¿Qué son?

Las bulbosas son herbáceas que se distinguen por desarrollar órganos subterráneos, que sirven como reserva de nutrientes. Estos se conocen como bulbos, rizomas o tubérculos. Suelen perder su parte aérea en alguna parte del año, durante la cual permanencen en reposo en forma latente. Luego, cuando las condiciones vuelven a ser favorables, se desarrollan de nuevo, generando hojas y flores.

¿Qué plantar en otoño?

Entre las especies que podemos conseguir en viveros en esta época se encuentran los narcisos, junquillos, tulipanes, fresias, anémonas y sparaxis. Muchas plantas populares como los agapantos, hemerocalis y clivias presentan raíces engrosadas o rizomas, y también pertenecen al grupo de las bulbosas.

¿Dónde conseguirlos?

La mayoría de los bulbos se venden secos durante el período inactivo. Lo mejor es comprarlos y plantarlos en el momento. Los de floración de invierno-primavera se plantan en otoño. Son plantas perennes de clima frío y en nuestro país se consiguen bulbos secos de narcisos, muscaris, scillas, jacintos y anémonas, entre otros. Deben ser plantados con cuidado, para que duren varias temporadas.

Al momento de comprar bulbos, asegurarse de que estén sanos y firmes, sin partes blandas.

Tips para el cultivo

1. Suelo fértil y permeable, con buen drenaje. Idealmente un sustrato poroso con tuba, piedra partida o canto rodado grueso.
2. Buena exposición al sol. Es necesario para que la planta nos ofrezca su mejor versión.
3. Según el bulbo, la profundidad. Lo más habitual es que sea del doble de la profundidad del propio bulbo. Recordar que, a mayor profundidad, más constante será la temperatura del suelo. La distancia entre bulbos dependerá del porte de la planta adulta.
4. Un buen tip es usar un plantador que extrae un cilindro de tierra donde se colocará el bulbo.

Un suelo poroso evita que se pudran los órganos de reserva subterráneos. Sin embargo, especies como los lirios amarillos, calas e Iris louisiana prefieren la humedad constante.

¿Cómo mantenerlas?

Las bulbosas no requieren mucho mantenimiento. Una vez que la planta floreció, eliminar las flores secas. Si el suelo se preparó bien, no es necesario agregar nada el primer año, pero el segundo puede sumarse abono orgánico o fertilizante rico en potasio, para estimular la floración. Una vez terminada la estación de crecimiento, se pueden almacenar para su resguardo, algo que se recomienda especialmente en suelos pesados y arcillosos, donde corren peligro de pudrirse por estancamiento de agua o exceso de lluvias.

Fertilizantes naturales para potencial tu jardín

Usos y costumbres

Los bulbos pueden plantarse debajo de árboles, especialmente los caducos, dado que en invierno reciben los rayos del sol y durante el verano se mantienen frescos bajo la tierra. Es el caso de los junquillos o narcisos. Otras veces se plantan en canteros, formando grandes macizos para mostrar su color, y donde pueden estar combinadas. En patios y balcones, puede plantarse una única especie por maceta, para mayor impacto y uniformidad. O agrupar diferentes para contrastes. Eso sí, recordar que luego de un par de meses, su follaje se pondrá amarillo y solo quedará en reserva, para reiniciar su ciclo unos meses antes de la floración.

Elegir bien una especie no depende únicamente del gusto estético. En paisajismo, cada planta responde a un conjunto de condiciones muy precisas —luz, suelo, humedad, espacio disponible— que determinan su comportamiento a largo plazo. Cuando esas variables no coinciden, el jardín empieza a mostrar señales de desajuste.

Lograr el match perfecto entre planta y lugar es uno de los principios fundamentales del diseño de jardines. Estas son tres claves que explican por qué a veces fallamos y cómo mejorar esa elección.

Elegimos con los ojos, no con el ambiente

Uno de los errores más comunes ocurre en el vivero: elegimos la planta que más nos gusta sin analizar si las condiciones del jardín son compatibles.

Una especie que prospera a pleno sol puede debilitarse rápidamente en una galería sombreada. Del mismo modo, una planta adaptada a suelos bien drenados puede sufrir en terrenos pesados o en macetas que retienen demasiada humedad.

Antes de incorporar una especie, conviene observar con atención el lugar donde va a crecer: cuántas horas de sol recibe, cómo drena el suelo, si está expuesto al viento o protegido por construcciones cercanas.

Cuando esas variables coinciden con los requerimientos de la planta, el jardín se vuelve mucho más estable y requiere menos intervenciones.

Subestimamos el tamaño adulto

Otra causa frecuente de fracaso es imaginar las plantas tal como se ven en el vivero y no como serán en su madurez.

Muchas especies duplican o triplican su volumen en pocos años. Lo que empieza como una pequeña mata termina invadiendo el paso, compitiendo con otras plantas o generando una sombra que altera todo el cantero.

Diseñar pensando en el tamaño adulto permite anticipar el comportamiento del jardín. Las plantas necesitan espacio para expandirse, desarrollar su arquitectura natural y mantener una buena circulación de aire.

Un jardín bien planificado evita podas excesivas o intervenciones constantes para contener un crecimiento que, en realidad, era previsible.

Ignoramos el ritmo de la planta

Cada especie tiene su propio calendario. Algunas crecen rápido y colonizan el espacio en pocos meses; otras avanzan lentamente y necesitan varios años para alcanzar su forma definitiva.

Cuando se mezclan plantas con ritmos muy distintos sin planificación, el resultado suele ser desequilibrado: especies demasiado vigorosas que dominan la escena y otras que desaparecen antes de consolidarse.

Comprender ese ritmo de crecimiento ayuda a construir composiciones más armónicas. Las plantas rápidas pueden utilizarse como estructura inicial, mientras que las de desarrollo lento aportan permanencia y estabilidad en el tiempo.

Cuando la planta encuentra su lugar

En paisajismo existe un principio simple que resume esta lógica: la planta correcta en el lugar correcto.

Cuando esa combinación ocurre, el jardín funciona casi sin esfuerzo. Las especies crecen con naturalidad, requieren menos riego y menos podas, y el conjunto adquiere una apariencia más saludable.

Si no sabemos los requerimientos de la planta podemos buscar cuál es su lugar de origen, así sabremos cuáles son las condiciones ideales para su desarrollo

Observar el jardín, entender sus microclimas y elegir especies compatibles es la base para que cada planta despliegue su verdadero potencial.

Porque cuando el match entre planta y ambiente es el adecuado, el jardín deja de ser una colección de especies y empieza a comportarse como un ecosistema coherente.

La buena noticia es que no todo está perdido. De hecho, esta es la mejor estación para intervenir. “Es buen momento para recuperar plantas dañadas: podar materia muerta, quitar hojas afectadas por arañuelas y, si es necesario, decapitar para volver a enraizar en sustrato bien poroso”, resume el ingeniero agrónomo Sebastián Ojeda.

Cirugía de otoño

El primer paso consiste en retirar todo lo que ya no suma: hojas secas, partes blandas y tejidos dañados. Esta limpieza no es estética, sino sanitaria y evita que plagas y hongos encuentren refugio.

Si la planta está muy afectada, aparece una técnica clave que requiere sangre fría y valor: decapitar. Consiste en cortar la parte superior sana y volver a enraizarla en un sustrato adecuado. Parece drástico, pero es una de las formas más efectivas de salvar ejemplares que ya no responden.

Menos agua, mejor estructura

Uno de los errores más comunes es seguir regando los cactus y suculentas como en verano. Pero ahora el metabolismo cambia. Las suculentas entran en una etapa más pausada, donde el exceso de agua puede ser más peligroso que la sequía.

El cambio de ubicación es otra tarea que la estación pide a gritos y se suele pasar por alto. Acá el secreto está en hacerlo de manera gradual y no drástica: “A veces, buscando refugio del sol, nuestras suculentas terminan etioladas. En otoño podemos ubicarlas en sitios con más sol sin riesgo de quemarlas. Este movimiento siempre debe ser gradual”, explica Ojeda. Ese estiramiento típico del verano puede revertirse con buena exposición y poda estratégica.

¿Qué es la etiolación? “Cuando la intensidad luminosa está debajo del óptimo, vamos a observar que la planta se inclina hacia la fuente de luz y produce más clorofila, entonces el verde enmascara los demás pigmentos. Si la condición continúa, las hojas y tallos se vuelven más finos y se alargan. Luego, la clorofila comienza a morir y la planta se ve pálida. Si persiste, la planta muere. Este proceso es muy común incluso en plantas a la venta, cuando el vivero no les da las condiciones adecuadas y es un ejemplo de la respuesta de las plantas a diferentes grados de estrés”, resume Ojeda.

El ataque que se ve venir

El otoño también es temporada alta para visitantes como caracoles, babosas y arañuelas. Y las suculentas debilitadas son un blanco fácil.

“Las mañanas de rocío invitan a caracoles y babosas a recorrer nuestras plantas. Asegurarse de dejar montañitas de cebo resistente al agua entre las macetas es una medida simple pero efectiva para evitar daños mayores”, explica Ojeda. “La ceniza o la tierra de diatomeas espolvoreada en la superficie es de gran ayuda, pero tras las lluvias hay que volver a aplicarla”, recomienda el especialista.

El suelo también necesita reset

No todo pasa por la parte aérea. El sustrato suele quedar compactado después de meses de riego y el resultado es menos aireación y más riesgo de pudrición.

“Las fertilizaciones con productos ricos en potasio y calcio estimulan la acumulación de reservas y colaboran con el fortalecimiento de las paredes celulares, lo que redunda en plantas más rústicas”, señala el ingeniero agrónomo.

Recuperar cactus y suculentas después del verano implica intervenir, decidir qué persiste, qué se suelta y qué merece una segunda oportunidad desde cero. En ese proceso aparece una belleza no convencional: la de las plantas que no quedaron intactas, pero buscan la forma de rearmarse.

“En Barcelona nos enseñan mucho la cultura de cuidar el patrimonio y darle valor a los elementos originales. La pregunta era cómo hacerlo desde una contemporaneidad”, cuenta Josefina sobre este quinto piso completamente pasante, con casi cien años de historia que juntos compraron.

Lo que el tiempo dejó

“En invierno entra el sol hasta el fondo. En primavera, a las ocho de la noche no tengo ninguna luz prendida”, asegura Josefina. Esa era la virtud más evidente de la casa; todo el resto no estaba tan a la vista.

Cuando llegaron, el departamento tenía un falso cielorraso que ocultaba la estructura original: las bóvedas catalanas, ese sistema de ladrillo cerámico típico de la arquitectura local que le da tres metros de altura a todos los ambientes.

El piso de calcáreos es original, tiene casi 100 años. En algunas zonas estaba intacto y en otras, tapado por un piso más nuevo. Lo levantamos todo, lo limpiamos, lo pulimos y lo recuperamos

Arq. Josefina Díaz, a cargo de la reforma

Paleta de tres

La reforma se pensó desde una premisa de materiales mínimos. “Dijimos: blanco para todas las paredes, los calcáreos originales y madera. Son solo esos tres”, explica Díaz.

“Como son espacios tan pequeños, abrir significó que el living, el comedor y el escritorio ocuparan un mismo espacio ¿Cómo hacér para que todo combine y trabaje en armonía?”, comparte la arquitecta. La solución llegó con los pisos. Para el escritorio, eligieron un parquet de madera que ayudara a sectorizar; el mismo que se retoma en los dormitorios.

Mueble protagonista

Uno de los gestos más contundentes en la reforma fue un gran mueble de contrachapado de pino que recorre el pasillo desde la entrada. Tiene espejo —que amplía visualmente el ingreso—, zapatero, armario de abrigos, y del otro lado también tiene placard. En el medio, una puerta da acceso a la habitación secundaria.

“No llega hasta el techo para que le entre luz natural desde el espacio común. Del otro lado termina justo enfrente de la cocina, que también está abierta y en contacto con el living a través de la barra”

El resultado es una planta en la que las únicas puertas son las de los dormitorios y el baño. E incluso esas están pensadas para no interrumpir: el marco es oculto.

“La idea era que la puerta estuviera lo más integrada posible, que no fuera un elemento que llamara la atención. Buscamos que hubiera visuales desde la entrada, que sintamos que todo este piso se abre y se une. Entonces realmente está todo abierto, está todo conectado”.

El corazón de la casa

Si hay un gesto que define este departamento, es la barra de la cocina. Fue el primer dibujo que hicieron al visitar el espacio: una apertura en la pared que separaba una habitación del living, convertida en ventana con mesada.

“Estamos todo el tiempo dando vueltas ahí. Uno cocina, el otro charla del otro lado. Vienen amigos, se sientan. Hay mucha vida alrededor de ese espacio, el gesto salió solo”

“Los industriales que instalaron la mesada son unos artesanos”, recuerda la arquitecta. Encastrar la pieza completa fue toda una proeza. “Me decían que la patita metálica no le hacía falta estructuralmente, pero el gesto era bonito”, cuenta.

Poco y bien elegido

La mayor parte del mobiliario es a medida —escritorio, estanterías, cabecero, armarios— y es parte del departamento. Los elementos que se suman son pocos.

“No es un living tradicional: acá todo está conectado y también funciona como paso”. De ahí la elección por un gran sillón y una alfombra circular en reemplazo de la clásica mesa ratona.

“Una alfombra rectangular iba a cortar el ángulo; la circular, en cambio, te incentiva a pasar. Hay algo en la curva que te permite circular más fácil”, asegura Díaz. En cuanto al color, estaba definido de antemano: “Por el piso original, todo tiende a ese amarillo mostaza. El color nos termina eligiendo”.

En cuanto a la iluminación, se siguió el mismo criterio: un único modelo de apliques de pared se repite en todos los ambientes y se combina lámparas de papel japonesas.

Sus amigos dicen, con cariño, que regalarles algo es un desafío: todo está demasiado curado. “Intentamos mantener siempre el mismo vocabulario. Que nada desentone”.

El informe anual 2022 del Center of Music in The Brain explicó este fenómeno a través de la biología. Según el documento, la música activa el sistema de recompensa cerebral. Al reproducir una canción favorita, el cerebro libera dopamina, conocida como la droga natural del cuerpo, la cual regula las sensaciones de placer. Esta descarga química genera una dependencia positiva que motiva al individuo a pulsar el botón de repetir. De este modo, la música trasciende el rol de entretenimiento y se consolida como una herramienta de exploración emocional profunda.

La psicología atribuye gran parte de esta tendencia al efecto de familiaridad. El cerebro humano responde de forma positiva a los estímulos que ya conoce, ya que estos activan áreas asociadas con el bienestar y la comodidad. Para quienes buscan un equilibrio emocional, escuchar melodías recurrentes refuerza la satisfacción personal. Este comportamiento resulta gratificante porque elimina el factor sorpresa, lo que permite que el oyente permanezca en una zona de confort donde cada nota y palabra poseen un significado ya procesado.

Los rasgos de la personalidad también influyen en este hábito. Las personas introvertidas, por ejemplo, utilizan la música conocida como un espacio de tranquilidad. En estos casos, las canciones actúan como un refugio donde es posible desconectarse del ruido externo y recargar energías. Además, este mecanismo ofrece una forma de escapismo. La persona construye una burbuja segura y predecible donde puede relajarse sin la preocupación por sobresaltos o estímulos nuevos que requieran una atención extra.

No obstante, la repetición constante presenta matices cognitivos importantes. Peter Vuust, profesor de la Royal Academy of Music en Aarhus, Dinamarca, advirtió que cuando alguien escucha una canción de manera excesiva, el contenido se desplaza hacia el extremo opuesto del espectro cerebral. En este punto, la persona deja de captar información nueva. Los sistemas biológicos muestran una sensibilidad marcada ante este fenómeno. Según Vuust, el rango de percepción varía según cada individuo y es posible que algunas personas tarden más que otras en notar que el proceso de aprendizaje frente a esa pieza musical ya finalizó.

Por último, la obsesión con los detalles juega un papel crucial. Para ciertos oyentes, la música representa un enigma que requiere resolución. Estos individuos encuentran placer en desmenuzar cada elemento sonoro de una canción, desde la letra hasta el arreglo instrumental más sutil. Para este grupo, la escucha repetida es una forma de análisis donde cada repetición aporta un descubrimiento nuevo. El acto de escuchar se vuelve así un ejercicio de observación minuciosa, donde la melodía deja de ser una experiencia pasiva para transformarse en un rompecabezas lógico que el sujeto desea resolver, nota por nota, en la búsqueda de una comprensión total sobre la obra elegida.

Este contenido fue producido por un equipo de LA NACION con la asistencia de la IA

Durante la charla, la especialista fue consultada acerca de si las habilidades en la intimidad son innatas o si pueden aprenderse con el tiempo. “Se puede enseñar, sí. Un buen amante para mí es el que tiene entusiasmo por conocer y descubrir. Y conocer y descubrir podemos hacer todos”, afirmó al respecto.

Para Rampolla, el error más frecuente consiste en creer que existe una fórmula universal para satisfacer a otra persona. Según explicó, cada individuo es diferente y requiere una aproximación particular. “O sea, cada persona que tienes de frente es un mundo aparte. Y para mí el buen amante es el que se encuentra ante una persona, un cuerpo nuevo, una situación nueva y dice: ‘Yo no sé nada. Aquí vengo a ver qué encuentro’”, sostuvo.

A lo largo de la entrevista, una de las panelistas señaló que muchas veces algunos hombres suelen mostrarse excesivamente seguros de sí mismos y creen que “se las saben todas” cuando se trata de relaciones íntimas.

Fue entonces que la médica remarcó que la verdadera habilidad radica en saber prestar atención a las necesidades de la otra persona. “Tener la actitud y el entusiasmo de ir a descubrir estas nuevas tierras, por decirlo de alguna manera. Conquistar esto que tengo de frente que va a ser nuevo, distinto”, explicó.

Para la especialista, esa disposición genera una conexión mucho más auténtica porque obliga a estar pendiente de lo que siente el otro y no de aquello que uno cree hacer bien. “Esa actitud te pone en un lugar de realmente estar pendiente de qué es lo que pasa con otra persona, qué es lo que le gusta a él o a ella, no lo que yo me creo que yo hago bien, que es distinto”, reflexionó.

Según su visión, la sexualidad es un espacio de aprendizaje permanente donde la comunicación juega un papel central. “Y eso es aprender de la otra persona y eso es ser buen amante. Nadie nace sabiendo cómo es el otro”, cerró Alessandra Rampolla.

Incluso, muy pocos lo saben, pero existen dos tipos distintas. Se encuentran las polainas largas, que van desde el tobillo hasta la rodilla, y las polainas cortas, que se usan desde el tobillo hasta el empeine del pie. Los nuevos diseños poseen elasticidad, haciendo que se adapten a la pierna de la persona sin problema. Pero, en diseños más antiguos, pueden encontrarse con cierres, botones y cremalleras.

Sea cual sea el modelo que tengas, este otoño-invierno son ideales para calentarse y a su vez estar a la moda. Aunque vienen en distintos colores y formas, debido a no ser una prenda tan usual, pocas personas saben cómo usarlas con estilo. Es por eso que te dejamos tres recomendaciones para sumarlas y sorprender a todos.

1. Con borcegos o botas cortas

La manera más clásica y sencilla de llevarlas es sobre borcegos o botas cortas. De hecho, las primeras polainas surgieron justamente para proteger el calzado del barro, la humedad y el frío. El término proviene del francés antiguo poulanne, vinculado a un tipo de cuero originario de Polonia que se utilizaba para confeccionar este tipo de accesorios.

Hoy, las versiones en tonos negros, chocolate, grises o crema funcionan especialmente bien sobre botas de cuero o borcegos chunky, aportando un aire moderno y relajado.

2. Con zapatillas para un look canchero

Para quienes buscan una estética más casual y canchera, las polainas también pueden combinarse con zapatillas de gamuza, lona o modelos deportivos retro. Muchas influencers optan por diseños tejidos o con efecto piel para generar volumen en la pierna y darle protagonismo al accesorio por encima del calzado.

Este tipo de combinación suele verse acompañado por joggings, minifaldas con medias térmicas o sweaters overzide, una fórmula que domina las redes sociales.

3. Con guillerminas y mocasines

Otra de las combinaciones que comenzó a imponerse en las pasarelas y redes sociales mezcla polainas con guillerminas o mocasines. En estos casos, se recomiendan modelos tejidos, de lana, con pequeños volados o moños, ya que ayudan a construir una estética más juvenil y romántica.

Además, funcionan muy bien con polleras tableadas, vestidos cortos y tapados largos, logrando un equilibrio entre lo clásico y lo moderno.

Para los especialistas en higiene del sueño, la cantidad de almohadas responde, en primer lugar, a una necesidad ergonómica y de alineación corporal. La doctora Shelby Harris, psicóloga clínica especializada en medicina conductual del sueño, abordó este comportamiento desde un enfoque estrictamente funcional.

En esa línea, explicó que colocar almohadas a ambos lados del cuerpo o debajo de las rodillas es una técnica conductual efectiva para “entrenar” al organismo a mantener posiciones saludables, como dormir boca arriba, con la intención de evitar dolores musculares y problemas de reflujo gástrico. Desde esta perspectiva, las almohadas no ocultan traumas, sino que funcionan como herramientas mecánicas de soporte.

Sin embargo, cuando el hábito persiste más allá de la comodidad física, la psicología clínica encuentra una explicación en la neurobiología del estrés y la regulación emocional. La doctora Stephanie Silberman, experta de la Academia Americana de Medicina del Sueño, señaló que rodearse de elementos blandos genera un “efecto nido”. Al percibir la presión suave y la textura de las almohadas contra la piel, el sistema nervioso parasimpático se activa. Esto disminuye los niveles de cortisol —la hormona del estrés— y estimula la liberación de oxitocina, lo que promueve una profunda sensación de calma y seguridad indispensable para evitar la rumiación mental antes de conciliar el sueño.

Esta búsqueda de contención física conecta directamente con uno de los pilares de la psicología del desarrollo: la teoría de los objetos transicionales, propuesta originalmente por el psicoanalista Donald Winnicott en su obra Realidad y juego (1971). Winnicott descubrió que los niños utilizan mantas o peluches como un anclaje emocional para tolerar la ansiedad de la separación. La investigación psicológica moderna demostró que este mecanismo defensivo sigue activo en la adultez. Ante períodos de alta carga emocional, soledad o transiciones difíciles, los adultos recurrimos inconscientemente a las almohadas como sustitutos táctiles que brindan una base segura frente a la vulnerabilidad de la noche.

En conclusión, dormir con muchas almohadas no cuenta con un único significado o un veredicto psicológico estricto en los manuales clínicos. Según los especialistas del sueño, este hábito se justifica como una respuesta adaptativa e inteligente de nuestro cuerpo. Ya sea para alinear la columna vertebral tras una jornada agotadora o como un mecanismo de regulación emocional externa para mitigar la ansiedad a través del tacto, las almohadas operan como fieles aliadas en la incansable búsqueda humana de confort, protección y un descanso reparador.

Por qué muchas personas abrazan una almohada al dormir, según la psicología

Según diversos psicólogos, abrazar una almohada al dormir suele ser un reflejo inconsciente de la necesidad de confort y conexión emocional. Este acto emula el abrazo a otra persona, por lo que proporciona una sensación de seguridad y tranquilidad. En momentos de soledad, estrés o ansiedad, la almohada puede funcionar como un sustituto de consuelo y un ancla emocional.

Aunque lo dio a conocer la revista francesa Maison & Travaux, este método es popularmente conocido como el “truco alemán”. Su fama se extendió rápidamente por los países de climas fríos debido a su gran efectividad para retener las cálidas temperaturas en la vivienda.

Pero, ¿de qué se trata? El secreto es tan simple como efectivo: colocar papel de aluminio detrás de los radiadores o estufas. De esta forma, el calor se proyecta hacia el ambiente en lugar de perderse en la pared, lo que mantiene la casa templada y alivia el bolsillo en la factura de energía.

¿Por qué colocar papel de aluminio detrás de estufas y radiadores?

Este material absorbe el calor, ya que evita que se “pierda” en las paredes, y lo difunde uniformemente por el interior del ambiente. Así, la calefacción podrá estar menos tiempo encendida o a una temperatura más baja.

Paso a paso para aplicar el truco alemán con papel aluminio:

• Cortá una lámina de papel aluminio del tamaño del radiador o estufa que vayas a usar como fuente de calor.
• Ubicá el aluminio por detrás del artefacto, con el lado brillante hacia el ambiente, de manera que actúe como un reflector de calor.
• Acomodalo bien contra la pared, asegurándote de que no toque partes calientes del equipo para evitar riesgos. Podés sujetarlo con cinta, ganchos o apoyarlo directamente si queda firme.

Recomendaciones

• Recortar el papel del rollo al tamaño de la estufa o radiador donde lo vas a colocar.
• El papel aluminio no debe ir apoyado sobre el calefactor o estufa, sino sobre la pared, detrás del aparato. 
• Si el aluminio está en contacto con la resistencia, se puede sobrecalentar y generar un accidente.
• Es importante que, si se usa una cinta o gancho para sujetar, no esté en contacto con el aparato y que no sea de un material que se pueda derretir con el calor.

Durante una intervención en el programa Perros de la Calle (Urbana Play), Rolón advirtió que el desafío principal no es la aparición del afecto en sí, sino el modo en que el sujeto procesa y gestiona esa intensidad emocional para evitar consecuencias destructivas. “No es bueno siempre no enojarse. El enojo es un afecto que a veces es necesario y al que uno tiene derecho”, subrayó el autor, al tiempo que señaló que la respuesta emocional varía según la personalidad de cada persona.

No obstante, el especialista trazó una línea divisoria entre la experiencia interna del enojo y la manifestación externa de la conducta. En este sentido, Rolón explicó que una cosa es atravesar la emoción y otra muy distinta es ejecutar una acción violenta. “Si me enojé y voy y te estrello el coche contra la puerta de tu casa, es una cosa. Si me enojé y decís ‘mirá, yo no tengo más ganas de hablar con vos’, es otra cosa”, ejemplificó para ilustrar que el derecho al enojo termina donde comienza el daño al otro.

Desde su perspectiva profesional, el enojo suele funcionar como una alarma que indica que los límites personales son vulnerados, convirtiéndose en un mensajero de cambio necesario para activar el amor propio. En sus reflexiones, Rolón conecta este manejo de los límites con la integridad en los vínculos afectivos. Al respecto, el analista definió previamente al amor como un poder otorgado al otro, cuya sanidad depende de la renuncia voluntaria a utilizar dicho poder para herir durante los conflictos.

La conexión del enojo con la felicidad

“La persona que te ama con sanidad es la que renuncia a usar ese poder. Nunca usa el poder que tiene sobre vos para dañarte, para ganar una discusión porque siente enojo”, sostuvo en LN+. Para el psicólogo, evitar que el enojo se vuelva patológico requiere de un trabajo consciente y valiente, donde se debe despojar al término de expectativas inalcanzables. Rolón insiste en que, si bien el pasado moldea la identidad, la posibilidad de bienestar se juega en el presente, lo que insta a los individuos a no postergar la felicidad ni refugiarse únicamente en recuerdos idealizados mediante una suerte de “photoshop” emocional que distorsiona la realidad de lo vivido.

