Las 100 mejores canciones del siglo (hasta ahora)

Desde el 2000, la música ha cambiado más rápido que nunca antes en la historia dándonos de todo: desde los Strokes hasta Kanye West y Adele , desde hits indie-rock hasta nuevos himnos para el dancefloor. Encuestamos a artistas, críticos y figuras de la industria para crear una lista con los temas clave de lo que va de la era

"Tiene una onda vieja escuela", dijo Beyoncé acerca de su single solista debut. "No estaba segura de que la gente lo entendiera." De hecho, las explosiones de vientos funky que abrían "Crazy in Love" anunciaban su llegada como la superestrella más audaz del siglo. El productor Rich Harrison construyó el beat principal sampleando la trompeta de la canción "Are You My Woman (Tell Me So)", de Chi-Lites, pero lo mantuvo encajonado esperando al artista apropiado para grabarlo. Cuando Beyoncé lo escuchó, le dijo a Harrison que compusiera una canción tomándolo como base, y volvió al estudio dos horas después. "Tiene una voz tan fuerte que tu trabajo es solamente asegurarte de que no se distorsione nada", recuerda el ingeniero Jim Caruana. La decisión de agregarle un rap de Jay-Z, con quien ella había empezado a salir, fue de último minuto. "Se lo pedí la noche antes de entregar el disco", dijo Beyoncé. "Gracias a Dios lo hizo. Todavía no envejece, no importa cuántas veces la cante."

El golpe maestro de hip-hop globalista de Maya Arulpragasam fue una de las cosas más frescas en llegar a la radio en este milenio. Sobre una base de aplausos, disparos y un sampleo de The Clash hecha por Diplo, su novio de entonces, M.I.A. -hija de un militante de la revolución en Sri Lanka- se inspira en su historia de incordios con las autoridades migratorias de Estados Unidos. "Siempre me la hacen pasar mal", dijo.

A Jack White el riff más grande del siglo se le ocurrió en una prueba de sonido en Melbourne y le dio el título "Seven Nation Army" en referencia a cómo pronunciaba "Ejército de Salvación" de chico. Tomó vida propia, primero como canto de cancha en Italia, después en estadios de todo el mundo. White dijo: "Eso es música folk".

"Sacúdelo como una polaroid", dice André 3000 en "Hey Ya!" y aunque ya nadie use fotos instantáneas, el hit de 2003 todavía se siente como el futuro del funk. Estaba rasgando los únicos acordes de guitarra que se sabía y cantando una letra sobre un romance fracasado con lo que él definía como "honestidad humorística". Los aplausos alegres, un beat excelente e instrucciones de baile hilarantes, cerraron el trato.

Jay le pidió a Rick Rubin que recordara su trabajo junto a LL Cool J y los Beastie Boys, después se lanzó a criticar todo, desde policías corruptos hasta periodistas. ¿Y su uso de la palabra "bitch"? "Un chiste", dijo. "Un anzuelo para los críticos más vagos. En ningún momento hablo de una mujer."

"Eran lágrimas de verdad", dijo la cantante Karen O acerca del video de "Maps". Seguramente, ella no era la única que lloraba. El emotivo y ruidoso tema del grupo punk de Nueva York se transformó en un éxito sorpresa, llegando a conmover hasta a Beyoncé, quien citó su estribillo en un track de Lemonade.

La gloriosamente hermosa y exagerada respuesta de Kanye a su incidente con Taylor Swift en los MTV Awards hizo de "Brindemos por los estúpidos" un estribillo memorable. "La canción suena como si hablara de una chica", dijo West. "También podría estar hablando de mi relación con la sociedad."

Poco tiempo después de la separación que acabó con su "primera relación de verdad", una Adele de 20 años entró al estudio junto al compositor Paul Epworth y canalizó su desamor para transformarlo en una actualización estilo Motown con fiebre de góspel. "Soy yo diciendo: ‘¡Andate de mi casa!’, en lugar de rogarle que vuelva", explicó. Energizada por el dolor y la autoridad de la voz de Adele, "Rolling in the Deep" devolvió la música soul de la vieja escuela a los rankings. A todos. Incluyendo los de rock, pop, R&B/hip-hop, música bailable y latina, transformándola en uno de los mayores éxitos híbridos de la historia.

