Qué se esconde detrás de la famosa frase de Shakespeare que resuena hasta hoy
A lo largo de cuatro siglos, grandes actores han aprovechado las increíbles líneas en boca de Hamlet para mostrar su talento dramático
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El actor parece estar solo en escena. Recostado contra una pared, tiene el aire de alguien que reflexiona profundamente. El ceño fruncido sugiere sufrimiento. En su voz, angustia. Las palabras salen lentamente, en un murmullo. “Ser o no ser: esa es la cuestión”.
Así es como el escocés David Tennant comienza, en la versión para televisión filmada por la BBC en 2009, la primera escena del tercer acto de la obra “Hamlet”, de William Shakespeare.
Es difícil evitar los superlativos. Esta es la frase más conocida de la obra más famosa de William Shakespeare. Él, a su vez, es el autor de teatro más célebre de la literatura occidental.
Pero, ¿cuál es la historia detrás de esta frase?
¿Y qué hace que “Hamlet” sea una obra tan aclamada? ¿De qué trata? ¿Por qué tantos actores famosos quieren interpretar el papel de Hamlet y cuál es la relevancia de esta obra en la actualidad?
Hemos intentado responder a estas preguntas con la ayuda de expertos en Shakespeare y de la directora de interpretación teatral de la prestigiosa Royal Academy of Dramatic Arts (RADA), Sinéad Rushe.
También traemos un testimonio de archivo en el que Tennant habla de cómo fue para él interpretar a Hamlet y del poder “casi trascendental” de los textos de Shakespeare.
Comencemos con algunos datos básicos sobre la obra y un resumen de la trama.
Una obra sobre la venganza, pero con una diferencia
El inglés William Shakespeare, nacido alrededor de 1564 y fallecido en 1616, escribió La tragedia de Hamlet alrededor de 1599. En ese momento, ya era un maestro en el arte de la dramaturgia, y Hamlet tuvo un éxito inmediato.
Es la obra más larga del dramaturgo y existen varias versiones de ella. Las más completas superan las cuatro horas de duración.
Hamlet nos dejó, además de “Ser o no ser”, otras frases memorables, como “Algo huele a podrido en Dinamarca” y “Hay más cosas en el cielo y en la tierra, Horacio, de las que sueña tu filosofía”.
La historia, en líneas generales, es la siguiente:
El fantasma del rey de Dinamarca le pide a su hijo, el príncipe Hamlet, que vengue su muerte. Le dice a su hijo que quien lo mató fue su propio hermano, tío de Hamlet y actual rey, Claudio, ahora casado con la madre de Hamlet, Gertrudis. Al borde de la locura —o fingiendo estar al borde de la locura— Hamlet reflexiona sobre la vida y la muerte, y planea matar a su tío.
Temiendo por su vida, Claudio también hace planes para matar a su sobrino. La obra culmina en un duelo al final del cual Claudio, Gertrudis, el oponente de Hamlet y el propio Hamlet están muertos. La familia real está muerta. Entra en escena Fortinbras, el príncipe de Noruega, que ahora asumirá el trono y tomará el poder en Dinamarca.
El resumen anterior no deja lugar a dudas: Hamlet es (entre otras cosas) una obra sobre la venganza. Un tema muy popular en el teatro en la época en que fue escrita. Pero Shakespeare lo hizo de otra manera.
“Dramáticamente, la venganza es un gran tema porque contiene acción y reacción, y eso le da estructura a la obra”, comentó el profesor Jonathan Bate, de la Universidad de Oxford, en una entrevista con BBC Radio 4 en 2017.
Es decir, al igual que en las películas de acción actuales, las obras de venganza en la Inglaterra de Shakespeare eran espectáculos trepidantes, en los que sucedían muchas cosas.
“Pero lo que es tan innovador en esta obra es que, mientras que las versiones anteriores de las obras de venganza se centraban en las acciones del vengador, Hamlet se detiene y reflexiona”, continúa Bate.