En este escenario, el psicoanalista advierte contra la trampa de buscar soluciones mágicas o inmediatas para la gestión de las pasiones humanas. Al contrario, propone una postura responsable donde el sujeto acepte su propia finitud y la memoria de las faltas que lo habitan. “La felicidad es en la eternidad del aquí y ahora”, enfatizó, con lo que recordó que es precisamente en el presente donde se debe construir el bienestar.

Así, el manejo del enojo se integra como una pieza más de este complejo rompecabezas existencial, donde la capacidad de reconocer y validar las emociones propias sin dañar la integridad del otro es, según Rolón, un requisito indispensable para habitar el tiempo actual de manera plena y consciente, donde se asume la responsabilidad que conlleva cada elección en la vida cotidiana.

En este contexto, la Ciudad de Buenos Aires se posiciona como una gran opción para quienes buscan aprovechar el fin de semana sin necesidad de viajar ni organizar escapadas complejas. Si bien algunas actividades pueden implicar un mayor presupuesto, especialmente en el caso de planes grupales o familiares, también existen numerosas alternativas accesibles y de bajo costo. Desde ferias y paseos gratuitos hasta propuestas culturales con entradas a precios moderados, la agenda porteña ofrece una amplia variedad de opciones para todos los bolsillos.

A continuación, las opciones más destacadas:

Barrios a la Carta en Chacarita: gastronomía, música y actividades al aire libre

Barrios a la Carta llega a Chacarita con una propuesta que reúne lo mejor de la gastronomía local en un solo lugar. Con más de 20 puestos, restaurantes, bares, cafeterías, pastelerías y distintos emprendimientos del barrio trasladan sus cocinas al espacio público para ofrecer una experiencia que permite descubrir sabores variados sin salir de la ciudad. Además de la oferta gastronómica, el evento suma música en vivo, charlas y actividades pensadas para disfrutar en familia, convirtiéndose en una salida ideal para el fin de semana.

¿Cuándo?

Sábado y domingo, de 10 a 19 h.

¿Dónde?

Parque Los Andes, Av. Corrientes y Av. Jorge Newbery, Chacarita.

Mirador del Obelisco: una experiencia 360° en el corazón de Buenos Aires

El Mirador del Obelisco ofrece una de las experiencias más impactantes para quienes buscan redescubrir la ciudad desde otra perspectiva. Ubicado en uno de los íconos más representativos de Buenos Aires, permite acceder a la cima del monumento y disfrutar de una vista panorámica única a 67,5 metros de altura. Gracias a la incorporación de un ascensor especialmente diseñado sin alterar la estructura original, el ascenso se realiza de forma segura y cómoda. Desde lo alto, se pueden apreciar cuatro ventanas orientadas hacia los puntos cardinales, que regalan una vista completa de la ciudad.

¿Cuándo?

Todos los días, de 9 a 21 h.

¿Dónde?

Obelisco de Buenos Aires, Av. 9 de Julio y Av. Corrientes, San Nicolás.

Invasiones I: No bombardeen Buenos Aires, el musical con temas de Charly García en el Teatro San Martín

Invasiones I: No bombardeen Buenos Aires es un musical que propone una mirada contemporánea sobre un episodio clave de la historia argentina: las invasiones inglesas de 1806. Protagonizado por Elena Roger, el espectáculo recorre la historia a través de canciones de Charly García, combinando teatro, música y una puesta en escena de gran impacto. Con idea, libro y dirección de Ricardo Hornos, la obra reúne a más de treinta artistas en escena y plantea una reinterpretación artística de un hecho fundacional del país.

¿Cuándo?

Miércoles a sábados, 20.30 h. Domingos, 19.30 h.

¿Dónde?

Teatro San Martín, Av. Corrientes 1530, San Nicolás.

Billy Elliot, el musical: una historia de superación llega al Teatro Ópera

El musical basado en la reconocida película Billy Elliot llega al Teatro Ópera de Buenos Aires con una puesta que promete emoción, talento y una fuerte carga inspiradora. La obra narra la historia de un niño de un pueblo minero del norte de Inglaterra que, en medio de un contexto adverso, descubre su verdadera pasión por la danza, desafiando las expectativas de su entorno. Con una trama que combina sensibilidad y superación personal, el espectáculo logró conmover al público en distintas partes del mundo y ahora desembarca en la avenida Corrientes con una nueva producción local.

¿Cuándo?

Miércoles y jueves, 19:30 h. Viernes, 20 h. Sábados, 16 y 20 h. Domingos, 15:30 y 19:30 h.

¿Dónde?

Teatro Ópera, Av. Corrientes 860, San Nicolás.

Moonlight Trail: la experiencia nocturna inspirada en Minecraft llega a Ciudad Universitaria

Moonlight Trail es una propuesta inmersiva al aire libre que invita a recorrer un universo inspirado en Minecraft en pleno corazón de la Ciudad de Buenos Aires. Se trata de una experiencia nocturna inédita en la que el entorno del videojuego cobra vida a través de un sendero de más de un kilómetro iluminado bajo la luz de la luna. Durante el recorrido, los visitantes atraviesan distintos biomas icónicos, como ruinas antiguas, bosques de cerezos, cuevas luminosas y cataratas imponentes, en una ambientación pensada para sorprender a grandes y chicos.

¿Cuándo?

Todos los días, de 18:30 a 23 h.

¿Dónde?

Ciudad Universitaria, Av. Costanera 2100, Núñez.

Estos son solo algunos de los planes que ofrece la Ciudad de Buenos Aires para este fin de semana, en una agenda que se completa con muchas otras actividades culturales, gastronómicas y recreativas distribuidas en distintos puntos de la ciudad. Con opciones para todos los gustos y edades, la propuesta porteña sigue ampliándose con nuevas experiencias para disfrutar sin necesidad de salir de la ciudad. Para conocer más eventos, horarios y actividades actualizadas, se puede consultar la página oficial de Turismo de la Ciudad de Buenos Aires.

La cita pertenece a un fragmento de la obra que Jung publicó en 1961: Recuerdos, sueños y reflexiones. Se trata de una autobiografía donde el psicólogo analista describió una cronología de su propia mente y de su viaje interior.

Si se observa el pasaje completo, la frase cobra un peso todavía mayor. Jung escribió: “La soledad no proviene de no tener gente alrededor, sino de ser incapaz de comunicar las cosas que a uno le parecen importantes, o de mantener ciertos puntos de vista que otros consideran inadmisibles (...) Si un hombre sabe más que los demás, se siente solo. Pero la soledad no es necesariamente incompatible con la compañía, porque nadie es más sensible a la compañía que el hombre solitario”.

¿Qué quiere decir la frase de Carl Jung?

Al analizar este fragmento, en primer lugar, se hace referencia a una de las concepciones de la psicología sobre estar solo (aislamiento físico) y sentirse solo (aislamiento emocional). Ambas muy diferentes.

Por otro lado, Jung menciona la incapacidad de “comunicar lo que a uno le parece importante”. Los psicólogos explican que los seres humanos no solo necesitamos hablar; necesitamos ser escuchados y comprendidos en nuestra autenticidad para encajar en los círculos sociales.

Y por último, el psicólogo habla de aquello que guardamos, esas cosas que realmente nos importan y no mencionamos por miedo al rechazo, al juicio o a la incomprensión. Así es como se construye una pared invisible entre nosotros y los demás.

Según la interpretación filosófica, al igual que una administración responsable de los ahorros nos permite enfrentar con mayor holgura una emergencia financiera, observar la conducta de los amigos en momentos de normalidad permite discernir quiénes poseen una lealtad real frente a una coyuntura crítica como la enfermedad, el fracaso personal o la pérdida de un ser querido.

El pensamiento socrático, fundamentado en la ética de la virtud, sugiere que reconocer el valor de una persona es una forma de inteligencia emocional. Según los registros de la enciclopedia Britannica, Sócrates no dejó obras escritas, pero su filosofía se centró en la mayéutica, un método de preguntas diseñado para que sus interlocutores descubrieran la verdad por cuenta propia.

Para el filósofo ateniense, dedicar tiempo a examinar la autenticidad de los demás nos protege de falsas expectativas y decepciones. La enseñanza sostiene que la verdadera rentabilidad de un vínculo se encuentra en la capacidad de acompañar desinteresadamente, un contraste marcado con las conexiones superficiales que caracterizan a nuestra era tecnológica.

Para entender el peso de este consejo, es preciso recordar que Sócrates, nacido en el 470 a.C., dedicó su existencia a la búsqueda del bien en el ágora ateniense. Hijo de un cantero y una partera, vivió con una austeridad que lo llevó a despreciar el lucro, diferenciándose de los sofistas de su tiempo que cobraban por sus lecciones de retórica.

Como señala Britannica, su postura fue objeto de gran controversia: mientras Aristófanes lo parodiaba en Las nubes acusándolo de buscar beneficios, la realidad histórica muestra a un hombre que anteponía la integridad al éxito material. Este compromiso innegociable con sus principios, sumado a sus relaciones con figuras políticas complejas, terminó derivando en su juicio final por impiedad y corrupción de menores.

La ejecución de Sócrates con cicuta, tras rechazar una pena menor por considerar que su mensaje era innegociable, cimentó su legado como un símbolo de coherencia ética. Su vida, examinada hasta el último suspiro, sugiere que la felicidad no reside en la utilidad ni en los bienes, sino en la virtud.

Actualmente, esta lección sobre la amistad se traslada a la vida cotidiana como un llamado a la responsabilidad social. Construir una red de contención sólida no es un acto egoísta, sino una estrategia para fomentar la resiliencia colectiva frente a los avatares inevitables de la existencia. Valorar a los demás antes de requerir su auxilio es, en definitiva, el primer paso para fortalecer el tejido humano frente a cualquier crisis.

Este contenido fue producido por un equipo de LA NACION con la asistencia de la IA

Para Platón, la verdad no debía depender de opiniones, simpatías o consensos sociales, sino del análisis racional de la realidad. La filosofía aparecía entonces como un camino para escapar de las apariencias y acercarse a aquello que permanece más allá de las emociones, las modas o los intereses personales. Este planteo se conecta también con otra de sus ideas más conocidas: “El sabio querrá estar siempre con quien sea mejor que él”.

Lejos de interpretarse como una simple regla social, la frase funciona como una declaración sobre la naturaleza del crecimiento humano. Según el pensamiento platónico, quien realmente busca aprender no intenta rodearse de personas que validen constantemente sus ideas o alimenten su ego, sino de individuos capaces de cuestionarlo, desafiarlo y ampliar sus límites intelectuales.

Esta postura exige reconocer las propias carencias y aceptar que siempre existe algo nuevo por aprender. En contraposición, el ignorante suele preferir ambientes donde pueda sentirse superior o cómodo, evitando el conflicto intelectual.

La idea se vincula directamente con el concepto griego de mímesis o imitación, fundamental en la educación de la Antigua Grecia. Platón sostenía que el entorno influye profundamente sobre el carácter y que convivir con personas virtuosas o más sabias podía generar una especie de transformación moral.

Así, el aprendizaje no era entendido como un proceso pasivo, sino como el resultado de un intercambio constante de ideas y cuestionamientos. La dialéctica, eje central de su filosofía, proponía precisamente eso: que solo a través de la conversación y el debate con mentes más preparadas era posible acercarse al conocimiento verdadero.

Una reflexión vigente en la era de las redes sociales

Las ideas de este pensador resurgen hoy con fuerza en un contexto marcado por las redes sociales, los algoritmos y las llamadas “cámaras de eco”, espacios digitales donde muchas veces las personas solo consumen opiniones similares a las propias. En ese escenario, la advertencia del filósofo adquiere una vigencia inesperada: la verdadera sabiduría no surge de la validación permanente ni del aplauso fácil, sino de la capacidad de transformar las propias ideas.

Su pensamiento invita a convertir emociones como la inseguridad, la incomodidad o incluso la envidia en herramientas de aprendizaje y crecimiento. Rodearse de personas más preparadas, más inteligentes o emocionalmente más maduras no debería percibirse como una amenaza, sino como una oportunidad para evolucionar.

La filosofía, entendida desde esta perspectiva, deja de ser una meta abstracta para convertirse en un proceso continuo de mejora personal donde el principal enemigo es el estancamiento.

Este contenido fue producido por un equipo de LA NACION con la asistencia de la IA

El procedimiento es sencillo y requiere pocos insumos. Se precisan las cáscaras de dos o tres papas frescas, agua caliente y una cucharada de sal gruesa, la cual potencia el efecto de limpieza en casos de manchas muy persistentes. Según los datos del material analizado, este truco funciona con mayor éxito en ollas de acero inoxidable, aluminio común y hierro. Por el contrario, el uso de este método queda desaconsejado en superficies con recubrimiento de teflón o antiadherente, donde la sal gruesa y el roce pueden rayar o deteriorar el material sensible. En esos casos, la recomendación técnica es optar por detergente suave y esponjas blandas.

Para aplicar esta técnica, es necesario recolectar las cáscaras durante la preparación de alimentos. Si el fondo de la olla presenta quemaduras, se llena con agua y se añaden los restos de papa para hervirlos durante quince minutos. Este tiempo es suficiente para que el almidón pase al agua y actúe sobre los residuos pegados. Tras el hervor, se apaga el fuego, se deja que el agua entibie y se retira el líquido. Luego, se toma un puñado de cáscaras frescas, las cuales se utilizan como esponja mediante movimientos circulares sobre las manchas. Si la suciedad persiste, hay que añadir la sal gruesa para intensificar la fricción necesaria.

Una vez terminada la limpieza, enjuagar la pieza con agua caliente y aplicar un poco de detergente con una esponja suave para quitar los excedentes. Un paso fundamental para la durabilidad del utensilio es el secado inmediato con un paño limpio, lo cual previene la aparición de marcas de agua o procesos de oxidación. Como consejo adicional para mejorar el brillo, se puede sumar gotas de limón al agua de hervor, lo cual aporta un efecto desengrasante superior. Los especialistas sugieren ejecutar este proceso una vez al mes en aquellas ollas de uso frecuente para conservar el estado óptimo de las superficies sin recurrir a esponjas de metal que dañan el material a largo plazo. Así, un residuo orgánico común se transforma en una herramienta de mantenimiento eficiente para el hogar.

Este contenido fue producido por un equipo de LA NACION con la asistencia de la IA

En diálogo con el medio Globo Esporte, Bruno afirma que pronosticó con precisión los títulos de España en 2010, Alemania en 2014 y Francia en 2018, con lo que consolidó una reputación que ahora pone bajo la lupa a la actual campeona: la Argentina de Lionel Scaloni. El vidente, residente en Brasil, sostiene una postura contundente respecto al devenir del torneo que organizarán conjuntamente México, Canadá y Estados Unidos. De acuerdo con sus visiones, el ciclo de éxitos del seleccionado argentino llegará a su fin en la etapa de cuartos de final.

Aunque Bruno aclaró que este vaticinio final podría estar sujeto a las particularidades que depare el sorteo oficial de la competición, su lectura del escenario deportivo sugiere que los actuales poseedores de la corona no lograrán repetir la hazaña histórica de 2022. La predicción añade un componente de incertidumbre para la Scaloneta, que buscará revalidar su supremacía en un torneo que contará, por primera vez, con la participación de 48 seleccionados nacionales.

Quién ganará el Mundial 2026

En cuanto al gran ganador, Michael Bruno fue directo: “Desde 2022, he estado anunciando al próximo equipo campeón. Desde entonces, he estado afirmando que Portugal será el campeón del mundo”. Según su análisis, el conjunto luso llega mejor perfilado para alcanzar la gloria máxima, apoyado especialmente en el rendimiento de figuras como Bruno Fernandes y Cristiano Ronaldo, este último considerado por el vidente como una pieza fundamental que mantendrá un nivel de excelencia durante la competencia. El pronóstico de Bruno anticipa una final europea entre Portugal y España, lo que deja fuera de la pelea por el título a las selecciones sudamericanas.

Sobre Brasil, el vidente se mostró pesimista y vaticinó que el equipo nacional de su país no superará la instancia de semifinales. El análisis de Bruno hace foco en la figura de Neymar: “No creo que Neymar esté al 100% en condiciones de jugar en este Mundial. Y si vuelve a jugar, la selección nacional quedará eliminada antes de las semifinales, porque el equipo girará en torno a él, repitiendo el error táctico de 2022”. Esta visión crítica sugiere que la dependencia táctica de su máxima estrella volverá a ser un lastre para la Canarinha.

El Mundial de 2026, que comenzará el 11 de junio y cuya final está programada para el 19 de julio en Nueva Jersey, promete ser un evento sin precedentes debido a la escala del formato expandido. Mientras el mundo del fútbol aguarda, los dichos de Bruno se suman al folclore previo a la competencia. Si bien es un hecho que el vidente erró al apostar por Francia en 2022, su capacidad para acertar en los tres torneos previos mantiene viva la curiosidad de los aficionados sobre este pronóstico que relega a la Argentina y consagra a Portugal.

Fiel a su estilo directo y empático, el especialista explicó que, si bien el objetivo ideal ante una pérdida es asimilarla lo antes posible (“cuanto antes vos puedas aceptar la pérdida, mejor”), el resultado de ese paso no siempre es el que las personas esperan o desean. “Lo cual no quiere decir que con la aceptación viene el alivio. No, a veces con la aceptación viene más dolor”, sentenció.

La explicación detrás de este fenómeno radica en el impacto que tiene la aceptación sobre nuestras expectativas de futuro. Según Rolón, aceptar una realidad dolorosa implica, fundamentalmente, “cortarle las piernas a la esperanza”. Al asumir que algo se terminó o que ya no forma parte de nuestra vida, se destruye la ilusión de un regreso o de una solución mágica.

A partir de ese momento, al no haber más espacio para la espera o la fantasía, el individuo se choca de frente con la crudeza de los hechos. Aunque este proceso intensifica el sufrimiento en una primera instancia, el psicólogo destacó un valor fundamental: la situación se vuelve más real.

Para Rolón, el sufrimiento no debe entenderse como algo patológico o negativo en sí mismo, sino como el reflejo directo del valor que tenía aquello que perdimos. En sus propias palabras, “el nivel del dolor va a ir de la mano del nivel de amor que vos tenías por lo que perdiste”.

En ese sentido, el abanico de pérdidas a lo largo de la vida es sumamente amplio y diverso. El psicólogo enumeró varios ejemplos comunes a los que se enfrentan los seres humanos:

• La pérdida de la juventud.
• El fin de una relación amorosa.
• La ruptura de una amistad.
• La pérdida de un puesto de trabajo.
• El fallecimiento de un ser querido.

Para cerrar su idea, el analista dejó una advertencia sobre la indiferencia emocional, señalando que la ausencia de dolor ante una pérdida significativa es, en realidad, una señal de alarma. “Si vos perdés algo y no te duele nada, yo te voy a decir: ‘¿qué estuviste haciendo?’”, concluyó.

Pero su presente está lejos de la pasarela, aunque sigue tomando algunos trabajos cada tanto que le acerca la agencia K Management. Hoy su nombre también está ligado a Le Moulin De La Fleur, una confitería de impronta francesa e italiana ubicada en plena Recoleta -Vicente López y Rodríguez Peña-, donde la masa madre, la fermentación lenta y la producción propia son parte central de la propuesta.

“La panadería es tacto y mano pura”, dice. Esa frase resume su segunda profesión: un trabajo hecho con agua, harina, sal, tiempo y una obsesión por evitar premezclas, mejoradores y sabores artificiales.

—Antes de la panadería estuvo la moda. ¿Cómo empezó esa historia?

—Yo trabajaba en una metalúrgica y pintaba autos y camiones. Una chica que tenía una agencia en Bahía Blanca vino a arreglar el auto y me vio ahí trabajando. Me propuso hacer un desfile, pero al principio dije que no. Después volvió, me ofreció pagarme y acepté. Fue un shock real lo que pasó en ese desfile. Había muchas adolescentes en el shopping y se armó una histeria que solo había visto en películas o en videos de los Beatles.

—¿Cuándo llegó el salto a Buenos Aires y después a Europa?

—A los 17 vine a Buenos Aires, a semanas de cumplir 18. Ya estaba convencido de que quería ser modelo. Pero miraba mucho lo que pasaba afuera y me sentía más identificado con eso. Acá no me daban mucha pelota, entonces pensé que no era un mercado para mí. Nunca desistí de la carrera; sentía que no estaba en el lugar. Después me fui a Italia.

—¿Hablabas italiano?

—No, pero soy un caradura. Tampoco hablaba inglés. Después aprendí: inglés, francés un poco, italiano bien y portugués.

—¿Cuál fue tu primer desfile importante?

—Armani. Y me maquilló él. Yo estaba duro como una estatua. Él me agarró y me dijo: “Sentate acá”. En el casting él venía a ponerte el saco y te hacía caminar. Cuando me vio caminando, vi de reojo que se paró. Me puso un saco y me quedó bárbaro. En ese momento dije: “Vine a esto, salí de mi casa de Bahía Blanca para esto”.

— ¿Y después cómo siguió tu carrera?

—Fue otro salto. Abrí el desfile y lo cerré. Estaba Tom Ford y tuve una exposición mundial en el mundo de la moda. No es que la gente me reconocía en la calle, pero la gente que trabajaba en eso sí. Eso me abrió París, Nueva York, Tokio y otras marcas como John Galliano o Hermès.

—¿Qué te dejó Milán?

—Milán fue mi base. Me recibieron con 19 años y me fui casi con 30; hice el cambio de adolescente a adulto. Al estar sin familia, mis amigos de Italia y la gente con la que trabajaba hicieron como un pilar en mi personalidad. Me quedó marcada la forma de comer, de vestir y de comportarme. También aprendí la seriedad para el trabajo, que aplico día a día en cualquier cosa que hago.

—¿Cómo apareció la cocina?

—Cocino desde chico; a los 12 años ya cocinaba en casa y toda la familia comía lo que yo hacía. En el núcleo familiar había muy poca tradición de cocina, pero siempre me gustó comer mucho y probar sabores nuevos. Mi abuela cocinaba muy rico y yo me metía y preguntaba. Después, vivir solo me hizo cocinar todos los días.

—En los departamentos compartids suele haber alguien que cocina. ¿Ese eras vos?

—Yo era siempre el que cocinaba para todos.

—¿Cómo pasaste de cocinar a dedicarte a la panadería?

—Ayudé a unos franceses a abrir una panadería en Talcahuano entre Paraguay y Córdoba. Después ellos se cansaron de la Argentina y se volvieron a Francia. Me pidieron si los ayudaba a vender los muebles y ahí dije: “Bueno, te compro yo los muebles”. Compré las cosas, cambié el nombre y contraté a otros franceses para que me dieran consulting. Yo fui ayudante de ellos el primer período y ahí comencé a aprender.

—¿Qué diferencia a una baguette de tradición francesa de una común?

—Que no tiene levadura; se hace solo con masa madre. No tiene mejorador, que es un desafío. El pan que comemos todos en la Argentina tiene premezcla y mejoradores. Esto es agarrar agua, harina, sal y nada más. De ahí tenés que sacar una baguette tremenda con un proceso largo de fermentado en frío.

—¿Cuánto tiempo lleva ese proceso?

—Lo hacés hoy y lo cocinás mañana. Eso genera el riesgo de perder la continuidad, porque no todos los días sale igual y es normal que así sea. Si cambia la temperatura ambiente, tenés que tener mucho ojo. Una de las cosas más lindas es el tacto, la mano del panadero para saber cuándo tiene que entrar el pan al horno.

—¿La panadería es más intuitiva que exacta?

—La panadería es bastante a ojo. Es muy diferente a la pastelería. Yo no hago pastelería; tengo mis pasteleras que lo hacen, pero no es algo que me divierta. Me divierte trabajar con el hongo de la masa madre, esperar, cocinar en el horno, tirar a pala. No son recetas exactas. En pastelería no podés jugar así, las recetas son matemáticas. La panadería es tacto y mano pura.

—¿Cómo sabés cuándo una masa está lista?

—La vas moviendo y depende de cómo se menea. Si te pasás, explota o cae en el horno y queda una cosa chata. Todo eso lo vas teniendo a ojo, no a tiempo. Yo no cocino con reloj; ni cuánto tiempo está en el horno ni cuánto tiempo fermentó. Cuando veo que está, lo meto.

—¿Qué lugar ocupa la materia prima en tu propuesta?

—Lo ideal es que cualquier cosa que comas desaparezca de la boca. Esa es la diferencia de la materia prima. Es más difícil de manipular, pero es lo real. Lo otro está hecho para que el producto salga parejito siempre, pero tiene un precio que pagar. Es muy tentador por el costo barato, pero no estoy de acuerdo.

—¿Cuál fue el primer gran desafío del negocio?

—El primer golpe fue cuando largamos todo riquísimo y nos sobró casi toda la producción. Regalábamos mercadería a porteros y amigos. El consejo era hacer menos, pero yo decidí que no iba a tener una panadería para sacar diez croissants. Sacaba 130 y llenaba el local. Como estábamos tirando un montón, decidí que teníamos que vender más. Salía a la vereda después de cocinar a cortar trozos de pan calentito y croissants para regalarlos a la gente que pasaba. Ahí la gente empezó a volver y a preguntar qué era eso.

—¿Cuándo llegó la expansión?

—A los dos años nos fuimos a Pueyrredón y French. Eso fue un éxito. Luego, a finales de 2018 o principios de 2019, se abrió este local con una propuesta de todo el día, con la opción de almorzar.

—¿Qué productos definen la propuesta de Le Moulin De La Fleur?

—Tenemos la croissant, la simple. El scone de quesos, que también lo hacemos todo nosotros; no usamos premezcla. Los chipá también los hacemos con mandioca y quesitos, nada de premezcla. Nuestra carrot cake tiene una tonelada de zanahoria, con cinco especias y nueces. Y la Matilda, que es una clásica chocolatosa, con chocolate semiamargo.

—¿Qué ofrece la cocina además de panadería y pastelería?

—Tenemos varias recetas: pastas caseras, salsas y mermeladas hechas por nosotros; nada de abrir latas. Es una mezcla de impronta francesa con italiana.

—¿Qué platos son los que más salen?

—En invierno, la sopa de cebolla francesa, que la hacemos con un pan de masa madre chiquitito con queso arriba. También todas las pastas son riquísimas; los fettuccine hechos a mano salen un montón. Mucha gente conoce el lugar por las pastas.

—¿Seguís metiendo mano en la cocina?

—Meto mano con las salsas. Al argentino le gusta usar mucha cebolla o hacer pomarola con morrones. A mí me gusta la salsa de tomate solo con ajo o albahaca. Intentamos que los sabores sean simples y no se mezclen. Tratamos de lograr que esté suave y crocante a la vez; esa es la clave de nuestra cocina.

—¿Cómo ves la competencia gastronómica?

—La competencia es sana, me encanta competir. El norte te lo da la competencia. Ahora el mercado de la gastronomía tiene mucha oferta y mucha calidad. Se están extinguiendo los lugares improvisados. Ahora la pelea es por ver quién tiene mejor producto o el mejor lugar. El paladar del cliente te va llevando a superarte o cerrar.

—¿Qué importancia tiene la hospitalidad?