Inspirado en el opulento disco de Jay-Z y Kanye West, Watch the Throne, este himno antimaterialista de una muchacha advenediza neozelandesa de 16 años, Ella Yelich O’Connor, era el sonido de una rebelde pop de la nueva guardia definiendo su propia batalla en sus propios términos. Su flow relajado resonaría en todo el mundo.

"La gente decía: ‘¿Conocés esa canción, «American Girl», de Tom Petty? ¿No creés que se parece bastante?’", dijo Julian Casablancas sobre "Last Nite". "Y yo les decía: ‘Sí, se la robamos. ¿Dónde estuviste?’" Diecisiete años después, "Last Nite" no suena como otra cosa que los Strokes. El éxito de su debut, Is This It, se abrió un lugar entre la basura del rock mainstream con riffs vestidos de jean y una confusión ansiosa, definiendo una nueva época para el estilo cool del Lower East Side.

La primera campeona de American Idol se reunió con los productores Max Martin y Dr. Luke para darle al teen pop una renovación de punk-rock.

A Missy le preocupaba que su base estilo bhangra fuera "demasiado poco convencional", pero "Get Ur Freak On" terminó siendo su coproducción con Timbaland más hot.

"Es un canto de esperanza y sentimiento", dijo Lamar acerca de "Alright", el himno insignia de su emblemático To Pimp a Butterfly. El productor Pharrell Williams inventó la base con aires de trap, al igual que el tranquilizante estribillo, y Lamar lanzó rimas febriles acerca de las promesas en medio de la batalla. "Quería que fuera inspiradora, pero agresiva", dijo. "Alright" se transformó en un grito de guerra del movimiento Black Lives Matter, que se escuchó en protestas por todo el país.

Después de trabajar con el superproductor Max Martin, Spears cambió de estrategia y llamó a los científicos pop escandinavos de Bloodshy y Avant, quienes apilaron guitarras de James Bond, cuerdas estilo Bollywood y una pizca de vocoder onda Daft Punk, en una gema de disco-pop. Spears luego dijo que, de todos sus éxitos, "mi canción preferida es ‘Toxic’".

El productor Danger Mouse describió "Crazy" como "un spaghetti western puro", un homenaje directo al compositor italiano Ennio Morricone; el cantante de Gnarls Barkley, Cee Lo Green, relacionó su sonido con el "soul europeo industrial". La onda nerviosa y espaciosa de la canción, y la interpretación urgente de Green, le dieron a Gnarls Barkley un éxito tanto en la radio de rock como en la de R&B, inspirando covers de todo el mundo, desde Nelly Furtado hasta Prince.

La oda electrodisco del líder de LCD James Murphy a sus amigos perdidos en el trajín de la discoteca era bowiesca, con su grandilocuencia de ocho minutos, e hizo que los hipsters desde Los Ángeles hasta Berlín se lagrimearan en la pista de baile.

Elliott soñó la melodía vocal psicodélica, Timbaland le puso el groove de funk sexual futurista, y juntos transformaron "agarrá mi cosa, girala y dala vuelta" en la propuesta más freak en llegar a las radios de hip-hop desde la gloriosa época del propio Prince.

Incluso en el último año de su vida, Bowie siguió siendo un innovador incansable; su última gran declaración artística combinaba jazz, electrónica, rock progresivo y cantos gregorianos para crear una evocación luminosa de mortalidad.

La cantante sueca Robyn no había tenido un éxito en Estados Unidos en diez años cuando grabó el himno electropop definitivo sobre llorar en la pista de baile. "Perfecta", dijo Lorde sobre la canción. "Es alegre incluso cuando hay un corazón rompiéndose."

