Películas: la pantalla, destino final en el camino del héroe

Por Marcelo Stiletano

La estatura mítica alcanzada por Juan Manuel Fangio se explica en primer lugar por su condición de deportista ejemplar. No se le conoce en su vida profesional ni un solo hecho que ponga en duda ese distinguido atributo. El quíntuple campeón mundial tenía el talento innato para llegar más lejos que nadie en su especialidad, pero también la disciplina, la convicción y la perseverancia como aliados en ese camino. Y nuestra admiración hacia su figura crece todavía más cuando lo escuchamos decir que un deportista debe aspirar todo el tiempo a ser el mejor, pero nunca creer que está ocupando ese lugar. Esa frase aparece en el comienzo de un documental que hace honor a la trayectoria deportiva y cotidiana del piloto balcarceño. Fangio, el hombre que domaba las máquinas tiene la ventaja de contar con el apoyo institucional de sus herederos y de la fundación que lleva su nombre, pero ese carácter "oficial" no le quita profundidad y esmero al retrato de su vida y de sus hazañas en la pista. El rescate de las imágenes de la prodigiosa carrera de 1957 en Nürburgring, una lección de estrategia, arrojo y convicción de campeón, es el mejor momento de esta cuidada producción. Fangio aparece allí en estado puro. Concentrado en la planificación y resuelto en la ejecución. Un modelo de conducta y de deportividad que aparece en un tiempo en el que los hombres estaban claramente por encima de las máquinas, pero también quedaban mucho más expuestos que en la actualidad a cualquier accidente fatal. El mito de Fangio llegó a su cumbre ese día en el legendario circuito alemán.

(Disponible en Netflix)

Por Marcelo Stiletano

La ficción y la realidad se mezclan todo el tiempo alrededor de la figura de Juan Moreira. Prototipo y símbolo del gaucho renegado que escapa de la justicia porque siente que la ley no se aplica a todos por igual, adquirió estatura de héroe romántico en la clásica novela de Eduardo Gutiérrez y fue protagonista más tarde de innumerables miradas y recreaciones desde el ensayo literario y los escenarios teatrales. La crónica histórica, mientras, registra sus andanzas en tierras bonaerenses, aquel crimen que cometió por una deuda nunca saldada y una vida posterior de fugas y episodios marginales hasta que se convierte en guardaespaldas y hombre de acción al servicio de influyentes políticos de la época. En 1973, Leonardo Faviorecoge la leyenda en uno de los títulos más elogiados de su filmografía, que además logró una convocatoria de público extraordinaria para toda la historia del cine argentino. En la mirada de Favio, Moreira es el hombre de vida sencilla, casi analfabeto, arrastrado a una existencia oscura, eterno prófugo de la ley. Su trágica muerte es símbolo de un sacrificio que adquiere un tono casi religioso, expresado desde una deslumbrante concepción visual, mérito del director de fotografía Juan Carlos Desanzo. Es muy significativa la elección de Rodolfo Bebán, uno de los grandes galanes de la época, para interpretar a Moreira: un gaucho de ojos claros y mirada transparente que esconde secretos y no puede escapar a un destino trágico.

(Disponible en Cine.ar)

Por María Fernanda Mugica

A los 34 años,Gilda había alcanzado un considerable éxito con sus canciones. "No me arrepiento de este amor", "Fuiste" y "Se me ha perdido un corazón", entre otros, se bailaban en boliches de todo el país y se escuchaban en las radios. Justo cuando disfrutaba del éxito de su tercer disco, Corazón valiente, un accidente automovilístico se cobró la vida de la cantante, su hija, su madre, tres de los músicos de su banda y el chofer del ómnibus en el que viajaban el 7 de septiembre de 1996. Sus fans la lloraron y crearon un santuario en el lugar del hecho, en la ruta 12 de Entre Ríos, para rendir tributo a la mujer a quien comenzaron a adjudicarle la realización de milagros. Fue entonces cuando la cantautora se convirtió en el mito de Santa Gilda.

El carisma y talento deNatalia Oreiro la convirtieron en la actriz ideal para protagonizar Gilda. No me arrepiento de este amor, la exitosísima película de Lorena Muñoz que cuenta el arduo camino de la maestra jardinera Miriam Alejandra Bianchi para cumplir su sueño de triunfar con su música. La estrella rioplatense, quien también interpretó en la película los temas de la cantante, entregó una actuación con matices suaves que retratan con sensibilidad su actitud frente a las alegrías y obstáculos a los que se enfrentó en su carrera y vida personal. El film tiene lo necesario para satisfacer a los fanáticos, pero también es una perfecta introducción para quienes no tienen una conexión con la cantante. El crescendo emocional que construyen Muñoz y Oreiro son a la vez testimonio y tributo de la vida de una mujer común que se animó a perseguir aquello que la hizo extraordinaria.