—Intento que los chicos entiendan que este lugar es su casa y la gente que entra son sus invitados. Si la pasan mal, quedo mal yo. Tenés que intentar que tengan una buena experiencia. Incluso cuando cocinás y tenés dudas, tenés que pensar que lo hacés para el amor de tu vida; así te va a salir muy bien. No importa solo la receta, importa hacerlo con conciencia.

“Cuando vi eso pensé: no puedo creer que hayamos comprado El Tropezón”, recuerda. Desde ese día, Raquel entendió que no estaba frente a un local abandonado, sino ante una parte dormida de la historia porteña que llevaba 34 años esperando que alguien volviera a encender sus luces.

-Para entender la dimensión histórica de El Tropezón hay que volver a fines del siglo XIX. ¿Dónde y cómo nació el restaurante?

-El Tropezón se fundó en 1896, en la esquina de Bartolomé Mitre y Callao. Estaba abajo de un hotel. Con el paso del tiempo, ese hotel se incendió y, entonces, El Tropezón se trasladó acá, donde está actualmente, en Callao 248. En este lugar hace cien años que está. Después permaneció cerrado durante 34 años, desde 1984 hasta que lo reabrí, el 12 de septiembre de 2017.

-En aquella Buenos Aires, con muchos menos restaurantes que hoy, ¿qué lugar ocupaba El Tropezón en la vida social de la ciudad?

-Hoy uno puede ir a comer a cualquier esquina, pero a fines del siglo XIX o principios de XX había muy pocos lugares. El Tropezón es uno de los cinco restaurantes más antiguos de Buenos Aires. Acá se concentraba todo el mundo. Además, al estar cerca del Congreso y de los teatros, se convirtió en un punto de encuentro. Acá se reunían políticos, artistas, escritores y gente de la vida social porteña. En las fotos aparecen Yrigoyen, Balbín y muchas figuras de esa época.

-¿Que se sabe de sus fundadores?

-Fueron dos españoles: Manuel Fernández, un asturiano, y Ramiro Castaño, un gallego. Eran socios y como tantos españoles que venían en esa época a trabajar, se dedicaban a la cafetería o a la gastronomía. Este lugar también fue un punto de encuentro para los españoles, los que llegaban podían reunirse acá con sus paisanos.

-¿De dónde viene el nombre El Tropezón?

-El Tropezón no es por la acción de tropezar o caer. En España, los tropezones son los pedacitos de jamón, panceta o tomatitos enteros que están adentro de una salsa. Acá no usamos tanto esa palabra, pero en la jerga gastronómica existe.

-El Tropezón parece haber concentrado buena parte de la vida social y cultural de Buenos Aires. ¿Quiénes lo frecuentaban?

-Era un lugar de encuentro de poetas, literatos, artistas, políticos. Era una mezcla de todo lo que era la sociedad de Buenos Aires. Un vecino me trajo un programa de mano de teatro donde El Tropezón figuraba como auspiciante y decía: “abierto toda la noche”. Cuando vi eso, dije: “Lo enmarco, porque esto es un testimonio”. Era un lugar que estaba abierto las 24 horas. En 2017, unos días después de abrir vino Susana Giménez. No llegó invitada por mí, sino porque se enteró de que habíamos abierto. Me contó que ella venía acá con Carlos Monzón. Como ella, también vinieron Graciela Borges, Luis Brandoni y mucha gente.

-Entre todos esos nombres, hay uno que quedó especialmente ligado a la historia del lugar: Carlos Gardel. ¿Qué lugar ocupa en la memoria de El Tropezón?

-Gardel es nuestro emblemático. Él usaba la mesa 48. Hay fotos de cuando venía a comer con Libertad Lamarque y Azucena Maizani. Venían a comer puchero.

-¿La mesa 48 todavía se conserva?

-Sí, la mesa está. Le pusimos un trofeo de bronce con el número 48 para que la gente pueda identificarla. Muchos vienen y piden sentarse “en la mesa de Gardel”. Y a mí me parece lógico: cuando fui a Granada, por ejemplo, yo también pedí la mesa de García Lorca, en un bar al que él iba siempre. La diferencia es que allá había una estatua de hierro de García Lorca sentado a la mesa, algo que daba un poco de impresión. Nosotros hicimos algo más simple: apenas un trofeo. Pero la mesa 48 es muy requerida.

-Y ese puchero terminó convirtiéndose en una marca de la casa.

-El puchero de gallina es y sigue siendo el plato insignia de la casa. Lo mantenemos con la receta original y lo servimos todos los días, al mediodía y a la noche. Además, está muy ligado a la historia del lugar. Hay un tango que dice: “el pucherito de gallina con viejo vino carlón”. Según la tradición, ese tango lo escribió Medina, su autor, acá, en El Tropezón, y después lo cantó Edmundo Rivero, que fue quien lo hizo famoso. El plato también tiene una raíz popular. En España está el cocido madrileño, que es muy similar, pero el puchero nuestro se hacía en los hogares más humildes: se ponía una olla y ahí entraba todo lo que había en la casa. Si tenías cebolla, caracú, zanahoria, repollo, papa, zapallo, legumbres, verduras o carne, iba todo junto. Era una comida sencilla y rendidora, pensada para alimentar a todos con lo que hubiera a mano. En una olla metías todo lo que había. Y acá se hace lo mismo.

-Además del puchero, ¿qué otros platos históricos mantiene la carta?

-La carta combina platos de comida criolla y española, por el origen de sus fundadores. Tenemos croquetas con jamón, paella, rabas y también platos bien nuestros como milanesas o buñuelos de acelga. Pero, de todos modos, el gran protagonista sigue siendo el puchero. Después salen mucho las carnes: el lomo, el bife de chorizo y la entraña. Y ahora sumamos el choripán, que a la gente le encanta. Los extranjeros, sobre todo, se enloquecen.

A esa historia centenaria, Raquel le sumó también una huella familiar: “Emilio Fernández”, el vino creado por su hijo mayor en homenaje a su nieto. “No le digo ‘vino de la casa’ porque me parece que lo desmerezco”, dice Raquel.

-¿Cuál fue la época dorada de El Tropezón?

-Por lo que leí y por lo que me cuenta la gente, El Tropezón no tuvo una sola época de oro: fue un lugar especial durante muchas décadas. Hay una vecina de cien años que recuerda que venía acá con su papá cuando ella tenía 13. Y el otro día vino Santiago Kovadloff y me dijo que su padre lo traía de niño. El Tropezón siempre fue un lugar distinto.

-¿Qué conserva hoy El Tropezón de su pasado?

-En la cava hicimos una especie de museo de lo que fue El Tropezón: fotos antiguas, imágenes de los que pasaron por acá, Gardel, Mariano Mores, Lola Flores, Carmen Flores, Federico García Lorca, Lola Membrives, Goyeneche. Muchas partituras, fotos y objetos me los fue regalando la gente cuando se enteró de que El Tropezón volvía a abrir.

-¿Se sabe por qué cerró en 1984?

-No, pero imagino que porque la descendencia había terminado. Es lo que pasa con muchas empresas: cuando no hay más herederos o la sucesión se corta, eso se termina.

La reapertura

Raquel llegó a El Tropezón por una casualidad inmobiliaria. “Nosotros teníamos estacionamientos con mi familia. Vinimos a ver el de Callao 260 para comprarlo y nos gustó, pero el rematador nos dijo que, si queríamos ese estacionamiento, también teníamos que comprar el local pegado”, cuenta. Al principio se resistieron: estaban acostumbrados a los garages, “a dos o tres empleados, sin proveedores ni stock”. Pero se vendía todo junto y terminaron comprando todo. La idea familiar era práctica: “Más adelante pensábamos tirar la medianera y hacer más cocheras”. Para ellos era apenas un local. Hasta que una tarde de abril de 2015, después de inaugurar el garage, fueron a merendar a La Continental de la esquina. Al pasar por el frente, Raquel vio la mayólica con el nombre de El Tropezón. “No puedo creer que hayamos comprado El Tropezón”, pensó. Lo conocía de nombre: había estudiado a la vuelta, en la Universidad Católica, y aunque nunca había entrado, sabía que ese lugar formaba parte de los recuerdos de otra Buenos Aires.

Ese mismo día tomó una decisión: “Yo lo voy a abrir, porque esto no era un restaurante cualquiera”. Pero en su casa no todos compartieron el entusiasmo. Su esposo y sus hijos le advertían que no sabía nada de gastronomía: “¿Cómo te vas a poner a abrir un restaurante?”, le decían. Ante tantas negativas, Raquel terminó por abandonar el proyecto. Antes, sin embargo, había averiguado por la marca El Tropezón: todavía estaba ocupada, aunque estaba a punto de quedar libre. Para ella fue una señal, pero todavía no alcanzaba.

Pasaron unos nueve meses hasta que la familia finalmente le dio el visto bueno. Cuando volvió a llamar al estudio jurídico para comprar la marca, recibió una sorpresa: “La marca ya está a su nombre”, le dijeron. Ezequiel, su hijo mayor, la había comprado y se la había reservado. “Ahí no te imaginás lo que lloré”, recuerda. Pero el gesto vino con una condición: “Si vos querés abrir un restaurante, andá a estudiar”. Y ella fue: trabajaba como docente en Morón, pasaba por los garages, cursaba administración gastronómica en la Di Tella y después seguía hasta la obra. La restauración llevó “un año y dos días” y tuvo una premisa clara: no inventar un lugar nuevo, sino poner en valor lo que ya estaba. “Había que respetar la historia de El Tropezón”, dice.

-Con todo el esfuerzo que imagino implicó, ¿alguna vez se arrepintió?

-No. Al contrario. Yo le agradezco a Dios que se haya valido de mí para abrir El Tropezón. Podría haber sido cualquier persona, pero se valió de mí para abrir una joya de Buenos Aires que estaba cerrada.

Con el tiempo, El Tropezón dejó de ser un caso aislado. Raquel Rodrigo también quedó al frente de Clásica y Moderna y de Albur, dos espacios con historia propia dentro de Buenos Aires. Ella no los ve como simples negocios gastronómicos, sino que son lugares que todavía tienen algo para decir de Buenos Aires. “No son locales donde vos les ponés un nombre y los abrís”, suele explicar.

-¿Qué representa para usted El Tropezón?

-Fue un regalo de Dios en bandeja. Jamás se me ocurrió decir: “Me gustaría tener un bar” o “un restaurante”. No era algo que estuviera en mi pensamiento. Pero El Tropezón, no es un lugar cualquiera, es la historia misma de Buenos Aires. Y yo siento que me tocó cuidar eso. Donde había ruinas, pude ver futuro.

Bridget Marquardt y Holly Madison vivieron en la mansión como novias de Hefner entre 2001 y 2009 y se hicieron famosas por protagonizar el reality de E! The Girls Next Door. Hoy, las dos son investigadoras del fenómeno paranormal.

La mujer del armario

La experiencia más recordada de Marquardt ocurrió durante una noche tranquila en su habitación. Su hermana y su amiga Stacy la acompañaban; acababa de adoptar un cachorro. Las tres conversaban en la cama con una copa de vino y la televisión prendida cuando, de reojo, vieron a una mujer parada en la puerta del armario. “Tenía el pelo negro, largo y lacio, era muy pálida y muy delgada. Llevaba una camiseta blanca que le quedaba enorme y unos vaqueros negros desteñidos”, describió Marquardt. Cuando se dio vuelta para mirarla de frente, la figura ya no estaba. La amiga rompió a llorar. La hermana se quedó en estado de shock.

Marquardt sintió que era una mujer a la que podía reconocer. Años antes de instalarse en la mansión, la habían invitado a una sesión de fotos de prueba para Playmate y allí conoció a Joanie, la secretaria social de la casa. Era una mujer cálida, conocida como la “madre de la mansión”: conocía a todas las chicas y a todas las mascotas y se ocupaba de que todo funcionara. Cuando Marquardt regresó como residente permanente, se enteró de que Joanie había muerto de cáncer. “Estoy casi segura de que era ella”, dijo. “Creo que vino a ver la nueva incorporación a la mansión. La nueva mascota”.

La mujer del gimnasio

Madison tuvo su propio encuentro en el sótano. Un día, mientras entrenaba en el gimnasio, vio a una mujer salir del baño y cruzar frente a ella con un top deportivo fucsia y pantalones negros. La tomó por una Playmate en plena sesión de fotos. Dobló la esquina para verla y encontró una puerta; la abrió: era un pequeño armario. No había ninguna otra salida. Para que la mujer hubiera dejado el gimnasio, tendría que haber pasado de nuevo frente a Madison. Nunca la volvió a ver.

Tiempo después, Madison y Marquardt estaban en la habitación de esta última con álbumes de recortes cuando Madison dijo en voz alta que necesitaría más pruebas para creer del todo en los fantasmas. En ese momento, el televisor se encendió solo y el volumen subió al máximo. “Necesité varias experiencias antes de darme cuenta de que algo raro estaba pasando”, reconoció.

La sala de juegos y los empleados

El personal de la mansión también tenía sus historias. Los empleados de limpieza evitaban la sala de juegos, una habitación llena de máquinas de pinball y recreativas, y pedían que un guardia de seguridad o un mayordomo los acompañara cuando era inevitable entrar. Contaban que las puertas se cerraban solas, que los juegos se encendían sin que nadie los tocara y que el piano tintineaba en el silencio.

Brian Olea, quien fue gerente de servicios para huéspedes durante dos décadas y condujo el programa Mansion Mayhem en Playboy Radio, contó su propio episodio. Esperaba que un ejecutivo terminara una reunión en la biblioteca para poder prepararla para un evento. Cuando el ejecutivo salió, fue a limpiar el lugar, pero la puerta estaba cerrada con llave. Ninguna llave la abría. Fue a consultar con el guardia de seguridad para confirmar que el ejecutivo había salido por la entrada principal. Cuando volvió, la puerta estaba entreabierta cinco centímetros. “Se me erizó todo el pelo del cuerpo”, dijo. “Miré al guardia y me dijo: ‘¡Alto, alto, alto!’. Los dos lo vimos. Nadie nos va a creer. ¿Qué demonios acaba de pasar?”.

La dueña original y otras leyendas

Existe una historia de fantasmas que precede a Hefner. Se dice que la dueña original de la mansión, esposa del empresario Arthur Letts Jr., quien la mandó construir en 1927, cayó, fue empujada o saltó desde un balcón al suelo de mármol y que su espíritu nunca abandonó la propiedad. Marquardt intentó verificar esta historia durante una de sus clases de investigación paranormal, pero no encontró pruebas documentales. Hefner, consultado al respecto, le dijo a Madison que la historia era una invención de una mujer con quien salió en los años ochenta. Él no creía en fantasmas.

El sueño de Hef

Marquardt no pudo visitar a Hefner durante los últimos años de su vida y tampoco la invitaron a su funeral cuando él murió en septiembre de 2017, a los 91 años. Esa falta de despedida le pesó durante mucho tiempo.

Poco después del fallecimiento, tuvo un sueño que describió como diferente a cualquier otro. En él, manejaba hasta la mansión y era recibida por el personal de seguridad. Adentro, la casa estaba vacía y oscura; sonaba música de los años cuarenta. De repente, Hefner bajaba las escaleras y abría los brazos. Le decía “¡Cariño!” con su carcajada característica. Marquardt sintió el abrazo, la tela de su chaqueta de fumar, el olor de su colonia. “Fue tan real”, dijo. “Sentí que me estaba despidiendo de él. Y era bueno”.

Denuncias y polémicas por fiestas grupales

Si bien el fundador de Playboy fue visto por años como un seductor imparable, con el tiempo empezaron a salir a la luz denuncias de exempleados y de “conejitas” que lo acusaron de conductas indebidas.

Tal fue el caso de Crystal Hefner, la última esposa del magnate, quien concedió una entrevista al medio Daily Mail y recordó a través de un libro cómo fue vivir con Hugh en sus últimos cinco años de vida. Cabe aclarar que ella tenía 21 años y, él, 81.

“Cuando estaba en la residencia, impuso un toque de queda a las 6 de la tarde para garantizar que estuviera en casa para compartir su cena (siempre sopa de pollo con queso crema y galletas saladas) y ver sus películas favoritas. Luego, al anochecer, esperaba que participara en el sexo grupal por el que Hefner era famoso”, explicó con angustia.

Respecto de esta petición, sostuvo: “Fue embarazoso. No sé cuántas personas habrían estado en nuestra habitación al mismo tiempo, pero… muchas. Bastante mal. Pensábamos ‘ahora es tu turno’. En realidad, nadie quería estar allí, pero creo que en la mente de Hef todavía pensaba que tenía 40 años y esas noches, la gente, la mansión, solidificaron esa idea”.

“Es un deporte que mezcla el impulso y la pasión por un lado, con la lógica y el análisis del otro. Para quienes hayan jugado fútbol, golf o ambos, se vuelve adictivo porque es reformular el menú que cada uno trae del fútbol y adaptarlo al menor movimiento y contacto del golf”, señala Alejo Mendive, Director Técnico del Seleccionado Argentino, con un destacado derrotero mundialista .

En esa misma línea, Patricio Lahitou, Director Deportivo de la Asociación Argentina de FootGolf (AAFG) y jugador de la Selección Nacional, define la disciplina como la combinación entre el deporte más popular del mundo y el más elitista. “Le quita toda la parte de ventajismos y problemas que tiene el fútbol y lo lleva a la paz de un campo de golf”, explica quien descubrió el deporte en 2011 a través de un programa de televisión y nunca más pudo dejarlo.

El FootGolf nació formalmente en 2009 en los Países Bajos de la mano de dos amigos: Michael Jansen y Bas Korsten, y llegó a suelo argentino en 2010 gracias a la visión de Javier de Ancizar, actual presidente de la AAFG, y desde aquel primer circuito embrionario en Buenos Aires, el crecimiento ha sido exponencial.

Para entender el fenómeno local, hay que recorrer su geografía de búnkeres y fairways. El epicentro de esta movida se ubica en Pilar, específicamente en el Club de Golf Los Álamos, que Lahitou describe sin dudar como la “casa” de la Asociación. Allí, el rito se repite cada miércoles y domingo, cuando el predio se transforma para recibir a los pateadores. Pero la red es mucho más extensa: desde la tradición del Club Ferrocarril Mitre en San Martín -punto de encuentro ineludible de los lunes- hasta la exigencia de Smithfield en Zárate, Campo Grande, Hebraica o el Ituzaingó Golf Club.

El punto más alto del calendario se vive en el Campo de Golf Las Praderas de Luján, donde se desarrolla el Argentina Open, uno de los seis Majors del mundo. “Es un evento que suele reunir a más de 200 jugadores y cuenta con una fuerte presencia internacional”, subraya Lahitou. Para el cierre de gala, la Gran Final de la Liga Profesional suele mudarse a Pilar Golf, un escenario de elite que nada tiene que envidiarle a las mejores canchas de Europa.

Esta infraestructura, sin embargo, sigue siendo mayoritariamente privada y “prestada”. Por eso, la mirada está puesta en el sur porteño. La demorada cancha de 18 hoyos del Parque Indoamericano en Villa Soldati es el símbolo del vuelo propio que empieza a remontar. Sobre un terreno de 13 hectáreas de la Comuna 8 que antes servía para acopio de materiales de poda, se espera la inauguración de un campo con todas las de la ley: tee de salida, fairway y green, replicando la fisonomía del golf pero con el sello del barrio. Sin dudas, contar con un predio exclusivo en la ciudad será clave para una mayor popularidad.

“Se está trabajando para poder inaugurarla, no tengo muchas precisiones sobre el estado en el que están esos avances. Como todo lo estatal tiene sus complicaciones y sus tiempos, pero sin duda que al momento de tenerla va a ser un gran empujón para dar a conocer el deporte aun mas y que más gente se acerque a jugarlo”, sigue Lahitou.

Ahora bien: ¿Cómo conviven por lo pronto dos mundos tan distintos en un mismo césped? Para adaptar el campo, se cava un hoyo de 52 centímetros de diámetro, pero con una regla de oro: jamás se hace dentro del green de golf. “El hoyo se suele hacer en los fairways o en los antegreen, por lo que no interviene con el juego original de los golfistas”, precisa Lahitou. El hoyo de golf original se mantiene intacto y los horarios se coordinan de tal forma que ambos deportes no se crucen, principalmente por el peligro que representa el golpe de una pelota de golf.

Esa armonía se traslada al vestuario. El look del FootGolfer es una declaración de principios: se juega con chomba y bermudas (los pantalones cortos de fútbol están prohibidos). Lo que no se negocia es el calzado. Los tapones están desterrados para proteger el pasto; solo se permiten suelas lisas o de “papi fútbol”. Mendive explique que “existen reglas de etiqueta estrictas para no desentonar con el mundo del golf que es el que nos recibe en sus canchas”.

El perfil del jugador y la psicología del golpe

Si bien el FootGolf nació como una suerte de “salvación” para aquellos hombres de más de 40 años que ya no querían o no podían sostener la exigencia física del fútbol, hoy el espectro es mucho más amplio. La competencia se profesionalizó y se dividió en categorías que van desde los Junior (hasta 18 años) hasta los Veteranos (+55), pasando por una categoría Damas sin distinción de edades que no para de sumar adeptas. El Seleccionado Nacional, liderado por Mendive, se compone de 45 jugadores de elite que representan al país en los podios más importantes del mundo.

Mendive, que además es estudiante avanzado de Psicología, analiza la transición: “La única forma de especializarse es superar la frustración inicial de jugarlo. Uno no se da cuenta y de repente está entrenando en varias canchas entre semana”. El juego exige una mutación mental. Atravesar aguas, caer en búnkeres o traspasar límites de juego requiere una lectura fría del terreno. La introducción de un sistema de hándicap ha sido fundamental, permitiendo que un principiante pueda compartir línea con un profesional y competir de manera equitativa.

Por lo pronto, la Argentina se organiza con una estructura sólida de más de ocho regiones activas. Desde Mar del Plata, donde se encuentra La Serranita -la primera cancha exclusiva de FootGolf del mundo— hasta ciudades como Bragado, Lobos o Navarro, el deporte se ha federalizado. Hoy se estima que entre 4000 y 5000 personas lo practican en todo el país.

Pero más allá de los datos duros, lo que sostiene al FootGolf es su mística. A diferencia del fútbol, donde la velocidad es clave, aquí el éxito depende de la lectura: entender cómo el viento afectará la trayectoria de la pelota o cómo la humedad del pasto puede arruinar un putt perfecto. Y, por supuesto, está el factor humano. “Tenemos algo que en la Argentina sabemos hacer muy bien: discutir si el putt fue bueno o si la cancha estaba lenta. Eso ya es parte oficial del deporte”, bromea Lahitou. Esa camaradería se sella en el club house al finalizar la ronda de 18 hoyos.

Derrotero mundialista de la Selección Argentina de FootGolf

Mundial Argentina 2016

- Campeón individual: Christian Otero

- Selección Argentina: subcampeona del mundo.

Mundial Marruecos 2018

- Campeón individual: Matías Perrone

Mundial Orlando 2023

- Selección argentina: subcampeona del mundo.

- Subcampeón individual: Gonzalo Novosad.

- Subcampeón Senior: Sebastián Godoy.

- Selección Senior Argentina: campeona del mundo.

Mundial Acapulco 2026 (del 29 de mayo al 7 de junio)

- Debut mundialista de la selección femenina argentina.

“No es que no te duela, es tener recursos para no quedarte viviendo en el lugar donde la vida te golpeó”, sostuvo Gilges, al explicar por qué, frente a una misma situación adversa, algunas personas logran volver a ponerse de pie y otras quedan paralizadas.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por GISELA GILGES (@giselagilges)

Los cinco recursos para atravesar una crisis

Para graficarlo, la especialista comparó en un video que publicó en su cuenta de Instagram la vida con una montaña de nieve: no es lo mismo bajarla con esquíes, bastones, antiparras, casco, ropa térmica y un profesor que hacerlo “en malla, sola, con dos tablas atadas a los pies y rezando para no caerte”. “La montaña es la misma, la nieve es la misma y la pendiente también. Pero una persona tiene recursos para atravesarla, la otra solo tiene voluntad”, señaló.

A partir de esa idea, Gilges desarrolló lo que definió como la teoría de los cinco recursos, que —según explicó— marca la diferencia entre vencer una crisis o dejar que la crisis venza a la persona. El primero es el recurso social, que no consiste en tener muchos amigos, sino “aunque sea una persona real” a la que se pueda llamar cuando la vida duele.

El segundo es el recurso emocional, es decir, la capacidad de sentir sin quedar tomado por lo que se siente. “Mucha gente no se destruye por lo que siente, se destruye porque no sabe qué hacer con lo que siente”, advirtió. El tercero es el recurso intelectual, vinculado a poder pensar con claridad en momentos difíciles y reconocer que “la cabeza en crisis no siempre es el mejor lugar para decidir”.

Por qué la autonomía y el futuro también importan

Gilges también incluyó el recurso económico, aunque aclaró que no significa tener mucho dinero, sino contar con dinero propio y autonomía suficiente para no quedar atrapado por depender completamente de otra persona. “Hay gente con muchísimo dinero y con cero recurso económico real”, remarcó.

Por último, mencionó el recurso de futuro: tener una dirección, una ilusión, un proyecto o una razón que empuje hacia adelante. Para la life coach, estos cinco puntos permiten entender que la resiliencia no depende solo de la fuerza de voluntad, sino de una construcción concreta. “La gente no se hunde solo por lo que pasa. Se hunde por la cantidad de recursos que tiene o no tiene para atravesar el caos”, concluyó.

Este parque es el escenario perfecto para remontar barriletes, andar en bici o simplemente disfrutar de un mate frente al agua. Sin embargo, su ubicación en el extremo norte de la ciudad hace que los accesos sean específicos y complejos si no se conocen de antemano.

El parque se destaca por su seguridad y su infraestructura, pero al estar rodeado de vías rápidas como la Av. General Paz y la Av. Cantilo, equivocarse en una bajada puede significar una vuelta de varios kilómetros.

A continuación, explicamos cómo llegar de forma eficiente al Parque de los Niños:

Llegar en auto es la opción más común, especialmente para quienes llevan reposeras, heladeritas o bicicletas.

• Desde el Centro (CABA): se debe tomar la Av. Cantilo hasta el final, pasando el Estadio Monumental y la zona de Ciudad Universitaria. La entrada al parque se encuentra justo antes de subir al puente de la Av. General Paz.
• Desde el Norte (GBA): bajar de la Av. General Paz hacia la Av. del Libertador sentido Capital, y luego buscar el retorno hacia la colectora de la Av. Cantilo.
• Estacionamiento: el parque cuenta con un estacionamiento gratuito y muy amplio dentro del predio. No obstante, los domingos de sol suele llenarse temprano, alrededor de las 14 horas, por lo que llegar antes del mediodía garantiza un lugar cercano al ingreso.

Si bien no tiene una estación en la puerta, las opciones son accesibles para quienes no tienen auto.

• Tren Mitre (Ramal Tigre): hay que bajar en la estación Rivadavia. Desde ahí, se deben caminar unas 10 a 12 cuadras cruzando el puente peatonal que atraviesa la Av. del Libertador y la General Paz. Es una caminata segura y muy transitada por otros vecinos.
• Colectivos: las líneas que pasan por la Av. del Libertador y la General Paz, cerca de la zona de Puente Saavedra, son ideales. Entre ellas se destacan las líneas 15, 28, 29, 117 y 130. Desde la parada de Puente Saavedra, la caminata es de unos 15 minutos bordeando el río.

