Después de esos años frenéticos entre rodajes, discos de estudio y giras internacionales, Ratner tuvo que afrontar una especie de reinicio, un volver a empezar marcado por su fuerte deseo de evitar roles que la encasillaran como actriz juvenil aunque, paradójicamente, eran casi los únicos papeles que le ofrecían. Así, continuó su camino por los escenarios del teatro independiente, que ya había transitado con anterioridad; escribió su propia obra de teatro (Lo normal) durante la pandemia en búsqueda de nuevas oportunidades, participó en algunas series, hizo la película mexicana El niño Dios (2023), potenció su faceta como influencer (acumula más de 3 millones de seguidores en Instagram) y se lució junto a Florencia Peña en la adaptación teatral de Mamma mia!, donde el papel de Sophie (que en la película interpreta Amanda Seyfried) le valió una nominación a los Premios Estrella de Mar.

Ahora, la actriz es una de las protagonistas de Verdad o Shot, la ficción vertical que inauguró el lanzamiento de Shorta, la primera plataforma argentina de series para ver en el celular ideada por Armando Bo, Tomás Escobar (creador del sitio Cuevana) y el empresario tecnológico Ariel Arrieta. Se trata de un thriller psicológico con tintes eróticos que sigue a un grupo de amigos en un fin de semana que escala hacia el descontrol, exponiendo secretos, vínculos ocultos y dinámicas de poder. Bajo la dirección de Alejandro Ciancio (En el barro y El marginal), el elenco se completa con Tatu Glikman, Lautaro Rodríguez y José “El Purre” Giménez Zapiola, pareja de Ratner hace seis años y su flamante marido (se casaron en noviembre pasado).

-¿Cómo fue la experiencia de hacer tu primera ficción vertical?

-Es completamente distinto. Verse en formato vertical ya es diferente y actoralmente fue un re desafío porque son muchos capítulos pero duran muy poco. Es decir que cada un minuto y medio o dos pasa algo, por lo que actoralmente estás al palo todo el tiempo.

-¿Cómo se maneja esa intensidad?

-Fue duro porque además se graba bastante rápido. Teníamos que estar muy concentrados y enfocados, con todo muy ensayado para llegar al rodaje bien afilados. Grabamos todo en una semana y media, fue intenso. Para eso también fue clave que entre nosotros cuatro ya éramos amigos y compartíamos y charlábamos mucho en el hotel donde nos estábamos hospedando en Uruguay, donde filmamos. Además, estaba con mi pareja.

-Imagino que la labor de un director como Alejandro Ciancio fue fundamental.

-Tenerlo fue espectacular. Yo lo admiraba mucho y ahora que trabajé con él, lo admiro aún más, es superhumano, simple, muy profesional. Está con vos todo el tiempo para que saques lo mejor de vos y a la vez te da la confianza y las herramientas para que trabajes tranquilo.

-La historia es un thriller erótico. ¿Cambia la forma de filmar escenas de sexo en este formato?

-Por suerte tuvimos una coordinadora de intimidad, que es una figura clave. ¡No entiendo cómo hacíamos antes sin eso! Charlás la escena antes con ella, con tu compañero, con el director, hay un equipo reducido y ciertos elementos de protección. Entonces la hacés mucho más tranquila. Y Ale [Ciancio] también fue clave porque me generó mucha confianza, me explicaba cómo iba a ser el plano. Al ser formato vertical es más difícil porque se ven más cosas y él me dejó muy tranquila y después me dijo si quería ver el resultado y darle el visto bueno. El equipo era como en cualquier serie o película que grabé, mega profesional; lo mismo con las cámaras, el vestuario. Todo era premium. Eso, para mí, es lo lindo de Shorta, que está haciendo contenidos en formato vertical pero manteniendo el estándar bien arriba.

-Con El Purre, tu pareja, ya habían trabajado varias veces juntos. ¿Cómo se encontraron en este proyecto?

-La primera vez que trabajamos juntos me acuerdo que todo el mundo nos decía: “Chau, esto es un antes y un después”, así que lo encaramos con mucho miedo, pero por suerte nos llevamos bárbaro trabajando y nos apoyamos mucho. Esta vez también la pasamos muy bien y fue divertido que estuviéramos intercambiados; yo hacía de pareja de Lauti Rodríguez y él de Tatu. Es gracioso porque fue una especie de luna de miel para nosotros, viajamos a Uruguay a grabar una semana después de nuestro casamiento.

-¿No hay celos o una actitud diferente al trabajar en pareja?