"Esa canción era contra el establishment", dice Salaam Remi, quien produjo cinco temas del disco revelación de Winehouse de 2006, Back to Black. "Es como: ‘La casa está prendida fuego, no necesitamos agua, dejen que se incendie’." Winehouse vivía como cantaba, pero antes de fallecer trágicamente en 2011, la cantante ayudó a transformar el R&B moderno con un sonido abrasadoramente retro que influyó a Adele y Sam Smith, entre otros. La pista de acompañamiento para la desafiante "Rehab", con aires de Motown, fue grabada en Brooklyn con el productor Mark Ronson y el poderoso grupo de retro-funk The Dap-Kings. Winehouse después agregó las voces finales en Londres, en una interpretación abrumadora. "[Cantaba] como si saliera de su diario íntimo", dijo el corista Zalon Thompson acerca de Winehouse. "Suena muy simple, pero ella era capaz de conectar. Ella era una verdad con patas."

Desamor trash, derrota techno, y un estribillo que dice "rah-rah": "Bad Romance" es Gaga en su esplendor, justo en la cresta de la Gagamanía.

Kanye West dijo que estos escoceses hacían "música crunk blanca", y en "Take Me Out" salpicaban la pista de baile con bilis de post-punk.

André 3000 se disculpa con su entonces suegra, la madre de Erykah Badu. Ella dijo que a su mamá "le encantó".

Dejando a un costado sus tácticas de shock psicológico, Em cuenta su propia historia en una oda tamaño Rocky sobre llegar a la cima por el camino difícil.

Una bomba de nostalgia del funk-pop de los ochenta. Tan perfecta que The Gap Band y otros grupos de la época tomaron medidas legales. Pero el carácter de showman de Mars es único. El productor Mark Ronson dijo que trabajó en el tema hasta desmayarse: "Tuvieron que venir a buscarme".

Drake dijo que la base de su éxito más grande es "más soleada" que en otros temas, dándole a este exquisito lamento de estar solo con el teléfono una calidez como para abrazar al mundo.

Una mezcla de techno, rock y hip-hop que anunciaba el traslado de Outkast del Dirty South hacia territorios más amplios. "Nosotros decimos que es villerodélica", dijo André 3000.

Originalmente rechazada por el management de Britney Spears, "Umbrella" se transformó en la balada-tsunami de R&B que cimentó el lugar de Rihanna como la gran hitmaker del siglo.

"Fue la canción más emotiva que hubiéramos compuesto hasta entonces", dijo la coautora Liz Rose. El single de Swift de 2012 es la purga post-separación más majestuosa de su carrera.

Dylan originalmente le dio "Mississippi" a Sheryl Crow, luego volvió sobre ella para Love & Theft, donde su propia producción la convirtió en su mejor lamento desde "Tangled Up in Blue".

El himno insignia de Arcade Fire demuestra que el indie puede aspirar a la misma grandilocuencia que grandes del rock como U2 y Springsteen, incluso antes de llenar estadios.

Fiddy amenaza con "agarrar al rap del cogote" y eso es lo que hace. Montado sobre el beat asesino de Dr. Dre, subió a la cima de los rankings pop.

Thom Yorke se pone en modo androide paranoico, evocando la erradicación nuclear sobre el zumbido de un sintetizador sepulcral.

Tras encontrar a su novia engañándolo, Brandon Flowers canalizó su ira en una explosión de New Wave elegante que lo transformó en estrella.

Prometiendo "amarte más que esas putas de antes", Del Rey exuda anhelo seductor en esta bendición de gótico californiano en slow motion.

Kanye en su versión más pegajosa, bromeando sobre una base eufórica mientras Foxx hace su mejor imitación de Ray Charles.

Este seductor octogenario en su grandiosa hora final, intimidando con la mirada a la mortalidad, y su voz retumbando hacia la eternidad.

"Formation" fue la única declaración de feminismo y negritud en sonar a todo volúmen en el Super Bowl, y celebra las raíces sureñas de Beyoncé con grito de guerra fiestero.

Los Queens mantuvieron vivo al hard-rock en una época a la que le faltaba audacia, confirmando lo que dijo Dave Grohl de que eran "el grupo de rock más malvado del mundo".