El Parque de los Niños, al estar totalmente abierto al río, suele ser bastante ventoso, por ende se recomienda llevar siempre un abrigo, incluso en días soleados.

El predio cuenta con baños públicos, puestos de hidratación y áreas de juegos divididas por edades, lo que lo hace sumamente cómodo para ir con niños pequeños. Un dato clave: el ingreso es gratuito, pero el parque cierra puntualmente al atardecer, por lo que conviene iniciar la salida con luz solar para evitar las filas en el estacionamiento.

El Parque de los Niños es el gran balcón al río de Buenos Aires. Ya sea que se llegue por la Av. Cantilo o caminando desde la estación Rivadavia, el premio es un espacio de libertad y aire puro inigualable en la ciudad. Planificar el viaje permite dedicarle más tiempo a lo que importa: disfrutar del aire libre con la mejor vista de la costa.

En la edición actuliazada al 15 de abril de 2026, la plataforma TasteAtlas informó que registró 27.182 calificaciones para su listado global de sándwiches, de las cuales 18.978 fueron reconocidas como legítimas por su sistema. Dentro de ese mapa mundial, los sándwiches argentinos que se destacan son el sándwich de lomo, el choripán y el sánguche de milanesa.

El lomito, el sándwich argentino mejor ubicado

El sándwich de lomo, también conocido como lomito, figura entre los representantes argentinos mejor posicionados, en el puesto 11 con 4,3 puntos. TasteAtlas lo identifica como una preparación asociada a la provincia de Córdoba y lo describe como uno de los clásicos del país dentro de su categoría de sándwiches argentinos.

Su fórmula explica buena parte de su popularidad: carne vacuna en fetas finas, pan blando, vegetales, aderezos y, en muchas versiones, jamón, queso y huevo. Es un sándwich abundante, de impronta urbana y rutera, que suele aparecer en bares, lomiterías, carritos y restaurantes informales.

A diferencia de otros bocados más minimalistas, el lomito argentino se apoya en la idea de exceso: no busca ser liviano, sino completo. Esa contundencia es una de las claves por las que suele funcionar tan bien en rankings internacionales, donde se valoran tanto el sabor como la identidad local.

Sánguche de milanesa: el orgullo tucumano

El sánguche de milanesa también aparece en el radar internacional de TasteAtlas en 16° lugar también con 4,3 puntos. La plataforma lo presenta como una preparación tradicional de la Argentina, especialmente vinculada con Tucumán, y lo describe como un pan abierto y relleno con milanesa, mayonesa, tomate, cebolla y lechuga.

La versión tucumana tiene un peso propio dentro del mapa gastronómico nacional. No es solo una milanesa entre panes: suele tener pan tipo sanguchero, carne fina, vegetales frescos y aderezos que completan una combinación contundente y popular.

Su presencia en el ranking confirma algo que en el norte argentino se sabe desde hace décadas: el sánguche de milanesa no es una solución rápida, sino una especialidad con identidad regional.

Choripán: el clásico de la parrilla y la calle

El puesto 19 con 4,2 puntos del ranking de TasteAtlas figura el choripán, otro de los emblemas argentinos. La guía lo define como una comida callejera argentina hecha con chorizo servido dentro de un pan crocante y acompañado por distintos condimentos.

Su fuerza está en la simpleza. Pan, chorizo y chimichurri o salsa criolla alcanzan para construir uno de los sándwiches más reconocibles del país. Es parte del asado, de la previa de la cancha, de las parrillas al paso y de los puestos urbanos.

En términos culturales, el choripán funciona casi como una síntesis de la cocina popular argentina: parrilla, pan, grasa, acidez y salsa. No necesita una elaboración compleja para ser identificable; su valor está en el rito y en el punto justo del chorizo.

Bondipan: otro clásico argentino

El bondipan completa el grupo de sándwiches argentinos destacados por TasteAtlas en el puesto 66 con 4 puntos. Aunque la guía lo presenta como un plato similar al choripán, lo cierto es que no es un sándwich con embutido, sino con bondiola de cerdo asada o a la parrilla y servida en pan francés crocante.

Su identidad también está ligada a la comida al paso. La diferencia está en el corte: la bondiola aporta una textura más tierna y jugosa, con grasa suficiente para sostener el sabor sin necesidad de demasiados agregados. Puede llevar limón, chimichurri o alguna salsa picante, aunque su atractivo principal está en la combinación directa de pan, carne de cerdo y fuego.

Qué dice el ranking sobre la cocina argentina

La presencia argentina en TasteAtlas no sorprende por sofisticación técnica, sino por identidad popular. Los sándwiches destacados no nacen como platos de alta cocina, sino como comidas accesibles, urbanas, callejeras o de mostrador.

El dato también ayuda a leer una tendencia: los rankings internacionales suelen premiar preparaciones con arraigo territorial claro. En ese sentido, el lomito, el choripán y el sánguche de milanesa funcionan como platos fáciles de reconocer, explicar y recomendar.

La Argentina no entra al listado por una única receta, sino por una forma de comer: pan, carne, aderezo, abundancia y sabor directo.

Alejandro Camporini es ingeniero forestal y vive en el balneario Claromecó, partido de Tres Arroyos. “Conozco los piñones desde chico, cuando iba con mi familia a juntarlos al monte”, recuerda. Con el clima marítimo y una idea en mente, comenzó un proyecto que fue atravesando diferentes desafíos y hoy ofrece una producción de origen nacional que antes no existía.

“Cuando fui a estudiar la carrera de ingeniería forestal, ya tenía en mente al pino piñonero. Cuando me recibí, empecé a trabajar en proyectos de forestación en la zona de Claromecó. Así comencé a incorporar este pino (Pinus pinea), pensando que en algún momento, cuando den sus frutos, las piñas, se puedan obtener las semillas y así los piñones.

En 2018, Alejandro comenzó a trabajar en un proyecto para la reforestación del campo costero, y propuso plantar esta especie, el Pinus pinea, con el objetivo de obtener en el futuro los piñones. “Cuando arranqué con esto, allá por el 99, conocí a Agustín Nogueras, catalán que se dedica a la comercialización y producción de piñones. Él me enseñó mucho, intercambiamos información y finalmente nos hicimos amigos”.

“El Pinus pinea se adapta muy bien a la región”, explica Alejandro. “El desafío es obtener los piñones sin cáscara, el piñón blanco. Y otro desafío es que, como no se trata de una variedad tradicional del país (como sí en España), no es tan sencillo encontrar mano de obra calificada para la cosecha especializada, ni tampoco maquinaria para obtener los piñones. Pero de forma muy artesanal ya lo estamos realizando. Además, porque las cantidades que podemos obtener por el momento son pequeñas".

Un poco de historia

El Pinus Pinea, pino piñonero, es un árbol de origen europeo, mediterráneo, cuyos bosques se concentran en un 70% en España, sobre la costa mediterránea, en el centro del país y en la zona de Valladolid. También hay esta variedad en Portugal, Italia y Turquía y, en menor porcentaje, en Túnez, Marruecos e Israel. En Sudamérica se ha plantado en Chile y en la Argentina, en la costa atlántica, con algunas plantaciones. También se lo ha plantado aisladamente en parques y plazas de varios pueblos, ciudades y cascos de estancias. Tiene una forma de copa aparasolada o en forma de sombrilla abierta, que lo diferencia de otros pinos, dándole esa estructura particular.

El producto que se obtiene para comercializar es el piñón blanco que, como regla general: de cada cinco kilos de piña, un kilo es de piñón con cáscara, y de cada cinco kilos de piñón con cáscara se obtiene un kilo de piñón blanco. Se necesitan 100 kilos de piña para obtener cuatro kilos de piñón blanco.

La composición química del piñón lo hace un alimento de importantes cualidades para consumo humano. Entre sus características, se destaca su alto contenido en proteínas (33%), carbohidratos (4-7%) y grasas (43%), así como un alto porcentaje en ácidos grasos insaturados, ácido oleico (36%) y linoleico (44%).

Históricamente, el piñón es un fruto seco que se diferencia del resto porque no se lo utiliza como aperitivo, sino que se lo utiliza en la cocina como condimento u ornamentalmente acompañando diversos platos. En España es utilizado en la industria pastelera. Los consumos suelen concentrarse en períodos festivos como Navidad y otras fiestas religiosas; también durante el ramadán en países de religión islámica.

Tiempo de cosecha

A finales de mayo (en la Argentina) y en noviembre (en España), comienza la cosecha de las piñas. Los piñeros son los encargados de bajar las piñas de los árboles, a los que suben con ganchos, y desprender las piñas que caen al suelo, donde son recogidas y llevadas a un acopio. Allí se guardan hasta la época donde comienza a hacer calor. Entonces se ponen al sol y, una vez que se abren, se pasan por una máquina que las muele y se obtiene el piñón con cáscara.

Luego, este piñón se descascara con maquinaria y se obtiene el piñón blanco. “Así es como lo realizo yo, de forma muy artesanal, dado que en regiones españolas de alta producción se utilizan máquinas vibradoras para vibrar los árboles, siempre que el terreno lo permita, y así bajar las piñas. Luego, con maquinaria de última generación, se procesan las piñas y se obtienen los piñones listos para consumir”, detalla Alejandro.

Los pinos comienzan a dar piñas a los 9 ó 10 años, pero con pocas piñas o frutos. Año a año aumentan su producción junto con el desarrollo del árbol. “Una forma de obtener piñas antes sería a través de injertos en el vivero o cuando está implantada”, prosigue Alejandro. “Pero se requiere experiencia para su realización y además encarece el costo, aunque es un desafío a futuro”.

De Argentina al mundo

Mientras avanzaba con su proyecto, Ariel Saconne, jefe inversor del proyecto, le propuso a Alejandro exportar lo que se pudiera obtener de las plantaciones, que ya llevaban 25 años de producción. Así, se enviaron a Barcelona piñones, que fueron terminados de procesar allí para su consumo.

Actualmente, el sueño de Alejandro es “poder producir piñones en la zona, para venderlos como un producto premium local, aunque sea una pequeña producción de las plantaciones que realicé los últimos 25 años. También que, gracias al proyecto de reforestación en el que trabajo actualmente, se logre exportar y posicionar el producto aquí en Argentina. La superficie que se ha plantado en algunos proyectos son pequeñas, pero como a esas plantaciones les ha faltado tareas silviculturales como poda o raleo para manejar la densidad, no son muy productivas hoy”.

Proyectos como el de Alejandro son una promesa para el posicionamiento de los argentinos como productores y un premio al esfuerzo y la paciencia.

Este plato de pasta se orgina de la tradición italiana y no responden a una única receta. Treccani, la enciclopedia italiana, define los gnocchi como un plato tradicional de cocinas regionales como la veneciana, piamontesa y romana, elaborado con una masa de harina y papas cocidas, cortada en bocados pequeños y servida con salsa o manteca. También registra variantes con sémola, harina amarilla y otros ingredientes.

Por qué se comen ñoquis cada 29 y la tradición del dinero bajo el plato

No hay un origen único comprobado de la celebración mensual. La explicación más sólida para el caso argentino combina dos factores: la influencia italiana y la lógica de fin de mes, cuando hacía falta resolver la comida con ingredientes económicos y rendidores.Esa asociación ayuda a explicar por qué el plato quedó ligado al último tramo del mes y a la idea de llegar con lo justo hasta el próximo cobro.

El billete debajo del plato funciona como un gesto simbólico. Con el tiempo, el ritual se volvió parte de la experiencia: algunos lo dejan durante la comida, otros lo guardan después como amuleto, y en muchos restaurantes se conserva como guiño al comensal de cada 29.

10 opciones para probar ñoquis de papa, con ragú, mariscos y recetas de la abuela

L’Adesso: gnocchi artesanales, vino y tradición italiana

En L’Adesso Ristorante, el chef Leonardo Fumarola presenta cada día 29 una propuesta especial fuera de carta: gnocchi artesanales disponibles por la noche. La receta se elabora con papas cocidas con piel, huevos frescos y una mínima proporción de harina, en busca de una textura liviana.

Las salsas permiten armar distintos recorridos: pomodoro y albahaca, ragú napoletano, bolognesa, ragú de jabalí con hongos, una versión con anchoas y limón inspirada en la Costa Amalfitana y los clásicos cacio e pepe terminados en horma de queso. Precios: desde $28.000 hasta $32.000, según la salsa.

¿Dónde? Fray Justo Santa María de Oro 2047, Palermo. Instagram: @ladesso_ristorante.

La Parolaccia: receta de la nonna y clásicos ítalo mediterráneos

En La Parolaccia, los ñoquis forman parte de los platos más elegidos de la casa. La propuesta recupera la receta tradicional de la nonna, con masa de papa amasada a mano y pasada por rizador para lograr las canaletas que ayudan a retener la salsa.

Entre las opciones aparecen los gnocchi di patate bolognese, con pomodoro y carne de ternera; los gnocchi soufflé La Parolaccia, de espinaca gratinados con ave, crema, champignon, pesto, jamón cocido y parmesano; y los gnocchi di patate gorgonzola, con queso azul y crema. La experiencia se completa con una cava de más de 60 etiquetas de vinos.

¿Dónde? Riobamba 1046, Recoleta; Cerviño 3561, Palermo; Av. del Libertador 5823, Belgrano; Puerto Madero; Olga Cossettini 302, Puerto Madero; Av. del Libertador 14621, San Isidro; Panamericana Km 42,5, Pilar; y sucursales. Instagram: @laparolaccia.

La Piccola: gnocchi a la sorrentina en sartén de hierro

En La Piccola, los gnocchi a la sorrentina son una de las preparaciones clásicas de la carta. Los ñoquis se hacen a mano y se sirven con salsa de tomate, mozzarella gratinada y albahaca fresca.

El plato se presenta en sartén de hierro, un recurso que ayuda a conservar la temperatura y mantener la salsa integrada hasta el final.

¿Dónde? El Salvador 5801, Palermo. Instagram: @lapiccola.ba.

Charqui: ñoquis soufflé gratinados con bechamel

En Charqui Restaurante, la fecha se acompaña con ñoquis soufflé gratinados, servidos con salsa bechamel, queso Reggianito y pangrattato ($22.000, copa de vino $9000). La preparación parte de una masa liviana, más aireada que la del ñoqui tradicional. El gratinado suma una capa dorada, la bechamel aporta cremosidad y el pangrattato, elaborado con panko, agrega textura crocante.

¿Dónde? Bonpland 2275, Palermo. Instagram: @charquirestaurantok.

Granero: ñoquis de sémola a la romana con horno de barro

En Granero, en Rincón de Milberg, la versión sale de la línea clásica de papa y se acerca a la cocina romana: ñoquis de sémola a la romana, preparados con sémola de grano duro, leche, manteca, parmesano y nuez moscada.

Se sirven con crema de espinaca y hongos frescos, gratinados en horno de barro. La propuesta dialoga con una carta de cocina casera de lujo, productos de huerta propia y sabores de estación.

¿Dónde? Olivares 190, Rincón de Milberg, Tigre. Instagram: @granero_milberg.

Bochinche: menú de tres pasos con dos opciones de ñoquis

En Bochinche, en Chacarita, el Día de los Ñoquis se celebra con un menú especial de tres pasos ($40.000 por persona). La entrada puede ser spianata con ajíes en vinagre o fainá con stracciatella y zucchini.

Para el principal hay dos alternativas de ñoquis de papa: con fondo oscuro de cebolla y parmesano, o con salsa bolognesa. El cierre permite elegir entre tiramisú o huevos quimbo. El menú incluye panera, agua con o sin gas y una copa de vino de Bodega Quindé.

¿Dónde? Santos Dumont 4056, Chacarita. Instagram: @hastabochinche.

Raíces: ragú de cordero y gnocchi soufflé gratinados

En Raíces Cocina Casera, el restaurante de Fernanda Tabares en Saavedra, los ñoquis se inscriben en una cocina que recupera sabores familiares. La carta incluye ñoquis caseros con ragú de cordero, de cocción lenta durante cuatro horas, además de opciones con boloñesa, tuco o salsa de hongos.

También se ofrecen gnocchi de sémola soufflé gratinados, terminados con polvo de tomates secos, rúcula y roquefort. La recomendación de la casa es acompañarlos con tintos como malbec o cabernet sauvignon.

¿Dónde? Crisólogo Larralde 3995, Saavedra. Instagram: @raicescocinacasera

Il Quotidiano: gnocchi negros con frutti di mare

En Il Quotidiano, la propuesta más distintiva son los gnocchi negros con frutti di mare. La masa se prepara a mano con tinta de calamar, que aporta color, profundidad y un perfil marino.

Se sirven con un salteado de frutos de mar, calamares y langostinos, en una salsa de base marina con tomates cherry y perejil fresco.

¿Dónde? Av. Callao 1299, Recoleta; Ugarteche 3208, Palermo; Pedro Goyena 503, Caballito; O’Higgins 1731, Belgrano; Alto Palermo, Av. Santa Fe 3253, Palermo; y sucursales. Instagram: @il_quotidiano

La Dorita: ñoquis de papa con estofado a leña

En La Dorita, la tradición llega con ñoquis de papa artesanales y estofado de carne cocido lentamente a leña de quebracho. Esa cocción suma un registro ahumado a la salsa, preparada con tomates italianos y laurel.

La propuesta sigue la línea de la casa: carnes, pastas y recetas argentinas de impronta clásica. Para acompañar, sugieren una copa de vino tinto de su cava o cerveza tirada.

¿Dónde? Humboldt 1892, Palermo; Bulnes 2593, Palermo. Instagram: @ladoritaparrilla.

Cauce: estofado de carne con ñoquis y opción take away

En Cauce, la propuesta especial combina entrada, principal, postre y vinos. El recorrido arranca con vitel toné de ojo de bife y sigue con estofado de carne con ñoquis de papa. “Vamos a hacer un plato de estofado de carne con Ñoquis. La idea es tener un plato bien de temporada que sea suculento, con base de tomate con jugo de carne y ñoquis de papa. La particularidad que tiene es eso, que está hecho con quijada que le compramos a Muge, que nos da ese perfil súper gelatinoso y sabroso en la boca”, explica el chef Emiliano Bernardinelli.

El postre suma peras en almíbar y cuartirolo artesanal. El menú está disponible en salón ($50.000) y también en formato take away ($23.000).

¿Dónde? Av. Alicia Moreau de Justo 440, Puerto Madero. Instagram: @cauce_ba

Ese ingreso lateral terminó marcando su oficio. En Estados Unidos pasó por cocinas, salones y gerencias de restaurantes de mucho volumen, aprendió protocolos de servicio, vio de cerca la lógica de una brasserie clásica y volvió a la Argentina en 2012. Al año siguiente abrió Burger Joint en el epicentro de Palermo Soho -a metros de la mítica Plaza Serrano- con una idea concreta: hacer una hamburguesa con técnica, producto fresco, pan propio y papas fritas caseras, no industrializadas.

—¿Qué hacías antes de irte a Estados Unidos?

—Antes de irme, trabajaba en Tower Records. Primero estuve en el local de Santa Fe y después, cuando abrió el de Cabildo, me fui para allá. Siempre tenía la idea de probar otra cosa, de cambiar un poco el aire. Entonces me pedí un mes de vacaciones y, a través de un contacto familiar, apareció la posibilidad de viajar.

Me ofrecieron dos caminos: alguien que trabajaba en un banco en Nueva York o alguien que tenía un restaurante en Washington. No conocía Washington, pero elegí el restaurante. Ahí empezó todo lo que vino después.

—¿Cómo arrancó tu vínculo con la gastronomía?

—Cuando llegué a Washington me preguntaron qué sabía de gastronomía y dije: “Nada”. En ese momento estudiaba música. Entonces me propusieron algo doble: de noche pasaba música en el local y de día iba a la cocina, donde me presentaban al chef para trabajar en preparación como ayudante.

No tocaba música, la pasaba. Usaba una doble compactera, mezclaba un poco, elegía los temas y también llevaba mis CDs. Era el año 2000, una época todavía muy marcada por el CD. Estaba muy al tanto de lo que pasaba con la música y eso también me sirvió para entrar al clima del restaurante.

—¿Qué aprendiste en esa primera etapa?

—Fui pasando por distintos puestos. Primero preparación, después frituras, calamares, papas, y también la línea con las pastas. Más tarde me ofrecieron ser asistente de manager. Mi idea era aprender todo: no solo la cocina, sino también cómo manejar un lugar, cómo funcionaba el salón, cómo se organizaba el servicio.

Terminé como asistente de manager y después como manager. Era un restaurante que movía 400 cubiertos de alta gama por día y tenía una relación muy fuerte con hoteles como Four Seasons, Hilton y Hyatt, que mandaban celebridades y clientes importantes. Esa experiencia me dio una formación muy completa: cocina, servicio, música, salón, volumen y trato con clientes exigentes.

—¿Después llegó la etapa ligada a Anthony Bourdain?

—Sí. En 2004 Bourdain ya era una figura por Kitchen Confidential. No estaba todos los días, aparecía cada tanto, pero estaba bastante presente y bajaba línea. Era decontracturado, muy amigo de la gente latina de la cocina. Le interesaba la comida honesta, la cocina con carácter, lo que no estaba maquillado.

—¿Qué quedó de esa escuela en tu forma de cocinar?

—En esas brasseries se hacía mucha comida al lado de la mesa: crepes suzette, bananas flambeadas, Chateaubriand, steak tartar. También se trabajaba con producto muy directo. Había una heladerita con carnes a la vista y hasta una cabeza de jabalí. A Bourdain le gustaba eso que parece fuerte, una relación honesta con lo que se estaba cocinando.

En Nueva York seguí bajando protocolos de servicio. El lugar era más chico, entonces armé carritos más finitos para poder hacer platos al lado de la mesa. Al principio el equipo se quejaba porque era más trabajo, pero cuando veían la propina entendían que también era parte de la experiencia. Ahí aprendí que un restaurante no es solo una receta: es cómo llega el plato, cómo se atiende, cómo se mueve el salón y qué clima se genera.

—¿Cuándo decidiste volver?

—Volví en 2012. Nueva York te quema después de un tiempo y mi viejo ya estaba más grande. También sentí que era momento de volver. Mi idea original era abrir una brasserie francesa en Buenos Aires, porque venía de trabajar muchos años en ese formato: sopa de cebolla, cassoulet, confit de pato, platos clásicos y mucho volumen.

Esa idea no se dio. Entonces pensé en algo que me gustó históricamente: la hamburguesa. En ese momento, acá no ocupaba un lugar importante. Estaban las cadenas grandes y algunos lugares donde podías comer una hamburguesa decente, pero no había muchos proyectos que le dieran amor a la hamburguesa como producto.

—¿Cómo armaste la receta de Burger Joint?

—Me alquilé un departamento cerca del local, con una kitchenette de tres metros. Todavía no tenía cocina. En esa kitchenette empecé a probar la receta.

Jugué un poco con la técnica del steak tartar para que quedara redonda y perfecta. Después a esa perfección la “desperfeccioné” para darle forma de hamburguesa. Hice unas 15 recetas en sartén, probando distintos cortes y grasas. En esa etapa todavía no tenía picadora, así que un amigo carnicero me picaba la carne.

—¿Cómo fue el proceso de prueba?

—Llamaba a amigos y familiares para probar. También bajaba a la calle y, si veía un grupo de gente, les preguntaba si querían probar. Habré cocinado para 100 personas. De cada prueba sacaba información: si el tomate estaba frío, si la carne tenía buena textura, si la mezcla funcionaba, si faltaba grasa o si sobraba algo.

Llegué a una hamburguesa bastante buena en sartén. Pero cuando pude comprar la parrilla y tuve la extracción, supe que iba a volar. Demoré la apertura un mes por un problema con la campana, pero ese mes seguí cocinando para amigos y músicos. En febrero de 2013 abrimos con una sola hamburguesa.

—¿Cómo era la primera hamburguesa?

—La primera era la clásica: queso, tomate, lechuga, cebolla y mayonesa. Solo eso. Mi hamburguesa es de 180 gramos y la hago a la parrilla en V para que caiga la grasa. Somos de los pocos que usan parrilla. Tengo plancha, pero la uso para la vegetariana o para algún huevo.

La idea era simple, pero con técnica. No era poner un medallón cualquiera entre dos panes. Era pensar la mezcla de carne, el punto, la cocción, el pan, la temperatura de los vegetales y cómo se comía todo junto.

—¿Qué tiene tu mezcla de carne?

—Mayormente bife de chorizo. Le agrego paleta para darle cuerpo y buena grasa. La condimento con 11 especias, entre ellas salvia y romero, todo disecado. No quería una hamburguesa chata ni un producto que dependiera solo de la salsa o del queso.

La carne tenía que tener personalidad. Por eso también la cocción es importante. Me gusta que conserve jugo, que tenga sabor propio y que la gente pueda sentir la diferencia con una hamburguesa industrial.

—¿Cuándo aparecieron las otras opciones?

—A las dos semanas sumé la Mexican, con salsa picante, jalapeños, guacamole, queso, tomate y cebolla morada. En 2013 no era común el jalapeño en una hamburguesa y el argentino tenía baja tolerancia al picante, pero gustó tanto que quedó.

Después hice la Jamaican, con ananá, panceta y pepino. Más tarde llegó la Blue, que fue la que realmente rompió todo. Y después la American, con panceta, cheddar y barbacoa. Ahí ya tenía mis cinco titulares entre 2013 y 2014.

—¿Qué tiene la Blue?

—Portobellos, queso azul, tomates secos, cebolla caramelizada y rúcula. Es una bomba. Hace 13 años no existía algo así en una hamburguesa acá. Hoy hasta las cadenas grandes tienen opciones con guacamole u hongos, pero en ese momento no era común.

La Blue fue una hamburguesa que mostró que el producto podía tener otra búsqueda. No era solo carne, queso y panceta. Podía tener hongos, acidez, dulzor, amargor de la rúcula y potencia del queso azul, todo en una misma unidad.

—¿Qué cambió cuando empezaron a hacer el pan propio?

—El primer año comprábamos el pan porque no tenía horno convector. No había buenos panes en esa época; eran industriales. A fines de 2013 compré el horno y en 2014 empezamos con nuestro propio pan. Ahí cambió todo.

Quería que fuera fresco y casero, sin conservantes. Para mí, el pan no es un detalle menor. Si la carne está bien pero el pan no acompaña, la hamburguesa se cae. El pan tiene que contener, absorber, tener sabor y no tapar el resto.

—¿Y cómo hacés las papas?

—Siempre caseras. Es una técnica que aprendí de Bourdain: primero se lavan cortadas para sacarles el almidón y se cocinan en aceite a baja temperatura, unos 120 grados, durante 10 o 12 minutos. Después se ponen en planchas de aluminio. Durante el servicio se les da fuego fuerte, a 200 grados, y en cuatro minutos quedan doradas por fuera y con textura de puré por dentro.

Esto requiere mucho espacio y muchas horas hombre. No es abrir una bolsa de papas congeladas y tirarlas en la freidora. Es más caro, más incómodo y más trabajoso, pero aposté a dar un producto de muy buena calidad a un buen precio. Para que funcione tiene que venir mucha gente. Y funcionó.

