Una de las sorpresas de los nombres grandes del cartel, los que encabezan y, en definitiva, aquellos que “venden” los tickets, es la presencia de Tini. La cantante, que viene de ser invitada de Lali en River Plate y está en vuelta en un conflicto familiar y económico con su familia, actualmente está en medio de su tour Futttura. Con la confirmación de su nombre en el line-up, Tini Stoessel hará su debut en Lollapalooza.

Junto a Tini brillan los nombres del rapero Travis Scott, la estrella del pop Charli XCX, los históricos The Killers y el DJ y productor David Guetta. La primera línea se completa con Queens of the Stone Age, que regresa a la Argentina después de nueve años; The Neighbourhood, de vuelta con su cruce de rock alternativo y pop oscuro y Rawayana, la banda venezolana que continúa en plena expansión internacional. Además, Fontaines D.C. traerá al festival la intensidad que los convirtió en un fenómeno en vivo y Sombr, una de las revelaciones del pop de los últimos años, visitará el país por primera vez.

Toda la grilla

Travis Scott

Charli XCX

The Killers

Tini

David Guetta

Queens of the Stone Age

The Neighbourhood

Rawayana

Fontaines D.C.

Sombr

The Prodigy

Dillom

Malcolm todd

Geese, Cage the Elephant

Dominic Fike

Raye

Lola Young

Slayyypter

Adéla

Un Poco de Ruido

Marlon Hoffstadt

Four Tet

Angine de Poitrine

Tomora

K4os

Leon Bridges

Usted Señalemelo

Boys Noize

Snow Strippers

Carlita

Sammy virji

Ninajirachi

Julia Wolf

Die Spitz

Yorghaki

The Avalanches

Rivo

Boy Harsher

Mateo Dufour Live

Amaia

Midnight Generation

Mind Enterprises

Ayybo

Juan Hansen Live

Violet Grohl

Ela Taubert

Enzocerobulto

Juana Rozas

Francisca Valenzuela

Broke Carrey

Princesa Alba

Lolu Menayed

Folgar

Tiga

Santos Bravos

Daniela Spalla

Kchiporros

Natalia Lacunza

Zé Pequeña

Sofia Mora

Dandára

Joaco Burgos

Ara

Palo

Fabrizio

Mai Lawson

Hana Fox

Varese

Sol Porro

Hellolola

Molle

Pato Mallet

Las Sombras

La Ramona

Cómo comprar las entradas

Actualmente se encuentra habilitada la preventa 3. Los tickets se venden exclusivamente en AllAccess. Se pueden adquirir en 6 cuotas sin interés de 58.334 pesos más el costo de service charge con tarjetas Santander Visa.

La edición 2026

La edición de este año que aún no terminó será recordada por el gran debut de Sabrina Carpenter en la edición argentina del mítico festival que creó Perry Farrell, primero como marco de despedida para su banda Jane’s Addiction y luego sí como festival, establecido en el centro de la ciudad de Chicago.

Tyler The Creator, Lorde, Chappel Roan, Skrillex, Lewis Capaldi, Paulo Londra, Deftones, Doechii, Ratones Paranoicos, Kygo e Interpol, entre muchos otros, se presentaron el pasado marzo en el Hipódromo de San Isidro.

La plataforma confirmó que prepara una serie que explorará los orígenes de la matriarca y su historia de amor con el vizconde Edmund Bridgerton, el hombre con quien formó su familia. La ficción, que por el momento no tiene nombre, retrocederá varias décadas respecto de los acontecimientos de la producción original para presentar una versión más joven de Violet y reconstruir los comienzos de su relación sentimental.

El anuncio marca una nueva expansión de la franquicia producida por Shonda Rhimes, que desde su estreno en diciembre de 2020 se convirtió en uno de los títulos más populares de Netflix. Según informaron, Rhimes y Nicholas Nardini serán los responsables del guion, la producción ejecutiva y la conducción creativa de la nueva serie. A ellos se sumará Tom Verica, quien estará a cargo de la dirección y también se desempeñará como productor ejecutivo, mientras que Betsy Beers completará el equipo de producción.

Por ahora, los detalles del proyecto son escasos. La plataforma todavía no anunció quiénes interpretarán a Violet y Edmund en su juventud, cuántos episodios tendrá la ficción ni cuándo comenzará su rodaje. Tampoco se confirmó una fecha de estreno.

La historia de amor que dio origen a los Bridgerton

Aunque hasta ahora su pasado ocupó un lugar secundario en la trama, Violet Bridgerton es una de las figuras fundamentales de la serie. Interpretada por la actriz británica Ruth Gemmell, la matriarca se convirtió en el principal sostén de sus ocho hijos: Anthony, Benedict, Colin, Daphne, Eloise, Francesca, Gregory y Hyacinth.

Desde la primera temporada, su personaje se caracteriza por defender los matrimonios por amor en una sociedad en la que los compromisos estaban atravesados por la posición económica, los títulos nobiliarios y las expectativas familiares. Esa convicción está estrechamente relacionada con su propia experiencia junto a Edmund, con quien mantuvo una relación amorosa que marcó el modo en que educó a sus hijos.

Sin embargo, el matrimonio terminó de manera trágica. Edmund murió repentinamente después de sufrir una picadura de abeja, cuando Violet estaba embarazada de su hija menor, Hyacinth. La pérdida dejó a la familia en una situación difícil y obligó a Anthony, el primogénito, a asumir el título de vizconde y las responsabilidades que hasta entonces habían estado en manos de su padre.

Ese episodio adquirió especial relevancia durante la segunda temporada de Bridgerton, protagonizada por Jonathan Bailey y Simone Ashley, cuando la ficción reconstruyó parte del pasado familiar a través de los recuerdos de Anthony. En aquellas escenas, Rupert Evans interpretó a Edmund, mientras que Gemmell mostró una faceta de Violet atravesada por el duelo.

A lo largo de las siguientes entregas, el personaje continuó acompañando las decisiones sentimentales de sus hijos, aunque también comenzó a recuperar espacio para su propia vida amorosa. Su acercamiento a Lord Marcus Anderson (Daniel Francis), hermano de Lady Danbury, abrió la posibilidad de una nueva relación después de años de viudez.

La cuarta temporada profundizó en ese vínculo, pero Violet finalmente decidió no volver a casarse por el momento. Su historia planteó así una nueva etapa personal para un personaje que, hasta entonces, había dedicado buena parte de su vida a procurar la felicidad de los demás.

La futura precuela permitirá conocer una faceta anterior de Violet, cuando todavía no se había convertido en madre ni había atravesado la pérdida de Edmund. Será la primera producción de la franquicia centrada específicamente en el romance de la pareja, cuya historia hasta ahora había sido narrada de manera fragmentada.

El futuro de Bridgerton: una quinta temporada en marcha

La quinta temporada de Bridgerton ya se encuentra en producción en Londres y tendrá como protagonistas a Francesca Bridgerton (Hannah Dodd) y Michaela Stirling (Masali Baduza).

La nueva entrega seguirá a Francesca después de la muerte de su esposo, John Stirling, ocurrida durante la cuarta temporada. Dos años después de esa pérdida, la joven decidirá volver a buscar pareja por motivos prácticos, pero el regreso de Michaela a Londres la enfrentará con sentimientos que podrían modificar sus planes.

De esta manera, la ficción continuará explorando las vidas amorosas de los hermanos, luego de dedicar su cuarta temporada a Benedict Bridgerton (Luke Thompson) y Sophie Baek (Yerin Ha).

El éxito de esta última entrega volvió a demostrar el alcance internacional de la producción. De acuerdo con los datos difundidos por Netflix, la cuarta temporada debutó en el primer puesto de su ranking global de series en inglés y consiguió ingresar al Top 10 de 92 países.

La plataforma también destacó la permanencia de las temporadas anteriores entre sus contenidos más populares. La primera entrega, estrenada en 2020 y centrada en Daphne Bridgerton (Phoebe Dynevor) y Simon Basset (Regé-Jean Page), continúa en el séptimo puesto de su lista histórica de series en inglés más vistas, mientras que la tercera, protagonizada por Colin Bridgerton (Luke Newton) y Penelope Featherington (Nicola Coughlan), ocupa el décimo lugar.

La repercusión de Bridgerton, basada en las novelas de la escritora estadounidense Julia Quinn, trascendió fuera de la pantalla. A lo largo de los últimos años, Netflix desarrolló distintas experiencias vinculadas con la ficción, como The Queen’s Ball: A Bridgerton Experience, una propuesta inmersiva inspirada en los bailes de la alta sociedad, y Bridgerton Concerts by Candlelight, una serie de conciertos que recuperan la música de la producción. También desarrollaron una colección de productos vinculados con su universo, que incluye artículos de moda y decoración.

El antecedente de La reina Charlotte

La nueva ficción sobre Violet será la segunda serie derivada de Bridgerton después de La reina Charlotte: una historia de Bridgerton, que llegó a Netflix en mayo de 2023 y contó la juventud de la monarca y su relación con el rey Jorge III.

Aquella precuela, protagonizada por India Amarteifio y Corey Mylchreest, también permitió conocer una versión más joven de Violet. Connie Jenkins-Greig interpretó a Violet Ledger, antes de su matrimonio con Edmund, y mostró algunos aspectos de su entorno familiar y su relación con los personajes que años después formarían parte de la historia principal.