Ellos sentían que esto era muy derivativo de sus trabajo de los 80 ("Nos recuerda a U2", bromeó the Edge), pero después de desperdiciar los 90 en ironías, esto sonó simplemente perfecto.

El cover más indeleble del siglo: un año antes de morir, Cash reimaginó la espiral de Nine Inch Nails como un ajuste de cuentas acústico.

Cocinada en su dormitorio universitario, la zapada de funk-astral devenida éxito inesperado de MGMT definió su estilo psicodélico.

Solange Knowles construyó una balada soul aterciopelada a partir de su propia melancolía, creando una música mordazmente honesta.

Eminem en su versión más atemorizante, pero también la más humana, tratando de ayudar a un fan demente con un sampleo de Dido como su deus ex machina.

Tratando de dejar atrás su desafortunada fase teen, Bieber exploró una sensibilidad genuina en "Sorry", una balada en la que le pide disculpas a su ex novia Selena Gomez. "Sorry" fue cocompuesta por Justin Tranter, quien se enorgullecía de crear canciones "que permitieran que los hombres fueran vulnerables", y el productor Skrillex se esforzó para "que fuera simple" con un beat casi elegíaco. Bieber tenía miedo de que el resultado sincero fuera "demasiado básico". Pero, como dijo Skrillex: "Pero cuando escuchás la letra, te das cuenta de que se está haciendo adulto".

JT dejó atrás sus días de ‘NSync con este berrinche de un amante vengativo, dedicado a su ex, Britney Spears.

El groove de Parliament y el falsete de Gambino ayudaron a suavizar el dolor de la victoria de Donald Trump.

Un shot de soul sesentoso soleado que se destacó en medio del tono autoconsciente del pop moderno.

La estrella de One Direction empezó su carrera solista con una extraña balada estilo Bowie. No era lo que esperaban sus fans. Pero de todos modos llegó al Top 5.

Esta balada post-separación de Chris Martin es tan universal como íntima, y su momento más empático como autor.

Beyoncé y Jay-Z ya estaban secretamente casados cuando ella lanzó "Single Ladies". Con una base swing y un video icónico, Beyoncé pide el anillo que ya tenía.

Sia era una compositora de primera línea para otros artistas, y se reveló con una tormenta dramática inspirada en su batalla con el alcoholismo.

Claire Boucher repasa una caminata de madrugada que es al mismo tiempo onírica y atemorizante. Un relato pop fascinante sobre el terror cotidiano de ser mujer.

Un petardo de power-pop vulnerable y honesto: Jenny Lewis delinea una relación construida sobre sentimientos conflictivos y atracción física.

Desairada por la industria, Banks compuso un torpedo de hip-house como si dijera: "Váyanse todos a la mierda, soy la mejor bitch de acá".

Radiohead en su modo nihilista; Thom Yorke canta acerca de cómo el amor es como que te coman gusanos, pero la gracia de su falsete hace que sea tan lindo como una balada de Al Green.

Mitad psicodelia de los Beatles, mitad caos espacial estilo Moody Blues, este es el epítome del genio de Wayne Coyne, para combinar felicidad con el realismo de un mal viaje.

Dos reyes en su versión más indulgente: sobre una melodía juguetona, bromean acerca de la buena vida como si se hubieran bajado tres botellas de Armand de Brignac.

"Mientras la grababa", dijo Cardi B acerca de "Bodak Yellow", "se me venían a la mente todas las putas que me caen mal". Funcionó. El éxito del debut de la rapera del Bronx era el alarde de una jefa con zapatos de suela roja. "En este tema, pude escuchar el dolor y el anhelo en su voz", dijo el productor J. White. "Yo solo estaba tratando de hacer un tema para que pudiéramos hacer otro tema."

Las hermanas de Haim se preguntaron: "¿Qué pasaría si los Eagles y Fleetwood Mac hubieran hecho un disco juntos en secreto?". Esta fue la respuesta.

Sampleando un clásico de Abba, Madonna vuelve a la pista de baile. Pero "Hung Up" no es precisamente una vacación. La letra es casi dylanesca en su honestidad de la mediana edad.

