras en las inmediaciones del estadio.

Según la información oficial de River Plate para llegar al Monumental, las alternativas son:

• Subte: línea D hasta estación Congreso de Tucumán.
• Tren Mitre: ramal Tigre, estación Núñez.
• Tren Belgrano Norte: estación Ciudad Universitaria / Estadio Monumental.
• Colectivos y Metrobus Norte: líneas 15, 28, 29, 33, 34, 37, 42, 45, 107, 130 y 160.

Accesos según el sector

La guía oficial de River para el Mâs Monumental indica estos ingresos por tribuna:

• Belgrano Alta, Media y Baja: ingreso por Av. Libertador y Udaondo / Puente Labruna.
• San Martín Alta, Media y Baja: ingreso por Av. Figueroa Alcorta y Monroe / Puente Labruna, por el Playón Sívori.
• Sívori Alta, Media y Baja: ingreso por Puente Labruna. Para Sívori Media y Baja también se puede ingresar por Udaondo y Libertador.
• Campo: conviene revisar la indicación específica del ticket y la señalización del operativo del show.

Qué conviene saber antes de ir

• Llegar con anticipación: el ingreso puede tener demoras por controles y concentración de público.
• Revisar el sector antes de salir: la ubicación define por qué zona conviene acercarse al estadio.
• Tener la entrada lista: llevar el ticket digital descargado o disponible en el celular.
• Cargar batería: el teléfono será clave para mostrar el ticket, consultar mapas y organizar el regreso.
• Evitar el auto sobre la hora: las avenidas cercanas al Monumental suelen concentrar tránsito, desvíos y demoras en eventos grandes.
• Consultar el estado del transporte: revisar subte, trenes y colectivos antes de salir y también para la vuelta.
• No confiar en reventas: con ambas fechas agotadas, lo más seguro es consultar únicamente la ticketera oficial.

Esa postal fue lo primero que un grupo de oyentes de LA NACION 104.9 +Música se encontraron este jueves en las oficinas de Universal Music Argentina, cuando fueron a escuchar de manera anticipada y exclusiva, las 14 canciones que integran el nuevo álbum, The Boys of Dungeon Lane.

El primero en tomar la palabra fue el principal referente de la radio, Leo Rodríguez: “Lo vi muchas veces, acá y afuera, tuve la oportunidad de entrevistarlo. Paul siempre tuvo la necesidad de sentirse uno más. Agarrar el auto y manejar, o llamar [él mismo] al periodista con el que iba a hablar. Fue una charla que hicimos en 2019 y parecía que estaba hablando con una persona conocida -recordó el locutor-. Porque Paul te baja a tierra. Pensemos que va a cumplir 84 años y con este disco no se si va a las raíces pero sí a su adolescencia y a su infancia, a como jugaba en las calles de aquella Liverpool que se recuperaba de la guerra. Porque recordemos que todos los Beatles nacieron en ese momento tan traumático. En una de las entrevistas que dio dijo que se ponía en el lugar de sus padres, y pensaba en cómo habría sido ser padres en esos tiempos”.

Mientras tanto, entre el público había fanáticos con remeras de Macca, señores que peinaban canas y que tenían asistencia perfecta en todos los recitales que, desde 1993, dio el astro inglés en nuestro país, y gente con historias para contar, como aquellas parejas que, al momento de casarse, optaron por las canciones de los Beatles para animar su fiesta, en vez de los temas más clásicos de este tipo de eventos.

“Cuando escuché Chaos and Creation in the Backyard -disco que cumplió 20 años- lo sentí como una despedida”, agregó Leo Rodríguez. “Pero con Paul uno nunca sabe. Disfrutémoslo mientras lo tengamos en este plano. Porque, como siempre lo digo en la radio, quizá no nos demos cuenta que estamos con el Beethoven o el Mozart de estos tiempos”.

Un rato después, con escucha atenta, sonaron las 14 canciones que están incluidas en el repertorio de The Boys of Dungeon Lane. Desde ese rock de riff poderoso hasta los que llevan la sonoridad folk de las guitarras acústicas. Desde aquellos que Paul ya había anticipado (“Days We Left Behind” y “Home of Us”) hasta los que eran pura novedad para todos los oídos.

