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La construcción que cambió la forma de pensar la arquitectura y por qué el agua y la luz son clave
La ampliación del Museo Groninger propone una arquitectura fragmentada, donde el recorrido, la luz y el agua redefinen la experiencia cultural
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A comienzos de los años 90, el Museo Groninger ubicado en Países Bajos decidió ampliar su edificio con una propuesta que no se limitara a sumar salas, sino que planteara una nueva forma de relacionar arquitectura, ciudad y experiencia cultural. El proyecto fue encargado a Alessandro Mendini, quien optó por una estrategia poco convencional: fragmentar el proyecto en varias piezas para reducir el impacto del conjunto sobre el entorno abierto y el canal que bordea el edificio histórico.
La ampliación se organizó como una serie de pabellones alineados sobre el agua, frente a la estación central de la ciudad. Esta disposición permitió mantener la circulación fluvial y evitar la presencia de un volumen único y dominante. Puentes peatonales, pasarelas y pequeñas plazas articularon las dos orillas del canal y conectaron las distintas “islas” del museo, convirtiendo el recorrido en parte central de la experiencia.
Una vez definido el esquema general, Mendini diseñó el sector central del conjunto, donde se ubican el acceso, las áreas públicas, los servicios y el auditorio. Allí se destaca la torre dorada, un volumen inaccesible para el público que funciona como depósito de obras de arte. Su altura y su ubicación le otorgan un fuerte carácter simbólico, reforzado por la ausencia de ornamentos, en contraste con otros sectores del museo. Mendini también proyectó el basamento del ala este, destinado al arte moderno.
La ruptura como idea de proyecto
El Museo Groninger reúne en un mismo conjunto arquitectónico miradas muy distintas. En el ala oeste, esa diversidad se expresa en la superposición de dos volúmenes con lenguajes opuestos: en la base, Michele de Lucchi proyectó un cuerpo compacto de ladrillo que remite a la tradición constructiva local y alberga las salas de arqueología e historia; sobre él se apoya el pabellón cilíndrico de Philippe Starck, destinado al arte aplicado y cargado de referencias simbólicas. En el extremo opuesto del museo se ubica el pabellón de Coop Himmelblau, que rompe de manera deliberada con la lógica formal del resto del conjunto.
Esa ruptura no es casual. Al momento del encargo, el estudio vienés atravesaba una etapa de fuerte cuestionamiento a las formas tradicionales de la arquitectura. Rechazaba la idea del edificio como objeto cerrado, estable y predecible, y buscaba explorar procesos de diseño más intuitivos, ligados a la emoción y al subconsciente. Su mirada se nutre del contexto cultural de la Viena de las décadas del 60 y 70, atravesada por movimientos artísticos radicales que pusieron en crisis los valores establecidos e impulsaron una arquitectura más sensorial y psicológica.
En ese marco, las ideas de Hans Hollein resultaron decisivas, al proponer una disciplina entendida no solo como construcción, sino también como símbolo, atmósfera y experiencia emocional.
A partir de estas influencias, Himmelblau desarrolló un método de trabajo propio basado en el psicograma: un dibujo rápido y casi automático que registra una reacción emocional inmediata. Ese primer gesto no busca definir una forma cerrada, sino capturar una energía inicial que luego se transforma a través de maquetas, estudios tridimensionales y herramientas digitales. El punto de partida del pabellón este del museo fue justamente uno de esos bocetos espontáneos, que los arquitectos definieron como “arquitectura líquida”: una forma libre, sin anclajes rígidos, pensada como una partícula flotando en el espacio.
Ese proceso se materializa en una ruptura clara con la clásica “caja” funcionalista. El pabellón no funciona como un contenedor neutro, sino como una estructura fragmentada, atravesada por planos inclinados, quiebres y volúmenes que parecen desafiar la gravedad. La envolvente de acero y vidrio refuerza la sensación de un objeto en permanente movimiento y transformación.
En el interior, la experiencia se organiza a partir de una sucesión de espacios diversos, donde la luz natural y artificial y los recorridos cumplen un rol central. Desde el punto de vista constructivo, el edificio incorpora técnicas propias de la industria naval local: las placas de acero, de geometrías complejas, fueron fabricadas en astilleros mediante sistemas de corte computarizado y trasladadas al sitio por vía fluvial.
Este procedimiento permitió reducir costos y tiempos de obra, así como reforzó el vínculo del edificio con su entorno productivo. Las manchas oscuras que recorren los paneles rojos de la fachada remiten directamente al primer boceto del proyecto, dejando visible el origen gráfico de la obra.
El Museo Groninger ocupa así un lugar clave en la trayectoria de Coop Himmelblau (una cooperativa de arquitectos con sede en Viena), ya que les permitió llevar a gran escala una arquitectura que rompe con la rigidez de la caja moderna. Lejos de buscar neutralidad o equilibrio formal, el pabellón apuesta por la tensión, la ambigüedad y la intensidad espacial. En Groningen, la arquitectura no se limita a contener arte: se convierte en una experiencia en sí misma, abierta a múltiples lecturas y sensaciones.
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