(Disponible en Amazon Prime Video)

Por Marcelo Stiletano

De la inspiración y el trazo exquisito de la pluma de Dante Quinterno nació Patoruzú, el máximo héroe nacional surgido del humor gráfico y la historieta en la Argentina. Aquel indio de poncho, pluma y nariz imponente que apareció por primera vez en un cuadrito en 1928 fue estilizando sus rasgos y con el tiempo se convirtió en un modelo de conducta e integridad para varias generaciones. Quinterno, lo más parecido a Walt Disney que conoció nuestro país, veía a Patoruzú como la representación más precisa de una serie de virtudes: el valor, la caballerosidad, el deseo de justicia. Así lo describió: "Es el hombre perfecto dentro de la imperfección humana. Configura el ser ideal que todos quisiéramos ser. Es puro, simple y sencillo. Sobrio, estoico, buen creyente y, aunque seguro de sí mismo, sumamente modesto". Rasgos que asoman en el personaje desde pequeño en su versión más ingenua y familiar, la de Patoruzito, cuyas historietas siempre fueron tan populares como las aventuras del personaje adulto. En aquellas "correrías" se fueron forjando las virtudes del futuro héroe aborigen, acompañado por el equivalente infantil del inefable Isidoro Cañones y otros personajes característicos como Upa, la Chacha y el capataz Ñancul. En 2004, un largometraje de animación hecho en nuestro país logró atrapar con la ayuda de la tecnología digital los rasgos más típicos del personaje en una aventura sencilla, con cuadros musicales y espíritu muy didáctico. Sin demasiada complejidad allí aparecen expuestos los principales valores representados por el personaje.

(Disponible en Flow)

Por María Fernanda Mugica

Las reglas de la sociedad del siglo XIX y las peleas entre unitarios y federales por el poder político tiñeron de sangre la historia de amor de Camila O’Gorman y Ladislao Gutiérrez. La joven de una familia de la clase alta argentina y el sacerdote pagaron con sus vidas y la de su hijo por nacer el precio que otros le pusieron a su romance.

La tragedia fue llevada al cine en más de una oportunidad, pero fue Camila, la película de María Luisa Bemberg, cargada de romanticismo y tensión erótica, la que incrementó su leyenda. Susú Pecoraro e Imanol Arias encarnaron a los amantes, fusilados por orden de Juan Manuel de Rosas, en el film de 1984, que estuvo nominado al Oscar a Mejor Película Extranjera.

La cineasta sabía lo que era rebelarse contra las normas de la sociedad. Bemberg pertenecía a una familia adinerada y a los 58 años, divorciada y con cuatro hijos, debutó como directora de cine, en 1981. Sin prestarles atención a quienes la subestimaron ni a los que decían que no era una profesión para una dama, se dedicó a contar historias de mujeres que luchan por su libertad. Entre ellas, Camila, cuya relación con su abuela Anita Perichón, que había sido amante del virrey Liniers, está presentada en la película como clave en su educación sentimental y aliciente para seguir sus deseos. Así se teje una cadena de mujeres unidas por la capacidad para pensar y actuar por sí mismas, incluyendo a la madre de Camila, quien frente a la orden del padre de que la joven se case aun sin estar enamorada, porque "una mujer soltera es desorden", expresa su opinión de forma discreta pero lapidaria: "La mejor cárcel es la que no se ve".

(Disponible en YouTube)

Por Natalia Trzenko

"A Maradona no se lo critica. Como a Dios", dice un hombre con la certeza que da la fe. En Dios y en Diego Maradona. El hombre es napolitano y su vehemencia se explica por origen y contexto. En el documental Diego Maradona, dirigido por Asif Kapadia, en 2019, el recorte para el acercamiento a la figura y al mito del jugador son sus años en el equipo del sur de Italia. Ese tiempo en el que la vida profesional y personal del ídolo recorrió las alturas del éxito y la adoración popular y las profundidades de los conflictos.

Con un material de archivo notable y testimonios valiosos de Maradona y las personas más cercanas a él, el film consigue revelar aristas desconocidas del personaje y profundizar en aquellos temas y circunstancias que todos creen conocer. Los años napolitanos, cruzados por el Big Bang del Mundial de Fútbol en 1986, trazan un perfil que sin dejar de lado la genialidad del deportista también se ocupa de las zonas oscuras del hombre, de sus conflictos íntimos y los orígenes de su rebeldía y apetito por los excesos.

Para entender el mito Maradona, dice en el documental Daniel Arcucci, uno de los periodistas que más lo conocen y mejor lo han sabido retratar, basta con ver el legendario partido contra Inglaterra. "Un poco de trampa, pero también mucha genialidad", aporta el periodista, entrevistado por el director, mientras el espectador vuelve a ver y a emocionarse con escenas de un partido tan cargado de significados que excedían al fútbol y hasta a la figura de Maradona, que pasó a la historia como parte fundamental de la construcción de su leyenda.

(Disponible en OnDirectv)

LA NACION

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