Al final, ya con los deberes hechos, algunos se atrevieron a dar su opinión sobre la flamante producción. Romina -una de las oyentes de la 104.9 que asistió a Universal Music para escuchar el álbum- contó que fue a ver a McCartney al primer show que dio en Buenos Aires. Tenía 11 años en ese momento y hoy lo lleva tatuado. Ahora convertida en una experta, ofreció su radiografía del álbum: “Este disco me trajo muchas reminiscencias de [su banda] Wings, pero también de discos como Flaming pie y Egypt Station. La verdad que esto es McCartney puro."

En este caso, la parodia tendrá por objeto contrastar, en tono de burla o caricatura, la ilusión que tuvo una pareja (una escritora y un traductor) a los 25 años, con lo que pudo realizar a los 50 y con lo que finalmente cumplió, a los 75. La obra, que es la tercera comisionada al argentino (radicado en Alemania con destacada trayectoria internacional), contó con el requisito de que el libreto fuera escrito por una mujer, también argentina y en lengua castellana. La tarea le fue encomendada a Ariana Harwicz (autora de novelas reconocidas como Mátame, amor y La débil mental) quien creó la historia que se verá a lo largo de cuatro funciones a partir del domingo en la sala principal del coliseo porteño. Y, como un fundamental aporte a la dramaturgia desde la concepción del proyecto, la participación del director Mariano Pensotti, a cargo de la puesta y la dirección escénica.

A modo de introducción a la experiencia de asistir al nacimiento de una nueva ópera, dialogamos con Strasnoy sobre las premisas, dificultades y perspectivas del género en nuestro tiempo, de su música y de lo que describe como “destellos de convenciones operísticas”.

–¿Cómo sucedió el encuentro creativo entre la música y la historia, y cuál fue el desafío para musicalizar la trama?

–Yo no la conocía a Ariana, pero leí una novela suya y encontré que tenía un lenguaje interesante para el libreto. El encargo pedía que fuera mujer escritora, viva y en castellano, para hacer una ópera “argentina”. Es difícil escribir con libreto en castellano porque es una lengua cercana y cotidiana. Es la que usamos para ir al supermercado o hablar con una tía. Entonces me interesó trabajar con alguien que usa un lenguaje que no es el normal. Porque la lengua cantada suena ridícula. De hecho, es una ventaja no entender nada en la ópera. Pero bueno, creo que aquí, con un poco de suerte, la gente no entenderá nada de lo que se dice y el problema quedará resuelto.

–¿En qué sentido no es normal?

–En que es una lengua artificial y afectada. Que lo que transmite es más fuerte a nivel del lenguaje que de la historia en sí. Por ejemplo, la autora tiene una obsesión con las lechuzas y en medio de un diálogo te dice “¡hay lechuzas!” o “¡el olor de los árboles!”, cosas absurdas que me gustan porque son como un síndrome de Tourette. Como esa gente que, sin sentido, putea en el medio de una frase. La autora tiene eso, pero con imágenes y como los personajes están siempre borrachos tienen recuerdos y obsesiones con cosas macabras como el olor de los muertos y los pedazos de cuerpos. Ariana propuso una idea original y sobre eso trabajamos: la historia de una pareja que se verá en tres momentos distintos, todos conviviendo en un mismo espacio.

Una música teatral

–Has descripto el lenguaje del libreto como artificial y no-normal ¿Qué dirías del tuyo, el lenguaje musical?

–Que está muy conectado con el teatro, que siempre tiene que ver con su subtexto, incluso cuando compongo música instrumental que no usa voz ni texto. Que está ligado a una dramaturgia. Eso hace que se sienta contrastante y que a veces recurra a pequeñas convenciones de afectos que uno puede identificar. No es completamente abstracta. Eso es lo máximo que puedo decir.

–Simplificando los términos para hablar de una composición contemporánea que se escuchará por primera vez ¿podríamos decir que se encuadra en lo tonal o lo atonal, en lo consonante o lo disonante?

–No. No es un lenguaje que vuelve a la tonalidad. Mi música usa lo necesario para conectar con lo teatral y si en algún momento necesito introducir un recitativo, hago una referencia como si fuera Mozart. Hay destellos de convenciones operísticas que recuerdan un estilo musical pasado, pero son solo referencias. Eso no quiere decir que sea música tonal ni completamente atonal. Un colega dijo que hay períodos de la historia que inventan lenguajes, y hay otros que usan un poco de todo y hacen síntesis. Un compositor de innovación sería Wagner. Uno de síntesis, Puccini. Creo que ésta es una época más cercana a esa idea.