“Así, la obra tenía más soliloquios, más momentos de reflexión interior que cualquier otra obra anterior”.
El soliloquio es un recurso dramático en el que el personaje habla consigo mismo.
En Hamlet, el efecto de este recurso es que el príncipe de Dinamarca no revela sus pensamientos a nadie en la corte, sino que desnuda su alma ante todo el público.
A lo largo de cuatro siglos, grandes actores, hombres y mujeres (sí, mujeres también), han aprovechado las increíbles líneas que Shakespeare puso en boca de Hamlet para mostrar su talento dramático.
En el siglo XX, Laurence Olivier, Ian McKellen, Ralph Fiennes, Keanu Reeves y Kenneth Branagh fueron algunos de ellos.
En este siglo, Benedict Cumberbatch, por ejemplo. En Brasil, Wagner Moura y Thiago Lacerda aceptaron el reto.
En 2008, por invitación de la prestigiosa compañía teatral británica Royal Shakespeare Company, David Tennant ofreció su versión del príncipe danés. En 2023, recordó la experiencia en una entrevista con la BBC.
“Hamlet es uno de esos papeles que, cuando estudias teatro, sueñas con interpretar algún día”, cuenta Tennant.
Quizás por eso confiesa que recibir la invitación lo aterrorizó, pero no podía rechazarla.
“Eres consciente de la estirpe de actores queridos que te han precedido y, por supuesto, es maravilloso llevar esa antorcha durante un tiempo. Para un actor, es casi como una prueba olímpica. Sin duda, es el mejor papel del canon”.
Tennant continúa: “Como actor, recibes estas palabras que son un poco mágicas y al principio un poco difíciles porque tienen 400 años de antigüedad. Hay que descodificarlas y no encajan inmediatamente en tu boca. Hay que traducirlas, da un poco de trabajo. Desde el punto de vista del público, también ocurre lo mismo”.
“Pero hay algo en esas palabras que, cuando te adentras en ellas, cuando las controlas (...), cuando sientes, por un segundo, que eres tú quien dirige las palabras y no ellas a ti... hay algo casi trascendental en ellas”.
Entre esas palabras mágicas se encuentran las que dan título a este reportaje.
“Ser o no ser: esa es la cuestión”
La crítica teatral y traductora brasileña Bárbara Heliodora, fallecida en 2015, es autora de la traducción de “Hamlet” más utilizada en Brasil.
Heliodora optó por una versión coloquial de la célebre frase: “Ser o no ser, esa es la cuestión”, propuso.
Las siguientes líneas quedaron así:
“¿Es más noble soportar en la mente
los dardos del destino trágico,
o tomar las armas contra un mar de escollos
y, enfrentándolos, vencer?“.
Según la entrada “Ser o no ser” de la Enciclopedia Británica, el monólogo expresa la obsesión de Hamlet con una importante cuestión moral. ¿Es correcto que Hamlet vengue la muerte de su padre matando al sospechoso del asesinato, Claudio? El monólogo, dice la entrada, también trata de la preocupación de Hamlet por los conceptos de vida, “ser”, y muerte, “no ser”.
En cuanto al significado del monólogo, la enciclopedia cita dos líneas interpretativas. Según la primera, Hamlet estaría expresando el temor de que, al matar a su tío Claudio, estaría cometiendo un pecado muy grave. Como resultado, su alma estaría condenada a la perdición eterna.
La segunda interpretación sería que Hamlet estaría considerando suicidarse.
Ambas interpretaciones tienen fuertes defensores y detractores, continúa la entrada de la Enciclopedia Británica. Y los diversos matices en el significado del monólogo reflejan la complejidad psicológica en la construcción del personaje.
¿Cómo es para un director dirigir esta escena?
Eso es lo que BBC News Brasil le preguntó a la irlandesa Sinéad Rushe, que conversa con la reportera al final de un día de ensayos con su propia compañía de teatro para un montaje experimental de “Hamlet” en colaboración con la RADA.