-No, cero. También nos tocó hacer escenas de sexo juntos y era loquísimo porque, por un lado, nunca voy a tener tanta confianza con alguien a la hora de hacer ese tipo de escenas, pero por el otro lado era como si estuviéramos revelando parte de nuestra intimidad. Pensaba en si la gente nos iba a mirar como diciendo “esto es real” [se ríe], pero también estaba la coordinadora de intimidad para mantener el eje de que todo fuera súper pautado.

“Tuve que entender que la vida no era eso”

“Soy Luna fue mi primer papel importante”, afirma Malena Ratner sobre la tira protagonizada por la actriz mexicana Karol Sevilla que regresará en julio, diez años después de su primera emisión, con una cuarta temporada y por la pantalla de Disney+. “Yo estaba en la compañía de teatro musical de Ricky Pashkus y fui bailarina en algún episodio de Violetta. De hecho, cuando estaba grabando los videos Dance Along de Violetta ya había hecho el casting de Soy Luna y el coreógrafo era el mismo. Durante los ensayos, él vino y me dijo que también estaba ensayando con los finalistas de la nueva serie, entonces yo creí que no había quedado", recuerda Ratner durante su encuentro con LA NACION.

-Pero quedaste y cambió tu carrera...

-Literal, fue un antes y un después en mi vida. Cuando te llaman de Disney te dicen: “Bueno, tenés tres temporadas, o sea, tres años de filmación, gira por Latinoamérica y por Europa, discos”. Era mucha información junta y es algo que ya no existe tener asegurados tantos años de trabajo sin parar. La experiencia fue increíble y de mucho aprendizaje, y también tuve que entender que la vida no era eso.

-Cuando terminaste la serie te habrás encontrado con otro panorama laboral.

-Totalmente, fue volver a hacer castings porque podés tener un nombre en Disney pero tampoco es que te conoce todo el mundo; justamente, el público eran chicos y jóvenes. A la vez, obviamente, estaba la desesperación de querer salir de ese universo, de no encasillarme, pero todos los trabajos que me llegaban eran de ese estilo. Por suerte era consciente de que mi laburo era así, como un electrocardiograma, y siempre abracé mucho el trabajo. A mí cuando me preguntan qué quiero hacer digo trabajar. Disfruto haciendo teatro, una serie, una película, y hoy en día tener trabajo es un montón.

-¿Cómo se maneja la frustración frente a los rechazos o la escasez de ficción audiovisual?

-Es durísimo. Si alguien encontró la fórmula que me la pase porque a veces no tenés ni idea de cuándo vas a volver a trabajar. Creo que es clave que te guste lo que hacés. Si no te gusta y no te podés acostumbrar a esta inestabilidad, estás al horno. También soy muy partidaria de hacer cosas, de buscar otras facetas. En pandemia, cuando nadie tenía laburo, me puse a escribir una obra, a producirla y a dirigirla. Eso atrae otras cosas, no hay que esperar siempre a que suceda porque si no la pasás mal. Necesitás algo para ocupar la cabeza. También trato de seguir formándome y me encanta tomar clases de actuación grupales. Para mí, la actuación es en equipo, yo me agarro mucho de mis compañeros.

-Mamma mia! también fue un proyecto importante que te dio mucha visibilidad...

-Fue un boom tremendo. Cantar en vivo era un desafío nuevo para mí y la verdad es que tengo suerte con los compañeros con los que me tocó trabajar porque ahí estuve con Flor Peña que fue una madraza y una figura clave para acompañar ese proceso. Después me tuve que bajar para hacer el regreso de Soy Luna [hizo dos temporadas y se despidió en marzo de 2025] porque no podía coordinar las dos cosas.

-¿Desapareció ese temor a quedar encasillada?

-¡Sí! Aunque al principio pensaba: “¿Cómo voy a volver a hacer este personaje que dejé en un cajón hace 10 años?”. Pero cuando empezamos a grabar todo fluyó. A mí, Soy Luna me dio toda mi carrera, o sea, gracias a eso vino todo lo que hice después. Entonces, abrazo al personaje y me encanta. Me parece muy loco ir por la calle y que todavía me griten Delfi. Claramente marcó algo en la gente y, por ende, marcó algo en mí. Lo valoro muchísimo, no reniego de eso.