Por el momento, Netflix no informó si alguna de las actrices que interpretaron a Violet regresará para este nuevo proyecto. Lo que sí está confirmado es que la franquicia continuará ampliándose en paralelo con las próximas temporadas de Bridgerton, mientras prepara una ficción dedicada a contar cómo comenzó la historia de amor de los padres de la familia.

Así en Los Cuentos de Hoffmann, la ópera de Jacques Offenbach, donde el poeta romántico E.T.A. Hoffmann es a la vez el autor original de las historias y su protagonista. Un juego de cajas chinas a la que se suma la puesta en escena que el Colón repone este viernes en una suerte de “teatro dentro del teatro”. En el que, finalmente y a modo de espejo trágico, el régisseur vio reflejada su muerte en la del propio compositor. Algo así como una “puesta en abismo” en la que Offenbach muere trabajando en la obra cuya partitura deja inconclusa, y el genial Eugenio Zanetti, en la reposición del título a semanas de su estreno.

A partir de este viernes y a lo largo de siete funciones —bajo la batuta del maestro Carlo Montanaro, con dos elencos y cuerpos estables del Teatro Colón—, vuelve al escenario del primer coliseo la ópera francesa en tres actos con prólogo y epílogo, que cuenta los amores fracasados del escritor. Se ofrecerá en su versión escénica de 2019 montada según la dirección, escenografía y vestuario del recientemente fallecido realizador cordobés Eugenio Zanetti. Reposición que a la luz del desgraciado acontecimiento, hará las veces de homenaje póstumo a su brillante trayectoria, ganador del Premio Oscar a la mejor dirección de arte y diseño de producción en 1995 por su trabajo en el film Restoration de otro Hoffmann, llamado Michael.

Sebastián Sabas, escenógrafo responsable y compañero de vida de Zanetti durante veinticinco años, dialogó con LA NACION sobre el sentido que cobra esta representación como legado.

“Eugenio —afirma Sabas— concibió su puesta como una película. En el inicio vemos un equipo de filmación en los años 50 montando el set para filmar la vida de Hoffmann. Esta idea introduce al espectador en esa lógica y a la vez, en la vida del propio Eugenio, que fue la del cine. Toda esa maquinaria escenográfica está allí para representar, mucho más que las historias de amor o la relación con el arte, el paso del tiempo”.

–A la propia estructura de la ópera que juega con ese límite difuso entre la realidad y la ficción con “el relato dentro del relato”, la puesta le suma al juego “la obra dentro de la obra”...

–La propuesta que nos lleva al mundo del cine consiste en ver la ópera como una película, algo que no es real, que pertenece a la ficción. Es una gran estructura, un octógono central y unas escaleras gigantes que giran y en cada giro, como en las vueltas de un reloj, con unos autómatas que lo mueven por dentro, vemos transcurrir el tiempo que conecta la realidad con la fantasía. Y vemos fracasar a Hoffmann en esos tres amores que son sus desaciertos. En el plano superficial de la acción, se enamora de una muñeca (Olimpia), de una mujer enferma al borde de la muerte (Antonia) y de una prostituta (Giulietta). Él siempre está intentando regresar, pero aún en esos intentos, también fracasa. Es un perdedor. Y lo mostramos con el paso del tiempo. En el plano visual, la realidad y la ficción confrontan permanentemente. Y la idea de Eugenio era acentuar esa indefinición.

–Existe el peligro de la confusión cuando esas dimensiones se entrelazan demasiado...

–Y ese fue el principal desafío: lograr que todo lo que sucede, la acción que se ve, se entienda como algo que acontece en la cabeza de Hoffmann. Plantear la escena de modo tal que el público comprenda que esa locura y contradicción imaginaria existe en la mente del protagonista. Es un recurso muy propio del cine donde hay un texto y uno o varios subtextos. Pero llegamos al teatro con ese proceso desarrollado, todo pensado, armado y resuelto. Sin embargo, el destino nos sorprendió con una ironía: la muerte de Eugenio exactamente cuando nos pone al frente de esta ópera que hicimos en 2019. Una obra trágica para Offenbach que murió antes de estrenarla.

–¿Se la verá como una obra nueva o actualizada, después de siete años?

–No hay actualizaciones. Es intacta la puesta de 2019. Una escenografía magnífica e impactante como todo lo que hacía Eugenio. A él siempre lo caracterizaron como un barroco. ¡Y lo era! En el sentido de la exuberancia y los sentimientos a los que apela ese período estético que tenía por objetivo maravillar tanto a los fieles en la iglesia como atraerlos desde la emoción. La gente se fascinaba con ese espectáculo visual y así atraía el sentimiento hacia la religión. Eugenio, más que por los dorados y los terciopelos, era eso: impactar con una imagen hasta la emoción. Algo que se le daba de manera natural y genuina.

–Hablando de esta suerte de espejos del arte en los que se reflejan los autores, ¿con qué escena, música o situación se identificaba?

–¡Barcarola! El acto de Venecia, sin dudas. Porque se sentía veneciano, identificado con ese mundo. Como si en otra vida hubiera vivido allí. En realidad, vivió más de cinco vidas y todas fueron fabulosas: París de chico, donde se formó con Antonio Seguí que lo albergó en su estudio. Afganistán, donde trabajó con Pier Paolo Pasolini y Maria Callas en la película Medea integrando el equipo de arte. Después volvió a Córdoba. Los 35 años en Estados Unidos, las películas y los grandes premios. Y esta última etapa, otro regreso a Córdoba con el hotel que hicimos en las sierras y los 25 años en que tuve la bendición de compartirlo todo. Vivíamos donde queríamos. Un año en Europa, otros varios en Estados Unidos, en el mundo, en cualquier parte trabajando en el cine, el teatro, la ópera. Siempre decía que su vida se desarrollaba en tres actos y que estaba atravesando el final. Se murió trabajando con una dignidad a la altura de su trayectoria. Jamás hablaba de política ni dinero. Solo del arte y la creación. Y a medida que hablamos [confiesa profundamente emocionado] caigo en la cuenta de que en medio de la tragedia que fue su enfermedad, de Parkinson y el corazón, yo pude inventarle un mundo en el que todo fuera fabuloso, donde pudiera seguir pintando, ensayando, recibiendo gente. Volver a Los Cuentos de Hoffmann es volver a ese universo de fantasía que creamos, donde la ópera y el arte en general, mucho más intensamente de lo que imaginamos, nos salva. Eso que vivimos en el borde de la ficción y la realidad, nos atraviesa de una manera muy poderosa. Es un don que nos salva.

Una música descriptiva y teatral

“Durante toda su vida, Offenbach fue conocido como un gran compositor de operetta. Era famoso por eso. Con esta obra hizo un último y único intento de algo serio y profundo. Buscaba reconocimiento como un compositor de otra envergadura. Fue una pena que muriera antes del estreno”, agrega Carlo Montanaro, director musical de la producción en su debut en el Colón.

–¿Logró ese propósito con Los Cuentos de Hoffmann?

Montanaro: –Offenbach es un compositor absolutamente teatral. Un hombre que entiende el teatro y sostiene la escena con una música descriptiva. Aquí se percibe esa condición a través de las diferencias a lo largo de los tres actos. El primero inspirado en un aire de operetta, porque el amor ideal de Olimpia, una muñeca-máquina que él ve a través de unos anteojos, representa el amor artificial, imaginario, que al final se quiebra. Musicalmente es la frescura del aria de Olimpia, los staccatos de las flautas, el arpa. Un sonido descriptivo. El segundo acto, con Antonia, el amor real con una mujer de verdad. Es el amor artístico materializado en una melodía ampulosa, un sonido romántico y dramático donde el pathos entra de lleno como ingrediente musical. Y el tercero, el amor sensual de Giulietta con el que finalmente decide no creer en nada. Se abandona a la pasión carnal y no solo pierde el amor. También se pierde a sí mismo, borracho en la taberna donde, portado por la Musa/ Niklausse, renace en el arte. Es una apoteosis final bellísima con la participación del coro y la consagración de la poesía.

–¿En qué aspectos tímbricos ha concentrado sus esfuerzos?

Montanaro: –En enriquecer los colores y las dinámicas. Buscar la transparencia, subrayar la diferenciación y abrir el rango dinámico. Un poco de rojo por aquí, otro azul por allá, un amarillo, un esfumado. Y no es fácil porque este bellísimo teatro es muy sonoro. Hay que estar atento. ¿Cómo? Cuidando la calidad del sonido porque hasta el pianissimo más extremo en el último rincón del foso, se va a escuchar en la sala. Estoy feliz de trabajar aquí. Orquesta, coro y organización, todos increíbles trabajando por el bien de la producción a pesar de la desgracia que nos pegó tan fuerte. La muerte de Eugenio es un golpe al corazón que nos hace difícil encontrar el estado de ánimo para sacar adelante este divertimento. Cuando llega la hora es difícil, pero como se dice, a pesar de todo, the show must go on.