—¿Cuándo llegó el boom?

—Tuvimos filas de cuadras, daban la vuelta a la manzana. Terminé alquilando toda esta parte para armar otra fila adentro. En la época dorada, entre 2014 y 2017, tuvimos días de 1300 hamburguesas.

Fue un fenómeno muy fuerte. Venía gente todo el tiempo y se armó una comunidad alrededor del lugar. También ayudó que la hamburguesa empezara a ocupar otro lugar en Buenos Aires. Dejó de ser solo comida rápida de cadena y empezó a convertirse en un producto gastronómico.

—¿Cómo mirás hoy la escena de hamburgueserías?

—La hamburguesa arrancó con nosotros y un par más. Después se pasó de oferta, como pasó con el pádel, las canchas de fútbol 5, las cervecerías y ahora el café de especialidad. Hubo una sobrecorrección y quedaron menos lugares.

Hoy está muy de moda la smash, que es apretar la carne. No es mi técnica favorita porque me gusta sentir los jugos, pero son modas. No hay que ser necio: si a todo el mundo le gusta, por algo es. A la gente le gusta el efecto Maillard, esa costrita que se arma. La hamburguesa ahora tiene un lugar importante en la gastronomía federal.

—¿Qué define a una buena hamburguesa?

—Para mí tiene que ser una unidad linda. No me gusta que esté bañada en cheddar hasta volverse desagradable. La hamburguesa es un producto que da felicidad, es comfort food. Se come con las manos y tiene algo directo, simple, pero eso no significa que tenga que estar mal hecha.

Actualmente tengo 10 opciones, incluyendo vegetarianas. Las que más salen son la Blue, la American y la clásica de tomate y lechuga. También está la Machete, una doble de 360 gramos inspirada en la película de Danny Trejo.

—¿Cómo recomendás el punto de la carne?

—Jugosa o a punto. En la Argentina mucha gente tiene miedo por las grandes cadenas y la pide suela de zapato. A una mujer embarazada se la saco cocida, obvio, pero comer carne seca no tiene vuelta atrás.

Al principio la sacaba jugosa y me la rebotaban todo el tiempo. En los últimos 10 años la gente fue cambiando el gusto, igual que con el asado. Hoy hay más gente que entiende que una hamburguesa puede tener jugo, sabor y buen punto sin ser un riesgo si está bien trabajada.

Para el mundial voy a sacar una smash triple que se va a llamar “Tres Estrellas”. Ya compré la plancha y logramos un buen producto.

Este lugar no es fast food, es good food fast. La idea es que la gente la pase bien, gaste poco y coma bien. No me interesa que la comida llegue de cualquier manera ni que la experiencia se reduzca a una bolsa de delivery. A mí me gusta promover el cruce de miradas, la música y que el plato llegue como tiene que llegar.

En 1982, el Centro Promocional de la Bicicleta propuso que el 29 de mayo pasara a ser el Día Nacional del Bicicletero. Si bien la fecha fue elegida de forma arbitraria, la jornada se fundó con el objetivo de homenajear a uno de los ciclistas más importantes del país: Martín Remigio Saavedra.

Se decidió conmemorar a este mendocino porque realizó la hazaña de unir el territorio nacional de oeste a este en bicicleta en dos oportunidades, yendo desde su Mendoza natal hacia Buenos Aires. La primera vez que llevó a cabo esta aventura fue en 1943 y la última en 1981, ya con 70 años. En aquella ocasión, su objetivo era el de concientizar acerca de los daños que genera el consumo de cigarrillos. Este último recorrido lo finalizó el 5 de diciembre y por este mismo motivo durante ese día se celebra el Día del Ciclista en la Argentina.

Efemérides del 29 de mayo: ¿qué pasó un día como hoy?

• 1453 – Finaliza el Imperio Bizantino y la Edad Media con la toma de Constantinopla a cargo de los Turcos, lo que da inicio a la Edad Moderna.
• 1880 – Se depositan los restos mortales del general José de San Martín en el mausoleo de Buenos Aires.
• 1892 – Nace Alfonsina Storni, poetisa y maestra argentina que se suicidó en la ciudad de Mar del Plata al arrojarse de la escollera del Club Argentino de Mujeres en 1938.
• 1914 – Mueren 1023 de las 1467 personas que transportaba el trasatlántico “Empress of Ireland”. Se hundió tras chocar a causa de la niebla con el carguero noruego “Storstad”, en el estuario del río San Lorenzo, en Canadá.
• 1917 – Nace John F. Kennedy, el presidente 35° de Estados Unidos.

• 1919 – Se confirma la teoría de la relatividad de Albert Einstein.
• 1919 – Muere Benjamín Matienzo, aviador que intentaba cruzar la Cordillera de los Andes.
• 1953 – Hillary y Norgay llegan hasta la cima del Monte Everest (8.850 metros).
• 1957 – Nace Martín Caparrós, periodista argentino.
• 1959 – Nace el historiador argentino Felipe Pigna.
• 1959 – Nace el actor estadounidense Rupert Everett.
• 1967 – Nace el compositor británico líder de la banda Oasis, Noel Gallagher.

• 1968 – Termina el Mayo Francés. Esta revuelta estudiantil ocurre en París y dura un mes.
• 1969 – Estalla el Cordobazo: el período en que los gremios cordobeses reaccionan contra el gobierno de facto de Onganía.
• 1970 – El expresidente de facto Pedro Aramburu es secuestrado por Los Montoneros.
• 1985 – 39 personas mueren en el estadio Heysel de Bruselas cuando los hinchas de Liverpool atacan a los de Juventus antes de la final de la Copa de Campeones de Europa.
• 2012 – Mueren 24 personas en el norte de Italia, cerca de Bolonia, a causa de un terremoto de 5,8 grados de magnitud que golpea la zona.
• 2016 – Cinco miembros de la misión Minusma de la ONU en Mali mueren en una emboscada en las cercanías de Mopti, el centro del país.
• Se celebra el Día Mundial de la Salud Digestiva, promovido por la Organización Mundial de Gastroenterología.
• Se celebra el Día del Ejército Argentino.
• Se celebra el Día del Folclorista en la Argentina.
• Se celebra el Día del Bicicletero en la Argentina.
• Se celebra el Día Internacional del Personal de Paz de la ONU.

Él tenía apenas 22 años y ya trabajaba profesionalmente en el mundo audiovisual. Ella cumplía 15 y disfrutaba una noche que, como tantas otras adolescentes, quedaría registrada para siempre en un video familiar. Lo que ninguno imaginaba era que esa filmación terminaría convirtiéndose, con el tiempo, en el primer capítulo de una historia compartida que ya lleva casi 20 años.

Si dos años después....

“Conocí a mi mujer trabajando, filmando su cumpleaños de 15”, recuerda Lucas. Y aunque hoy lo cuenta entre risas y naturalidad, hay algo profundamente cinematográfico en esa escena: un joven camarógrafo siguiendo cada instante de una fiesta sin saber que, detrás de ese lente, estaba mirando a la persona con la que iba a construir su vida.

Lucas había llegado a ese cumpleaños gracias a un fotógrafo amigo suyo, vinculado a la tía de Yesica —a quien ella considera una segunda mamá—. Les mostró algunos trabajos audiovisuales, gustaron y finalmente quedó encargado de registrar la fiesta.

“Dos años después de su cumpleaños volvimos a contactarnos y ahí empezamos a conocernos y a salir”, resume él. El noviazgo comenzó oficialmente el 22 de julio de 2007. Desde entonces, casi no volvieron a separarse.

Lo curioso es que gran parte de la historia quedó registrada en imágenes. Fotos del cumpleaños de 15, del noviazgo, del compromiso, de la boda, de los viajes y también de los proyectos laborales que construyeron juntos. Como si el destino hubiera querido dejar documentado cada paso de una relación nacida, justamente, en el universo audiovisual.

“Su sonrisa me conquistó desde el primer momento”

“Desde el primer instante que vi a Yesi, me encantó su forma de ser tan distendida, suelta, su sonrisa y sobre todo su transparencia. Además de ser hermosa, me conquistó desde el primer momento. Realmente para mí fue amor a primera vista”, confiesa Lucas.

La frase no parece dicha al pasar. Él la sostiene con la misma convicción con la que habla de sus proyectos o de sus sueños profesionales. Porque para Lucas, el amor y el trabajo nunca estuvieron completamente separados.

“Soy un agradecido a Dios y a la vida de haber podido encontrar al amor de mi vida, con quien ya llevo compartiendo 19 años como compañeros de vida, aventuras y proyectos que día a día vamos cumpliendo juntos”, dice.

La historia avanzó despacio, sólida, creciendo con el tiempo. Después de siete años de novios llegó el casamiento. Pero antes hubo otra escena inolvidable.

El 22 de julio de 2009, exactamente dos años después de haberse puesto de novios, Mendoza amaneció nevada. Ese día Lucas le propuso compromiso.

El amor como un proyecto cotidiano

La nieve convirtió ese momento en una postal difícil de olvidar. Una de esas imágenes que parecen escritas para una película romántica. Y cinco años más tarde, el 8 de marzo de 2014, finalmente se casaron.

Desde entonces construyeron una vida atravesada por el compañerismo, los viajes, el trabajo compartido y una forma muy particular de entender el amor: como un proyecto cotidiano.

“Estos 19 años al lado de Lucas han estado llenos de amor, compañerismo y muchísimo aprendizaje”, cuenta Yesica.

Y agrega algo que define muy bien el vínculo entre ambos: “Él me enseñó, en lo laboral, gran parte de lo que hoy somos como equipo. Siempre tomamos las decisiones juntos y compartimos el mismo enfoque de crecer, progresar y cumplir sueños”.

Porque con el tiempo la relación también se transformó en sociedad profesional.

Hoy Yesica trabaja junto a Lucas en la productora audiovisual que él fundó y que actualmente desarrolla contenidos para grandes marcas nacionales e internacionales. Entre cámaras, producciones, viajes, reuniones y proyectos, aprendieron a convivir también en el terreno laboral. Y aunque muchas parejas sienten que trabajar juntas puede desgastar el vínculo, en ellos parece haber ocurrido lo contrario.

“Nos llevamos muy bien, y aunque trabajar juntos y ser pareja no suele ser fácil, en nuestro caso, gracias a Dios, sí lo es”, dice ella.

Detrás de esa armonía hay algo más profundo: una construcción paciente de años.

“Romántico y detallista”, dice ella

Yesica describe a Lucas como una persona “romántica y detallista”, capaz de sorprenderla todavía después de casi dos décadas.

“Lo que siempre me enamora de él es lo romántico y detallista que puede ser, porque cada tanto logra sorprenderme de maneras simples pero especiales”, cuenta. Y enseguida aparece otra característica que parece atravesar toda la vida de Lucas: su impulso constante hacia adelante.

“Es una persona amorosa, inquieta, llena de proyectos e ideas por cumplir. Tiene esa capacidad de motivar y empujar siempre hacia adelante, y eso es algo que admiro profundamente”.

La pareja comparte muchas actividades cotidianas: viajar, ir al cine, salir a comer o simplemente disfrutar tiempo juntos. Pero quizás el detalle más revelador aparece en las pequeñas rutinas diarias.

“Soy muy feliz todos los días a su lado. No hay un solo día en el que no nos digamos ‘te amo’, nos abracemos o nos saludemos antes de dormir deseándonos buenas noches”, dice Yesica. Y agrega una frase simple, pero poderosa: “Creo que esos pequeños detalles son los que mantienen vivo el amor y el respeto que hoy nos tenemos”.

Como toda pareja, atravesaron momentos difíciles. Pero ambos coinciden en que el tiempo les enseñó a discutir menos y acompañarse más. “Con la madurez aprendimos a enfrentar los obstáculos de otra manera, entendiendo que dialogar y acompañarnos vale mucho más que una gran discusión”, explica ella.

En el medio de esa vida compartida también apareció Luna, su “hija perruna”, como ambos la llaman entre sonrisas. Para ellos no es solamente una mascota: es parte central de la familia y de la rutina cotidiana.

Mientras tanto, la productora audiovisual que comenzaron construyendo casi desde cero sigue creciendo año tras año.

Lucas, que empezó trabajando con cámaras VHS cuando apenas era un adolescente, hoy lidera un equipo de más de 20 profesionales y desarrolla producciones para importantes empresas nacionales e internacionales. Yesica se convirtió en un sostén clave de ese crecimiento.

“Ella es el motor”, dice él

“Amar a Yesi es todo. Es ella el motor que me ayuda a crecer profesionalmente y su apoyo es incondicional. Realmente me encanta sentirme enamorado de ella y sueño estar a su lado eternamente”, asegura Lucas.

Hay algo conmovedor en esa historia: mientras gran parte de las relaciones modernas parecen consumirse rápido, ellos construyeron la suya lentamente, atravesando distintas etapas de la vida sin dejar de elegirse.

Primero fueron un camarógrafo y una adolescente festejando sus 15. Después dos jóvenes aprendiendo a crecer juntos. Más tarde socios, compañeros de trabajo, viajeros y emprendedores.

Y quizás lo más lindo es que, en una época donde casi todo se vuelve efímero, ellos todavía conservan algo muy antiguo: la costumbre de seguir enamorándose en los detalles cotidianos. Tal vez por eso su historia parece tan cinematográfica. Porque empezó detrás de una cámara, pero terminó convirtiéndose en una vida entera compartida frente al mismo horizonte.

Cuando finalice una gira por España con la música que compone en inglés y español, su plan es volver para continuar con su recorrido por Argentina en forma intermitente, llevar conciertos íntimos a los lugares más recónditos, a pueblos pequeños a los que rara vez llega la música en vivo y que ahora ocurren dentro del motorhome. Desde que se separó, tuvo que organizarse en torno a una nueva configuración familiar de las cosas.

“No es la vida que yo quiero vivir, yo quiero vivir viajando”

Creció en Pergamino. Sus padres eran de la ciudad de Buenos Aires, pero por cuestiones laborales se trasladaron a la “Perla del Norte”, ahí cursó el colegio y ahí recuerda que sintió unas ganas intensas de cruzar límites y probarse a sí mismo. Ese fue su punto de partida para empezar a viajar. Hawaii fue su debut y tan mal no le fue, consiguió trabajo como carpintero, jardinero y hasta como obrero. Se adaptó al calor tropical y después pasó medio año conociendo otros lugares. Realizó viajes por Australia, África y Nueva Zelanda, con trabajos de temporada y voluntariados. Por aquella época, volvía cada tanto a la Argentina para cumplir con el precepto familiar de estudiar. Eligió producción musical porque era una carrera vinculada con lo que más le gustaba pero lo hizo en años salteados. No se sentía cómodo en la gran ciudad, la energía de Buenos Aires a veces se ponía densa, así que la abandonaba sin culpa cada vez que podía. Ahorraba y se quedaba fijo en algún lugar con bajos costos y salario en dólares.

En una de las giras por el norte argentino, se fue dos semanas a Cusco, Perú, y la ciudad antigua dejó su huella.

—Hice un retiro espiritual con ayahuasca y pude conectarme también con mis intereses más profundos, y dejar de de vivir la vida que la sociedad o mis viejos, o mi círculo más cercano, querían para mí. Mis viejos pensaban que yo en algún momento iba a formar una familia y me iba a poner a trabajar en algún lado fijo, y yo hice todo lo contrario, volví y les dije: “No es la vida que yo quiero vivir, yo quiero vivir viajando”.

Les costó aceptarlo pero después de un cortocircuito vieron que la decisión iba en serio y lo terminaron entendiendo.

—Estudié música de chico, pero empecé a componer de grande, muy inspirado en los viajes que hacía. En Buenos Aires, toqué y grabé mi primer disco.

Los viajes cambiaron, más canciones y covers que trabajos de temporada, ya era parte de un circuito ligado a la música. En principio cantaba en cafés y centros culturales y después algunos teatros como el Margarita Xirgu, con artistas reconocidos o como solista, los aplausos le llenaban el corazón. Dedicó su energía a la música pero también encontró espacios que le dieron tranquilidad cuando no iba a tocar. Con el surgimiento de las redes sociales empezó a generar contenido. Le salía bien, se especializó en fotos y videos, y como consecuencia llegaron los sponsors. Las marcas de cerveza y ropa, fueron una manera alternativa de financiar sus viajes. Considera que viajar es un estilo de vida. Ni un sueño ni un propósito: una elección.

—Lo que sí, obvio, viajar no es todo color de rosas, como lo pintan hoy las redes sociales, no sé si es que tiene un lado B, sino que tiene lo positivo y lo negativo, como tiene cualquier estilo de vida. Así como una persona elige irse a una ciudad, o irse a otro lugar, hay gente a la que le gusta vivir en el centro, gente que disfruta vivir en un lugar más verde. A mí me gusta vivir cambiando mi destino todo el tiempo.

Una primera van a Alaska y nuevos tripulantes

Con su primera van, un camper a la que le colocó un piano vertical, llegó a Alaska y empezó a bajar hacia el sur. Filmó lagos turquesas, caminos nevados, atardeceres rojizos que fueron imágenes de sus videos, en conexión con la naturaleza. Al principio solo, después de a dos, Manu pasó de tomar todas las decisiones a debatir y acordar con una viajera especial que eligió tomar las mismas rutas para seguir la relación. Durante un tiempo todo fluyó, ambos tenían proyectos artísticos, él músico, ella escritora, organizaban conciertos y lecturas: juntos se potenciaban. Un embarazo celebrado en plena pandemia, un parto mágico, la belleza de compartir las sonrisas, los primeros pasos y crecer juntos en medio de la vegetación desbordante de México o de Costa Rica. Para su hija, escribió la canción Bienvenida al viaje, cuando ella nació. “Nos vamos de viaje. Lo que nos va a importar no será el destino, sino caminar”.

—Nosotros vivíamos una vida itinerante. Entonces fue la canción para dar la bienvenida a este estilo de vida nómada. Y a nuestra vida.

Pero después de un tiempo con su pareja eligieron probar la estabilidad y para eso fue necesario soltar al compañero de aventuras.

—Queríamos empezar un proyecto cultural y estar cerca de la familia. Y cuando volvimos, necesitábamos un poco de los medios económicos para poder asentarnos y tuvimos que vender el motorhome. Eso fue algo que quisimos hacer, obviamente hubiéramos preferido no tener que hacerlo, pero necesitábamos asentarnos económicamente y lo vendimos.

Sobrevino una etapa oscura que cubrió su inspiración coincidente con el quiebre de la pareja.

—Fue un periodo en el que yo por ahí me sentí como desencontrado de mí mismo. Primero obviamente el dolor y lo difícil de cada separación y después empecé de a poco a tomarlo como una oportunidad de volver a encontrarme conmigo, con lo que yo quería hacer, empezar a sanar a través de volver a mis bases y a encontrarme con las razones por las que yo había arrancado a hacer música.

El bloqueo artístico no le permitió escribir canciones a lo largo de casi un año pero de a poco las canciones fueron apareciendo, como una catarsis. Así como hay gente que va al psicólogo o hace terapias alternativas, habla con sus amigos o con su familia para poder entender y sanar, Manu dice que a él lo salvaban las canciones.

—A mí siempre las canciones me sirvieron para expresarme y también para entenderme a medida que yo compongo una canción. Por ahí voy tirando palabras y frases que después yo leo lo que escribí o lo que canté y entiendo mucho qué es lo que me está pasando..

Los primeros meses no tenía dónde vivir, tampoco la inmovilidad era para él, así que se quedaba en casa de amigos, en hoteles, o departamentos alquilados. Le prestaron una casa de campo deshabitada y pasó un tiempo en otra casa en construcción, sin muebles ni heladera. Hasta que se reencontró con Apolo.

Una separación, el reencuentro con su motorhome y una manera diferente de pagarlo

—El día que me separo, me escriben los nuevos dueños del motorhome y me dicen que querían ponerlo en venta porque se les habían truncado un poco los planes de viajar. Yo obviamente le dije: “No, o sea, olvídate, no puedo, no tengo el dinero”.

A cambio les ofreció contactarlos con las personas que habían querido comprarlo en su momento pero a la semana lo volvieron a llamar y le dijeron que preferían que volviera a ser suyo, que se lo podían financiar porque el dinero no era un problema.

Empezó a pensar y se le ocurrió hacer conciertos en el bus para pagarlo en cuotas. Las señales le indicaron que era el camino.

—Le planteé a los chicos, a los dueños del bus si les parecía bien y me dijeron que sí. Lo más loco fue que ellos se habían asentado en Salta y cuando me dijeron de comprarlo, yo ya tenía pasajes para ir a Salta, para un proyecto que se había cancelado. Los pasajes me habían quedado. Entonces fue como todo muy loco, lo terminé usando para ir a buscar el colectivo.

—Son conciertos íntimos los que estoy haciendo ahora, para diez, doce personas, donde yo canto mis canciones, preparo una comida, una bebida y charlamos. A medida que voy cantando, cuento un poco de dónde salieron las canciones y los viajes que hago. Y de eso se tratan, un poco, los conciertos en el bus.

Una distribuidora de picadas se convirtió en el primer sponsor. “Una picada de lujo”, con salames y quesos de todo el país que le mandan en una caja para cada semana, entonces Manu la prepara y mientras la gente come, charlan y canta sus canciones.

Manu Pozzi es un hombre que tiene alineados mente y su corazón. Las sincronicidades, la gente, las cosas, los medios o para continuar su camino aparecen cuando lo precisa. También el aprendizaje. Hoy son los conciertos íntimos, la cercanía con el público. Mañana, es una incógnita que está dispuesto a develar.

—Por el momento no me planteo volver a hacer teatros o giras en lugares más tradicionales, sino que estoy queriendo hacer esto, no me veo estableciéndome pronto. Pero, siempre, incluso ahora ya no estando en pareja, pienso en las maneras de cómo poder viajar y tener una paternidad presente. Poder tener alguna manera de ir y volver todo el tiempo. Por ahí es más cansador, pero bueno, también es el esfuerzo que quiero hacer para poder estar acá.

Corría 1971. Zimbardo era profesor en la Universidad Stanford, especialista en psicología social y estaba obsesionado con probar la esencia del bien y del mal en el ser humano. Conocía a la perfección un experimento previo: el de Milgram, conocido por intentar comprender los crímenes nazis. Zimbardo tomó de este la parte más performática, e ideó uno propio que pronto se le fue de las manos.

El experimento de Milgram

“Durante siglos, se ha intentado descubrir lo que vuelve malas a las personas. Se lo han preguntado filósofos, poetas, dramaturgos… y han llegado a muchas respuestas distintas. Muchos quieren creer que las personas nacen buenas o malas. Que personas como nosotros estamos en la parte buena de la línea divisoria, mientras que ellos, los malos, están al otro lado”, detallaba en la entrevista.

Milgram buscaba entender algo parecido, influenciado por los juicios de Núremberg, en los que dirigentes, funcionarios y colaboradores del régimen nacionalsocialista de Hitler justificaban su accionar bajo la figura que hoy se conoce como obediencia debida.

Stanley Milgram, psicólogo de la Universidad de Yale, se propuso investigar hasta qué punto las personas eran capaces de lastimar a otras si una figura de autoridad se los ordenaba. Reunió a 40 voluntarios a quienes les decía que quería “ayudar a mejorar la memoria de la gente”. A todos les asignó el papel de maestros, y a sus cómplices, el de alumnos.

Los ubicaba en habitaciones separadas por una mampara de vidrio. Estaban cara a cara. Los “maestros” podían ver cómo a la persona de enfrente le colocaban electrodos en el cuerpo. Del lado de ellos había un generador —falso, solo producía sonidos— con interruptores de voltaje. La potencia máxima, 450 voltios, tenía una advertencia escrita: “Peligro: choque severo”.

La idea era, básicamente, que el “alumno” memorizara palabras de una lista. Si erraba, se lo castigaba con supuestas descargas eléctricas. Eso creían los maestros. Cada error implicaba aumentar la intensidad del voltaje. Para darle credibilidad, ponían un audio con quejas y gritos que. Si un maestro dudaba, el investigador le decía que continuara: “El experimento necesita que siga”; “No tiene otra opción, debe continuar”. Más de la mitad de los participantes obedecieron hasta llegar a los 450 voltios.

Zimbardo explicó: “¡Dos de cada tres personas llegaron hasta el final! Incluso si el otro gritaba, si decía: ‘¡Me quiero ir, tengo problemas de corazón!’. Esto se llama obediencia ciega a la autoridad. El experimento demostró que, desde pequeños, se nos enseña a obedecer a la autoridad. Y normalmente la autoridad es buena: los padres, el cura, el rabino… pero no sabemos qué hacer cuando alguien bueno se vuelve malo: cuando un profesor es cruel con los estudiantes, o un padre abusa de sus hijos… Y Milgram demostró que la mayoría de las personas podía cruzar fácilmente la línea que separa el bien del mal, con buenas intenciones, y decir: ‘Estoy ayudando a esta persona’, pero le ayudaban matándolo”.

“Era 1971, ¡eran hippies!"

El profesor de Stanford pensó entonces que no era habitual que alguien le pidiera directamente a otra persona que hiciera algo malo. Por el contrario, en la convivencia cotidiana con distintas instituciones —la familia, la escuela, los hospitales— lo que existen son reglas. La gente se acomoda a un rol social y, a veces, para encajar o agradar, hace cosas que contradicen su propia moral.

Buscó estudiantes cerca de Stanford mediante un anuncio en el diario. Ofrecían 15 dólares por día para “participar en un estudio sobre la vida en la cárcel”. Se presentaron varios jóvenes, los profesionales realizaron exámenes de personalidad y eligieron a los “más normales”. Después determinaron al azar quiénes iban a ser policías y quiénes, reclusos.

Contaron con el apoyo de la policía de Palo Alto. Buscaban que toda la experiencia se pareciera lo más posible a la realidad, así que organizaron falsas detenciones con esposas, patrulleros, sirenas, huellas dactilares y fotografías policiales. Primero los llevaron a prisión, y de ahí, a la universidad en donde habían armado, en un subsuelo, celdas.

Zimbardo contó en El efecto Lucifer. El porqué de la maldad, publicado en 2007: “Para el éxito de la investigación sería muy importante que los reclusos se vieran privados bruscamente de su libertad, como ocurriría en una verdadera detención, en lugar de venir a Stanford por su propio pie y renunciar a su libertad como sujetos de un estudio”.

Los trasladaron con los ojos vendados a la universidad. Según reconstruyó BBC, ahí fueron desnudados, inspeccionados, despiojados y desinfectados. Les dieron un uniforme con un número, sandalias de goma y una gorra de nylon hecha con medias de mujer. Los “guardias” los encadenaron los tobillos.

“El primer día creíamos que no pasaba nada, porque los guardias eran buenas personas. Era 1971, ¡eran hippies! ¡Activistas de los derechos civiles! [...] Algunos incluso dijeron que los policías y guardias eran todos unos cerdos”, recordó Zimbardo.

Pero enseguida empezaron a mostrar otra tendencia: “Los carceleros le ordenan [a los prisioneros] que se quiten la ropa y que se queden de pie, desnudos, con las piernas abiertas y los brazos extendidos contra la pared. Los dejan en esa postura mucho tiempo [...]. Por iniciativa propia, algunos carceleros empiezan a burlarse de los genitales de los reclusos diciendo que tienen el pene pequeño o que un testículo les cuelga más que el otro”.