“Hace mucho tiempo, mamá, papá, Mary y Laura dejaron los grandes bosques de Wisconsin y se mudaron a la pradera, donde una nueva vida les esperaba”, dice el personaje de la joven Laura en el trailer lanzado por la plataforma este lunes 13 de abril. Mientras transcurren algunas imágenes de lo que será este reboot, la protagonista anticipa cómo será esa nueva vida: “Cada día y cada noche era una aventura. Y aunque estaban solos y se veían muy pequeños ante el cielo y las estrellas, eran felices porque eran una familia y estaban juntos”, concluye el pequeño adelanto.

La trama retoma el punto de partida clásico: el traslado de la familia Ingalls desde Wisconsin hacia las vastas praderas del Oeste en el siglo XIX. A partir de allí, reconstruye su proceso de adaptación, las dificultades cotidianas y el fuerte vínculo que los mantiene unidos. “Este drama familiar esperanzador, en parte una épica historia de supervivencia y en parte un relato sobre los orígenes del Oeste americano. Ofrece una visión caleidoscópica de las luchas y los triunfos de aquellos que forjaron la frontera”, explica la sinopsis oficial de esta historia liderada por Rebecca Sonnenshine, reconocida por su trabajo en series como The Boys y The Vampire Diaries.

“Honrar su esencia”, es el objetivo de esta showrunner y productora ejecutiva que ha crecido leyendo los libros de Laura Ingalls Wilder, aunque también promete profundizar en los matices de la historia. “Los personajes hablan de su vida antes de llegar a la pradera; puede que nos encontremos con algunos personajes de su pasado”, comentó quien se enamoró profundamente de estos libros cuando tenía 5 años. De hecho, fue esta saga literaria ( que vendió más de 73 millones de ejemplares) la que la inspiró a convertirse en escritora y cineasta.

“Me siento honrada y emocionada de adaptar estas historias para una nueva audiencia”, señaló. “Esta serie es una historia de amor sobre una familia. Es una familia con la que quieres estar, a la que quieres conocer, con la que quieres pasar tiempo. Esa es la esencia de La casa de la pradera: una familia que se apoya mutuamente, que se cuenta historias, que cuenta historias sobre sí misma”, agregó entusiasmada.

Este reboot además cuenta con el respaldo de CBS Studios y la participación de Trip Friendly, hijo del productor original Ed Friendly. “Mi sueño siempre ha sido volver a los libros, hacer una adaptación original e incorporar también la historia de la época”, dijo Friendly en el evento realizado para fanáticos con motivo del 50 aniversario en diciembre pasado. “Estudié historia en la universidad, me encanta la historia y creo que esa época —los años 1860, 1870 y 1880— es una parte fascinante”, concluyó.

Los nuevos Ingalls

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A lo largo de sus nueve temporadas y más de 200 episodios, la serie tenía como protagonistas principales al matrimonio Charles y Caroline Ingalls, interpretados por Michael Landon y Karen Grassle, y sus hijas Mary, Laura y Carrie, encarnadas por Melissa Sue Anderson, Melissa Gilbert y las gemelas Lindsay y Sidney Greenbush.

El corazón de esta historia vuelve a ser la familia, ahora interpretada por una generación de actores no tan populares. El papel de la protagonista absoluta, Laura Ingalls (esa niña brillante, honesta y rebelde con una mirada curiosa sobre el mundo que la rodea) recaerá sobre Alice Halsey, una niña de 10 años que trabajó en la serie Lecciones de química de Apple TV+ (interpretando a la hija del personaje de Brie Larson), en el culebrón Days of Our Lives e hizo el doblaje en la serie de Disney Junior Kindergarten: The Musical.

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Su elección fue elogiada por Melissa Gilbert, quien no sólo le dio su “bendición” a la actriz sino que expresó que estaba “muy ilusionada por pasarle el papel”. “Se conocieron y conversaron”, contó Rebecca Sonnenshine, quien también tuvo grandes palabras para la jovencita: “Es muy madura, muy talentosa y ha asumido por completo el personaje de Laura”.

Luke Bracey será el encargado de encarnar a Charles, el padre de familia, un hombre resiliente que lidera a los suyos en medio de las adversidades del territorio fronterizo. Este australiano, de 36 años, es conocido por haber interpretado a Trey Palmer en la serie Home and Away y a Jerry Schilling en la película musical Elvis.

El rol de Caroline, esa madre que se vuelve sostén emocional del hogar, será ocupado por Crosby Fitzgerald, una actriz recordada por su papel de Sylvia en la serie Palm Royale y por participar del true crime Amanda Knox: una historia retorcida. Skywalker Hughes dará vida a Mary, la hermana mayor y más sensible del clan es conocida por ser Sheridan Pickett en el drama Joe Pickett.