Para agendar

Les Contes d’Hoffmann, de Jacques Offenbach. Ópera en tres actos con prólogo y epílogo. Libreto en francés de Jules Barbier basado en la pieza teatral Los cuentos fantásticos de Hoffmann realizada junto a Michel Carré, inspirada en tres cuentos de E.T.A. Hoffmann. Reposición de la versión 2019. Dirección musical: Carlo Montanaro. Dirección escénica, diseño de escenografía, vestuario e imágenes: Eugenio Zanetti. Diseño de escenografía y vestuario: Sebastián Sabas. Colaborador de dirección de escena: Carlo Argento.

Reparto. Hoffmann: Jean-François Borras/Leonardo Caimi. Nicklausse / La Muse: Annalisa Stroppa/Daniela Prado. Lindorf / Coppélius / Docteur Miracle / Dapertutto: Dmitry Ulyanov/Nahuel Di Pierro. Olympia: Mar Morán/Constanza Díaz Falú). Antonia / Stella: Jaquelina Livieri/Laura Pisani). Giulietta: Marina Costa-Jackson/Mariana Carnovali). Andrès / Cochenille / Frantz / Pitichinaccio: Santiago Martínez/Pablo Urban. Spallanzani: Carlos Ullán/Reinaldo Samaniego y elenco.

Reestreno: viernes 9, a las 20. Próximas funciones: 10, 11, 13, 14, 15 y 16 de octubre (esta última, función sub-30). En el Teatro Colón.

Muchos conocieron ese lugar como La Fábrica; otros, como Fabián “Zorrito” Quintiero prefieren llamarla La Fábrica de sueños porque, de hecho, allí muchas creaciones del señor García se hicieron realidad. Comenzado el nuevo siglo, la casa fue comprada por el artista plástico Omar Lotito y hace un par de años, cuando Matías Capeluto estaba buscando alquilar un espacio para un emprendimiento cultural, se encontró con este lugar con tanta historia. Contactó a García y el astro del rock le dio el okey, siempre que el lugar no se convirtiera en un museo.

Hoy es una sala para shows y desde hace más de un año programa conciertos semanalmente. Al cumplirse, en 2025, los treinta años de Hello! el famoso MTV Unplugged de Charly, desde allí se pusieron en marcha para recrearlo. Los testigos directos, incluso los músicos que participaron de aquella grabación, recuerdan que hubo cierto tironeo entre lo que MTV proponía y la impronta secuenciada y enchufada de la música de García de aquellos años. Pero se resolvió armoniosamente y la prueba está en la grabación de aquel show.

Para recrear aquella grabación se convocó a los músicos que estuvieron en el proyecto. Fabián Quintiero (teclados y bajo), Fernando Samalea (batería) y los hermanos Di Salvo, Erica (violín) y Ulises (violoncello), quienes ya tienen en su haber al menos unos quince shows en La Fábrica, y ahora redoblan la apuesta con un concierto en el Teatro Coliseo, el 19 de octubre, y varias actuaciones en otras ciudades argentinas.

“Son irremplazables”

Por sus problemas de salud, Charly está alejado de los escenarios y una de las artistas fundamentales de aquel histórico y bello show, María Gabriela Epumer, murió hace más de dos décadas. “Son irremplazables —dice Fernando Salamea, durante una pausa de los ensayos que realiza el grupo, de cara al show del Coliseo—. Creo que lo lindo del unplugged fue que representaba a una juventud de habla hispana. Además, es una recopilación de gran parte de la obra de Charly. Muchos chicos y chicas que nacieron en los noventa lo conocieron por esa selección de canciones en formato acústico. Lo lindo de replicarlo en La Fábrica es una invitación a nuevas generaciones para descubrir cosas. O, mejor dicho, para ver en vivo cosas que él hizo en su momento y que nosotros, como músicos y también como fans, admiramos”.

Además del show para televisión, se publicó un disco, con producción de Joe Blaney, antiguo colaborador de García. Y ese disco fue muy valorado. “Es muy querido —apunta el Zorrito—. Los primeros ensayos fueron en la casa de Charly, pero el último tramo se hizo en La Fábrica. Pensamos en recrear el unplugged porque nunca se había hecho en vivo. Pudo haber sido una gran gira, por la difusión que había tenido en tantos países”.

Según Samalea, ese repertorio conectó a García con Serú Girán y con distintos momentos de su etapa solista: “Desde su guante blanco chic de los ochenta, hasta lo surrealista de La hija de la lágrima y con lo que luego aparecería más adelante, su Say No More”.

En este show, las letras y melodías de Charly están en buenas manos porque la cantante convocada es Emme. “Charly decía en broma que era lesbiano y que le salían las canciones para las voces de las chicas”. La banda estable también cuenta con Matías Mango (teclados), Santiago Maurino (guitarra) y Michelle Bliman (saxo y coros). En el show del Coliseo, además, habrá invitados sorpresa. “Probablemente el concierto derive en algo más eléctrico”, completa Samalea.

“Hay mucha gratitud hacia él de nuestra parte y el sueño oculto de acompañarlo si alguna vez decidiese volver a los escenarios. Eso es algo que siempre está latente. Por el momento, hacemos esto con todo el cariño. No intenta reemplazar lo irremplazable, pero tiene una gran producción e intenta llevar al Coliseo, a una escala mayor, lo que venimos haciendo en La Fábrica”, asegura el baterista.

“Se llama La Fábrica porque él la llamó Fábrica de sueños. Volver acá para hacer música en vivo fue el motor para querer hacerlo —dice Quintiero—. Y también nuestras ganas de querer tocar esa obra. Tuvimos el privilegio de grabarla con él. Además, como dice Sama, es para que mucha gente lo disfrute. La ilusión es esa: que siga sonando esta música”.

Erica Di Salvo, quien, junto a su hermano, fue convocada especialmente para ese proyecto y luego fue parte de la banda de García durante los siguientes ocho años, recuerda el momento y reflexiona sobre la importancia de aquel primer trabajo con Charly. “Si uno pensara que aquello iba a tener la trascendencia que tuvo, lo hubiera vivido con un poco más de susto. Porque sabíamos quién era Charly y la magnitud de su obra, pero esto quedó estampado en el alma de mucha gente. Por eso estoy feliz, celebrando la idea del Zorrito de volver a reunirnos”.

Los tres coinciden en que el trabajo previo a la grabación del unplugged fue más organizado que lo que generalmente representaba la aventura de ser parte del equipo de García.

“Fueron dos meses intensos de ensayar hasta cualquier hora, en La Fábrica o en su casa, pero bastante ordenado. Los ensayos eran largos, aunque Charly sabía lo que quería. Desde el principio no quería que le impusieran nada. Todo fue armado bajo su dirección”, recalca Di Salvo.

Samalea lo resume en la idea de varios Charly en uno: “El hippie chic de los setenta, el modernista de los ochenta, el que tomó una pátina surrealista en los noventa. El unplugged llegó en ese tiempo. Y, más allá de una aparente confusión general, fue un show muy plantado. Lo lindo es llegar a este momento, décadas después, y tener la chance de poder celebrar aquella situación”.

“En retrospectiva —dice Quintiero—, la particularidad del proyecto es que no fue una idea de Charly. Se lo propuso MTV y en las primeras charlas peleó mucho el concepto porque nunca acostumbró a hacer cosas que no salieran de su cabeza. Nadie le dice a Charly lo que tiene que hacer. El formato era desenchufado, el canal quería el sonido acústico, no el rock and roll. En el inicio fue una pelea. Le puso los puntos a MTV porque el acusticazo ya lo había curtido con Sui Generis. Pero se medió en la situación hasta que entraron los violines. Ahí todo se encaminó. Fuimos a Miami y lo hicimos”.

El viernes 16 de octubre, a las 21.30, Telefe estrenará la tercera edición argentina de MasterChef Junior, con Verónica Lozano en la conducción y un jurado que combinará experiencia gastronómica con un reciente campeón del formato.

Germán Martitegui, Maru Botana e Ian Lucas serán los encargados de probar las preparaciones y acompañar a los participantes. El equipo tendrá una doble tarea: evaluar los resultados de cada desafío y orientar a los pequeños cocineros durante una competencia que, según el anuncio del canal, pondrá el acento en la creatividad, el aprendizaje y la diversión.

La incorporación de Ian Lucas propone uno de los cambios más llamativos. El creador de contenido llegará al jurado después de ganar MasterChef Celebrity, cuya final disputó con Sofía “La Reini” Gonet. En aquella instancia presentó un menú inspirado en los sabores de su infancia: fainá con provolone, morrones y anchoas; milanesa de tomahawk con fideos caseros, y arroz con leche. Ahora le tocará observar los platos desde el otro lado del mostrador.

El recorrido continuará al día siguiente de cada emisión en TNT. Una semana más tarde, los episodios se sumarán a Discovery Home & Health, donde también habrá maratones especiales. Así, el certamen tendrá distintas ventanas para acompañar a sus participantes y recuperar los desafíos que ya hayan salido al aire.

La propuesta tendrá, además, un espacio de conversación en vivo. Todos los viernes, desde las 21, Juli Castro y Mernuel encabezarán un react en Streams Telefe para comentar lo que ocurra en el programa. El encuentro digital comenzará media hora antes del estreno televisivo y acompañará cada emisión con reacciones en tiempo real.

View this post on Instagram

Martitegui, en cambio, aportará la continuidad con las primeras temporadas de la versión infantil. En esas ediciones compartió las devoluciones con Donato de Santis y Christophe Krywonis, mientras Mariano Peluffo estuvo al frente de la conducción. El regreso modifica buena parte de aquel equipo y suma a Lozano como anfitriona de una nueva camada de aspirantes.