“Al segundo día era una verdadera prisión”

“Al cabo de dos días, los guardias empezaron a decir que los reclusos eran peligrosos y que había que aplacarlos. Y es que, durante el segundo día, los presos se rebelaron y dijeron que no querían llevar números ni gorros ridículos en la cabeza… y empezaron a insultar a los guardias, que me preguntaron: ‘¿Y ahora qué vamos a hacer?’. Yo les dije: ‘¡Es su cárcel! ¿Qué van a hacer?’”, contó en la entrevista.

Los guardias comenzaron a ejercer violencia física y psicológica contra los reclusos. Era como si todos hubieran olvidado que estaban en medio de un experimento, que interpretaban un papel, como en una obra de teatro. Como dijo su creador, pronto se convirtió en una cárcel real. El propio Zimbardo se involucró tanto que terminó asignándose un rol: el de superintendente de la prisión. También convocó a dos estudiantes como lugartenientes y a otro como alcalde.

Un día, ese “alcalde” le dijo a uno de los guardias, que estaba sentado fumando un cigarrillo: “Dale, estás ganando 15 dólares al día, tenés que hacer algo. ¿Por qué no querés actuar como si fueras un guardia duro?”. Se lo dijo a uno, pero todos fueron cada vez más lejos. Más abusivos. Más sádicos.

Llamaban a los “prisioneros” por el número que les habían asignado al ingresar. Los enviaban a confinamiento solitario, los desnudaban, los obligaban a hacer flexiones, a dormir en el suelo, les colocaban bolsas de papel en la cabeza y los forzaban a hacer sus necesidades en baldes. En ocasiones, los obligaban a simular actos sexuales.

“El primer día que llegaron, era una pequeña prisión instalada en un sótano con celdas falsas. El segundo día ya era una verdadera prisión creada en la mente de cada prisionero, cada guardia y también del personal”, contó Zimbardo a la BBC.

Los participantes habían firmado un contrato que decía que podían irse cuando quisieran, pero pareció habérseles olvidado: “Podían haber amenazado con abandonar para mejorar sus condiciones o para acabar con los maltratos y las humillaciones que llegaron a soportar, pero no lo hicieron porque poco a poco, y sin darse cuenta, se fueron metiendo más y más en su papel”.

En los momentos más críticos, los abusos escalaron hacia la degradación sexual. Los carceleros obligaban a los prisioneros a participar en juegos humillantes en los que debían actuar como “yeguas” y “sementales”: algunos tenían que ponerse de rodillas mientras otros simulaban movimientos sexuales, aprovechando que los reclusos no podían usar ropa interior debajo de las batas.

Los guardias quisieron quebrar a los prisioneros que se rebelaban. Tuvieron otra idea: arrastraron las mantas por la maleza para llenarlas de abrojos y después los obligaron a desprenderlos uno por uno. De lo contrario, tendrían que dormir sobre ellas.

“Lo que les hacés es horroroso”

Varios prisioneros abandonaron el experimento antes de su fin: la mitad de los reclusos tuvo que ser liberada por haber sufrido crisis emocionales o problemas de salud provocados por el entorno carcelario. El experimento, que originalmente debía durar dos semanas, terminó abruptamente tras apenas seis días. El cierre se produjo por la intervención de Christina Maslach, una joven psicóloga (y entonces pareja de Zimbardo) que visitó la “prisión” para entrevistar a algunos participantes.

Pero al ver cómo los carceleros trasladaban a los prisioneros al baño con bolsas en la cabeza, encadenados y sometidos a gritos humillantes, Maslach se horrorizó y confrontó a Zimbardo. Le gritó: “¡Lo que les hacés a esos chicos es horroroso!”.

Ese fue un “despertar”. Zimbardo entendió que también él había sufrido un cambio: había dejado de actuar como investigador objetivo para asumir con demasiada intensidad el papel de director de prisión. En su libro recordó: “Ese Sistema de dominación me transformó aún más a mí. Ellos eran unos chicos, unos jóvenes sin mucha experiencia. Pero yo era un investigador veterano [...]. No obstante, en esa primera semana me fui transformando poco a poco en la Autoridad de la Prisión. Andaba y hablaba como si lo fuera”.

Decidió poner el punto final. El viernes por la mañana, reunió a los prisioneros que quedaban y les anunció: “El experimento terminó, se pueden ir hoy mismo”. Los jóvenes reaccionaron con abrazos y estallidos de júbilo, como si realmente hubieran estado encarcelados y acabaran de recuperar la libertad.

El especialista concluyó en la entrevista con Punset Casals: “Creo que las personas nacen con la capacidad de ser buenas o malas, afectuosas o indiferentes, creativas o destructivas… que la misma mente empuja a unos a convertirse en villanos y a otros en héroes. ¡Pero es la misma mente! Porque, por lo general, para ser un héroe hay que tener un mal contra el que luchar; debe haber destrucción. De modo que la misma situación que hace que alguien cometa actos terribles hace que otra persona sea un héroe. No sabemos por qué exactamente. Hay muchos estudios sobre el mal, pero pocos sobre el heroísmo…”.

Basta escribir dos líneas de esa pegadiza canción de cumbia para que cualquiera que haya vivido la década del ‘90 en la Argentina la recuerde, para bien o para mal y hasta empiece a entonarla. Ahí va: “Marta, soy el número uno / Marta, cuando pueda te vacuno”.

El tema, en efecto, se llamaba “Marta” y lo cantaba un tal Sergio, “el Lobizón del Oeste”. Lo curioso fue que, contrariamente con lo que pasa con otros hitazos, esta canción pícara y llena de guiños procaces nació para poner música en un sketch televisivo.

Detrás de “El Lobizón del Oeste” estaba Sergio Gonal. El humorista marplatense hoy famoso, en aquel entonces estaba haciendo sus primeras armas en la televisión nacional. Lo hacía nada menos que en el programa éxito del momento, VideoMatch, conducido por Marcelo Tinelli en Telefe.

Entre la catarata de parodias y cámaras ocultas que tenía la clásica emisión del canal de las pelotas, al conductor se le ocurrió hacer un programa trucho. Allí un cantante popular, el mentado Lobizón, contrastaba con la invitada a ese ciclo, la glamorosa Nicole Neumann.

Esa emisión apócrifa no salió al aire pero al parecer Tinelli vio potencial en el personaje que había encarnado Gonal. Entonces surgió Tropimatch, la réplica de un programa de bailanta, como se decía entonces, donde el Lobizón del Oeste era uno de los artistas. Y cuando cantó “Marta” todo estalló.

Cuatro discos de platino

En un año en que Luis Miguel la rompía con “Sueña”, la canción de El jorobado de Notre Dame, donde Shakira conmovía las FM con “Estoy aquí” o Fey llenaba los oídos argentinos de “Azúcar amargo”, El Lobizón del Oeste no se quedaba atrás. Ni mucho menos.

“Marta”, que debutó en televisión el 23 de abril, llegó a liderar los rankings de las FM más importantes. También salió a la venta el disco Tropimatch que incluía el tema y que revolucionó las bateas. En tres meses, se vendieron 300 mil álbumes, es decir, se alcanzó la cifra necesaria para obtener cuatro discos de platino.

De esta manera, Gonal, que había llegado poco antes de Mar del Plata, según él mismo contó, “con una mano atrás y otra adelante”, alcanzaba el éxito y la fama gracias al boom de “Marta”. Además, la canción lo llevó a dar recitales en escenarios de Perú, Colombia, Paraguay y Uruguay.

“Me hizo recorrer el camino del músico, que para mí era impensado. Tuve la suerte de encontrar un personaje que a la gente le hacía falta, con picardía y doble sentido”, dijo el actor y humorista en un reciente reportaje en el medio uruguayo El País.

El dueño del hit más inesperado también contó en esa entrevista que el dinero de las ganancias por “Marta” se dividió “entre los que trabajábamos en producción”. Explicó que eso había sido así porque tanto el personaje como el disco habían nacido de un sketch de Videomath. De todas formas, el marplatense aseveró que, económicamente, el tema “me ayudó mucho”.

Una banda de primer nivel

En cuanto a la realización de la canción, resta decir que la letra, donde la sutileza brilla por su ausencia, pertenece al mismo Gonal.

Mientras que la música, contagiosa como pocas, fue realizada por Diego Chicou, que era entonces el productor musical de VideoMatch. Este compositor le ponía melodías a los sketchs del programa que tenían canciones, algunos muy recordados como “Los Raporteros”, “Los Jaimitos” o “Los Taxi Boys”.

“¡Quien no tuvo ese disco!“, rememoraba el autor de la música en la revista Caras, donde añadía un dato: ”El Potro Rodrigo hizo una versión de ‘Marta’ después que nosotros y vendió un disco de Oro. Eso fue una sorpresa para todos".

Otro dato que es poco conocido acerca de la recordada canción es que, para la grabación en estudio del disco, Tinelli llamó a músicos de primera. “Coti Sorokin era el bajista. En los vientos estaba Miguel Ángel Tallarita, de Los Pericos, y Huber Reyes, en la Percusión, que tocaba con Patricia Sosa”, describió Gonal en el mencionado medio uruguayo.

Allí también el actor recordó que el empresario Eduardo Costantini llevó al mismísimo Lobizón del Oeste y su banda a tocar en una mansión en San Isidro para gente “muy paqueta”.

Además, Gonal contó que Tinelli le pidió que cantara de verdad para el programa, sin pista ni playback, algo que al actor le costó una disfonía. Pero ese inconveniente lo obligó a acudir a un fonoaudiólogo para que le enseñara a respirar y a trabajar la voz como un profesional.

De aquel tiempo lejano de hace tres décadas todavía queda el recuerdo y el video oficial de la canción, en el que Gonal, con una melena negra, barba candado y una ropa que recrea lo mejor de la bailanta noventosa, canta su hit.

Allí, el intérprete viaja en lumusina con bellas muchachas, comparte escenas con una supuesta “Marta” de minifalda verde, baila con una multitud en un parque y no deja de hacer un inequívoco gesto con el brazo durante el estribillo del tema.

Un detalle curioso es que entre los “músicos” que lo acompañan en el clip se encuentra, en el teclado, Marcelo De Bellis, el actor que, años más tarde, alcanzaría una masiva popularidad en su papel de Dardo Fuseneco en Casados con hijos.

Las que definitivamente no la pasaron bien con este inmenso hit fueron las muchachas de nombre Marta. En los boliches, en la calle y en otros lugares públicos estas mujeres debieron soportar, ni bien mencionaban su nombre, la respuesta automática: “Soy el número uno” o, peor, la segunda parte del verso.

IEVSA es una empresa argentina especializada en planificación, diseño y ejecución de proyectos de paisajismo. Su nombre responde a Ingeniería en Espacios Verdes S.A., una definición que refleja con precisión su enfoque interdisciplinario, donde el paisaje se aborda desde una perspectiva técnica, estética y ecológica.

El estudio está liderado por el ingeniero agrónomo Iván Palacios Paz, responsable de la gestión comercial y la dirección de obra, y por la licenciada Iara Parisi, a cargo del diseño, la planificación y el seguimiento de los proyectos. Juntos conforman un equipo que trabaja con la premisa de que el paisaje debe entenderse como un vínculo entre la arquitectura y el territorio.

En una vivienda ubicada en Pilar, el paisaje fue concebido desde el inicio como una pieza estructural del proyecto. El encargo de los propietarios planteaba un desafío tan ambicioso como estimulante: crear una casa capaz de perdurar en el tiempo, con un fuerte compromiso con la sustentabilidad y la eficiencia energética.

Terrazas verdes, paneles solares y un sistema de climatización por geotermia fueron algunos de los recursos incorporados a la arquitectura. En ese contexto, el paisajismo se integró desde las primeras etapas de obra, trabajando en simultáneo con el diseño arquitectónico para definir circulaciones, áreas de estar, accesos, pérgolas y espejos de agua.

“Buscamos que la casa se perciba como si el jardín hubiera estado allí antes que la arquitectura”, explican desde el estudio. Esa premisa guía cada decisión proyectual y permite que el paisaje se funda de manera natural con la construcción.

La elección de materiales ocupa un rol central en este proceso. Senderos peatonales, accesos vehiculares, pérgolas y piscinas se diseñan de manera integral, considerando tanto su funcionalidad como su relación estética con el entorno.

Esta metodología responde a una convicción del estudio: el paisajismo debe acompañar la obra desde el comienzo y no limitarse a una intervención final. Por eso, IEVSA propone un servicio integral que participa desde la etapa de planos, cuando el arquitecto define la implantación de la casa. De este modo, el jardín no se añade al proyecto, sino que crece con él.

En el frente, se creó un paisaje de sombra inspirado en el sotobosque, con una paleta de especies que incluyó helechos nativos, lapachos y especies de distintas texturas de hojas.

En la zona trasera el césped es acompañado por lomadas suaves al pie de un fumo bravo que aporta un carácter más espontáneo y naturalista al jardín.

Se hizo el mismo trabajo en la parte de terrazas, donde trabajaron con todas las cubiertas verdes imitando las estepas pampeanas con los paneles solares de por medio.

Hacia la zona del fogonero, el lenguaje del jardín cambia y adopta una estética más abierta y árida, evocando los paisajes de la pampa. Esta transición entre distintos ambientes permitió incorporar referencias a diversas ecorregiones argentinas dentro del mismo proyecto, logrando un jardín diverso, coherente y alineado con los objetivos de sustentabilidad planteados desde el inicio.

Lejos de asociarse únicamente con lo rústico, la madera aparece en cocinas contemporáneas con un enfoque renovado: líneas puras, terminaciones cuidadas y combinaciones que equilibran lo orgánico con lo tecnológico. Su versatilidad permite integrarla tanto en propuestas minimalistas como en interiores más expresivos, en los que aportan textura, profundidad y un vínculo inmediato con lo natural.

Material noble, duradero y vivo, capaz de envejecer con carácter, la clave está en elegir bien dónde usarla, cómo protegerla y con qué materiales combinarla.

Calidez nórdica con acento local

En esta cocina, diseñada por el Estudio MichatekSkarstad, la madera de guatambú se convierte en el hilo conductor. Presente en los módulos inferiores, alacena flotante y en mesa y sillas, aporta una textura suave y continua que envuelve el espacio sin recargarlo.

El contraste con los planos blancos —mesada, pisos de Travertino de San Juan y paredes- refuerza la luminosidad y ordena. El resultado es una estética serena, donde la madera estructura el espacio con discreción.

Pocos materiales y una paleta de colores sintética y natural nos parecen ideales en cualquier caso, y particularmente en un espacio tan chico, porque mantienen un look simple y limpio.

Arq. Torunn Vaksvik Skarstad y su esposo Matías Michatek, a cargo de la reforma

Materiales que cuentan historia

En este PH reciclado, la madera se expresa en una versión más intensa. Los muebles en petiribí, con su tono oscuro y vetas marcadas, dialogan con otro materiales de mucha presencia como son los techos de bovedilla y la alzada de mármol.

En módulos

Más que un acabado, en la cocina de este dúplex diseñada por la arquitecta Rocío Araujo, de Paraná Muebles, la madera funciona como sistema. Distribuida en módulos abiertos y cerrados, organiza funciones, integra guardado y delimita áreas dentro de una planta compacta.

Los tableros de álamo refuerzan una estética honesta donde la estructura queda a la vista. Estantes, barrales y nichos reemplazan al equipamiento tradicional y aportan flexibilidad en un espacio práctico, contemporáneo y cercano, en el que todo está visible y al alcance.

Los muebles son de álamo macizo y conservan su aspecto y su color original; están hidrolaqueados, y son muy fáciles de limpiar.

Estantes abiertos: madera que respira

En esta cocina, la madera se llevó a los muebles de bajomesada y un conjunto de estantes que alivianan un ambiente compacto. Buscando una estética fresca y ordenada que compense la falta de metros, los arquitectos Virginia Badino y Gustavo Losa, propusieron esta combinación de estantes y muebles de MDF enchapados en guatambú con mesadas y alzadas en Silestone blanco. Lejos de molestar, las plantas, vajilla y objetos cotidianos que exhiben aportan calidez y vida.

“La distribución de la cocina se conservó tal cual; estaba muy bien aprovechada. Hicimos a nuevo los muebles, pero mantuvimos las dimensiones y ubicamos cada artefacto en el mismo lugar que antes”

Arqs. Virginia Badino y Gustavo Losa

Continuidad material y luz

“Actualmente, las casas japonesas son más pequeñitas, entonces hay mucha verticalidad y también mucha transparencia para evitar el agobio de sentirte en un espacio acotado. La estrategia de no bloquear las vistas viene de ahí”, explican los arquitectos Mitsue Kido y Manuel Shibuya, de estudio Shido. En su propuesta, la madera trasciende el mobiliario y se extiende a la arquitectura: piso, cielorraso, isla y aberturas son del mismo material.

La elección por un tono claro ayuda a lograr una atmosfera envolvente sin ser pesada, mientras la luz natural —potenciada por grandes paños vidriados— realza la textura y genera una sensación de amplitud.

Compacta y resuelta en madera

En este monoambiente convertido en un dos ambientes, la cocina logra una resolución precisa y ordenada. Los muebles -en un mismo tono y con modulación cuidada- conforman un bloque que integra funciones.

Nuestros proyectos siempre mezclan madera, por su calidez; metal, para el toque sofisticado; telas sobrias, pero de textura interesante, y azulejos atractivos, pero no ostentosos. Nuestro estilo parece simple, pero está cargado de detalles.

Simon Mimoun y Meryl Motyka, de estudio Mersi

La ausencia de tiradores y la integración de electrodomésticos refuerzan la limpieza visual, mientras que el revestimiento cerámico introduce un contrapunto sutil. La decisión de reemplazar el parquet por un entablonado de madera le da un clima más moderno y sereno.

¿Cómo aplico la madera en mi cocina?

• En frentes de muebles y paneles es donde mejor funcionan por su baja exposición, que garantiza una mayor durabilidad
• En islas o barras para darle más presencia
• En mesadas, aunque requieren mayor mantenimiento

Cómo cuidarla:

• Limpieza con paño húmedo y jabón neutro
• Secado inmediato
• Aplicación de aceites o protectores

Con qué combinarla:

• Blanco: para potenciar luz y liviandad
• Negro: para sumar contraste
• Piedra: para equilibrar lo orgánico con lo mineral
• Acero: para un guiño contemporáneo

Qué tipo de madera elegir:

No todas las maderas funcionan igual en la cocina. Algunas opciones recomendadas son:

• Roble: resistente, duradero y con una veta elegante
• Guatambú: claro y uniforme, muy usado en diseños contemporáneos
• Paraíso: opción accesible, de tono cálido
• Petiribí: muy valorado en Argentina por su estabilidad y textura

Para mayor durabilidad, lo mejor son las maderas macizas bien estacionadas o enchapados de calidad sobre estructuras estables.

Sin embargo, en las últimas horas, una publicación realizada en su cuenta de X se volvió tendencia por el fuerte impacto humano y ambiental. La imagen mostraba un cuerpo sin vida que fue localizado por su expedición y del que comenzaría a llevarse a cabo una investigación para conocer su identidad. El mismo salió a la luz debido a los continuos descongelamientos que tiene el Monte Everest producto del calentamiento global.

Al pie de la impactante foto, Purnima escribió: “Tomé esta foto mientras caminaba bajo la Cascada de Hielo del Khumbu durante la temporada del Everest de 2026. En ese momento, no sentí que solo estaba mirando una montaña. Sentí que estaba mirando una advertencia de la propia naturaleza”.

“El glaciar Khumbu está devolviendo lentamente las almas perdidas. Esta temporada, un cuerpo emergió del hielo derretido, alguien que desapareció en la montaña hace años y permaneció congelado bajo su silencio hasta ahora. Lo que una vez estuvo permanentemente enterrado en el frío ahora está siendo expuesto a medida que las temperaturas continúan aumentando en el Himalaya. El Everest ya no es solo la montaña más alta del mundo, se está convirtiendo en uno de los testigos más desgarradores del cambio climático, donde el hielo se derrite, la montaña cambia y hasta el pasado ya no puede permanecer oculto”, continuó para intentar llevar conciencia a la población.

Este descongelamiento también pone en peligro el camino de exploradores como ella, quienes deben tener cada vez más cuidado en un terreno que parece derrumbarse a su paso. “Esta temporada, el peligro no solo ha venido del pasado que resurge desde abajo, sino también desde arriba. Enormes bloques de serac [pináculo de hielo] inestables colgando sobre la Cascada de Hielo del Khumbu retrasaron la apertura de rutas durante días, poniendo a los sherpas y escaladores bajo riesgo constante. La montaña se siente más frágil, más impredecible y más herida que nunca antes”, advirtió.

“Como montañista y una de las primeras influencers del Clima de @UNDPNepal, momentos como este me afectan profundamente. Venimos a estas montañas persiguiendo sueños y cumbres, pero las montañas ahora nos están mostrando su dolor. El Everest le habla a la humanidad a través del hielo derretido, el silencio y la pérdida, y solo espero que el mundo escuche antes de que estas advertencias se vuelvan irreversibles”, concluyó su texto.

Rápidamente, su mensaje se volvió viral en la red social de Elon Musk. Mientras algunos usuarios se mostraron sensibilizados por su mirada sobre el cambio climático, muchos otros también recordaron que muchas de las expediciones realizadas a esta montaña son las que también dejan contaminación diaria en la naturaleza.

“La parte sobre el cuerpo emergiendo del hielo derretido realmente lo hace impactante. Eso no es algo de lo que puedas apartar la mirada”; “Quizás sea hora de poner fin a escalar el Everest durante algunos años” y “Para ser justos, las montañas han estado mostrando su dolor durante mucho tiempo ya. Cada vez va a empeorar”, fueron algunos de los comentarios que se multiplicaron al respecto.

“Si vos perdés algo y no te duele nada, te voy a decir: ‘¿qué estuviste haciendo todo este tiempo?’”, interpeló Rolón, con lo que subrayó que la ausencia de dolor tras una ruptura o pérdida suele ser un indicador de una desconexión emocional previa. Esta concepción sobre el peso de los vínculos se entrelaza con su visión existencialista, donde el analista propone que la vida funciona como una compleja partida de truco.

Anteriormente, el autor de La felicidad explicó que, si bien el sujeto no es responsable de las “cartas” que recibe al nacer, con lo que hizo alusión a su entorno socioeconómico, su herencia genética y los mandatos culturales, sí posee la responsabilidad de gestionar ese juego. A diferencia de las reglas rígidas de un mazo, la realidad social impone desigualdades estructurales que condicionan la capacidad de maniobra de cada persona. Según Rolón, el psicoanálisis busca dotar al individuo de la capacidad para no quedar preso de un destino fatalista, permitiéndole transformar sus carencias en una estructura de acción ética.

Rolón analizó el dolor y las pérdidas en el pasado

El abordaje del especialista sobre el dolor también integra su visión sobre la memoria, ya que durante una entrevista con LN+, enfatizó que las ausencias siempre dejan una huella que se manifiesta en el presente. “Siempre habrá una herida, una ausencia que se siente a tu lado y que desde algún lugar te emociona con un recuerdo, pero como el dolor es más fuerte que la felicidad, el recuerdo de un momento feliz es un poco doloroso”, analizó. Para el autor, el recuerdo funciona como un refugio enigmático, un espacio donde el sujeto atesora aquello que perdió para evitar que la muerte lo despoje definitivamente de su historia.

Para transitar este camino de pérdidas, Rolón propone el concepto de “faltacidad”, un término que define un estado de bienestar que no busca la perfección, sino que se construye a partir de la integración de las carencias, las heridas y los dolores. “No existe la felicidad. Existe la faltacidad, que es una felicidad que es capaz de abrazar todas mis faltas”, sostuvo. Bajo esta perspectiva, la madurez emocional requiere de la valentía necesaria para habitar un presente finito, con lo que se reconoce la mortalidad como un elemento constitutivo de la identidad.

Finalmente, el analista vinculó el dolor ante la pérdida con la propia esencia del amor, al que definió como un “invento maravilloso” de la humanidad para mitigar la angustia existencial y el miedo a la muerte. No obstante, advirtió que amar implica ceder una porción de poder sobre uno mismo. En este sentido, Rolón concluyó que un vínculo saludable se mide por la capacidad de las partes de renunciar a utilizar ese poder para dañar al otro, incluso en situaciones de conflicto, lo que transforma la vulnerabilidad en un acto de responsabilidad consciente frente al otro.

En medio de la conversación, el histórico conductor le realizó una pregunta íntima relacionada con su vida sentimental y sus conocimientos profesionales. “¿Y con todo lo que aprendiste en psicología no pudiste mantener tu matrimonio?”, le consultó. Lejos de esquivar el tema, la reconocida escritora respondió con honestidad diciendo: “No. Uno también depende de la otra persona y porque yo creo que hay etapas y fases en el amor también”.

Acto seguido, haciendo referencia a su primer esposo, con quien estuvo durante 11 años casada y tuvo dos hijos, reconoció: “Yo creo que esa relación fue muy bonita, me casé con un hombre muy noble pero que de alguna manera fue muy inmadura en la forma en que se trabajó esa relación”.

Esto le dio el pie para reflexionar sobre lo que, según su mirada, muchas veces falta en las relaciones modernas. “Y hoy día es súper importante entender que el amor no es un sentimiento solamente, sino que es una decisión y que hay que estar disponible para tener situaciones incómodas. Y esto es justamente lo que hoy en día las parejas no quieren vivir y es lo que hay que hacer para que duren en el tiempo”, reflexionó.

La psicóloga también hizo referencia al compromiso y la permanencia dentro de los vínculos, tomando como ejemplo las relaciones de larga duración de generaciones anteriores. “Mi papá con mi mamá tienen 62 años de casados y esto es porque se comprometieron con una decisión que los ha hecho llevar cada conflicto, no a abandonar, sino a quedarse en el vínculo. Y eso hoy día es súper escaso de encontrar”, continuó.

Rápidamente, su reflexión se volvió viral en redes sociales con cientos de mensajes al respecto, algunos a favor y otros en contra de su teoría. “Creo que los matrimonios antiguos duraban porque la mujer estaba acostumbrada a soportar lo insoportable”, “Súper de acuerdo... termina siendo una decisión” y “Imaginate estudiar psicología para tener una vida perfecta, la cosa no funciona así”, fueron algunos de los comentarios que se multiplicaron.

La eficacia de este método reside en la estructura porosa de los posos de café, una característica natural que permite que actúen como agentes absorbentes al capturar los gases que suelen ascender desde las tuberías hacia el baño. Además, su textura levemente granulada puede colaborar en la eliminación de residuos leves adheridos a las paredes internas de la taza, por lo que funciona como un complemento de mantenimiento ligero.

Para maximizar su impacto, el método suele combinarse con bicarbonato de sodio, el cual es considerado un aliado frecuente en el hogar para neutralizar olores y absorber humedad. Al mezclar ambos componentes, se potencia una desodorización superficial. La aplicación recomendada consiste en colocar una o dos cucharadas de la mezcla, dejarla actuar durante varias horas o incluso toda la noche, y luego accionar la descarga. No obstante, especialistas advierten que este procedimiento no sustituye las limpiezas profundas ni actúa como un desinfectante químico de grado profesional.

