Tres buenas y dos malas de Michael Fassbender

A pesar de que es incuestionable que las dos películas posteriores del realizador británico Steve McQueen son tan potentes como su ópera prima, en Hunger hay un delicado equilibrio entre lo poético y lo histórico, entre el despliegue visual y el impacto emocional. En este aspecto, se nota que estamos ante su primer largometraje, ya que su ambición no está contaminada por ciertas afectaciones que dejaría entrever luego en 12 años de esclavitud. En el contexto de la huelga de hambre de los presos políticos del IRA en la Maze Prison - la prisión de máxima seguridad de Irlanda del Norte - liderada por Bobby Sands, McQueen logra concebir una obra que se quiebra a la mitad y que, más allá del revisionismo, es dolorosamente alegórica.

La clara influencia de Robert Bresson se combina con una extrema confianza de McQueen en su guión a prueba de balas (co-escrito con Enda Walsh) que lo lleva a ejecutar elecciones estéticas admirables, como poner la cámara fija por media hora mientras Sands habla con un cura en uno de los puntos más altos del film. Otro gran acierto es la actuación de Michael Fassbender , quien demuestra que para comprometerse con un personaje no solo hay que bajar de peso, ya que la tarea excede la mera transformación física. Bobby Sands era, ante todo, un luchador incansable y en cada mirada, cada frase, cada acto, Fassbender logra transmitirlo.

La segunda colaboración de Steve McQueen con Fassbender resulta, desde el punto de vista narrativo, menos exitosa y, desde el punto de vista actoral, una irrebatible demostración de cómo el realizador fue el mejor mentor que el actor pudo encontrar para superarse a nivel interpretativo. En Shame, Fassbender se pone en la piel de Brandon, un ejecutivo neoyorkino que padece una adicción al sexo. En un comienzo, su incapacidad para negarse a cualquier propuesta de contacto físico no solo no le pesa sino que jamás la considera una enfermedad potencialmente dañina. La irrupción en su vida de su hermana Sissy (una de las mejores actuaciones de la despareja Carey Mulligan) oficia como un despertar para Brandon y, al mismo tiempo, como una manera de poner el dedo en la llaga de traumas del pasado que la película deliberadamente deja ambiguos.

En consecuencia, cuando llega esa maravillosa escena final en el subte, en la cual Fassbender lo dice todo con una mirada que resulta eterna (y simbólica de la lucha de Brandon contra la autodestrucción), un acto tan mundano como sonreírle a una mujer representa el tiro de gracia para una persona a la deriva.

Ya habíamos rescatado al personaje de Frank en nuestro reciente listado de los mejores músicos apócrifos del cine y una segunda mención se vuelve ineludible en este conteo. Frank es la cuarta película del realizador irlandés Lenny Abrahamson, quien actualmente se encuentra en el centro de la escena gracias a la gran recepción que tuvo la devastadora Room. En cierto punto, sus últimas dos películas están focalizadas en individuos que se encuentran confinados, aprisionados, ahogados. Así como Frank cree que la mejor forma de protegerse ante el mundo es mediante el uso de una cabeza de papel maché, en Room, Joy (Brie Larson) crea sus propios códigos en esa habitación en ruinas para resignificar el presente y así salvaguardar a su hijo.

Fassbender tiene la difícil tarea de mostrar con la cabeza cubierta tanto el éxtasis de ese músico cuando está componiendo como la desolación cuando advierte que estar encerrado en una burbuja (por más cautivante que ésta sea) no va a ayudarlo a recomponerse de una enfermedad psiquiátrica que prefiere ignorar. El actor refleja todos esos estadios apoyándose solo en el uso de la voz, con sus quiebres y sus sobresaltos. Mención especial para el enorme desenlace del film, uno en el que Fassbender entona esa suerte de original himno a la amistad titulado "I Love You All", el mejor homenaje que podría haber recibido el artista Chris Sievey, en cuya historia se basó Abrahamson para su melancólica película.

Luego de pasar gran parte de los 90 - y comienzos del 2000 - trabajando como animador en películas como Toy Story/Toy Story 2, Bichos, Monsters, Inc. y Buscando a Nemo, el canadiense Jimmy Hayward decidió, en 2010, que era hora de debutar como realizador con el proyecto de Jonah Hex. Basada en el cómic de DC, la historia del film se centra en un ex soldado devenido cazarrecompensas (el Jonah del título interpretado por Josh Brolin) a quien le asignan la tarea de encontrar a Quentin Turnbull (John Malkovich), un asesino quien además fue el responsable directo de la muerte de su familia y de las cicatrices que él porta en su rostro. Con esta premisa algo trillada se pone en marcha un western atípico con la venganza como evidente leit-motiv.

Si bien la ridiculez del tono de la ópera prima de Hayward fue duramente criticada por Brolin - el actor tuvo muchas disputas con el director a lo largo del rodaje - quien decide meterse de lleno en lo absurdo es Fassbender con el papel de Burke, la mano derecha de Turnbull, un personaje cubierto de tatuajes, caricaturesco y bastante kubrickiano, que busca ser paródico, pero trastabilla en el intento.

Cualquier cinéfilo que admire a Ridley Scott sabrá que para apreciar sus genialidades deberá, por añadidura, atravesar esos períodos tormentosos que en cierto modo opacan sus mejores trabajos. A fin de cuentas, el mismo realizador que nos dio Los duelistas, Alien, Thelma y Louise, Blade Runner y La caída del halcón negro también estuvo detrás de las menos exitosas Un buen año, Los impostores, Robin Hood, Prometeo y Exodo: Dioses y Reyes.

Para terminar de sellar su tan conflictiva filmografía cabe decir que El abogado del crimen se estrenó tan solo dos años antes que la flamante (y brillante, por cierto) Misión rescate, nada menos que el film que le podría dar el primer Oscar a Scott, luego de que se le escapara en 2000 con Gladiador a manos de Steven Soderbergh por Traffic. En cuanto a este thriller de elenco más que atractivo, cabe decir que se trató de una apuesta fallida en relación a la fusión realizador-guionista, dado que la particular impronta de Cormac McCarthy hubiese funcionado mejor bajo el imaginario visual de los hermanos Coen. Por el contrario, a Scott, Fassbender, Brad Pitt , Penélope Cruz , Javier Bardem y compañía se los nota perdidos en lo bizarro, cualidad que aquí solo le sentó bien a Cameron Diaz.

Por Milagros Amondaray

• Michael Fassbender

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