El programa también recupera una historia propia dentro de la televisión argentina. María Sassola se consagró en la primera edición, en 2015, y Sebastián Flores ganó la segunda, en 2016. En la final inaugural, María, de 13 años, se midió con Lucas, de 11, y conquistó al jurado con ravioles abiertos de salmón y tartaletas de frambuesa con merengue italiano. Aquella noche el ciclo alcanzó picos de 17,2 puntos de rating.

Esta tercera temporada llegará con una circulación que excede la pantalla abierta. Mediante una alianza entre Telefe y HBO Max, cada episodio estreno podrá verse en simultáneo en el canal y en la plataforma. Además, los capítulos completos emitidos quedarán disponibles en HBO Max, una alternativa para quienes prefieran seguir la competencia después de su horario original.

Masterchef es una competencia que nació en el Reino Unido en 1990, creada por Franc Roddam. En 2005, la BBC revivió y actualizó el formato y desde entonces el programa triunfa a lo largo del mundo. En la Argentina se emitieron ocho temporadas principales divididas entre versiones con cocineros aficionados, niños y famosos (MasterChef Celebrity Argentina).

Producido por Telefe junto con Boxfish, sobre el formato distribuido internacionalmente por Banijay Rights, MasterChef Junior volverá a poner a prueba a una generación de aficionados que todavía tiene mucho por descubrir. Entre recetas, devoluciones y desafíos, los doce participantes buscarán demostrar su talento en una cocina que vuelve a abrirles sus puertas.

A través de los años la trágica historia de amor de Camila O’Gorman y el padre Ladislao Gutiérrez no ha perdido vigencia. Sobre todo para los hacedores de musicales. En 1989 subió a escena la primera versión musical del drama de época: Camila, protagonizada por Mónica Núñez Cortés y Osvaldo Laport, en el Teatro Premier. Luego, en 2013, fue el turno de Camila, nuestra historia de amor, con Natalie Pérez y Peter Lanzani, en el Teatro Lola Membrives. Ahora llega una nueva propuesta, de corte independiente: A tu lado, Camila, con los juveniles Bianca Cuscuna e Iñaki Crotto, en el teatro Caras y Caretas, en las adyacencias de la avenida Corrientes.

La historia es bien conocida por el público adulto, no solo por los numerosos libros que la relatan con lujo de detalles, sino por el exitosísimo film nacional que llegó a estar nominado a los premios Oscar como Mejor Película Extranjera en 1985: Camila, con Susú Pecoraro e Imanol Arias al frente del elenco y dirección de María Luis Bemberg. Pero, claro, a medida que se suman nuevas generaciones, el interés se renueva y tiene sentido recordar los pormenores de la trama.

Camila O´Gorman, de 22 años, era una joven de una familia patricia y muy amiga de Manuelita Rosas, la hija del gobernador de Buenos Aires. Y Ladislao Gutierrez, de 24, un sacerdote tucumano, que, al poco tiempo de arribar a la gran provincia, se convirtió en cura de la parroquia de San Nicolás y Socorro, a donde Camila asistía a misa y se confesaba. Aunque él en un principio se resistió, terminaron perdidamente enamorados el uno del otro y luego, enfrentando todos los prejuicios de la época, se dieron a la fuga e intentaron vivir como una pareja normal en Goya, impartiendo clases en un colegio primario y aguardando el nacimiento de su primer hijo. Todo esto hasta que fueron apresados y, pese a los pedidos de clemencia, terminaron fusilados el 18 de agosto de 1848 por orden de Juan Manuel de Rosas. Lejos de considerarlo “un escandaloso romance prohibido”, hoy la Historia reivindica la relación de Camila y Ladislao; y en vez definir lo sucedido con ellos como un castigo ejemplar, lo juzga como un acto de barbarie.

El musical recientemente estrenado (al igual que los dos anteriores) se encolumna, ideológicamente, con la revisión progresista de los hechos. Sin embargo, llama la atención que al ingreso de la sala se repartan –a manera de souvenirs- cintas de color rojo intenso que remedan la divisa punzó que los partidarios de Rosas debían usar obligatoriamente en la Argentina de mediados del siglo XIX, como signo de lealtad política y, de algún modo, de aprobación a las prácticas autoritarias y hasta cruentas del gobierno federal.

Dejando de lado ese “detalle”, el musical, como tal, es bueno y tiene varios puntos a destacar. En principio, la música y las letras de todas canciones. Hacía mucho que en un musical de características independientes la partitura no resaltaba tanto. Los ritmos son variados y pegadizos y los versos incluyen cuotas de poesía y metáforas históricas, siempre en un tono cercano al gusto musical de los jóvenes de hoy. En cuanto a los desempeños actorales, sobresalen tres por encima del resto. Iñaki Crotto, como Ladislao Gutierrez, es dueño de una hermosa voz para la música melódica y posee suficientes recursos interpretativos para el personaje protagónico masculino de la obra. Si bien ya contaba con algunos créditos profesionales, aquí se revela como una figura del género a tener en cuenta de ahora en más. Gaby Genovese, como Joaquina O’Gorman, la madre de Camila, canta bien y muestra fuerza y vulnerabilidad, según su rol se lo demanda. Por último, Ruth Feith sorprende como La Perichona, la abuela rebelde de Camila. Su rendición de su único tema la muestra como una cantante de importante rango y es de lo mejor de la noche. Bianca Cuscuna es una correcta Camila, con mayor destreza actoral que vocal. Otro elemento relevante de la producción es el vestuario: elegante, puntilloso y evocador.

Si bien la obra está bien dirigida, hacia el final, inexplicablemente, algo sucede. Las últimas tres escenas lucen desprolijas y los temas se escuchan desafinados. Y al epílogo del fusilamiento le falta dramatismo y lirismo.

Como si el destino guardara secretos inexpugnables, Eugenio Zanetti se descompensó mientras preparaba una nueva puesta de Los cuentos de Hoffmann para el Teatro Colón. Esa situación lo llevó al final de su vida a los 79 años en plena actividad. En una sala que lo albergó varias veces -muchos recuerdan su puesta de Don Carlo de 2015-, inclusive con esta misma obra de Offenbach-Barbier hace menos de una década. De modo que este estreno para la temporada operística, con su diseño de escenografía, sus dibujos y sus vestuarios y su dirección escénica, que sostuvo mientras pudo estar presente (luego completada por el director de la orquesta), terminó siendo un homenaje póstumo y merecidísimo para este gran artista cordobés que abarcó muchos rubros de la cultura y que se hizo internacionalmente famoso con el Oscar que ganó como director de arte de la película Restauración de 1995. Y ese reconocimiento quedó expresado en el programa de mano y en el cierre al finalizar la noche de estreno.

Dice la historia que, a mediados del siglo XIX, Jacques Offenbach conoció en París una pieza teatral llamada Les contes d’Hoffmann, de Jules Barbier y Michel Carré. Por entonces, era todavía un compositor en formación y no había adquirido la fama que lograría más adelante. Pasarían tres décadas antes de que le propusiera al mismo Barbier convertir la pieza en una ópera y estrenarla, finalmente, en el Théâtre de l’Opéra-Comique de París en 1881.

La obra, plenamente inspirada en aquella original, relata las vicisitudes amorosas de Ernest Theodor Amadeus Hoffmann (más conocido como E.T.A. Hoffmann) que fue un escritor y artista multifacético del siglo anterior, aquí convertido en un personaje de ficción que conserva su profesión de poeta. Sus cuentos, donde él mismo se eligió personaje central, serían entonces el punto de partida inicial, primero para la pieza teatral y luego para la ópera que aquí nos convoca.

El argumento habla de un señor que recuerda y relata a sus amigos tres desengaños y/o fracasos amorosos con tres mujeres muy distintas que terminan teniendo en común el parecido con “Stella”, una cantante lírica que sería el verdadero amor del artista. Con mucho de fantasía, esas mujeres amadas y perdidas, pueden ser una muñeca mecánica a la que su inventor llama “hija” (“Olympia”), una joven que hereda una extraña enfermedad de su madre y muere cuando decide volver a cantar (“Antonia”) y una mujer de reputación dudosa y sin escrúpulos que lo engaña haciéndole creer un amor que no le tiene para aprovecharse de su deseo y robarle la imagen y el alma (“Giulietta”). Las tres están rodeadas de padres que confunden personajes, de señores poderosos -y a veces también de moral liviana- que aspiran a las mismas mujeres que Hoffmann, de médicos que serían expulsados de cualquier academia profesional, de amigos que escuchan y de una “Musa” -que en buena parte de la pieza se convierte en hombre bajo el nombre de “Nicklausse”- que funciona como un alter ego, como cable a tierra, como consejero y mentor, frente a un Hoffmann que tiende siempre a llevarse más por los instintos que por la razón.

Cargado de fantasía y de imaginación, lejos de cualquier realismo, Hoffmann termina frustrado, perseguido por la policía por un asesinato que ha cometido y solo con su musa y sus amigos recordando su pasado.

