Orígenes de la modernidad

Existe cierta idea, difundida y arraigada, de que el concepto de arte es algo eterno y universal. También se afirma que su nacimiento hay que buscarlo en la antigua Grecia o en el Renacimiento italiano. ¿Para encontrar los orígenes debemos desandar el tiempo hasta la célebre Venus de Willendorf, la Acrópolis de Atenas, quizá la Florencia del siglo XV?

La realidad es diversa, tal como lo entendemos hoy, el arte apenas tiene poco más de doscientos años. Nació en el siglo XVIII europeo, que es el de la Ilustración. Su principal característica es su status de autonomía. Hasta entonces estaba unificado con las instituciones sociales, laicas o eclesiásticas, simbolizadas por la trilogía del Trono, el Altar y la Nobleza. Se anunciaba el nacimiento del artista independiente, responsable sólo ante sí mismo, su público y sus colegas, no ante patronos o comanditarios.

Como lo señaló Larry Shiner, un catedrático de la Universidad de Illinois, antes del siglo XVIII, durante dos mil años, el arte se había desarrollado con otro concepto. El cambio, para M. H. Abrams, fue "una revolución copernicana". La nueva vía abarcó la sostenida y compleja sucesión de estilos, tendencias y lenguajes, desde las "bellas artes" del neoclasicismo hasta el tiempo de las vanguardias del siglo XX.

El siglo ilustrado vio nacer las principales instituciones del arte, como la estética, la historia del arte, los salones oficiales, la crítica y el museo. En un texto de 1735 con el título Reflexiones filosóficas en torno al poema, Alexander Baumgarten utilizó por primera vez el término estética. No muchos años más tarde, en 1764, Johann Joachim Winckelmann publicó su Historia del arte entre los antiguos, una obra fundamental. Fue el primero en intentar revelar el origen y crecimiento de las artes según los estilos de los pueblos, las épocas y los artistas. Se trataba de la idea del arte como organismo vivo, teoría que persistió largo tiempo.

El Salón de París, conocido como "exposición periódica de artistas vivos", fue creado por la Academia Real de Pintura y Escultura de Francia. Desde 1748 se organizó con un sistema de jurado de selección, obras aceptadas y rechazadas. La crítica de arte fue una consecuencia de esas presentaciones públicas y de la invención de la prensa moderna. En 1747 apareció la primera crónica, por cierto controvertida, sobre uno de estos salones. El crítico más célebre, reconocido como padre del género fue Denis Diderot, un filósofo ilustrado, que cubrió los Salones por encargo de La correspondance littéraire.

El museo es asimismo una institución de los últimos años del siglo XVIII. Aunque existen antecedentes, como las colecciones del Vaticano que podían ser visitadas el Viernes Santo de cada año, recién con la apertura en el Louvre, el 10 de agosto de 1793, quedó librado al público el primer museo en el moderno sentido de la palabra. Sus colecciones se integraron con los bienes de la corona que habían sido nacionalizados. Luego, con el botín napoleónico se reunieron por primera vez todas las artes: de Egipto al Rococó.

Movimientos modernos

En el viejo sistema del arte, que estuvo vigente hasta entrado el siglo XVIII, las obras se hacían por encargo. En la mayor parte de los casos, los pintores y escultores de corte recibían un salario anual y el pago de otros gastos. Quizás quedaron fuera de ese sistema Leonardo, Tiziano, Miguel Angel y algunos otros. Como obligaciones, debían pintar retratos, decorar aposentos y muebles, diseñar tapices y vasijas. También, como Da Vinci, organizaron festivales y banquetes. Imperaba un ideal de arte muy diverso del que maduró a lo largo de los siglos XIX y XX. Nada hacía pensar que algún día, con la crisis del clasicismo y la expansión del espíritu romántico, los artistas comenzarían a reunirse en movimientos aglutinados en torno a objetivos comunes. Menos imaginable era que los creadores quisieran ser originales, rompiendo con todas las tradiciones. Comenzaba a cristalizarse la idea de la modernidad artística.

Esas condiciones las anticipó Le Déjeuner sur l´herbe, un cuadro de Edouard Manet expuesto en el Primer Salón de los Rechazados, en París, en 1863. La tela desencadenó las burlas del público y la crítica unánime condenó esa composición sorprendente en la que "en medio de un bosque umbrío, una señorita privada de toda especie de vestido conversaba con dos estudiantes de boina".

De ese compromiso estético con el presente, con lo nuevo y la utopía, con lo original y la ocurrencia como expresión de la libertad individual, se nutrieron los movimientos modernos. Algunos de sus protagonistas principales, en el siglo XX, fueron Pablo Picasso, Wassily Kandinsky, Marcel Duchamp y Kasimir Malevich.

En 1907, a los veinticinco años, Picasso finalizó Las señoritas de Aviñón, una obra fundacional. Hacia 1910, Wassily Kandinsky abrió el ciclo histórico del arte abstracto con una acuarela conocida como Primera acuarela abstracta. En 1912 y 1913 Georges Braque y Picasso realizaron los primeros collages. Entre 1913 y 1923 Marcel Duchamp trabajó en otra obra emblemática del modernismo, La novia puesta al desnudo por sus solteros, incluso (El Gran Vidrio). En 1917, el mismo artista realizó un ready-made que tituló Fuente, un urinario de porcelana de uso masculino que presentó en la Exposición de los Independientes de Nueva York, bajo el seudónimo de R. Mutt. En 1918, el ruso Kazimir Malevich pintó el famoso Blanco sobre blanco. La enumeración, que es sucinta, podría continuar hasta límites no imaginados.

Hasta hace unas décadas, el arte moderno se construyó como un intrincado recorrido de tendencias y subtendencias siempre inaugurales, pendientes de solución e incompletas. Hoy, en el mundo del arte se habla de la crisis de ese modelo. ¿Será por la nostalgia de lo ya conocido y el deseo de lo nuevo con sus incertidumbres? ¿Acaso es el estado permanente del arte contemporáneo?

Por Por Jorge López Anaya <br/> Para LA NACION

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