–¿Hay vínculos en tu trabajo con lo cinematográfico?

–Es interesante que las referencias de Ariana, que no sabe nada de ópera y nunca estuvo confrontada con el género, eran solo cinematográficas. Yo creo que el cine y la ópera tienen mucho en común. De hecho, el cine sin Wagner no existiría. El cine es como una réplica en dos dimensiones del pensamiento wagneriano, con músicas omniscientes que cuentan lo que piensan y sienten los personajes. Eso es muy wagneriano. Pero no es que la ópera sea cinematográfica, sino que el cine, sin saberlo, es operístico.

–¿Cómo descubriste tu vocación por el teatro musical?

–Había mucha presencia musical en mi casa, estudié desde la infancia y tuve una tía compositora que fue determinante. La ópera en particular fue algo más tardío, ya en mi juventud, a partir de los 20, cuando me fui a París. Y lo que me decidió por la ópera fue una postura negativa: el hartazgo absoluto del “conciertito de música contemporánea” con cinco piezas de 10 minutos cada una. Después que compuse dos o tres espectáculos de teatro musical que funcionaron bien, me siguieron pidiendo más de lo mismo, y aquí estoy.

–Hablamos del elemento literario, ahora del teatral. ¿Cómo se conjugó para crear la partitura y cómo se está desenvolviendo en su realización con músicos y cantantes?

–Algo muy bueno de este proyecto es que trabajamos los tres (libro, música y escena) desde el principio como una entidad. Todos nuestros encuentros fueron tripartitos por zoom en la pandemia y conseguimos desarrollar la dramaturgia que era la pata que le faltaba a Ariana, porque ella escribe novelas, no teatro. Mariano es la cabeza teatral. De modo que cuando llegamos ahora a la realización, las cosas se hacen como fueron concebidas. ¡Y contamos con la inmensa ventaja de que Mariano es un santo y que los cantantes vinieron super bien preparados desde el primer ensayo, con la obra resuelta y de memoria! Si no fuera así, es imposible montar el espectáculo en cuatro semanas ensayando en la abstracción total, en una sala con marcaciones con cinta scotch en el piso en lugar del escenario.

De la ironía y la parodia

–¿Hay en esos encuentros entre la juventud, la madurez y la vejez una reflexión amarga? ¿Cuál es el tema y lo que quieren dejarle al público con Dementia?

–La ilusión y la desilusión. La ilusión que uno tuvo de joven, lo que imaginó para su vida a los 25, y a los 75 lo que realmente fue. Para mí es más divertido que amargo. Queremos dejar la sensación de una obra irónica, más divertida que amarga porque la ópera es tan ridícula que solo funciona cuando se ríe de sí misma. Por eso, yo uso el único recurso posible: la parodia.

–Aunque ofenda al género (risas), porque la ópera se define en el drama...

–No importa. Hoy en día es muy difícil tomarse en serio el argumento de un drama wagneriano, por ejemplo ¡Sigfried concebido como superhombre, no se puede tomar en serio! O es extremadamente peligroso. Para mi propio ejercicio de la profesión, lo que mejor se adapta es el tono paródico. Y en Dementia hay una idea con la traducción, porque el marido espera que la esposa escriba para tener algo que hacer, se invierten los roles tradicionales y eso Mariano lo llevó a la puesta. La ópera termina con la frase: “Somos malas traducciones de nosotros mismos”.

–¿Qué le dirías al público que rehúye de las creaciones nuevas?

–Por supuesto que es una música nueva y una obra nueva da miedo, porque la gente va a la ópera básicamente para ver lo que ya conoce. Muchos incluso odian las puestas novedosas. Les diría que traten de tener el mismo nivel de curiosidad que tiene cuando compran una novela que les recomendaron. Hoy en día nadie lee a Goethe ni a los clásicos, la gente lee autores actuales. Lo mismo con el cine. Nadie va a ver los films de los años 50, nadie quiere vivir en una casa del siglo XVII. En todas las artes pasa lo contrario de la música. Mientras tanto, la ópera sigue siendo como un museo y eso tiene mucho que ver con el turismo. Es como ir a Venecia o ir a París para volver a ver el Louvre y la Monalisa. Ir a la ópera es exactamente eso.