En su respuesta, a veces encarnando al personaje y otras hablando de Hamlet en tercera persona, la directora presenta una posible interpretación del monólogo.
Rushe dice que, en primer lugar, hay que comprender la situación en la que se encuentra el personaje. Está solo, ha perdido a su padre, su tío se ha casado con su madre y ella ya no le presta atención. Hamlet también ve una Dinamarca corrupta, incapaz incluso de cumplir el período adecuado de luto en respeto a su padre fallecido.
Rushe describe el mundo desde la perspectiva de Hamlet. Sin color, sin vida, lleno de desesperanza, corrupto, maloliente.
“Hamlet se pregunta: ¿merece la pena vivir en este mundo? Mi sufrimiento es tan grande que estoy pensando en retirarme de este mundo”.
Mentalmente, el actor se pone en ese estado de ánimo. Y el monólogo se compone de una serie de preguntas, explica ella.
“¿Es mejor seguir vivo o poner fin a mi vida? ¿Es más noble afrontar lo que la vida pone en mi camino o acabar con mi vida?"
Hamlet se imagina muerto y reflexiona que tal vez la muerte le traiga un gran alivio. Quizás pueda dormir, descansar, soñar... pero ¿y si tiene pesadillas? Recuerda lo que le dijo el espíritu de su padre, que estaba atrapado en el purgatorio.
“Si me mato, tal vez vaya al purgatorio, tal vez sufra terriblemente”.
Entonces, Hamlet siente miedo, dice Rushe.
“El miedo a lo que hay más allá es tan grande que es por eso que no nos suicidamos, el miedo me impide quitarme la vida y me impide hacer cualquier cosa. Entonces, no hago nada”.
Rushe dice que, para ella, el monólogo es interesante porque es una especie de carta suicida interpretada por el actor.
“Una carta que luego se rompe”, dice la directora.
¿Un príncipe sediento de poder o al borde de la locura?
Sin embargo, cuando se trata de representar a Shakespeare, las decisiones del director y de la producción pueden transformar profundamente el significado de esa escena y, por supuesto, de toda la obra. Así lo afirma al servicio brasileño de la BBC la experta en Shakespeare Sheila Cavanagh, profesora de la Universidad Emory en Atlanta, Georgia, Estados Unidos.
“Una de las grandes cuestiones en Hamlet es si sus facultades mentales están realmente alteradas o si todo forma parte de una estrategia suya”.
En producciones protagonizadas por grandes nombres, sin embargo, es mucho más común que Hamlet sea representado como una figura reservada, enigmática, que no está loca, sino que solo finge estarlo, explica.
“Porque cuando tienes a estos grandes actores, quieren parecer que tienen el control. Ahora bien, esta es solo una interpretación de la obra. Otra interpretación sería que Hamlet está realmente perturbado mentalmente. Todo esto se deja de lado por razones que pueden no tener relación con la obra en sí”.
La posibilidad de que la salud mental de Hamlet esté afectada tal vez dé peso a los argumentos de quienes defienden que hay connotaciones suicidas detrás de las palabras “Ser o no ser: esa es la cuestión”.
Pero dejemos a un lado el monólogo para explorar otros grandes temas presentes en esta obra y la relevancia de Hamlet hoy en día.
Una decisión de la dirección que también altera radicalmente el sentido de la obra, continúa Cavanagh, tiene que ver con la inclusión o no del personaje de Fortinbras, cuyo padre, rey de Noruega, fue asesinado por el padre de Hamlet durante una batalla.
En la versión completa de la obra, Fortinbras se dirige a Dinamarca para vengar la muerte de su padre y recuperar el territorio tomado por Dinamarca en el pasado. En esta versión, Fortinbras llega con su ejército, encuentra a la familia real muerta y toma el poder.
“Cuando se elimina a Fortinbras, (la obra) se convierte en una tragedia doméstica”, dice Cavanagh.