Existe consenso técnico sobre las precauciones necesarias al implementar estos trucos. Si bien el café es natural, se debe moderar su uso para evitar acumulaciones innecesarias en sistemas de cañerías antiguas o delicadas. Expertos remarcan que los resultados son, por definición, limitados y temporales. El objetivo central es generar una sensación de frescura, no reemplazar productos de higiene específicos para sanitarios. Más allá de sus usos en el baño, el café molido ya utilizado también es valorado para absorber olores en heladeras, zapateros o como fertilizante orgánico para plantas que requieren suelos ácidos.

Los estudios sobre vínculos familiares por parte de centros especializados en psicología hallaron que este acto fraternal tiene una incidencia directa en hábitos a futuro y desarrolla la paciencia, la empatía, el afecto, la capacidad de resolver conflictos y la observación emocional. Esto funciona como un “entrenamiento” que se da en la infancia.

El profesor de la Universidad del País Vasco, Enrique Arranz Freijo, realizó una investigación acerca de los vínculos en el seno familiar y cómo estos pueden construir un individuo con valores a medida que crece. El estudio, titulado La interacción entre hermanos y el desarrollo psicológico: una propuesta educativa, hace hincapié en que el hogar funciona como una “escuela” única para el desarrollo tanto cognitivo como socioemocional.

En el artículo se menciona que el experto no sugiere una sobrecarga en el cuidado del hermano mayor hacia el menor. No se aboga por una “parentalización” del mayor (convertirlo en un cuidador sustituto de los padres), sino por una participación regulada y guiada. Así es donde se permite una adaptación y apropiación de habilidades más justas.

¿Cómo incide este cuidado en el desarrollo social?

El artículo menciona que situaciones como los celos o el propio cuidado del menor “facilitan la toma de conciencia por parte del niño/a de los estados emocionales, deseos y necesidades de otras personas”. Al verse obligado a interpretar lo que el hermano más chico necesita o siente, el hermano mayor acelera su capacidad de descentración cognitiva (comprender el punto de vista del otro), lo cual es la base de la empatía.

Así, el hermano mayor es visto como “base de seguridad”. Este rol protector y de guía refuerza sus habilidades de liderazgo, asertividad, responsabilidad y autoconfianza social. El experto también resalta la importancia de “facilitar el intercambio de afecto y de apoyo mutuo”. Cuando al hermano mayor se le permite cuidar de forma equilibrada, aprende conductas prosociales (ayudar, compartir, consolar) que luego traslada a sus relaciones con sus pares (compañeros de escuela, amigos).

Por último, Arranz Freijo señala que, al compartir espacios y responsabilidades de cuidado, surgen fricciones de manera natural. Estas relaciones son una “excelente escuela para aprender a resolver conflictos de manera positiva”. Si los padres guían en lugar de reprimir, los niños desarrollan estrategias de negociación social avanzadas.

El caso tomó notoriedad porque el búfalo había sido vendido para el Eid al-Adha, una de las celebraciones más importantes del calendario musulmán, donde tradicionalmente se realiza el sacrificio de animales como parte de los rituales religiosos.

Sin embargo, tras la viralización de las imágenes y el enorme interés público que despertó el animal, las autoridades decidieron intervenir. Según confirmaron funcionarios del Ministerio del Interior de Bangladesh, el sacrificio fue cancelado y el comprador recibirá la devolución del dinero.

Además, informaron que el búfalo será trasladado al zoológico nacional de Daca para preservar su vida y convertirlo en una de las principales atracciones del lugar.

El origen del “búfalo Donald Trump”

El animal vivía hasta hace algunos días en una granja ubicada en las afueras de Daca, la capital de Bangladesh. Su fama comenzó gracias a su particular apariencia física: una abundante melena clara y rubia que muchos compararon con el característico peinado de Donald Trump. Fue justamente esa similitud la que inspiró el curioso apodo.

Según contó a la agencia AFP su dueño, Zia Uddin Mridha, el nombre fue idea de su hermano menor. “Mi hermano eligió ese nombre por el extraordinario pelaje del búfalo”, explicó, entre risas. Las fotos y videos del animal rápidamente comenzaron a circular en redes sociales y plataformas como TikTok, donde miles de usuarios quedaron sorprendidos por el parecido. Desde entonces, la granja se transformó en una verdadera atracción turística.

Durante mayo, cientos de personas llegaron desde distintos puntos del país para conocer al famoso animal, sacarse fotos y grabar contenido para redes sociales. Influencers, familias completas y hasta empresarios viajaron especialmente para verlo en persona.

Entre ellos estuvo Faisal Ahmed, un hombre de negocios de 30 años que visitó la granja junto a familiares y amigos. “La verdad es que hay similitudes entre el búfalo y el presidente Donald Trump”, comentó, entre risas, luego de fotografiarse con el búfalo. Incluso relató que uno de sus sobrinos realizó un viaje en barco de más de una hora solamente para conocer al ya famoso “búfalo Donald Trump”.

¿Por qué los búfalos albinos son tan raros?

Más allá del parecido con el mandatario estadounidense, uno de los aspectos que más llamó la atención es la rareza del animal. Especialistas del Departamento de Ganadería de Bangladesh explicaron que el búfalo presenta albinismo, una condición genética poco frecuente causada por la ausencia de melanina.

La melanina es el pigmento encargado de aportar color a la piel, el pelo y los ojos. Debido a esta condición, el búfalo tiene un pelaje blanco o rosado, algo extremadamente inusual en la región. Precisamente esa rareza genética fue otro de los factores que impulsaron su popularidad y lo transformaron en un fenómeno viral.

Este contenido fue producido por un equipo de LA NACION con la asistencia de la IA

Esta discrepancia no suele ser malintencionada, sino que responde a criterios técnicos de habitabilidad que no todos conocen. Con un mercado inmobiliario dinámico, entender qué es técnicamente un “ambiente” es vital para comparar precios de forma justa y no llevarse sorpresas al visitar un inmueble.

¿A qué se denomina ambiente?

El término ambiente se refiere a los espacios destinados a la permanencia prolongada, que cuentan con ventilación y luz natural. Pero, como en toda regla, hay excepciones y matices que dependen de la distribución y los metros cuadrados de la unidad.

A continuación, los criterios clave para contar los ambientes de una casa: el living-comedor y los dormitorios.

En la Argentina, el conteo básico comienza con los espacios de descanso y el área social principal.

• Un ambiente (monoambiente): es una unidad donde el living, el comedor y el dormitorio conviven en un mismo espacio integrado.
• Dos ambientes: generalmente se compone de un dormitorio independiente y un living-comedor.
• Tres ambientes o más: se suma un ambiente por cada dormitorio adicional que tenga la propiedad. Es decir, un “tres ambientes” tiene dos dormitorios y un living-comedor.

Aquí es donde surge la mayor confusión. Por norma general, el baño y la cocina no se cuentan como ambientes, independientemente de su tamaño.

• Cocina integrada (kitchinette): si la cocina es parte del living, no suma ambientes.
• Cocina comedor: si la cocina es lo suficientemente amplia como para tener una mesa de uso diario pero no está separada del área de cocción por una pared y puerta, sigue sin contarse como un ambiente extra, aunque se promocione como “cocina comedor diario” para destacar su valor.
• Dependencia de servicio: si la propiedad tiene una habitación de servicio pequeña con su propio baño, suele mencionarse aparte (ej: “tres ambientes con dependencia”).

Los espacios abiertos nunca cuentan como ambientes.

Un balcón aterrazado o un patio son valores agregados muy buscados, pero no modifican la categoría de la unidad.

• Entrepisos: en departamentos de techos altos (estilo PH o loft), se suele construir un entrepiso para el dormitorio. Si este espacio no tiene una altura mínima legal o ventilación propia, técnicamente no debería contarse como un ambiente separado, aunque en la práctica comercial se lo presente como tal.
• Escritorios o “plus”: actualmente, muchas constructoras diseñan espacios pequeños denominados “escritorio” o “vestidor”. Si no tienen las medidas mínimas para ser un dormitorio (generalmente menos de 7 u 8 metros cuadrados), no califican como un ambiente independiente.

La claridad en el conteo de ambientes protege tanto al comprador como al vendedor. Conocer estas definiciones técnicas permite filtrar búsquedas de manera más eficiente y entender por qué una propiedad puede tener el mismo precio que otra con “menos ambientes” pero mejores metros cuadrados reales.

Más allá del número, lo que define la calidad de vida es cómo esos ambientes se adaptan a las necesidades diarias.

Una de las versiones más citadas sobre el origen de la hamburguesa moderna ubica su nacimiento en 1900, en Louis’ Lunch, en New Haven, Connecticut. Allí, Louis Lassen habría preparado para un cliente apurado una porción de carne vacuna picada y asada entre dos panes. Esa historia fue reconocida en registros institucionales de Estados Unidos, aunque el origen exacto del plato sigue en discusión y otras ciudades y cocineros también se disputan su creación.

En ese contexto, el vínculo entre el 28 de mayo y el episodio de Louis Lassen debe tomarse con cautela. Puede mencionarse que ese día se celebra popularmente el Día de la Hamburguesa y que una de las historias más difundidas sobre el nacimiento del plato remite a Louis’ Lunch, pero no conviene afirmar que la fecha nació en 1900 ni que esa anécdota dio origen directo a la efeméride.

Un blend con 20% de grasa en Mambo

De viernes a domingo, los mediodías en Mambo tienen una gran protagonista: su hamburguesa. “Trabajamos con la selección de los cortes, asegurándonos de que el blend tenga el 20% de grasa en la preparación total, que lo hace más sabroso - detalla su chef, Santiago Pérez-. La dejamos estacionar un día, o dos en cámara y eso le da una profundidad de sabor particular en la cocción. La carne la picamos nosotros así nos garantizamos todo el proceso”.

La propuesta tiene un medallón de 180 g en pan de papa, salsa mil islas y queso Patagonzola ($30.000). “Sale con papas de triple cocción y una sal que es un mix de especias”. Se sirve solo al mediodía, de viernes a domingo, de 12 a 16.

¿Dónde? Malabia 820, Villa Crespo. Instagram: @mambo.restoran

Una hamburguesa de museo en Coronado

En Coronado, el restaurante en el MALBA, el chef Martín Lukesh creó una hamburguesa casera que se prepara a diario. “Partimos de cortes de carne como roast beef, tapa de asado y tocino de cerdo, picamos la carne y armamos los medallones. Es una hamburguesa simple, donde la calidad también está pensada en el pan tipo brioche, con la cantidad de manteca justa para que no sea pesado y que se hornea antes de cada servicio para así lograr frescura y esponjosidad. La presentamos con lechuga, cebolla morada, una salsita especial y pepinillos encurtidos y salen acompañadas con nuestras papas fritas” ($29.800).

¿Dónde? Av. Presidente Figueroa Alcorta 3415, Palermo. Instagram: @coronado.bsas

Parada obligada: Fat Broder

Un clásico en Palermo, en Fat Broder preparan su Fat Classic, un medallón de 100 g de asado, queso muzzarella, lechuga, tomate y cebolla colorada; la Fat Jack, con queso Jack picante, jowl bacon, salsa BBQ de mango picante, y lechuga y, para los que se atreven a sabores más fuertes, la Blue Bernie, un medallón de 100 g, con queso azul, cebolla caramelizada y hongos de pino (simple, $19.500; doble, $22.500). Todas sus hamburguesas están disponibles en su versión sin TACC.

¿Dónde? Charcas 3787, Palermo. Instagram: @fatbroderpalermo

Con carne de pastura orgánica certificada en Carne

Desde que abrió su hamburguesería Carne en Argentina, en 2016, el chef Mauro Colagreco apostó por hamburguesas con “ingredientes honestos, productores que protegen la tierra y una cocina hecha con amor y cuidado”. Ofrece hamburguesas hechas con carne de pastura orgánica certificada, acompañadas de papas fritas crocantes y ketchup 100% artesanal, elaborado con tomates sin conservantes.

Entre las opciones figuran la hamburguesa con queso ($13.000), la Doble Carne, doble queso ($16.900), y la hamburguesa completa ($18.000).

¿Dónde? Calle 50 452, La Plata; Larrea 1535, Recoleta; Dot Baires Shopping, Saavedra; y Distrito Arcos, Palermo. Instagram: @carnehamburguesas

Cheeseburgers con fritas a $2500 en Burger 54

En Burger54, por el Día de la Hamburguesa además de su menú habitual, contarán con beneficios y promociones exclusivas en sus locales. Disponible a partir de las 19 horas, las primeras 50 cheeseburgers con papas fritas de cada local costarán $2500. La propuesta será válida exclusivamente para consumo en salón y podrá disfrutarse en todas las sucursales de la cadena. A su vez, durante toda la noche, los clientes que visiten los locales podrán disfrutar de cheeseburgers (carne, queso cheddar, lechuga, tomate, cebolla y salsa especial) con un 50% de descuento. Además, quienes utilicen su app especial podrán acceder a un 30% de descuento en su hamburguesa Double Meat.

¿Dónde? Fernández de Enciso 3973, Devoto; Av. del Libertador 13632, Martínez; y Agustín M. García 7454, Nordelta.

Con una carta sencilla y efectiva en Kiddo

De la mano de Alejandro “Burger Kid” Roig, Kiddo es otro de los grandes favoritos. Con una carta sencilla y efectiva que incluye la Cheeseburger (carne, queso, ketchup, mayonesa y cebolla, $9500 la simple, $13.500 la doble, y $9500 la veggie), la Park (con queso, lechuga, tomate, cebolla y aderezo Kiddo) o la Melvin (con queso, panceta ahumada, cebolla crispy y aderezo especial), todas con la carne bien marcada y las proporciones exactas, además de sus papas fritas sazonadas.

¿Dónde? Arévalo 2882, Las Cañitas; y Honduras 5265, Palermo. Instagram: @kiddo.arg

Medallón de Angus madurado 45 días: Pony Line

En Pony Line, su hamburguesa ya es un clásico. Para pedir la emblemática Burger Clásica —un blend de Angus-wagyu, brioche, panceta ahumada, Lincoln, salsa BBQ, pepinillos y cebolla crocante, $48.000— o ir más allá con su Burger Dry: un medallón de Angus madurado 45 días, con pan brioche, lechuga, tomate, relish y queso Lincoln, $52.000. Se sirve al mediodía, de lunes a viernes, o bien de noche, en el Four Seasons Hotel Buenos Aires.

¿Dónde? Posadas 1086, Recoleta. Instagram: @ponyline.bar

La leyenda: Pepino

Desde 1969, cuando se dedicaron de lleno a sus hamburguesas, Pepino se convirtió en parada obligada en zona norte. Con clientes regulares que traspasan generaciones y burgers que le ganan a todas las modas.

¿Dónde? Av. del Libertador 14.475, Martínez. Instagram: @pepino.hamburguesas.ok

Un clásico de Colegiales, Arredondo

Un secreto a voces, las hamburguesas de Arredondo superaron el boca a boca en el barrio de Colegiales. Con medallones de 120 g de carne (un blend de ojo de bife, asado y bife de chorizo) y pan Kalis, salen con papas fritas. Para elegir entre la Arredondo (con queso cheddar, panceta, cebolla crispy y alioli, $21.900), la Reina (con queso cheddar, cebolla morada, pepinillos agridulces, panceta crispy, ketchup y mostaza, $19.900) o versiones como Liniers (con cheddar, guacamole casero y huevo a la plancha, $19.900).

¿Dónde? Arredondo 2560/2562, Colegiales. Instagram: @arredondo.ba

Smashed en Rock n’ Ribs

Para disfrutar en el Rosedal de Palermo, en Rock n’ Ribs apuestan por las hamburguesas smashed. Con su 1/4 de Libra (con dos hamburguesas smashed, queso cheddar, cebolla picada, ketchup y mostaza, $24.000), Crispy Bacon (doble hamburguesa, cheddar, panceta, cebolla crispy y una salsa especial casera, $24.000) o la American (doble hamburguesa, cheddar, lechuga, tomate y salsa casera, $24.000), todas vienen con papas fritas.

¿Dónde? Av. del Libertador 3883, Arco 12, Palermo. Instagram: @rocknribsarg

De culto: The Food Truck Store

En el Día de la Hamburguesa, muchos se acercan a rendirle culto a The Food Truck Store de Rodo Cámara. Con burgers para todos los gustos, para degustar desde La Clásica (con queso cheddar, lechuga, tomate, cebolla y pickles, $12.600) y La Desinfluencer (con cheddar, tomate, palta y huevo frito) a la especial del mes: la Emily (con doble medallón de carne de 120 g, queso suizo, cebolla caramelizada, pickles y salsa picante, $21.000).

¿Dónde? Echeverría 1627, Belgrano; Av. Las Heras 2201, Recoleta; y Bulnes 2774, Palermo. Instagram: @thefoodtruckstore

La campeona del mundo 2026 en La Birra Bar

En La Birra Bar, los campeones del mundo en la última edición de Dubai Burger Championship realizada en enero, se lucen con una carta llena de variantes.

Para pedir desde la clásica, con pan brioche, cebolla crispy, white cheddar y mayochurri trufado (Simple, 120 g $19.000, Doble, $24.000 o Triple $29.000) y la Monterrey (de 120 g de carne con provoleta, queso Emmental, cheddar, guacamole y jalapeños, $24.000), a las “hamburguesas” veggies, como la Boedo Veggie (medallón veggie con salsa clásica, lechuga, tomate, cebolla morada, pepinillos y cheddar).

¿Dónde? Gurruchaga 729, Villa Crespo; Coronel Ramón Lista 5020, Devoto; y Maipú 2931, Olivos. Instagram: @labirrabar

Con papas con chimichanga en Desembarco

En los locales de Desembarco, los habitué hicieron de la San Antonio la número uno (2 medallones de carne de 100 g cada uno, panceta ahumada, huevo frito y salsa mil islas en pan de papa, acompañada de papas con chimichanga, $21.800). También eligen la Bajoncito (100 g de carne, cheddar, panceta ahumada, con sus papas con chimichanga, $14.000) u opciones como la Vicio (100 g de carne, pepinillo, salsa 1/4 de libra y cheddar, en pan de papa, que sale con papas con chimichaga, $12.600).

¿Dónde? Doblas 607, Caballito; Nueva York 3670, Devoto; Castro Barros 785, Boedo; y sucursales. Instagram: @eldesembarcook

Con blend de vacío, picaña y falsa entraña en Desarmadero

En Palermo, un clásico es Desarmadero. Allí elaboran sus hamburguesas con blend de vacío, picaña y falsa entraña, y las sirven con pan de papa casero, acompañadas con papas fritas. Un must es la Burger Desarmadero (con queso cheddar, lechuga, tomate, cebolla crocante y salsa barbacoa, $19.300), ideal para acompañar con una cerveza de las más de 40 canillas de cerveza artesanal.

También cuentan con novedosas opciones como su Burger de Cordero (con queso brie, hummus, tomate asado, rúcula y cebolla morada, $19.900), o la Mexican Burger (con queso pategrás, guacamole, nachos y jalapeños, $19.900).

Suman opciones vegetarianas y veganas como la Veggie Burger (hecha con lentejas, $18.100) o la Not Burger (con doble medallón vegetal, con lechuga, tomate, pickles de pepino, cebolla morada y Not Mayo de limón, $21.900) y también cuentan con hamburguesas sinTACC.

¿Dónde? Gorriti 4295 y Gorriti 4300, Palermo. Instagram: @desarmaderobar

Sabores peruanos en Tanta

En Tanta, el espacio creado por el chef Gastón Acurio, cuentan en su carta con una hamburguesa de 200 g, de carne vacuna con un toque especial, que combina sabores tradicionales del Perú: se sirve con lechuga, tomate, queso cheddar, cebolla salteada, pickles, salsa golf, mayonesa de ají amarillo, ají de pollería y papas al hilo. La acompañan con papas fritas ($20.000).

¿Dónde? Esmeralda 938, Microcentro. Instagram: @tanta_argentina

El clásico de zona norte: Palo Verde

En Palo Verde, en Acassuso, el Día de la Hamburguesa se celebra con un hit de la casa: la hamburguesa N°7, la Palo Verde (con jamón, queso, tomate, lechuga, cebolla, pepino, panceta y huevo, que viene con papas o batatas fritas, $20.000). Especial para los que gusten sabores caseros: la 4M (la hamburguesa con morrón, queso y cebolla asada, $16.000) o la 4R (con roquefort, panceta y cebolla asada, $16.000).

¿Dónde? Av. Santa Fe 840, Acassuso.

Con pan de pretzel en Casa Dingo

En el café y restaurante de inspiración australiana Casa Dingo, acaban de sumar a su carta La Burga. Se trata de una una hamburguesa hecha con bun de pretzel, medallón de 200 g, queso cheddar, bacon, mayonesa de pickles, cebolla y lechuga ($26.000) para pedir en cualquier momento del día.

¿Dónde? Armenia 1908, Palermo. Instagram: @casadingo

Así se cruzan por primera vez los personajes interpretados por Lauren Bacall y Humphrey Bogart en la película To Have and Have Not. Corría 1944: ella tenía apenas 19 años y ese era su primer papel; él tenía 44.

Bogart le llevaba 25 años y ya había protagonizado varios clásicos: La mujer marcada, Pasaje a Marsella, Casablanca, Altas sierras.

Una gastada caja de fósforos

Lauren Bacall, nacida Betty Perske, tuvo talento, belleza y suerte.

Había estudiado teatro y, un año antes de su debut cinematográfico, se presentó a un casting de modelos. Diana Vreeland, entonces editora de Harper’s Bazaar, quedó impactada por su belleza y la seleccionó entre varias modelos aspirantes a aparecer en la revista. Fue su primera portada: estaba vestida como enfermera frente a una puerta con un llamado a donar sangre.

Vreeland no fue la única deslumbrada. Cuando se publicó ese número, Nancy Gross, esposa del director de cine Howard Hawks, vio la foto. “No sé si sabe actuar o no —le dijo a Hawks mientras le mostraba la imagen—, pero desde luego sabe cómo mirarte”.

“El historial de Howard hablaba por sí solo. Mucho después supe que siempre había querido encontrar a una chica salida de la nada, moldearla hasta convertirla en la mujer de sus sueños y hacer de ella una estrella: su propia creación”, escribió Bacall en su autobiografía By Myself.

Esa portada le abrió las puertas del escenario con el que siempre había soñado. La joven, criada en el Bronx por su madre y su abuela —inmigrantes judías rumanas—, había visto cómo su padre, William Perske, abusivo e infiel, abandonaba el hogar cuando ella tenía seis años. Desde chica añoraba convertirse en actriz, “la segunda venida de Bette Davis”, como la describió Matt Tyrnauer de Vanity Fair en una entrevista que le hizo en 2011.

Hawks también quedó fascinado con ella. La contrató: “Decía que le gustaría ponerme en una película con Cary Grant o Humphrey Bogart. Yo pensaba: ‘Cary Grant, fantástico. Humphrey Bogart… puaj’”, recordaba Bacall.

Se decidió por Bogart cuando acordó con su amigo Ernest Hemingway llevar al cine una de sus novelas, To Have and Have Not (Tener y no tener). Cuando el actor aceptó, el director le presentó a quien sería su coprotagonista.

“No hubo truenos ni relámpagos, solo un simple ‘mucho gusto’. Bogart era más bajo de lo que había imaginado —un metro setenta y ocho aproximadamente— y llevaba su vestuario: pantalones sin forma, camisa de algodón y una bufanda alrededor del cuello. No se dijo nada importante —no nos quedamos mucho tiempo—, pero parecía un hombre amable”.

No fue amor a primera vista, ella lo tenía claro. De hecho, unos años antes de conocerlo y de firmar contrato con Hawks, había ido al cine junto con su madre y su tía Rosalie a ver Casablanca. “A todas nos encantó. Y Rosalie estaba loca por Humphrey Bogart. Yo pensé que él estaba bien en la película, ¿pero loca por él? Para nada. Ella pensaba que era sexy. Yo pensé que estaba loca. No podía entender el pensamiento de Rosalie en absoluto”.

Pero la química entre ambos era innegable.

“Hacía unas tres semanas que estábamos filmando la película —era el final del día— y yo tenía una toma más. Estaba sentada frente al tocador en el camarín portátil, peinándome. Bogie entró para desearme buenas noches. Estaba parado detrás de mí cuando, de repente, se inclinó, me tomó el mentón con la mano y me besó. Fue impulsivo —era un poco tímido—, nada de tácticas de lobo lanzado al ataque. Sacó del bolsillo una gastada caja de fósforos y me pidió que escribiera mi número de teléfono en la parte de atrás. Y lo hice”. La representación en la vida real de aquella escena de película.

“Hola, galán, ¿cómo te va con tu hija?"

Esa misma noche, cerca de las 23, cuando Bacall ya estaba en la cama, sonó el teléfono. Era él, que había estado tomando unos tragos y la llamaba para ver cómo estaba y charlar un rato. “Eso fue todo, pero desde ese momento nuestra relación cambió”, aseguró.

Empezaron a verse con frecuencia, tanto dentro como fuera del set. Él la invitaba a comer, otras veces se sentaban a conversar en el camarín. La visitaba en su departamento y la llamaba por las noches. Así nació un romance clandestino que podía convertirse en escándalo si salía a la luz: Bogart estaba casado con Mayo Methot, que era conocida por sus ataques de celos violentos. En una ocasión, incluso, llegó a apuñalarlo con un cuchillo pequeño.

Bogart le contó a Bacall detalles de ese matrimonio, que ella luego reconstruyó en su autobiografía: “Me habló de su matrimonio. […] Eran conocidos como ‘los Battling Bogart’ [los Bogart peleadores]: casi todas las noches terminaba [Mayo] tirándole algo a Bogie, intentando pegarle y lográndolo la mayoría de las veces. Ella lo había apuñalado en la espalda con un cuchillo en una ocasión y él tenía la cicatriz para demostrarlo. Él decía que tenía que beber, era la única manera en que podía vivir con ella. Ella era celosa, siempre lo acusaba de tener romances con sus actrices principales, siempre lo rebajaba como actor, haciendo referencias sarcásticas sobre la ‘gran estrella’. [...] Él no se estaba quejando conmigo, él lo aceptaba. No le gustaba, pero así eran las cosas y él no podía hacer nada al respecto”.

El amor creció rápido. Se llamaban todo el tiempo y se encontraban a escondidas, sobre todo de noche. Hasta que terminó el rodaje. Entonces, Bogart le envió una carta: “Deseo con todo mi corazón que las cosas fueran diferentes —algún día pronto lo serán. Y ahora entiendo lo que significa ‘Decir adiós es morir un poco’ —porque cuando me alejé de vos esa última vez y te vi parada ahí, mi corazón murió un poco”.

Con el correr de las semanas, compañeros de elenco, maquilladores, guionistas y directores empezaron a notar la química y el cambio de actitud entre ambos. Los rumores circulaban con discreción, pero existían. El jefe de publicidad de Warner y su equipo trataron de presentar la relación como un simple coqueteo de set.