Zanetti aprovechó todo este material narrativo -algo infantil si se lo mira en sí mismo- para desarrollar una enorme cantidad de ideas, de paisajes, de escenografías, de lugares imaginarios, de mezcla de épocas, de personajes extemporáneos -incluso muy posteriores a los tiempos en que todo este material fue originalmente concebido-. Dio un enorme protagonismo escénico a actores y cantantes del coro. Puso a girar y a interactuar con los intérpretes escenografías hollywoodenses. Creó espacios que son entre fantasmagóricos y bellísimos. Hizo un despliegue de recursos que sorprende para una producción argentina, con cientos de trajes, zapatos y recursos técnicos. Se atrevió a la osadía de (falsos) desnudos y erotismo. Y terminó, en buena medida, convirtiendo a su puesta en una protagonista más -por momentos central- de esta nueva versión de Los cuentos… en el Colón.

Y si bien el argumento y los textos de esta obra concebida en cinco partes -prólogo, tres actos y epílogo- es algo fútil, la música es de una brillantez, de una inspiración, de un trabajo orquestal, de una sucesión de arias, dúos, tríos, momentos corales monumentales que, sumados a una puesta como la que se está viendo, permiten no hacer tediosas las casi cuatro horas que suma la ópera con sus intervalos.

En este maremágnum de recursos diversos -y por momentos, aparentemente contradictorios- deben destacarse las excelentes actuaciones del Coro y de la Orquesta estables, bajo la batuta incansable del director toscano Carlo Montanaro, que sostiene el clima musical a lo largo de su muy exigente función.

Y renglón aparte merece también el desempeño de los solistas, que son muchos y -hablamos en este caso de los que vimos en la función de estreno- de un nivel altísimo. Vale entonces destacar muy especialmente al bajo Dmitry Ulyanov (“Lindorf”, “Coppélius”, “Dr. Mirable”, “Dapertutto), a los tenores Santiago Martínez, Carlos Ullán y Gabriel Renaud en distintos papeles, al barítono Alejandro Spies (“Crespel”), a los bajos Emiliano Bulacios y Cristian De Marco, a la mezzo María Luján Mirabelli. Es muy destacada la tarea de las sopranos que encarnan a las amantes: Mar Morán como “Olympia” -con un aria del primer acto que fue de lo más alto de esta puesta-, Jaquelina Livieri como “Antonia” y “Stella” y María Costa-Jackson como “Giulietta”. La mezzo Annalisa Stroppa hace una “Musa”/”Nicklausse” hermosa/o desde lo vocal y también desde su gran talento actoral. Y, por supuesto, por atravesar toda la obra, por sostener varios momentos diferentes en la vida del protagonista, por su gran trabajo como cantante, quien se lleva las mayores palmas es el tenor francés Jean-François Borras en el papel de E.T.A. Hoffmann.

4 stars

Hoy se puede ver una oleada que va desde grandes festivales al aire libre, como República Folklore, que se realizará el 21 y el 22 de noviembre; o La Porteña, que tendrá lugar el 12 de diciembre, a propuestas de streaming, encuentros que se sostienen con el paso de los años y ciclos de música popular como Ritual Criollo, en salas más pequeñas.

Las peñas, los ciclos y los festivales de música que actualmente se programan tienen su origen en múltiples factores. El festival República Folklore se realizará en el Parque de la Ciudad y reunirá en varios escenarios a más de cincuenta artistas: Soledad, Abel Pintos, Los Nocheros y el Chaqueño Palavecino, a Peteco Carabajal, el Dúo Coplanacu, Los Tabaleros y Teresa Parodi, entre otros.

La difusión que se hizo de este festival, cuando se presentó su grilla diaria, vino acompañada por un informe de Spotify que refería al crecimiento de esta música popular. “El nacimiento de República Folklore coincide con un momento de gran crecimiento para el género -dice el comunicado-. Según datos de Spotify, el folklore argentino registró un crecimiento del 85 por ciento entre 2020 y 2025, mientras que las reproducciones aumentaron un 1.645 por ciento entre 2015 y 2025. Además, más de 16,5 millones de playlists creadas por usuarios de todo el mundo incluyen folklore argentino, mientras que la Generación Z incorpora cada vez más al folklore como parte de su identidad musical, demostrando que tradición e innovación pueden convivir dentro de un mismo universo de escucha”.

Hay otros emprendimientos que este nuevo boom por el folklore posibilitó. Tal el caso de La Porteña, proyecto creado por dos porteños fanáticos del folklore, Daniel Dartiguelongue y Bautista Bourdieu.

“Con mi primo Bauti teníamos un grupo de folklore y al final de cada show agregábamos un poco de baile, que no era el típico de las peñas folklóricas de acá. Había una necesidad de una juventud que quería compartir el clima de peña y luego el de cualquier otra noche de Buenos Aires”, explica Daniel, quien en menos de dos meses producirá la segunda edición del Festival La Porteña, en el Hipódromo de Palermo. Próximamente se conocerá la grilla artística y la manera de conseguir las entradas.

“Mucha gente viene del interior a estudiar en Buenos aires y encontró en La Porteña a la peña folklórica y luego [ya en la trasnoche] el boliche bailable. Empezaba con folklore y luego de los grupos el DJ enganchaba con música para los que no son tan del folklore. Era un lugar para encontrarse con gente que estaba en la misma que vos”.

Comenzaron hace casi una década en salas chicas. Al año siguiente produjeron un festival para 2500 personas en el Palacio Alsina. También armaron sus fiestas en Museum y el Planetario. “A la vez, nacieron otras peñas con la misma lógica, como La Tincho Fierro o tomaron auge otras que ya existían, como Tamarisco Bar, peña y cachengue. Muchos empezaron a ver lo sano que es el encuentro a través del folklore, eso es lo que terminó atrayendo a la gente. Siempre vimos que en en el interior pasaba algo con el folklore que no pasaba acá. ¿Por qué no? Si acá ha gente del interior, de paso o radicada. Por eso apostamos a hacer cosas cada vez más grandes”.

Los primos y socios crearon ciclos como Sapucay, Grito de Fiesta, que se realiza un par de veces al año (marzo y julio), en Groove, y capta tanto al público de Buenos Aires como el que se acerca en época de exposición Rural (en los 10 encuentros realizados entre 2025 y 2026 convocaron a 18.000 asistentes. “La gente termina viendo que el lugar tiene corazón y no es algo transaccional. Hoy La Porteña es comunidad, más allá de quien toque”, agrega.

Una de las características que se resaltan en los ciclos de Groove es que las estéticas folklóricas que abarcan pueden ser de lo más amplias. De Sele Vera y Flor Paz a Los Tabaleros, el Dúo Coplanacu y el payador Nicolás Membriani. A finales del último año realizaron el primer Festival La Porteña ante 10.000 personas, en el Hipódromo de Palermo. Ahora van por el segundo, el 12 de diciembre.

La escena tiene muchos otros matices. Desde las comidas de las peñas La Paila y La Morena a proyectos de streaming. El último año, luego de pasar por el ciclo FA!, Milo J le propuso al su anfitrión, Mex Urtizberea, crear FAlklore! con el mismo formato, pero ceñido al folklore como foco temático. Implicó un show en el Movistar Arena y dos grabaciones de las Sesiones Falklore!

De guitarreadas

De lo masivo a lo intimista, el abanico es amplio. Buscando en el detalle, se pueden encontrar ciclos exquisitos de folklore o música popular de raíz en las propuestas de Los Galgos, en Hasta Trilce, una sala imprescindible de Buenos Aires, o en el Patio de Ciudad Cultural Konex donde, eventualmente, la estética fabril que la enmarca vibra al pulso de zambas o chacareras.

Semanas atrás, se celebró en dos funciones los dos años del exquisito ciclo Ritual Criollo, del Bar Los Galgos (Callao 501), donde estuvieron recientemente Juan Falú y el dúo de Micaela Vita y Juan Saraco.

“Desde su nacimiento, Ritual Criollo se propuso recuperar un espacio que parecía cada vez más difícil de encontrar en Buenos Aires, un lugar donde los músicos pudieran estar sentados cerca del público para generar esas misas de las guitarreadas, donde las canciones pasan de una guitarra a otra, de una voz a otra, y distintos repertorios se mezclan”, dice Gabriel Plaza, periodista y curador artístico de este ciclo junto a Claudia Regina Martínez. “Los amigos que aparecen como invitados y la frontera entre escenario y público prácticamente desaparece. Esa atmósfera de intimidad y cercanía fue una de las claves que convirtió al ciclo en un punto de encuentro para distintas generaciones de artistas de la música de raíz”, completa.

Otro de los espacios que con los años se tornó imprescindible es La Peña de los Abrazos, del Ecunhi, en Avenida del Libertador 8151. “La Peña de los Abrazos nace como un lugar para el encuentro, para compartir, participar, escuchar, disfrutar, bailar, cantar y resistir”. Esa es su carta de presentación, que durante una década se puedo confirmar en cada encuentro.

El adelantado y los peñeros

En 1921, Buenos Aires recibió al adelantado Andrés Chazarreta que trajo sus espectáculos de danzas folklóricas al teatro Politeama. Décadas después,los Hermanos Abalos abrieron su peña Achalay, en el sótano de la confitería Versalles, en Santa Fe y Paraná. A partir de la década del 50 recibió a los grupos folklóricos que se convirtieron en clásicos (cuatro cantores con tres guitarras y un bombo) que tuvieron a Los Chalchaleros como grandes referentes. Por esos años, llegaba al barrio de La Boca una muy chamamecera camada de compositores e intérpretes del Litoral (Ramona Galarza, Ernesto Montiel, Isaco Abitbol). Porque el chamamé estaba instalado en las costumbres de todos esos “anónimos” que migraban en busca de trabajo y terminaron afincados en lo que hoy llamamos AMBA; detrás de ellos también llegaron todos aquellos grandes artistas.