Pero eso elimina de la historia una dinámica fundamental, explica. Lo que le sucede a la familia real tiene graves consecuencias para el pueblo danés.
“Creo que eso es algo muy importante en esta obra, ese ir y venir entre los individuos, sus deseos, su egoísmo y la forma en que eso afecta a todos (en la sociedad)”.
Llamamiento
Sinéad Rushe afirma que Fortinbras no fue eliminado de su versión de Hamlet. Y que, en su interpretación de la obra, hay dos guerras en Hamlet. La externa, entre Dinamarca y Noruega, y la interna, entre Hamlet y Claudio.
“En las interpretaciones modernas de ‘Hamlet’ se hace hincapié en su duelo, en la pérdida de su padre y en su relación freudiana, edípica, (con su madre)”.
Rushe recuerda, sin embargo, que Claudio usurpó el trono cuando, en realidad, Hamlet era el heredero legítimo.
“Y la búsqueda fundamental de Hamlet, su deseo, es recuperar lo que es suyo”, argumenta.
“No importa si está preparado o si alguien más cree que sería un buen rey. Nació para ser rey”.
En opinión de Rushe, temas como estos, invasiones, conquistas, territorio, poder y la noción de que “el más fuerte ganará” hacen de “Hamlet” una historia actual.
“Para mí, todo esto resuena ahora, políticamente, en lo que respecta a Rusia, Israel y Trump en Estados Unidos”, afirma. “En esta idea de que quien tiene el poder tiene la razón”.
¿Cómo es posible que un joven actor de hoy en día se identifique con la figura de Hamlet?, pregunto. La respuesta de Rushe puede ser válida también para públicos de todas las edades.
“Me parece interesante pensar en Hamlet como alguien joven y vulnerable, conectado con un futuro que él pensaba que iba a ser de una manera, pero que no será así”.
Se siente perdido, en conflicto, no sabe qué hacer consigo mismo, se siente inútil, dice Rushe.
La directora habla de otro tema recurrente en la obra: la vigilancia. Los personajes se vigilan constantemente unos a otros.
“La corrupción en Dinamarca, la vigilancia, el espionaje... todo el mundo está siendo observado y controlado. Esto hace que Hamlet se sienta atrapado, no puede abandonar su vida y elegir un camino diferente”.
Son cuestiones con las que los jóvenes pueden identificarse, afirma.
“¿Cómo se siente no tener ninguna autonomía? ¿Cómo se siente ser ignorado, no contar en este mundo? No sé cómo encajar, no sé cuál es mi papel".
“(Hamlet) puede ser un príncipe, pero eso no hace que su situación sea menos difícil existencialmente”.
Relevante y actual, la historia del atormentado príncipe danés sigue siendo un éxito de taquilla en todo el mundo.
En el segundo semestre de 2025, solo en Londres hubo al menos dos montajes de la obra. Uno en el National Theatre. Y el dirigido por Rushe, presentado en el teatro George Bernard Shaw, en la Royal Academy of Dramatic Arts.
Le pregunto por qué alguien debería salir de casa para ir a ver Hamlet al teatro.
Rushe se ríe con gusto, tal vez porque, para ella, la pregunta parece casi una provocación. E intenta explicar cuál es, en realidad, el gran atractivo de Shakespeare.
“Bueno, cuando Shakespeare está bien hecho, y el verso se comprende y se incorpora realmente (por el actor), suena tan claro, tan humano, que es difícil de creer”, dice Sinéad Rushe. “Suena rico, lleno de matices, divertido, inteligente e increíblemente contemporáneo”.
“Es como la gente hablando”.
Y añade: “Además, hay tantas frases e imágenes de esta obra en la conciencia colectiva que es maravilloso escucharlas en su contexto.
”Nuestro reto”, concluye la directora, “es hacer que suenen frescas, como si nunca se hubieran escuchado antes”.
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