Para agendar

Dementia – Estreno mundial de la obra comisionada por el Teatro Colón. Ópera en tres cuadros y un epílogo. Música de Oscar Strasnoy. Libreto de Ariana Harwicz. Dirección musical: Tito Ceccherini. Dirección escénica: Mariano Pensotti. Escenografía y vestuario: Mariana Tirante. Iluminación: Marías Sendón. Orquesta Estable del Teatro Colón. Elenco: Florencia Burgardt (Escritora de 25 años), Daniela Tabernig (Escritora de 50 años), Mónica Ferracani (Escritora de 75 años), Sebastián Angulegui (Traductor de 25 años), Alejandro Spies (Traductor de 50 años), Víctor Torres (Traductor de 75 años).

Funciones: domingo 31, a las 17; martes 2, jueves 4 y sábado 6, a las 20. En la sala principal del Teatro Colón

La grilla para el sábado 28 de noviembre estará encabezada por Gorillaz y Young Lean. También se presentarán ese día CMAT, Danny L Harle, Nation of Language, Cara Delevingne, Ecco2k y Marilina Bertoldi.

Para el domingo 29, los protagonistas centrales serán The Strokes y FKA Twigs, y Lily Allen. Además, ese día se presentarán Courtney Barnett, Underscore, Juana Molina y Santiago Motorizado.

Gorillaz vendrá a Buenos Aires luego de pasar por las versiones de Barcelona y Porto de Primavera Sound. La banda virtual creada por Damon Albarn, presentará The Mountain, su muy elogiado nuevo álbum.

En cuanto a The Strokes, los neoyorquinos llegarán propulsados por el combustible de Reality Awaits, su primer álbum en seis años que verá la luza a finales de junio. Junto a ellos, la camaleónica FKA twigs, el siempre visionario Yung Lean, una Lily Allen renacida de sus cenizas para entregar el implacable West End Girl, la nueva estrella euro-country CMAT y la cantautora rock australiana Courtney Barnett.

Si algo distingue a este festival es que hay que prestarle la misma atención a los pequeños detalles que a los grandes nombres. Underscores, Smerz y Sophia Stel, por caso, merecen que ya temprano estemos listos frente a alguno de los escenarios del festival. O para ver a Danny L Harle, Los Thuthanaka y el DJ y productor Nick León. En tanto, el nombre de la híper famosa cantante, modelo y actriz Cara Delevingne, seguramente convoque a miles de curiosos a presenciar su set.

En cuanto a los artistas argentinos, Juana Molina y Santiago Motorizado encabezan la propuesta local. A ellos se suman Marilina Bertoldi, Juliana Gattas y la renacida banda de culto de los 90: Jaime sin Tierra.

Cómo conseguir las entradas

Las entradas para la edición 2026 de Primavera Sound Buenos Aires se adquieren únicamente en EnigmaTickets.com. Los precios de la instancia actual, la Fase 3, son los siguientes:

Abono General: 310.000 pesos

Abono Vip: 900.000 pesos

Entrada General Día 1: 185.000 pesos

Entrada VIP Día 1: 550.000 pesos

Entrada General Día 2: 185.000 pesos

Entrada VIP Día 2: 550.000 pesos

El éxito masivo de su segundo disco Escândalo Íntimo - que ostenta el récord del mayor debut de un álbum en la historia de Spotify Brasil, con más de 15 millones de reproducciones en sus primeras 24 horas y fue nominado al Grammy Latino en 2024- terminó de consolidarla como una figura central de la música latina contemporánea. Pero lejos de quedarse en una fórmula, también exploró otros universos sonoros, incluso con un proyecto dedicado a la bossa nova —Bossa Sempre Nova, en colaboración con Roberto Menescal y Toquinho—, uno de los géneros más emblemáticos de la música brasileña.