En Perrylandia, cada canción era el hit del verano. "Teenage Dream" fue una de las cinco en llegar al Número Uno de su disco del mismo nombre. Nadie había hecho eso desde Michael Jackson con Bad.

Fall Out Boy empezó en la escena emo, pero nunca convencieron como hipsters. El pop punk de "Sugar" hace divertido este drama de un geek.

"Quería que sonara como si él estuviera luchando contra el beat", dijo el productor Mike Will Made It sobre el track. Kenny: 1. Beat: 0.

Rihanna se agarra del agite dance de Harris y lo transforma en el hit que pasó de las carpas de festivales a las de las fiestas de casamiento.

Una estrella de rap inimaginable un par de años atrás, con una lengua venenosa Minaj atraía a todas las abejas del panal a su trap.

Un hito pop para el rap del sur. T.I. lanza rimas enrevesadas sobre puñaladas de sintetizadores y bases de gospel-rock.

El chico duro de Carolina del Norte se pone llorón con sus recuerdos de "Born to Run" y romances tristes de la secundaria. El tema country más conmovedor de los 2000.

Miembro de Odd Future, Ocean abrió espacio para otro tipo de masculinidad en el R&B, con letras de gender fluid y abrazado a un falsete insistente que sufre con esperanza.

El tema que da título al opus de Green Day de 2004 es probablemente el himno de rock más políticamente potente del siglo XXI, tan relevante hoy como lo fue el día que George W. Bush fue reelegido. Billie Joe Armstrong se inspiró tras escuchar la jura de lealtad al rock sureño de Lynyrd Skynyrd "That’s How I Like It" en la radio. "Fue como: ‘¿Orgulloso de ser un redneck?’, y yo pensé: ‘Dios mío, ¿por qué estar orgulloso de algo así? Eso es exactamente a lo que me opongo’." Con energía tamaño The Who, unos pendejos del pop-punk respondiendo a un llamado más elevado.

La finalista de Canadian Idol demuestra que el subidón hormonal de la adolescencia pop no envejece nunca, incluso en una era de cinismo.

Este Número Uno de Migos no apareció para darte un abrazo; es austero, opaco y adusto. Pero su flow de triple tempo se transformó en un hit ineludible del pop de los 2010.

Con producción de James Murphy, de LCD Soundsystem, este rock con tintineos duros de cencerro y guitarras eléctricas provocó que hablaramos en serio de un nuevo sonido catalogado como "dance-punk".

"¿Dónde fueron todas las sensaciones?", pregunta la incendiaria Neko Case, y el grupo de Vancouver contesta apilando melodías pegajosas en este tornado de power-pop enardecido.

Tras establecerse en la escena de Texas con sus primeros singles, Miranda Lambert subió la apuesta con esta balada desgarradora acerca de visitar la casa de tu infancia.

"La electrónica ahora está en su zona de confort, y no se mueve ni un centímetro", dijo Thomas Bangalter, de Daft Punk. El dúo de house francés respondió volviendo a las raíces disco de la música dance, trabajando con Pharrell Williams y el gigante de Chic Nile Rodgers, quien desperdigó sus arreglos de guitarra característicos por todo "Get Lucky". La canción explotó en todas partes, transformando a los robots en estrellas de rock.

James Murphy lanza un graciosísimo lamento de nerd de la música volviéndose viejo. La base de techno barato lo transforma en un monólogo de stand up para bailar.

Estos muchachos suecos silban una melodía pegadiza tan brillante que inventó la carrera de grupos como Foster the People.

El veterano del G-funk quería exhibir "la diversión que tenía adentro" y se reunió con The Neptunes para una zapada de minimalismo desorbitado.

No hay himnos sobre crimen callejero más brutos que este: la crew de Brooklyn hace que tener un modesto balance bancario -"Me faltan novecientos noventa y nueve mil para el millón"- suene como algo atemorizante.

