Los usos de la imagen

La humanidad siempre encontró su camino porque nunca supo adónde iba. Con el arte sucede algo parecido: a pesar de los discursos que tratan de adaptarlo al sentido caduco de cada época, siempre permanece nuevo, como el instante de una iluminación que nunca se concreta pero que siempre está allí como promesa. La muestra Los usos de la imagen; fotografía, film y video en la Colección Jumex es una prueba palpable de ello. Tanto por sus aspectos positivos como negativos.

Hace una década, el empresario mexicano Eugenio López (presidente de la Fundación Jumex) comenzó su colección adquiriendo obras minimalistas y conceptuales de los años 60, pero poco después puso el foco en algunas de las principales corrientes del arte internacional de la década del 90: aquellas que ocupaban un lugar central en las bienales y en los discursos de los curadores de moda. De los cientos de obras que posee su colección -que ya se ha convertido en una especie de enciclopedia de la década pasada-, Carlos Basualdo y Patricia Marín (los curadores de esta muestra) seleccionaron un amplio recorrido.

A diferencia de lo que sucede con el coleccionismo argentino, la colección Jumex privilegia las imágenes sobre soportes que permiten la reproducción mecánica o electrónica, casi hasta el infinito. Para el coleccionista de arte contemporáneo internacional ya no pesa el fetichismo del original: una reproducción fotográfica de Andreas Gursky, por ejemplo, puede costar más de 600.000 euros.

Los puntos fuertes de esta muestra de la colección Jumex son las fotografías. En la planta baja del Espacio Telefónica se encuentran obras de artistas tan interesantes como el canadiense Jeff Wall (del que se exhibe Paso, un backlight) y el norteamericano Gregory Crewdson (cuyas escenificaciones mezclan imaginario hollywoodense y un contenido surrealismo). Allí también se pueden ver las fotografías de la mexicana Daniela Rossell, que retrata mujeres ricas en ámbitos recargados de opulencia, escenificación kitsch y desborde fantástico.

Entre los retratos de la holandesa Rineke Dijkstra que se exhiben en el Malba vale mencionar dos que rescatan el instante maravilloso y singular en el cual una niña o un niño vacilan entre la infancia y la adolescencia. Como pocos artistas, Dijkstra sabe captar el momento del pasaje, el de la transición. También se exhiben los retratos que Dijkstra tomó de un joven legionario francés: ellos registran los cambios que sufre en unos pocos años de duro servicio militar.

Las bellas, despojadas, casi abstractas y a la vez casi budistas imágenes de follajes que capta el alemán Thomas Demand requieren de un espectador que sepa disfrutar de las variaciones mínimas. Las imágenes de edificios, paisajes y personajes en movimiento (como si la fotografía incluyera al cine, como si la imagen deviniese un relato que no cuenta nada) caracterizan las fotos de otro alemán: Thomas Ruff. Ruff muestra para ocultar. Mejor dicho, en las imágenes de Ruff hay más de lo que se ve, pero eso que no se ve no es un secreto que hay que descubrir, un chiste que se acaba apenas se cuenta. Lo que muestran es el proceso mismo de mirar una obra: siempre hay algo que se pierde.

Candida Hofer, otra alemana que se formó bajo la sombra de Bernd e Hilda Becher (de los cuales se vio hace poco una importante muestra en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires que incluyó también obras de sus "discípulos"), presenta interiores acerados, trabajados por la luz. Más que la soledad, lo que sus fotos muestran es lo que los objetos y los edificios hacen cuando la gente se va.

En Singapur, el alemán Andreas Gursky hace con los barcos lo que en otras de sus grandes imágenes hace con los seres humanos: los convierte en figuras indiferenciadas, los torna completamente anónimos. Gursky retrata la desaparición del personaje. En sus fotos la individualidad se diluye radicalmente. Somos un punto en la masa. Singapur lleva este proceso de disolución de lo humano hasta el límite de hacer invisible la ciudad hipermoderna y mostrar el "paisaje natural".

Los estadios vacíos y los frentes de casas del belga Frederic Lefever ponen en escena la magia melancólica de la simetría. El danés Olafur Eliasson (que recientemente desarrolló su instalación The Weather Project en la Tate Modern) fotografía la piedra desde distintas miradas: el detalle de piedras rotas, la montaña, el trabajo de la nieve y del clima sobre la dureza pétrea.

Entre las instalaciones, filmes y videos no hay obras de una calidad comparable a estas fotografías. Un tímido lirismo sobrevuela films como Gránulos de canela incandescente, del canadiense Rodney Graham, o El rayo verde, de la inglesa Tacita Dean. Esta obra de Tacita Dean es un diálogo cristalino con una novela de Julio Verne, también titulada El rayo verde (publicada originalmente en 1882). Desgraciadamente, en el catálogo ni siquiera se hace referencia a Verne.

Entre las por suerte pocas instalaciones no hay nada interesante: por ejemplo, Laboratorio crítico, una muy famosa instalación multimedia del suizo Thomas Hirschborn, es una mera ilustración tridimensional de las corrientes que, en el campo de la teoría del arte, eran dominantes hace unos cinco años. A su modo, es una auténtica pieza de museo: a pesar de que fue realizada en 1999, ya es la postal de una moda completamente añeja.

La muestra de la colección Jumex es un valioso aporte (quizás a contramano de lo que pretenden sus curadores) para separar la paja del trigo. Nietzsche decía que todo discurso dominado muestra la hilacha después de un tiempo. Lo que para un ojo ingenuo parece el colmo de lo nuevo, una década más tarde se muestra obsoleto.

(En Espacio Fundación Telefónica, Arenales 1540, de martes a domingo, de 14 a 20.30. En Malba, Av. Figueroa Alcorta 3415, de jueves a lunes y feriados, de 12 a 20, y miércoles hasta las 21.)

Por Por Daniel Molina <br/> Para LA NACION

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