Con Brutal Paraíso, su trabajo más reciente, asegura haber llegado a un lugar distinto: uno más libre, más honesto y profundamente emocional. El álbum nació después de dos años atravesados por cambios personales intensos donde convivieron el deseo, la tristeza, el caos, la vulnerabilidad y cuestionamientos sobre su propia identidad artística, lo cual lo transformó en una especie de manifiesto sobre la libertad emocional.

Grabado en distintos países —entre ellos los Estados Unidos, Corea y Alemania—, el disco también se fue moldeando a partir de los viajes y del contraste entre la imagen de Brasil que encontraba en el exterior y la que ella misma conserva de su país. Esa búsqueda aparece también en las colaboraciones del álbum, que incluyen nombres como Young Miko y Sebastián Yatra, y refuerzan su intención de construir un diálogo musical cada vez más conectado con América Latina.

En Coachella fue la única representante brasileña del lineup y eligió debutar en vivo con un show que condensó buena parte de su universo creativo con dosis de funk, pop, rock, bossa nova y reggaetón. Su participación en el festival californiano terminó de reforzar una expansión internacional que en los últimos años también incluyó giras por los Estados Unidos, colaboraciones globales y canciones en inglés. Arriba del escenario también apareció Emilia Mernes, con quien comparte dos colaboraciones muy exitosas —”Bunda” y el remix de “Motinha 2.0”—, en un show cargado de representación e identidad musical latinoamericana.

En conversación con LA NACION, habla sobre la dualidad emocional que atraviesa Brutal Paraíso, su relación con la exposición pública y el deseo de fortalecer cada vez más su vínculo con América Latina.

—Tu paso por Coachella fue muy importante: eras la única artista brasileña del festival y además presentaste Brutal Paraíso por primera vez en vivo. ¿Cómo viviste esa experiencia?

—En Brasil tengo una carrera desde hace unos diez años y he vivido muchas cosas increíbles, obviamente, pero estar en un escenario tan lejos de mi país, con un público tan diferente, con un álbum tan distinto y empezar en un lugar en el que no todas las personas me conocían fue muy emocionante. Todos los artistas tendrían que sentir algo así por lo menos una vez en su carrera para volver a la vida, al por qué cantamos, por qué empezamos a hacer música. También fue muy especial poder compartir el escenario junto con Emilia, una artista que es también una amiga y con canciones que son un mix de portugués, español, funk, reggaeton y tantas cosas. Tanta cultura que tenemos, no solo en Brasil, sino en Latinoamérica.

La cantante recuerda ese show como una oportunidad para correrse de ciertos lugares comunes asociados a la música latina. Cuando entendió que iba a presentar el disco en un escenario internacional, empezó a preguntarse qué imagen quería proyectar hacia afuera. La respuesta fue construir un show donde convivieran todos los sonidos que forman parte de su identidad musical: desde la bossa nova hasta el funk brasileño, pasando por el rock y el pop. “No quiero ser solo el cliché que las personas conocen, porque nosotros somos tantos ritmos, tantas formas de hacer música, de cantar, de expresarnos, de cultura. Podemos hacer música lenta, música rápida y sí, movemos el culo mejor que nadie, tenemos el mejor sazón, pero somos tantas cosas. Empezar de esta manera fue muy refrescante”, reconoce.

—Sobre tu nuevo álbum, Brutal Paraíso, ¿sentís que este disco nació más de una necesidad emocional o de una construcción artística?

—Este álbum nació por la necesidad que tenía de por lo menos una vez en la vida hacer lo que tenía ganas. Siempre tuve mucha libertad de hacer lo que quisiera, pero en este momento solo pensé en mí, porque a su vez siempre me puse mucha presión de “jugar el juego”. ¿Por qué siempre tenemos que hacer y ser exactamente lo que creemos que a las personas les va a gustar? ¿En unos años voy a pensar en cuántas cosas me perdí de hacer pero no hice porque pensaba que tenía que hacerlo de una sola manera? Este álbum surgió de querer permitirme ser el lío que soy y hablar de lo que quiera. Si quiero hacer una canción de ocho minutos, voy a hacerla. Y tengo una canción de ocho minutos ahora. No es la decisión más fácil en lo inmediato porque es un álbum de 23 canciones con muchos ritmos, pero a mis cincuenta años voy a pensar: “Qué bien que hiciste lo que querías y como eras en aquel momento, sin intentar siempre agradar y ser correcta”.