Ya en la década del 60, Buenos Aires le ponía el oído a los grandes festivales que se multiplican y crecían en todo el interior (especialmente los cordobeses, como el de Cosquín) y atraía a sus artistas para que grabaran sus discos en estudios porteños. Por ese tiempo, para hacer carrera era más fácil si se ponía un pie en la capital argentina. Buenos Aires funcionaba como una especie de amplificador; por sus estudios de grabación y sellos discográficos, por sus canales de televisión, por sus emisoras de radio.

Los años del “folklore joven”

Una oleada similar fue la de la década del 9, cuando los festivales se llenaban de cazatalentos discográficos y esos sellos que habían dejado de publicar álbumes folklóricos encontraban una nueva etiqueta: “folklore joven”. Lo cierto es que jóvenes eran sus intérpretes, como Soledad, Luciano Pereyra, Abel Pintos; no el folklore. Sí es cierto que hubo quienes se arrimaron porque escucharon un bajo y una batería en canciones folklóricas. Y en esto tuvieron bastante que ver Los Nocheros.

Aunque si salimos de lo que fue la masividad de algunos artistas y los contratos con discográficas multinacionales, es justo decir que a nivel estético, la renovación comenzó en los ochenta, con Chango Farías Gómez, Peteo Carabajal y el grupo MPA, con Cuti y Roberto Carabajal, con Ica Novo y el gran Raúl Carnota; con el encuentro bautizado Alternativa Musical Argentina impulsado desde Paraná por el grupo Magma, que reunía a muchas otras expresiones de la música popular de raíz folklórica que no navegaron por el andarivel de la masividad. Dentro de esa línea, entre finales de los 90 y la primera década del siglo XXI, la Escuela de Música Popular de Avellaneda se convertía en un gran semillero de talentos y Buenos Aires se llenaba de peñas.

Nostalgia de los habitués

Los memoriosos que fueron habitués recordarán cada una y hasta sus direcciones. La Peña del Colorado (Güemes 3657), Del Abasto (Anchorena y Pje. Carlos Gardel), La Señalada (Carlos Calvo 3891), Lo de Pueyrredón (Armenia 1378), Sonckoy Carabajal (Perón 2543), Peña de la Ribera (Rodríguez Peña 1485, San Isidro), La Resentida (Colombres 767), El Desalmadero (Scalabrini Ortiz 670), La Eulogia, (Chacabuco 874), o La Paila (Costa Rica 4848), que funciona hasta el día de hoy.

Por esos años se realizaba un ciclo llamado Músicas de Provincia, una iniciativa de la cantante María de los Ángeles Ledesma, que tuvo eco en el espacio BAM (del gobierno porteño) para convertirse en un festival anual, que servía de vidriera de aquella cantera de artistas del interior y también de Buenos Aires. Ese fue el momento en el que la ciudad había establecido su propia dinámica y personalidad, para cobijar y producir música de raíz folklórica.

“Los dos minutos más emocionantes”

No es un concierto ni un recital, ni tampoco una comedia musical o un music hall, y a la vez es un poco todo eso. Pero en cuentagotas, y de a tramos. Musicalmente tuyos, la creación del talentoso Fernando Albinarrate –aquí autor del libro, de las letras y de la música original, y director musical y codirector general-, es una experiencia teatral original, que abreva en todos esos géneros pero que, lamentablemente, no se juega por ninguno. Algunos lo entenderán como un espectáculo heterogéneo, audaz y atípico; mientras que otros –entre los que se encuentra el que subscribe estas líneas-, lo verán como un show bien intencionado y entretenido, pero excesivo y falto de cohesión.

La propuesta está dividida en siete segmentos o partes de un itinerario, ya que se propone como un viaje en avión con varias escalas; algunas netamente musicales, otras humorísticas. “Bienvenidos a nuestro vuelo LA 440 con destino a la Música. El comandante y toda su tripulación aquí presente les damos la bienvenida”, dirá en un comienzo Ivanna Rossi, la gran actriz de musicales devenida azafata para la ocasión. A partir de ahí se producirá un derrotero variopinto por la historia de la música y de las ciudades que la vieron crecer. Al silencio de los albores le seguirá la irrupción de las notas, al principio desordenadas, luego en formato de escalas. Habrá referencia a la Grecia antigua y al filósofo Pitágoras. Y se escuchará, al pasar, un mash up de la obertura de “Los maestros cantores de Nüremberg”, de Wagner, y de “Love of my Life”, de Queen (como si algo tuvieran que ver con esos tiempos). Más tarde habrá una versión sui generis del “Do Re Mi” de La novicia rebelde, y comentarios sobre el nacimiento de los acordes y de las armonías; cerrando la primera parte del espectáculo, sin ton ni son, con unos tangos.

La segunda parte transcurre en el estudio principal de radio La corchea, durante la transmisión del programa Partido de música y se escucha algo del Cascanueces de Tchaicovski. El segmento estará dedicado especialmente a comparar los modus operandi de los distintos músicos de una orquesta con el desempeño de los diversos jugadores de un club de fútbol. A eso le seguirá otra ligazón especial (o antojadiza): la de la composición musical con la gastronomía y, como ejemplo, se ofrecerá la receta para “cocinar un vals”. Y así, en ese tono, entre singular y disparatado, transcurrirán todas las otras instancias de Musicalmente tuyos, concluyendo con un mix de “Thank You for the Music”, de ABBA, y “We Can’t Stop the Music”, de Village People. Digamos que el espíritu pedagógico de la propuesta –que es válida, por cierto- se diluye entre el exceso de referencias y extrapolaciones. Llega un punto en que las alusiones y citas abruman y no se encuentra demasiada conexión entre unas y otras.

No obstante, hay momentos muy logrados. Entre ellos, la rendición de “La flor de la canela”, de Chabuca Granda; la narración de la historia antibélica de “Lili Marlene” (homenaje a China Zorrilla incluido) y, en especial, la emotiva lectura de la carta que Bach le deja a su mujer al morir, como testamento complementario al legal, donde abriga “la esperanza de que la música siga abriéndose camino en toda la Tierra”; y donde le pide que trate de llevar a cabo su última voluntad: “que en nuestra casa siga sonando la música, toda la música, la tuya, la mía, la de nuestros hijos, la de nuestros amigos, la de nuestros rivales, la de los que vendrán”.

Todos los intérpretes están bien, pero no muestran una faceta que no hayan desarrollado antes en algún otro espectáculo. Como si hubiesen quedado libres a su propia dirección y hubieran tenido que recurrir a sus recursos más probados. Pero, claro, como son tan buenos individualmente, se destacan igual, aportando histrionismo en algunos casos y destreza vocal, en otros. Ivanna Rossi, Iride Mockert, Mariano Mazzei y Max Accavallo salen airosos del compromiso maratónico y, como siempre, es un gusto volver a verlos.

Otro punto a favor de Musicalmente tuyos es la orquesta de 13 músicos que ocupa todo el escenario del Teatro Picadero, dirigida por Albinarrate. No solo son muy buenos ejecutantes, sino que dejan en claro que los musicales (o los géneros periféricos que los acompañan) son siempre mejores con músicos en vivo. En ese sentido, y si bien por lo descripto le faltaría una revisión que le otorgue síntesis, el show merece ser recomendado. Porque es una rara avis en la cartelera local –donde grandes producciones se contentan con solo tres o cuatro músicos como banda y otras, directamente apelan a pistas grabadas-. Y porque a las propuestas independientes y con altos objetivos artísticos, más allá de los resultados, siempre es bueno apoyarlas.

3 stars

Como si el destino guardara secretos inexpugnables, Eugenio Zanetti se descompensó en el Colón mientras preparaba una nueva puesta de Los cuentos de Hoffmann para el teatro. Esa situación que lo llevó al final de su vida a los 79 años en plena actividad. En una sala que lo albergó varias veces -muchos recuerdan su puesta de Don Carlo de 2015-, inclusive con esta misma obra de Offenbach-Barbier hace menos de una década. De modo que este estreno para la temporada operística, con su diseño de escenografía, sus dibujos y sus vestuarios y su dirección escénica, que sostuvo mientras pudo estar presente (luego completada por el director de la orquesta), terminó siendo un homenaje póstumo y merecidísimo para este gran artista cordobés que abarcó muchos rubros de la cultura y que se hizo internacionalmente famoso con el Oscar que ganó como director de arte de la película Restauración de 1995. Y ese reconocimiento quedó expresado en el programa de mano y en el cierre al finalizar la noche de estreno.

Dice la historia que, a mediados del siglo XIX, Jacques Offenbach conoció en París una pieza teatral llamada “Les contes d’Hoffmann”, de Jules Barbier y Michel Carré. Por entonces, era todavía un compositor en formación y no había adquirido la fama que lograría más adelante. Pasarían tres décadas antes de que le propusiera al mismo Barbier convertir la pieza en una ópera y estrenarla, finalmente, en el Théâtre de l’Opéra-Comique de París en 1881.