Diferencias con la serie original

Aunque toma como base los mismos libros, esta reversión introduce varias diferencias respecto de la recordada serie emitida entre 1974 y 1983. Mientras que todos coinciden en que este proyecto guarda mayor fidelidad al material original con una narrativa más cercana a las memorias de Wilder, el tono con el que se tratarán los temas son más realistas y amplios: “Se propone una visión caleidoscópica de las luchas y logros de los pioneros, abordando con mayor profundidad el contexto histórico”, explican desde la producción.

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Respecto a los personajes y arcos narrativos, esta adaptación incorporará figuras inéditas que expanden el universo de la familia. En cuanto a la estética, la historia apostará por una producción más cinematográfica y una mirada actual sobre los temas sociales.

Con una segunda temporada ya confirmada antes de su estreno, la apuesta de Netflix es clara: volver a contar una historia que marcó a millones, pero desde otro lugar. Una reinterpretación que dialoga con el pasado, pero busca resonar con nuevas generaciones.

El primer tráiler de la cuarta temporada de El encargado, presenta a Eliseo (Francella) en una nueva etapa de su carrera. Luego de vender su negocio por una millonaria suma, su próximo desafío será ni más ni menos que asesorar al presidente de la Nación. Ese notable ascenso, como no podía ser de otra manera, será motivo de incordio para Zambrano (Goity), quien llevará a cabo una estrategia legal para entorpecer los planes del protagonista. Y como bien adelanta el avance, todo indica que la muerte alcanzará a Eliseo, a menos que él demuestre que su ingenio es incluso capaz de ganarle a la parca.

Uno de los mayores atractivos de esta cuarta (y presumiblemente última) temporada de El Encargado, es la incorporación de Arturo Puig. El querido actor compondrá a ese presidente que encontrará en Eliseo a un volátil aliado, una combinación que seguramente derive en un inesperado final. Por otra parte, este lanzamiento también servirá como antesala para el spin off de la serie, dedicado al personaje de Zambrano y sus casos en Tribunales.

La cuarta temporada de El Encargado se estrena el primero de mayo en Disney+.

Francella y una importante distinción

Guillermo Francella será homenajeado por su amplia trayectoria en los Premios Platino 2026, los galardones que reconocen al cine y a la producción audiovisual iberoamericana y cuya 13ª. edición se realizará el próximo sábado 9 de mayo en el Teatro Gran Tlachco del Parque Xcaret, en la Riviera Maya.

El actor de ficciones como El secreto de sus ojos y El robo del siglo, que acaba de estrenar en teatro una adaptación de la novela Desde el jardín, viajará a México para recibir el Premio Platino de Honor por su “sobresaliente carrera audiovisual” y su contribución “a la memoria sentimental del gran público iberoamericano”.

En 2023, había ganado en la categoría Mejor interpretación masculina en miniserie o teleserie por su trabajo en El encargado, mientras que en 2016 había sido premiado por su interpretación como Arquímedes Puccio en la película El clan, de Pablo Trapero.

“A lo largo de más de cuatro décadas, Guillermo Francella se ha consolidado como uno de los intérpretes más populares y reconocibles de la Argentina, desarrollando una carrera sostenida en cine, teatro y televisión que lo ha situado como una figura central del audiovisual iberoamericano”, expresaron desde la organización de los premios.

“Se reconoce no solo una carrera de extraordinaria amplitud y popularidad, sino también la contribución de un intérprete que ha sabido acompañar la evolución de la industria, enriqueciendo con su trabajo el patrimonio cultural común del audiovisual en español”, señalaron a través de un comunicado oficial.

La lista de figuras que previamente fueron galardonadas con la estatuilla de plata está conformada por Eva Longoria (2025), Cecilia Roth (2024), Benicio del Toro (2023), Carmen Maura (2022), Diego Luna (2021), Raphael (2019), Adriana Barraza (2018), Edward James Olmos (2017), Ricardo Darín (2016), Antonio Banderas (2015) y Sônia Braga (2014).

Para apreciar cabalmente las cualidades de Los testamentos, lo primero que se debe hacer es sacarle, por un rato, la mochila de ser una continuación de The Handmaid’s Tale: El cuento de la criada. Claro que lo es, y no hay dudas de que quienes hayan visto las seis temporadas del blockbuster creado por Margaret Atwood (quien también es responsable de este regreso) encontrarán en esta nueva producción su mismo espíritu. Pero esta serie recientemente lanzada en la plataforma Disney+ logra establecer una distancia narrativa y tonal suficiente como para merecer un análisis independiente, sin caer en comparativas odiosas ni pases de facturas (dentro de lo posible, claro). Lo anterior es muy bueno, pero malo también.