La frontwoman de No Doubt casi había terminado su debut solista, pero sintió que faltaba algo. "No tenía ninguna canción con actitud, mi canción de ‘esta es mi historia, andate a la mierda, no la podés borrar’", dijo. La logró durante una sesión con Pharrell Williams, creando un sonsonete desdeñoso con letras dirigidas a Courtney Love, de Hole, quien dijo que Stefani era "una porrista". Fue la primera canción en vender un millón de copias como single digital.

Resumiendo inestables aspiraciones generacionales con frases como "Estoy asomándome a la buena vida que quizás esté condenado a no encontrar nunca", esta es la versión de mumble-folk de "Sounds of Silence".

Beck se pone sincero con esta autopsia de una separación hermosamente raída. Dijo que estaba tratando de crear una canción "que podría haber sido compuesta 40 años atrás".

Daft Punk roció la galaxia de guitarras metaleras ochentosas, y su uso liberal del talk box en esta epifanía elástica de música disco presagia el auge del Auto-Tune.

"Me enamoro de las narraciones más allá de los géneros", le dijo Lin-Manuel Miranda a Rolling Stone. Este tema insignia del musical Hamilton honra las tradiciones híbridas, desde Eminem hasta Biggie, pasando por Rodgers & Hammerstein.

"Vos sos de los setenta, pero yo soy una puta de los noventa", grita el dúo de synth-pop, y todas las putas que no eran de los noventa huyeron a esconderse.

Carey pasó los primeros 2000 en una meseta creativa, pero volvió a lo grande con "We Belong Together", una balada perfectamente equilibrada entre gracia de R&B y dureza de hip-hop.

La mejor mezcla de inteligencia y emoción de Vampire Weekend: una canción encantadora sobre un viaje por el país, teñida de indecisión dylanesca.

Los Hives, maestros del garage-rock, se cuelan en la fiesta post-Strokes con riffs incesantes y las cuerdas vocales rotas del cantante Howlin’ Pelle Almqvist.

Un hit de R&B go-go que llevó a la radio un sampleo de The Meters, los dioses del funk de Nueva Orleans.

El éxito estadounidense más grande hecho por un puertorriqueño se adueñó de 2017 e inició una revolución en el pop latino.

Esta oda minimalista a un paseo bajonero por Queens es una explosión de guitarras que recuerda a grandes del punk de Nueva York como Sonic Youth y los Feelies.

Los My Chem amplificaron el tormento del emo promedio con una grandilocuencia glam shockeante, como si Alice Cooper llevara un hacha a un patio de comidas.

West infundía espiritualidad, conflictos, hambre y humildad en una canción imponente. El coautor Rhymefest construyó su beat marcial a partir de un sampleo de un coro góspel de Harlem. "Aunque no soy cristiano, me conmovió", recordó. "Grabamos toda la canción, pero adquirió vida cuando Kanye agregó los sonidos de ejército e hizo que sonaran como soldados de Dios."

Trece años después de meter un éxito con su cover de "The Loco-Motion", Minogue reapareció como una diva disco con el susurro sexy de "Can’t Get You Out of My Head".

El dúo de Akron hacía blues-rock que no parecía estar detenido en el pasado, desplegando capas de guitarras rechinantes y un pavoneo psicodélico.

Solo Phoenix, la encarnación de cuatro miembros del carácter parisino cool, podía hacernos sentir nostalgia por el cambio de siglo anterior a comienzos de este.

Estos soñadores canadienses ofrecen una visión aguda y escéptica del amor moderno, envuelta en una dulzura extrema de indie pop.

Una cumbre de rap sureño, convocada por UGK, de Houston, con Three 6 Mafia, de Memphis, y Outkast, celebrando el exceso fiestero.

Este crunk tremendamente fiestero fue un punto de inflexión en la llegada del reggaetón al mainstream, cayendo a las pistas de baile de todo el mundo como un shot con gelatina del tamaño de un meteorito.

Textos por: Jon Dolan, Suzy Exposito, Kory Grow, Sarah Grant, Andy Greene, Will Hermes, Christian Hoard, Elias Leight, Brittany Spanos, Simon Vozick-Levinson, Christopher R. Weingarten

LA NACION

• The Strokes
• Kanye West
• Adele

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