La obra, plenamente inspirada en aquella original, relata las vicisitudes amorosas de Ernest Theodor Amadeus Hoffmann (más conocido como E.T.A. Hoffmann) que fue un escritor y artista multifacético del siglo anterior, aquí convertido en un personaje de ficción que conserva su profesión de poeta. Sus cuentos, donde él mismo se eligió personaje central, serían entonces el punto de partida inicial, primero para la pieza teatral y luego para la ópera.

El argumento habla de un señor que recuerda y relata a sus amigos tres desengaños o fracasos amorosos con tres mujeres muy distintas que terminan teniendo en común el parecido con “Stella”, una cantante lírica que sería el verdadero amor del artista. Con mucho de fantasía, esas mujeres amadas y perdidas, pueden ser una muñeca mecánica a la que su inventor llama “hija” (“Olympia”), una joven que hereda una extraña enfermedad de su madre y muere cuando decide volver a cantar (“Antonia”) y una mujer de reputación dudosa y sin escrúpulos que lo engaña haciéndole creer un amor que no le tiene para aprovecharse de su deseo y robarle la imagen y el alma (“Giulietta”).

Las tres están rodeadas de padres que confunden personajes, de señores poderosos -y a veces también de moral liviana- que aspiran a las mismas mujeres que Hoffmann, de médicos que serían expulsados de cualquier academia profesional, de amigos que escuchan y de una “Musa” -que en buena parte de la pieza se convierte en hombre bajo el nombre de “Nicklausse”- que funciona como un alter ego, como cable a tierra, como consejero y mentor, frente a un Hoffmann que tiende siempre a llevarse más por los instintos que por la razón.

Cargado de fantasía y de imaginación, lejos de cualquier realismo, Hoffmann termina frustrado, perseguido por la policía por un asesinato que ha cometido y solo con su musa y sus amigos recordando su pasado.

Zanetti aprovechó todo este material narrativo -algo infantil si se lo mira en sí mismo- para desarrollar una enorme cantidad de ideas, de paisajes, de escenografías, de lugares imaginarios, de mezcla de épocas, de personajes extemporáneos -incluso muy posteriores a los tiempos en que todo este material fue originalmente concebido-. Dio un enorme protagonismo escénico a actores y cantantes del coro. Puso a girar y a interactuar con los intérpretes escenografías hollywoodenses. Creó espacios que son entre fantasmagóricos y bellísimos. Hizo un despliegue de recursos que sorprende para una producción argentina, con cientos de trajes, zapatos y recursos técnicos. Se atrevió a la osadía de (falsos) desnudos y erotismo. Y terminó, en buena medida, convirtiendo a su puesta en una protagonista más -por momentos central- de esta nueva versión de Los cuentos… en el Colón.

Y si bien el argumento y los textos de esta obra concebida en cinco partes -prólogo, tres actos y epílogo- es algo fútil, la música es de una brillantez, de una inspiración, de un trabajo orquestal, de una sucesión de arias, dúos, tríos, momentos corales monumentales que, sumados a una puesta como la que se está viendo, permiten no hacer tediosas las casi cuatro horas que suma la ópera con sus intervalos.

En este maremágnum de recursos diversos -y por momentos, aparentemente contradictorios- deben destacarse las excelentes actuaciones del Coro y de la Orquesta Estables, bajo la batuta incansable del director toscano Carlo Montanaro, que sostiene el clima musical a lo largo de su muy exigente función.

Y renglón aparte merece también el desempeño de los solistas, que son muchos y -hablamos en este caso de los que vimos en la función de estreno- de un nivel altísimo. Vale entonces destacar muy especialmente al bajo Dmitry Ulyanov (“Lindorf”, “Coppélius”, “Dr. Mirable”, “Dapertutto), a los tenores Santiago Martínez, Carlos Ullán y Gabriel Renaud en distintos papeles, al barítono Alejandro Spies (“Crespel”), a los bajos Emiliano Bulacios y Cristian De Marco, a la mezzo María Luján Mirabelli. Es muy destacada la tarea de las sopranos que encarnan a las amantes: Mar Morán como “Olympia” -con un aria del primer acto que fue de lo más alto de esta puesta-, Jaquelina Livieri como “Antonia” y “Stella” y María Costa-Jackson como “Giulietta”. La mezzo Annalisa Stroppa hace una “Musa”/”Nicklausse” hermosa/o desde lo vocal y también desde su gran talento actoral. Y, por supuesto, por atravesar toda la obra, por sostener varios momentos diferentes en la vida del protagonista, por su gran trabajo como cantante, quien se lleva las mayores palmas es el tenor francés Jean-François Borras en el papel de E.T.A. Hoffmann.

Es un lugar que tiene una capacidad para alrededor de 15.000 personas y es uno de los escenarios más convocantes en los últimos años. Sus próximas fechas incluyen tanto artistas nacionales como internacionales. En este sentido, muchos se preguntan cuál es la agenda de shows para la semana del 12 al 18 de octubre.

Quién toca en el Movistar Arena hoy: todos los recitales de la semana del 12 al 18 octubre de 2026

Dónde queda el Movistar Arena

El Movistar Arena se encuentra en el barrio porteño de Villa Crespo, junto a la cancha de Club Atlético Atlanta. Más precisamente, su dirección es Humboldt 450. También cuenta con una entrada de ingreso Av. Corrientes 6094.

Cómo llegar al Movistar Arena

La ubicación que tiene este estadio le permite tener una gran accesibilidad, especialmente en transporte público. A continuación, todas las formas de llegar al Movistar Arena y sus principales accesos:

Colectivos:

• 19, 34, 42, 55, 65, 71, 76, 78, 90, 93, 111, 127, 176. También hay paradas del Metrobús en avenidas cercanas como Av. Corrientes y Av. Juan B. Justo, en cercanía al Movistar Arena.

Trenes:

• San Martín (estación Villa Crespo).
• Urquiza (estación Federico Lacroze).

Subte:

• Línea B (estación Dorrego).

Estas opciones permiten llegar al Movistar Arena desde diferentes puntos de la ciudad y son las vías recomendadas para los asistentes a los eventos.

A su vez, se puede ir en auto al estadio, aunque puede ser difícil encontrar lugar para estacionar por la alta demanda de la zona. Los accesos vehiculares principales son Av. Corrientes y Humboldt. Desde el centro porteño se recomienda tomar Av. Corrientes hacia el oeste hasta llegar al barrio de Villa Crespo. También es posible acceder desde el norte por Av. Juan B. Justo.

Cabe recordar que el Movistar Arena cuenta con un estacionamiento dentro de su predio exclusivo para los asistentes de sus shows. Este está gestionado por Seeker Parking, donde se puede reservar y asegurar el lugar con anticipación. Su valor ronda los $8000 por evento.

El Palacio Ortiz Basualdo

La Fiesta Nacional de España

3 stars

Cuando Ben Affleck estrenó Desapareció una noche allá por 2007, la sorpresa fue mayor. Si bien Affleck es injustamente subvalorado como actor, su debut como realizador lo llevó a obtener un merecido prestigio, producto de una ópera prima sólida que giraba sobre un complejo caso policial. En ese film, la historia hacía foco en los claroscuros de la ley y en una instancia superadora de la justicia que tenía que ver con la condición humana y el conflicto que surgía a partir de comprender que la ética personal y profesional pueden ser conceptos contrapuestos. A lo largo de sus películas posteriores, Affleck volvió a visitar esa idea, que lo lleva ahora a Animales, su último largometraje en el que vuelve a reflexionar, aunque de manera más cínica, sobre esa premisa.

Aquí la historia es la de Mark Kimball (Affleck), un aspirante a gobernador de Los Ángeles, que se encuentra sumergido en una campaña para la que invirtió todos sus ahorros familiares. Durante una tarde y a pocos días de las elecciones, un llamado anónimo le revela al protagonista que su hijo fue secuestrado y que solo se lo devolverán con vida a cambio de siete millones de dólares. Kimball se endeuda aún más con el objetivo de reunir el dinero, hasta que descubre que en realidad el niño raptado es el hijastro de su empleada, una mujer mexicana cuya pareja es un inmigrante ilegal. Para colmo, la infidelidad de su esposa y una abrupta caída en su número de votantes llevan a Kimball a convertirse en el epicentro de una tormenta perfecta que amenaza con arrasar su vida personal, conyugal y profesional. Mientras tanto, él deberá resolver si utiliza o no sus últimos dólares, con el objetivo de pagar el rescate de un niño secuestrado por error.

A primera vista, se hace evidente que estamos ante la misma trama del film Del cielo al infierno, dirigido por Spike Lee y estrenado el año pasado. Ese título, a su vez, era una remake de El infierno del odio, una de las mayores obras maestras de Akira Kurosawa, lanzada en 1963. Sin embargo, Animales no es una reversión y en una entrevista reciente el propio director confesó que nunca vio el largometraje del legendario realizador japonés. Más allá de creerle o no, es innegable que Animales tiene ingredientes que Affleck trabaja desde hace tiempo en sus relatos y que justamente tienen que ver con los grises que habitan en las éticas personales.