En la biografía Bogart, de Erik Lax y Ann M. Sperber, los autores profundizan sobre el tema: “El equipo técnico siempre sabía cuándo Methot estaba en el predio del estudio. Bastaba con un solo llamado desde la entrada avisando que ella estaba cruzando para hacer que los dos protagonistas se soltaran rápidamente las manos y se alejaran apenas un poco. Mayo, dando pelea, intentó usar el teléfono como un arma. Bogart le contó a Joe Hyams, su amigo y biógrafo, sobre una vez que lo llamó al teléfono en el set para escuchar su voz destilando ácido: ‘Hola, galán. ¿Cómo te va con tu hija? Ella tiene la mitad de tu edad, sabés’”.

Tomados de la mano como adolescentes

El mayor problema de Bogie era el sentido de la obligación. Su esposa, según describían quienes los rodeaban, “se estaba desintegrando física y mentalmente”. Aunque se había enamorado de Bacall, no quería destruir a Mayo en el camino.

Por un momento, todo pareció mejorar. Los Bogart declararon una especie de “alto el fuego”, aunque la tregua duró poco. En octubre de 1944, Humphrey y Bacall arrancaron la filmación de otra película, The Big Sleep. Unos meses antes habían puesto en pausa el romance. Methot, por su parte, prometió dejar de beber, y Bogart intentó salvar su matrimonio.

Los biógrafos del actor escribieron: “Aislada y luchando contra su adicción al alcohol, ella tenía como única carta de triunfo su condición física en rápido deterioro, y la jugó en un telegrama unos días después que envió al amigo cercano de Bogart y de ella, el novelista Louis Bromfield […]. Horas más tarde, esposo y esposa estaban al teléfono. Ella prometió ingresar a un hospital. Por mutuo acuerdo, unos días después, una Methot higienizada y sobria fue al Beverly Hills Hotel y se presentó en la puerta de Bogart, como una penitente en busca de absolución”.

Pero no pasó mucho tiempo hasta que Methot volvió al alcohol. Un día escuchó a Bogart hablar por teléfono con Bacall y decirle que la extrañaba. Entonces le arrebató el tubo de la mano y gritó: “Escuchame, perra judía, ¿quién le va a lavar las medias? ¿Vos?”. Fue el punto final del matrimonio que Bacall esperaba con ansias.

Tenían el camino libre y, aunque a él le inquietaba casarse con una mujer 25 años menor, siguieron adelante. La boda se celebró el 21 de mayo de 1945. Ella tenía 20 años; él, 45. Sin embargo, vivían un amor adolescente que duraría hasta la muerte de Bogart. “Bogie y yo nos comportamos de forma ridícula, tomándonos de la mano como adolescentes (yo casi lo fui)”, recordaba ella.

Un pequeño tumor maligno

Bogart, al igual que su exesposa, también tenía problemas con el alcohol. Bacall lo atribuía al clima de infelicidad que había vivido durante su matrimonio anterior. Ella no sabía cómo manejarlo, aunque con el tiempo muchos sostuvieron que lo ayudó a moderar su consumo.

“Él cambió mucho su forma de beber. Nunca dejó de hacerlo, pero nunca fue un alcohólico, ni de cerca. No, su forma de beber era todo fiesta y pasar un gran momento, pero nunca bebía cuando trabajaba. Creció durante la era de los bares clandestinos, así que así eran las cosas”, decía su esposa.

La pareja tuvo dos hijos: Stephen Humphrey Bogart, nacido en 1949, y Leslie Howard Bogart, en 1952. Stephen también escribió un libro, Bogart: In Search of My Father (Bogart: en búsqueda de mi padre) donde relató: “Mi madre, por suerte, no era una gran bebedora. Pero Bogie, por supuesto, sí lo era, y cuando bebía se preocupaba y muchas veces se desquitaba con mi madre. Mamá dice que cuando Bogie bebía demasiado… se sentía arrepentido. Y cuando bebía demasiado, a menudo tenía mal carácter”.

Tyrnauer contó que le leyó ese pasaje en la entrevista, y que ella respondió: “No tiene ni idea de lo que está diciendo”.

Humphrey Bogart murió el 14 de enero de 1957, a los 57 años, por un cáncer de esófago. Le habían extirpado el esófago, desplazado el estómago y extraído una costilla. Durante el último año de su vida recibió sesiones de quimioterapia. Había adelgazado mucho, aunque el público desconocía la gravedad de su estado. En una carta abierta apenas escribió: “Tuve un pequeño tumor maligno en el esófago”.

Bacall tenía 32 años y era viuda.

Sobre la relación de sus padres, Stephen escribió: “Para ella, Bogie era, y sigue siendo, perfecto. Siempre quiso que le preguntara cómo era él”. Ella contestó también en la entrevista: “Yo nunca dije que fuera perfecto, porque Dios sabe que no lo era. ¿Quién querría estar casada con alguien perfecto? Yo no”.

“Sí, probablemente fui feliz cuando estuve casada con Bogie, pero yo era muy joven entonces. Diría que tuve una buena infancia, pero en realidad no era feliz, porque era hija única y no formaba parte de una familia completa —lo que en Estados Unidos consideramos la familia ideal: padre, madre e hijo, algo que, por supuesto, sabemos que es una gran tontería— y, sin embargo, tuve la mejor familia que cualquiera podría desear en toda la rama materna. Así que, ¿qué es para vos ser feliz? Feliz, bah. Creo que hay que estar inconsciente para ser feliz”, sostenía.

Junio marca exactamente la llegada a la mitad del año y, con el inicio del invierno, es un mes que invita a realizar actividades acordes con esta fecha, por lo que resulta elemental tener a mano el calendario completo y así marcar los planes para esta etapa del año.

Opciones de calendario de junio 2026 para imprimir

Cuáles son los feriados de junio 2026

Llegada la mitad del año, el primer feriado se ubica en el día lunes 15 de junio y corresponde al traspaso del asueto por Paso a la Inmortalidad del Gral. Don Martín Miguel de Güemes, jornada que originalmente se celebra cada 17 de junio. De esta manera queda configurado un fin de semana extendido de tres días, que comienza el sábado 13, sigue el domingo 14 y finaliza con el lunes 15 de junio.

El otro asueto, de acuerdo al calendario oficial, que difunde la Jefatura de Gabinete, coincide con el sábado 20 de junio, al celebrarse el Día de la Bandera y el Paso a la Inmortalidad del Gral. Manuel Belgrano. En este caso se trata de un feriado nacional inamovible, lo que implica que no hay traslado de la fecha y se conmemora en esa jornada específica.

Los feriados y días no laborables que quedan en 2026

La jornada busca generar conciencia y brindar información acerca de las causas de muerte y enfermedades que afectan a las mujeres, con el objetivo de brindar atención, prevención y tratamiento para esta preocupación mundial. La celebración se empezó a celebrar en esta fecha en 1987 por iniciativa de la Red de Salud de las Mujeres Latinoamericanas y del Caribe (RSMLAC). Esta recuerda una asamblea de mujeres conocida con el nombre de Red Mundial de Mujeres por los Derechos Sexuales y Reproductivos, que se llevó cabo el 28 de mayo de ese año.

La Organización Mundial de la Salud (OMS) detalla en su sitio oficial que la principal causa de muerte de mujeres está vinculada a enfermedades cardiovasculares y al cáncer de mama y de cuello uterino, seguida por el cáncer de colon y el carcinoma pulmonar. En tanto, se calcula que cerca de 830 mujeres fallecen cada día por causas prevenibles relacionadas con el embarazo y el parto. Por esta razón, tanto la prevención como el tratamiento adecuado tiene un rol fundamental.

Efemérides del 28 de mayo: ¿qué pasó un día como hoy?

• 1880 – Llegan al país los restos del Gral. José de San Martín desde Francia.
• 1934 – En Canadá nacen las hermanas Dionne, reconocidas por ser las primeras quintillizas en sobrevivir la infancia.
• 1938 – Nace el cantante y cineasta argentino Leonardo Favio.
• 1945 – Nace el cantante y guitarrista estadounidense John Fogerty, líder de la banda Creedence Clearwater Revival.

• 1950 – Muere la educadora y escritora argentina Rosario Vera Peñaloza, en cuya memoria se celebra el Día de los Jardines de Infantes y de la Maestra Jardinera.
• 1952 – Las mujeres griegas adquieren el derecho al voto.
• 1961 – Se funda el movimiento mundial de activistas Amnesty International.
• 1968 – Nace la cantante australiana Kylie Minogue.

• 1995 – Ocurre un sismo en Neftegorsk, isla rusa de Sajalín, en el que mueren 1989 personas.
• 2002 – Se retira la última viga de acero del sitio original de World Trade Center, tras el atentado. Terminan oficialmente las tareas de limpieza y se realiza un acto de clausura en Ground Zero en Manhattan, Nueva York.
• 2010 – Muere el actor estadounidense Gary Coleman.
• 2014 – Muere Maya Angelou, actriz y poetisa estadounidense.
• Se celebra el Día de la Hamburguesa.
• Se celebra el Día Internacional de Acción por la Salud de la Mujer.
• Se celebra el Día de los Jardines de Infantes en la Argentina.

“Era un burrito miniatura que estaba solito, aislado del resto de los burros, en un campo donde vivían también caballos. Los traslados de animales para particulares, ONGs y fundaciones es una de las formas en las que el santuario genera ingresos. Y ese día, cuando vimos al burrito, estábamos llevando un caballo a Escobar”, explica Julieta Demarco, responsable del santuario La Pochi Vegana, donde conviven 70 animales -chanchos, chivos, ovejas, caballos, toros, terneros, perros, gatos y aves- rescatados del mascotismo y de la crueldad humana.

Atada a una reja en un baldío, sin agua ni alimento, esperaba su cruel final: “Aprendió a dar la patita”

Detuvieron la marcha y se acercaron para conversar con el dueño del lugar. “Nos dijo que tenía varios burritos en el campo y que, al recorrer el lugar, vio que este burrito tenía la pata mal. Uno de los cuidadores mencionó que una yegua le había dado una patada, pero ni siquiera sabían cuándo había ocurrido”.

Al preguntarle sobre el tratamiento que estaba recibiendo el burrito, el hombre comentó que el veterinario del campo le había recomendado hacerle unos masajitos. “Ya se le pasaría”, le aseguró sin darle importancia al asunto.

Sin embargo, Julieta y su equipo, con experiencia en este tipo de lesiones, se dieron cuenta de que el problema requería intervención inmediata.

Con semejante lesión, Abrojo sería pronto declarado un animal de descarte: “no tenía utilidad para su dueño ya que no servía para la venta ni como padrino para la monta. Y todos sabemos lo que eso significa. Abrojo tenía los días contados”, dice con tristeza Julieta.

Originarios de las islas italianas de Sicilia y Cerdeña, los burros miniatura -con una expectativa de vida de hasta 40 años- son conocidos por ser cariñosos, tranquilos y muy inteligentes. Lamentablemente, durante los últimos años su cría y reproducción registró un alza ya que hay un mercado que demanda esta especie como animal de compañía pero que ignora las necesidades que tienen.

Julieta y su equipo le contaron al hombre sobre el santuario y, después de mucho hablar, lograron convencerlo de que accediera a intercambiar el costo del viaje por llevarse al burrito con ellos. Así fue como Abrojo llegó al santuario, listo para recibir la atención que necesitaba.

Después de realizarle una placa, se pudo corroborar que la lesión de Abrojo se debió a un traumatismo importante en su pata. “Inicialmente, intentamos inmovilizarla con un yeso, pero los resultados no fueron los esperados. A pesar de que el procedimiento fue el correcto, Abrojo no se adaptó al yeso. Su pata comenzó a hincharse cada vez más y, debido al dolor, dejó de comer y se quedó quieto en un rincón. Por eso el veterinario nos sugirió que la mejor opción, aunque costosa y difícil, era programar una cirugía”.

Mientras ganaba peso y recuperaba fuerzas, Abrojo pudo pasar días en tranquilidad y rodeado de amor junto a un grupo de ovejas, con las que ha hecho muy buenas migas. “Se siente en manada y tranquilo: donde van las ovejas, también va él. Pasa sus días comiendo, tomando sol, caminando y, sobre todo, recibiendo muchos mimos y atención”.

Si bien las visitas mensuales al santuario ayudan a recaudar fondos para el mantenimiento del espacio y la compra de alimentos, hoy la urgencia es cubrir el costo de la cirugía de la pata de Abrojo -que tiene un valor de $1.400.000 y se realizó ayer en la Facultad Ciencias Veterinarias de la Universidad de Ciencias Empresariales y Sociales (UCES) de Cañuelas con el doctor Mariano Cancela, especialista en este tipo de intervenciones-. Eso por eso que el santuario lanzó una colecta.

“Toda ayuda cuenta, ya sea comentando, compartiendo o dando like al reel sobre Abrojo, y, por supuesto, colaborando con dinero. La ayuda más importante que necesitan es poder asegurarles el alimento día a día. Gastan un rollo de alfalfa por semana, que tiene un costo aproximado de $120.000 pesos, y que alimenta a los caballos, terneros, el toro, los chivos, las ovejas y el burrito. Además, necesitan fondos para la mezcla de semillas para las aves, iniciador para los pollitos y comida para los chanchos.

Luego de dos horas de cirugía, Abrojo salió del quirófano y emprendió el regreso al santuario. “Se recuperó muy bien de la anestesia y los veterinarios dijeron que la intervención fue un éxito. Ahora tiene que descansar y comenzar con su rehabilitación”.

Los fondos se están juntando en la cuenta del santuario. Julieta y su equipo creen que entre todos es posible darle a Abrojo la oportunidad de tener una vida feliz y larga. Cada granito de arena es importante en esta lucha por una segunda oportunidad para este burrito miniatura.

Más información: IG La Pochi Vegana @lapochivegana

Compartí una historia

Si tenés una historia de adopción, rescate, rehabilitación o ayudaste a algún animal en situación de riesgo y querés contar su historia, escribinos a bestiariolanacion@gmail.com

Una miradita a Living de junio

En el número de Living que pronto van a poder tener entre manos, visitamos cuatro departamentos y cinco casas... cada una con su chimenea súper especial. Veamos.

Una de las operaciones más importantes que tuvo que hacer Sherriff Estudio en una profundísima reforma que llevaron a cabo en San Telmo fue sumar un hogar a leña, algo que la casa no tenía pero que era un deseo muy claro de los clientes; para asegurar el tiraje, perforaron la bovedilla para llevar el conducto hasta el exterior. Consiguieron un frente antiguo en un departamento en Recoleta, lo desmontaron y lo volvieron a armar en la casa, en una estructura construida en seco.

Marcar épocas

Las chimeneas son conductoras de calor, pero también de estilo, porque comunican de manera contundente una sensación de otros tiempos.

“A este living lo distinguí con una puesta escenográfica. Adelanté la pared para poner una chimenea antigua flanqueada por bibliotecas y un bar. Para que pareciera original, reproduje las molduras”, nos contó el arquitecto Marcelo Williams sobre la reforma y el interiorismo de su propia casa.

Grandiosas

Jimena Frontera decidió reformar la casa donde creció y darse el gusto de convocar a la arquitecta Silvia Soqueff para darle personalidad a la obra. El antes y el después, sumamente elocuente, muestra el impacto de integrar el hogar en una pared expresiva, en este caso, con un frente de porcelanato símil óxido ‘Piú Hander’ (Cerámica Piú) y nichos para la leña.

“La chimenea es fundamental en el living, y fue diseñada como un elemento imponente para darle carácter al ambiente. Si bien el fuego queda al mismo nivel que el sillón, el frente y el tiraje se elevan mucho más”, nos contó la arquitecta Andrea Von Chrismar, al frente del estudio AVON Arquitectos, sobre esta obra que llevó a cabo al sur de Chile.

De piedra (y gemelas)

“Con un enfoque práctico y sustentable, trabajamos con materiales que perduran en el tiempo con dignidad y que son fáciles de mantener en el día a día de una familia joven”, nos contó la interiorista Laura Schiebel sobre este trabajo realizado para una familia extranjera que se mudó a la Argentina.

En el interior, de la construcción original mantuvieron el volumen de piedra de la chimenea, que divide el comedor del living.

En la galería no hay una parrilla tradicional, sino una chimenea de piedra calcado del que está en el interior. “Como el espacio es amplio, podemos hacer festejos que, en invierno, se prolongan por la presencia del hogar”

Entornos relajados y acogedores

Limpita y moderna

El contorno vidriado exigía una buena climatización. Además de losa radiante y equipos frío-calor bajo silueta, en el living se optó por un biohogar con campana exenta, una elección funcional y estética que, a diferencia de una chimenea a leña, evita humo y hollín.

Con frentes minimalistas

“Proyectamos una distribución abierta y diáfana, con un lenguaje minimalista en cuanto materiales en el que un hogar dentro de un volumen blanco basta como división virtual entre dos sectores“, nos dijo la arquitecta Camino Alonso, de estudio madrileño Ábaton, revelando los múltiples usos y aportes estéticos de esta chimenea.

Los metales

“Siempre nos gustaron las casas de los años 70, y esta conserva varios detalles marcados de aquella época. Por ejemplo, la chimenea color cobre, que decidimos mantener tal cual estaba. La usamos todo el tiempo", nos dijo Valeria Montagnani, creadora de Plaintextiles, cuando la visitamos en su casa de Las Lomas de San Isidro”.

Acá, una recorrida por algunas versiones renovadas de un clásico.

Grilla en tono profundo

De piso a techo y resuelta como una trama regular, esta biblioteca empotrada convierte toda una pared en protagonista.

El azul grisáceo oscuro unifica y funciona como telón de fondo para libros y objetos, que destacan por contraste. Más que un mueble, se vuelve parte de la arquitectura, aportando profundidad y orden visual en un ambiente de impronta contemporánea.

Color sorpresa

Escondida detrás de una puerta, esta biblioteca empotrada se revela como un gesto inesperado: un amarillo intenso que contrasta con el resto del ambiente neutro.

“Para mí, el amarillo es potente, te pone de buen humor”. Pero atención: los colores fuertes funcionan mejor en lugares de paso, si no, corren el riesgo de cansar. Acá son el toque de humor, la sorpresa. Todos quedan fascinados.

Arq. Dolores Otamendi, de Estudio DADO, a cargo de la reforma y el interiorismo

El interior totalmente monocromático potencia la profundidad y transforma el nicho en un punto focal. Además del impacto visual, la combinación de estantes abiertos, sectores para vinilos y equipos suma funcionalidad y convierte el espacio en una pequeña sala dedicada.

Azul que ordena el recorrido

En un tono azul Astral, que se extiende a biblioteca, puertas y muros, esta biblioteca acompaña el pasillo y refuerza la continuidad. La modulación de nichos repetidos organiza una colección extensa —libros y música— y aporta ritmo visual a lo largo del recorrido. El color, aplicado de manera integral, no solo unifica sino que transforma un espacio de transición en un área con identidad propia.

“Me gusta muchísimo el verde, pero como ya hay tanto en El Pato, busqué otro color natural que repitiera menos lo que se ve por las ventanas: el azul”, comparte la dueña.

Pasteles envolventes

Entre el rosa y el durazno, el color baña por completo esta biblioteca empotrada y también el piso y techo, generando un efecto envolvente y continuo. Los estantes claros dejan que libros y piezas destaquen, mientras que la paleta suave aporta calidez y una atmósfera íntima, ideal para un espacio de lectura o trabajo.

El color como estructura

En un azul profundo que enmarca todo el ambiente, esta biblioteca hecha a medida por Dicha Studio se despliega y suma contemporaneidad al ambiente. Los acentos de color —piezas en rosa, vidrio y obras— se recortan sobre el fondo oscuro, mientras la iluminación puntual aporta profundidad y refuerza su carácter protagónico en el comedor.

“Nos caracteriza el uso del color. En este caso, lo utilizamos para crear un punto de encuentro entre lo clásico y lo moderno”.

Arq. Victoria Diamore, de Dicha Studio, a cargo de la reforma

Oscuro con acentos

En negro pleno y de líneas simples, esta biblioteca arma un telón de fondo elegante que realza libros, objetos y obras. La iluminación superior subraya la composición y suma profundidad, mientras que los tonos claros y madera del mobiliario equilibran el conjunto. El resultado: un sistema de guardado que, lejos de pasar desapercibido, aporta carácter con una paleta contenida.

Verde que abraza

“Esto es lo que en Italia llaman una casa colonica, donde vivían los trabajadores del establecimiento rural. La biblioteca solía ser el comedero de los animales, que dormían bajo las habitaciones, para transmitirles su calor”, cuenta Fernando Malenchini, del estudio Pondal-Malenchini, a cargo de la restauración arquitectónica y paisajística.

“A este sector de la planta baja le dimos alegría y luz con el color del mueble, y aprovechamos los techos bajos para acentuar su aspecto acogedor”, dice Malenchini.

A la hora de diseñar tu biblioteca

• Tener en cuenta una profundidad, de 25-30cm para libros estándar, libros grandes 30–35 cm.
• La altura entre estantes, debería estar entre los 25 y 40cm.
• Alterná zonas llenas y vacías para que no se vea saturado.
• Integrá puertas inferiores para tener espacio de guardado oculto.
• Sumá iluminación LED cálida empotrada para destacar objetos.

“¿Para qué quieren este inmueble?”, les preguntó el arquitecto Osvaldo Giesso, encargado del remate judicial. “Para conservar todo lo posible y transformarlo en una casa de familia”, respondieron ellos. Los otros pretendientes eran constructoras determinadas a demoler todo para hacer edificios o estacionamientos, así que Giesso (precursor del renacimiento barrial) priorizó al matrimonio de románticos. Y, además, terminó dirigiendo la reforma encarada por los nuevos dueños junto a su hijo Fernando.

“Era un conventillo abandonado: en cada puerta había una familia, y adelante vivía un grupo de gitanos”, recuerda José. “Estaba todo destruido. Lo poco que se salvó de los pisos de pino tea, lo reutilizamos para mesadas y muebles”. Pasaron tres años y 46 volquetes de escombros hasta que ese caserón empezó a tomar otro color.

La teoría de Giesso era: ‘Lo que el tiempo dejó, se respeta; y lo que se llevó, no se restaura’. Tenía ese concepto de reciclaje, y nosotros nos enganchamos.

Gloria Audo, artista y dueña de casa

Capa sobre capa

En sus orígenes, la propiedad había sido una casa colonial de techos bajos, y las marcas de esos dinteles se conservan en las paredes. Ya en posesión de la familia Giuffra, en la década de 1880 fue italianizada: agregaron columnas y agrandaron las aberturas, además de sumar molduras y ornamentos. Luego, pasó a ser colegio inglés; más tarde, casa de inmigrantes. La última reforma, de la década de 1980, incorporó claraboyas, entrepisos y escaleras, siguiendo la tendencia de aquel entonces.

Aunque hizo tres años de Derecho (“Dicen las malas lenguas que fui a buscar novio”, admite), Gloria se formó en sociología e historia del arte. Toda esa experiencia –sumada a sus largos años dentro del casco histórico– han forjado una mirada de la ciudad y su patrimonio que atraviesa sus pinturas. “La gentrificación y la globalización cortan la identidad de las ciudades. Estoy pintando dos trabajos sobre San Telmo, que es inagotable. Un edificio hoy está, y mañana desaparece: tengo que registrarlo”, afirma Gloria con un ímpetu envidiable para sus 82 años.

En 1989, el Museo de la Ciudad (presidido por José María Peña) le otorgó a la casa la distinción de “Testimonio vivo de la memoria ciudadana”, título que conservan enmarcado. “Era una muy bella persona, Peña”, recuerda Gloria con afecto.

Más interiores

El comedor es un viaje por recuerdos: retratos al óleo, papel inglés y vajilla de abuelas europeas. “Hay años de psicoanálisis en este espacio”, reflexiona Gloria. “Al empapelado lo pusimos hace cuarenta años; está viejo, pero hacían buenas cosas antes. ¡Si lo tengo que cambiar, me muero! Lo tendría que vender a José María para comprar otro”, dice con humor.

Espacios de trabajo

Al fondo de la casa, al resguardo del pulmón de manzana, Gloria aprovechó un jardín de invierno para pintar y dar clases. Actualmente, está trabajando en una serie de óleos sobre Buenos Aires y su arquitectura fragmentada.

Junto al taller de su esposa, José María tiene un estudio repleto de bibliotecas y recuerdos de viajes por el mundo. Máscaras de Nepal, marionetas de México y flautas para encantar serpientes son algunos de los souvenirs que inspiran las historias que escribe en sus libros. Antes de retirarse, fue gerente de recursos humanos en la mítica fábrica Alpargatas.

La galería trasera

El viejo piso de calcáreos y la vajilla heredada son cómplices de un momento cotidiano amparado en este verde imprevisto dentro de la ciudad.

En el fondo de la casa, a cincuenta metros de la calle y diez cuadras de Avenida de Mayo, el silencio nos traslada a una Buenos Aires de otro tiempo. Entre la parra, los nísperos y una higuera centenaria, las paredes dan testimonio de una forma de habitar que es patrimonio intangible de la cultura local. Y que quizás, al ser retratada, podamos preservar para siempre.

“Mucha luz, grandes ventanales, doble altura”, fueron sus pedidos innegociables. A partir de esas premisas y con la visión compartida de que todos los espacios fueran usados y ningún rincón quedara relegado, surgió el hogar en el que hoy viven con sus dos hijos.

Construí mi casa hace seis años. No queríamos algo de tendencia, así que fuimos por un gusto personal, práctico y clásico. Creo que eso es lo que la hace atemporal.

Arq Sabrina Nerguizian, dueña de casa

Sin presiones

La morfología de la casa nació durante una noche de bosquejos, cuando logró liberarse de la presión de que ese proyecto la representara profesionalmente. “Pensé que, tal vez, más adelante habría otra, y así me saqué ese peso de encima”, recuerda.

Con la distribución definida y la luz como protagonista, la organización giró en torno a un patio central, que articula el recorrido y conecta cada espacio con el exterior.

Cocina integrada

La isla incluye una pequeña barra. “En el día a día, es más un lugar de paso que de reunión, pero para los chicos es más importante: allí desayunan o les sirvo una comida rápida durante la semana”

“El objetivo principal fue que quien cocina estuviera integrado con lo que pasa alrededor. Pero también cuidé la estética, por eso decidí ocultar los artefactos y electrodomésticos”.

En torno al patio

“Tenemos dos hijos chicos que pasan la mayor parte del tiempo en el playroom que balconea al living-comedor. Me pareció una buena solución para que tuvieran su propio espacio sin estar aislados”.

La vegetación en el patio interno crea la sensación de una pequeña selva, es un oasis en el medio de la casa. “Diseñé todo el paisajismo, elegí cada planta en el vivero y lo fui armando muy de a poquito”, asegura Nerguizian.

En planta alta, el playroom, que balconea al living-comedor, se convierte en la extensión natural del espacio de los chicos.

Mismo lenguaje

Los baños comparten los mismos materiales y terminaciones. “La idea es que, sin importar en qué rincón estés, todo se sienta parte de la misma casa”.

Licencia de color

“Como nuestro cuarto es grande y muy luminoso, le sumé gris para contrastar con la madera y los artefactos de iluminación. Elegí mesas de luz y el laqueado de la cabecera en el mismo tono para lograr armonía”.