El planteo inicial sigue todos los parámetros de esas historias que van de la adolescencia a la madurez. Gilead sigue en pie, quizás más ordenado en sus preceptos y rituales. Agnes (interpretada por la talentosa Chase Infiniti) es una criada dentro de una familia importante de la comunidad, y seguidora fiel del régimen de corrección impuesto por la tía Lydia (Ann Dowd), convertida en figura mítica con estatua incluida. A la chica le dan como tarea cuidar a Daisy (Lucy Halliday), una recién llegada al sistema de Gilead.

3 stars

Las dos adolescentes parecen congeniar, aun cuando la diferencia de escalafón interno entre ellas termina generando una serie de inconvenientes. Sin embargo, el relato esconde una capa de complejidad aún mayor: Daisy tiene un pasado, secreto para todos salvo para los espectadores, que está directamente ligado a la muerte de sus padres y a la presencia de June (Elisabeth Moss), otro regreso que ayuda a tender puentes entre la historia anterior y esta. No es casual que Daisy haya llegado a Gilead, la pregunta es: ¿Para qué?

En los primeros capítulos, el relato se mueve entre la vida de ambas chicas, alternando flashbacks con el pasado de la segunda frente al presente de la primera, quien comienza a verse envuelta en una sombra de duda y deseo, en forma de decisiones íntimas, que hacen tambalear sus convicciones.

Agnes personifica la educación y el adoctrinamiento dentro de Gilead: escuelas de esposas, ceremonias, abrazar un destino que otros diseñaron previamente. Al mismo tiempo, y aquí está lo más interesante de su presencia, el guion le reserva una sucesión de detalles cotidianos que le brindan cuerpo y carnadura: la amistad vigilada, los secretos susurrados, la duda que provoca el miedo a desviarse de los mandatos. El primer capítulo explota muy bien estos elementos, no así los siguientes. Daisy tiene un color completamente distinto: por momentos sumisa, por momentos espía, muestra una dualidad fascinante entre dos mundos totalmente distintos, que aportan información de manera lenta pero sostenida. A priori, son dos personajes que parecieran no tener nada en común y, sin embargo, conforme avanza la historia, se entiende que no pueden estar el uno sin el otro.

Desde lo visual, Los testamentos no solo mantiene el alto estándar de producción de The Handmaid’s Tale: Los cuentos de la criada, sino que en ciertas secuencias hasta logra superarlo. La uniformidad de colores, permanente y opresiva; una puesta en escena al servicio de la trama, con una cámara siempre protagonista, y decisiones de dirección que potencian la atmósfera sin resultar agobiantes, son todos aciertos del equipo de dirección, al mando de Mike Barker y con Bruce Miller como showrunner.

Paradójicamente, donde se revela algo fatigosa la propuesta de Los testamentos, es precisamente en su respeto al universo anterior. La saga en la que se apoya fue lo suficientemente disruptiva como para quedar en la memoria de los que la vieron. Por lo tanto, los espectadores que se acerquen a esta secuela con ese bagaje previo, inevitablemente sentirán que muchas situaciones, dinámicas y conceptos “ya fueron vistos”, ya sea narrados de otra forma, con personajes diferentes o con cambios tan sutiles que, en realidad, mantienen intacta aquella esencia primigenia. Es decir, hay un desgaste lógico que, en pos de no traicionar al original, no se ha querido modificar tanto, perdiendo en el camino algo de impacto.

Los testamentos es una respetuosa continuación, muy bien trabajada desde el guion, la actuación y los aspectos técnicos de puesta en escena. Su punto más flojo es que se impulsa gracias a una inercia precedente para construirse a sí misma, en lugar de aventurarse a un camino distinto. Todavía tiene tiempo para consolidar una identidad propia (luego de los tres primeros episodios recién lanzados, la idea es presentar uno por semana hasta completar los ocho anunciados), aunque, por lo que ha mostrado hasta ahora, parece más una puesta al día de elementos ya vistos que la búsqueda genuina de nuevos caminos que avalen plenamente su existencia. Quizás todavía pueda sorprender, o quizás no había otra manera de hacerlo. Si se tratase de esto último, cabría preguntarse si no habría sido mejor dejar la historia como estaba, en lugar de bucear en una reinvención que, por momentos,tiene el sabor a un plato sabroso, pero demasiado conocido.