En este punto de su carrera, Affleck pareciera haber perdido la fe en la humanidad. Muchos personajes de sus películas anteriores eludían las reglas del juego por un bien mayor y de alguna manera se volvían protagonistas imperfectos, pero de gran nobleza. Aunque acá el juego es al revés. Animales comienza con el retrato de un político que se pretende sincero, pero al que el sistema comienza a deshumanizar en esa carrera hacia la gobernación. Kimball habla de plata todo el tiempo; le preocupan las deudas, los préstamos y su rutina respira tendencias parciales de cara a la inminente votación. Para este candidato todo se reduce a proyectar una imagen de político “buen tipo”, que de hecho lo es, aunque no sabe bien cómo transmitirlo. Hasta que el secuestro del niño le devuelve un sentido de la humanidad, un deseo por hacer el bien más allá de las ganancias simbólicas inmediatas. Sin embargo, el devenir de la trama llevará al personaje a un lugar de inevitable cinismo y a la tentación de capitalizar esa crisis hacía un rédito electoral. En ese punto, es que aparece un Affleck descreído que pareciera mirar con amargura el mundo actual.

Claro que, por momentos, la película tropieza y todo parece una ensalada en la que el director mezcla más ingredientes de los que puede procesar. Hay un intento por mostrar el prejuicio que existe en los Estados Unidos contra la sociedad latinoamericana, e incluso se alude al cuestionado rol del ICE. Pero también hay conflictos conyugales confusos, caricaturescas figuras de poder que operan desde las sombras y evidentes baches de guion. De este modo, Affleck parece no terminar de decidir qué película quiere contar hasta que en el tramo final, el relato vuelve hacia el carril original y ahí sí el director demuestra su solvencia al sostener la tensión.

Irónicamente (y aunque oficialmente no lo es), Animales es una mejor relectura de El infierno del odio que la versión de Spike Lee. Más allá de sus errores, Affleck termina haciendo un juego de espejos con Kurosawa, que resignifica el poder de esta trama. En el film japonés, Akira mostraba a un empresario zapatero que por fuerza de las circunstancias, debía deambular en los bajos fondos e involucrarse con un mundo que le demostraba que la prosperidad japonesa posguerra no incluía a todos los sectores. En un camino similar, Kimball debe comprender que en su propia casa, la mujer que cuida de su hijo sufre prejuicios de toda clase por el solo hecho de ser mexicana. Entonces, que el personaje central sea un político, pone en crisis esta idea sobre quiénes son aquellos que nos representan y hasta qué punto verdaderamente entienden y pueden empatizar con lo que sufre el ciudadano de a pie. La conclusión frente a esa teoría es desoladora y de esta forma Affleck propone una película que se vuelve rabiosamente política y contemporánea.

La grilla de esta edición destaca a diez figuras principales: Travis Scott, Charli xcx, The Killers, Tini y David Guetta encabezan la nómina de artistas. También integran este grupo de jerarquía Queens of the Stone Age, The Neighbourhood, Rawayana, Fontaines D.C. y Sombr. Estos nombres lideran tres jornadas que buscan captar a audiencias diversas bajo una propuesta técnica integral.

La oferta musical se extiende a través de una lista extensa de músicos confirmados. El line-up incluye a The Prodigy, Dillom, Malcolm Todd, Dominic Fike, Cage The Elephant, Geese, RAYE, Lola Young y Slayyyter. La grilla continúa con nombres como Adéla, Un Poco de Ruido, Marlon Hoffstadt, Four Tet, Angine de Poitrine, Tomora, K4OS y Leon Bridges. La diversidad sonora se completa con Usted Señalemelo, Boys Noize, Snow Strippers, Carlita, Sammy Virji, Ninajirachi, Julia Wolf, Die Spitz, Yorghaki, The Avalanches y Rivo.

Los tickets disponibles ofrecen categorías con servicios diferenciados. El pase general garantiza acceso a los cinco escenarios y áreas comunes. Las opciones Plus Rino y Lolla Lounge brindan comodidades extras tales como baños preferenciales, Wi-Fi y sectores exclusivos de descanso.

• La organización habilitó la venta de abonos por tres días con valores que inician en $350.000 para la entrada general, sin contemplar el cargo por servicio.
• El sector Lolla Lounge alcanza los $875.000.
• La experiencia Plus Rino tiene un precio de $610.000.

El festival permite opciones adicionales para mejorar la estadía. La propuesta Lolla Dine ofrece mesas reservadas con menú a la carta y vistas panorámicas. El costo de estas mesas varía según la capacidad y el sector, entre los $330.000 y $1.320.000. El festival también dispone de un servicio de transporte gestionado por Bondit. Este servicio de traslado tiene un valor de $103.500 y conecta puntos específicos con el predio.

La organización advierte sobre el cupo limitado de estos traslados y sugiere la reserva temprana. Los menores de diez años ingresan gratis al predio siempre que un adulto responsable posea su entrada. El evento garantiza puestos de carga para sistemas cashless y estaciones de hidratación gratuita. Cada detalle operativo busca facilitar la permanencia del público en el Hipódromo durante el desarrollo de los conciertos.

La propuesta ocupará 20.000 metros cuadrados y reunirá 30 parrillas internacionales, degustaciones, showcookings, ponencias, debates, un mercado de productores y música en vivo. Cada cocinero presentará un plato y todas las propuestas gastronómicas tendrán un precio único de $17.000. Las entradas al festival parten de $15.000 por día.

Cuándo y dónde es Meat and Fire Buenos Aires 2026

• Fecha: sábado 10, domingo 11 y lunes 12 de octubre de 2026.
• Horario: de 12.00 a 00.00.
• Dónde: Hipódromo de Palermo, CABA.

Quiénes son los cocineros locales

La programación argentina reúne referentes de parrillas, restaurantes y proyectos gastronómicos de distintos estilos. Estos son todos los participantes locales son:

• Pablo Rivero, Don Julio (una estrella Michelin 2026; primer integrante del Hall of Fire de The World’s 101 Best Steak Restaurants, tras ocupar el primer puesto durante tres años consecutivos).
• Juan Gaffuri, Elena (recomendado por la Guía Michelin 2026; puesto 54 de The World’s 101 Best Steak Restaurants 2026).
• Leandro Loureiro, EJM Chuletería.
• Agustín Conde e Iñaki López de Viñaspre, Berria by Sagardi / Sagardi Cocineros Vascos.
• Eduardo Benítez y Mikel López de Viñaspre, Sagardi Cocineros Vascos.
• Sebastián Cardamoni, Fogón Asado (recomendado por la Guía Michelin 2026; puesto 22 de The World’s 101 Best Steak Restaurants 2026; distinguido como mejor steak restaurant de Sudamérica por esa publicación).
• Augusto Caballero, Gaucha.
• Germán Sitz, La Carnicería.
• Juan Ignacio Barcos, Madre Rojas (puesto 47 de The World’s 101 Best Steak Restaurants 2026).
• Santiago Garat, Corte Comedor (recomendado por la Guía Michelin 2026).
• Daniel Cocchia y Renzo, La Birra Bar / restaurante de Renzo no informado.
• Vic Achával, Manso.
• Alejandro Tarditti y Gonzalo Sacot (restaurante no informado en el documento de propuestas).
• Carlos Avalle (restaurante no informado en el documento de propuestas).
• Mecha Ferraro, Pan & Oliva.

Quiénes son los cocineros internacionales

La nómina internacional incluye representantes de Italia, España, Ecuador, Colombia, Paraguay y Brasil:

• Vincenzo Cugliari, Trattoria Dall’Oste, Florencia.
• Pasquale Maravita, La Baita Braceria, Nápoles.
• Julio Cruz, Don Cruz Steakhouse, Ecuador.
• Hideki Matsuhisa, Koy Shunka, Barcelona (restaurante con una estrella Michelin).
• Sdan Hinestroza, La Casa Humo Grill, Medellín.
• Negro Riveros, Las Brasas, Asunción.
• Joan Bagur, Oaxaca Cuina Mexicana, Barcelona.
• Leo Cao, Divino Steak House, Galicia.
• José Balart, Toro, Paraguay.
• Pedro Nunes, Nunes Parrilla, São Paulo.

Qué platos habrá en Meat and Fire Buenos Aires

Todos los platos cuestan $17.000.

Qué actividades habrá en el festival

Además de las parrillas y los platos de los cocineros invitados, el encuentro tendrá una Zona Market dedicada a artesanos, productores y proyectos sostenibles.

También habrá showcookings, ponencias y debates alrededor del producto y las técnicas de cocción al fuego, terrazas y espacios de degustación, actividades de marcas y escenarios con música en vivo.

Cuánto cuestan las entradas para Meat and Fire

El festival ofrece seis modalidades de acceso:

En los pases que incluyen consumo, 1 Meatcoin equivale a $1000.

Cómo comprar entradas para Meat and Fire

1. Ingresar al sitio oficial de Meat & Fire.
2. Acceder a la venta de entradas para Meat & Fire Buenos Aires 2026.
3. Elegir el tipo de acceso: Entrada General, Abono 3 días, Foodie Pass, Master of Fire, Friends on Fire 4x3 o Abono 3 días Friends on Fire 4x3.
4. Si se elige una entrada por día, seleccionar entre sábado 10, domingo 11 o lunes 12 de octubre.
5. Completar la compra en la plataforma habilitada.

También habrá entradas disponibles en la taquilla durante los días del festival.