“Viví una traición”

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A lo largo de la conversación, Luísa vuelve varias veces sobre la idea de libertad. Habla de permitirse ser contradictoria, de no tener que encajar todo el tiempo en una única versión de sí misma y de abandonar cierta necesidad de perfección que, según dice, durante años condicionó muchas de sus decisiones artísticas: “Durante el proceso de este álbum terminé una relación, viví una traición, me enamoré, hoy estoy en una relación muy buena. Puedo hacer una balada, hablar de sexo y hacer lo que yo quiero con el ritmo que quiero. Este álbum es sobre vida y sobre libertad. Libertad no solo artística, sino también de ser lo que se nos dé la gana”.

—El nombre del disco habla justamente de esa convivencia entre lo “brutal” y el “paraíso”. ¿Cómo aparece eso en tu vida?

—Me hice esta pregunta en varias ocasiones, intenté separar muchas veces lo “brutal” del “paraíso” y entendí en estos años, en los que hice mucha terapia, que no se puede separar la vida en dos cosas. Podemos estar viviendo algo brutal y al mismo tiempo, al otro lado de la vida, un paraíso. Y no podemos excluir una parte de nuestra vida porque puede ser muy duro. En estos años tuve momentos en los que mi carrera iba increíble, pero en mi vida personal estaba viviendo algo muy malo. Muchas veces queremos que todo esté perfecto para ser más felices. Pero si intentamos solo vivir los momentos felices, perdemos la mitad de la vida o no procesamos los sentimientos que tenemos que procesar para seguir adelante y también entender que tenemos que sentir para estar vivos.

—En tu documental de Netflix Si yo fuera Luísa Sonza se muestra el detrás de escena de algunos de los momentos más difíciles de tu exposición pública, lo cual terminó funcionando también como un punto de inflexión en tu relación con la fama. ¿Cómo aprendiste a convivir con eso?

—Es una parte de la vida que entendemos con la madurez. Entendemos que no estamos hablando con nuestros amigos o solo con personas que nos aman. Yo viví casi toda mi vida en una ciudad de seis mil habitantes. Entonces, me tomó tiempo entender que en un país de doscientos millones de brasileños no te ven todos como tu vecino. Creo que las personas que vivimos en el campo toda la vida pensamos que todos somos amigos y podemos entendernos, pero el mundo no es así. Cuando entendí eso, pensé: “Bueno, voy a tener una vida un poco más privada y a poner todo en la música”. Brutal paraíso es el álbum en el que hablo de todo. Si querés saber cualquier cosa de mi vida, solo hay que escuchar el álbum. Soy muy sincera en mis canciones, principalmente en las baladas, pero también en canciones más pegadizas como “Motinha 2.0”. La sinceridad puede existir de muchas maneras. Pero solo con la madurez entendemos que hay cosas que tenemos que guardar para nosotros. No todas las personas van a entender que siempre querés ser lo mejor que podés y la mejor persona posible para el otro. Existe la verdad de cada persona. Yo tampoco tengo que ser ni Dios ni el diablo.

Una artista en expansión

Si en lo personal aprendió a correrse parcialmente de la exposición, en lo artístico parece atravesar el movimiento contrario: una etapa de expansión cada vez más internacional y conectada con América Latina.

—Tenés una conexión muy cercana con la Argentina. ¿Hay planes de traer tu show?

—Tengo muchas ganas. Voy a hacer un tour en América Latina, pero probablemente en 2027. Quiero ir a la Argentina y a otros países de la región. Queremos también hacer cosas con Sebastián Yatra y Young Miko, que están en el álbum, y seguir haciendo más colaboraciones. La música tiene el poder de conectar y yo me quiero conectar con todo el mundo.

—Hablando de colaboraciones, hiciste muchas con artistas internacionales, ¿hay alguna que recuerdes como la más memorable?

—Hay varias que me gustan mucho, desde Demi Lovato y Joe Jonas hasta Mariah Carey —¡estuve en su casa!—, pero una de las más importantes que hice fue trabajar con Caetano Veloso. Es mi amigo. Soy una enamorada de Caetano, de su trabajo y también de él como persona. Es un gran artista y un gran ser humano. La canción “You Don’t Know Me” es una de las cosas más importantes que hice en mi vida.