Fotógrafos sub-30: otra forma de ver el mundo

Hace cinco años hizo su primera muestra individual. Estudió fotografía y psicología en Montreal, trabaja en el Ministerio de Derechos Humanos de la Nación y este año lideró dos emprendimientos colectivos: el Proyecto Coordenadas, una convocatoria a autores para exponer en lugares públicos de la ciudad, y Norte-Sur/Intercambio fotográfico, en el que participan galerías e instituciones de Canadá y la Argentina. Y aunque en estos días exhibe su obra BA Photo, representada por la galería Klön, aclara que es muy difícil vivir de la fotografía. "En otros países te dan subsidios para hacer proyectos. Acá tenés el Fondo Nacional de las Artes y la ley de mecenazgo, nada más", señala. Y agrega: "No siento que mi obra se valide porque alguien la compre. Me interesa hacer proyectos, trabajar con otra gente. Para mí lo individual no funciona; quiero crear lugares de intercambio". Para Bakalarz, la apropiación de imágenes es "lo más antiguo que hay, y acá todavía es un escándalo. Esto tiene que ver con la educación que se recibe en las escuelas. Hay pocas instituciones oficiales y muchos talleres, y la mayoría de ellos dirigidos por hombres. Se enseña poca historia del arte."

Días atrás partió hacia Alemania, donde terminará sus estudios de Sociología. Participa hasta el sábado próximo en la muestra colectiva La certeza del error (en la Fundación Arte x Arte, curada por Jorge Zuzulich), donde tres de sus obras conviven con otras de renombrados artistas del videoarte, como Bill Viola.

"En las escuelas te enseñan historia de la fotografía, pero desde un punto de vista muy clásico –observa–. Si querés explorar otros campos, forzar los límites de la técnica, tenés que buscar solo. Ahora estoy investigando las posibilidades expresivas de los primeros dispositivos digitales, e imagino para veste proyecto tres plataformas simultáneas: el libro, la Web y una muestra convencional."

Según Volman, hay que sacarse el prejuicio de que la cámara es constitutiva de la fotografía. "Yo, por ejemplo, escaneo cosas. La relación es de una óptica que registra un objeto. Ese registro lo imprimo como una fotografía, porque es una foto pero no está hecha con una cámara", explica. Los premios, para él, no son el único camino para dar a conocer el trabajo.

"Pienso que hay que premiar los proyectos y no la obra única –opina–. Por eso es interesante el certamen de La Luminosa, que alienta la participación de proyectos de fotolibros, o las residencias como Nido Errante, que permiten que un grupo de artistas tenga un espacio físico y un tiempo determinado para intercambiar con otros y enriquecer sus propuestas. También están los programas de formación de la Universidad Torcuato Di Tella, algunas galerías como Gachi Prieto o el Centro Cultural Haroldo Conti."

Estudiante de Historia del Arte en la UBA y con un profuso background en diseño, gestión cultural y participación en muestras aquí y en el exterior, Lapenda opina que sería un error aislar el lenguaje de su discurso. "No es lo mismo el lenguaje fotográfico en el contexto del mercado del arte, en una galería, en los medios de prensa o en la ciencia –explica–. La técnica fotográfica y la historia del arte están estrechamente ligadas, y esta circunstancia es su fuente de inspiración permanente. La relación con la cámara es necesaria para ser fotógrafo, no por su uso o posesión sino más bien por sus efectos sobre la mirada, que es el instrumento más importante de un fotógrafo. Con la cámara se aprende a expresar en imágenes."

Según ella, es fundamental el vínculo con otros artistas, colegas y críticos. Mostrar el trabajo propio en el intercambio con el otro, generar movimiento permanente. "El papel legitimador de las instituciones es muy fuerte, sobre todo en el campo de la fotografía como arte –dice–. Pero no es cuestión de abrazar cualquier institución con sólo por el afán de lograr legitimación."

Estudió fotografía en una escuela con título oficial, pero tuvo muchos problemas con lo que hacía. "Los profesores no se renuevan y tienen la idea de que la fotografía se ha detenido en Robert Frank y Diane Arbus –dice–. Después de seis años de trabajo, mi proyecto Asimetría fue expuesto por primera vez en el Lianzhou Photo Festival de China. Cuando viajé allá me di cuenta de que el circuito de revisión de portfolios es un ambiente cerrado de amigos; se encuentran siempre los mismos en diferentes festivales del mundo. Además, asistir a las revisiones es muy caro. Este año participo en un espacio joven en Buenos Aires Photo; es una buena plataforma para poder vender obra, pero me daría pena que ésa fuera la única finalidad de mi trabajo." Para Miraglia lo más importante no es cómo hace una foto, sino la idea que hay detrás. Ella lleva sus fotos a un bar, le pregunta a una señora si quiere verlas, le muestra lo que hace. "Uso la fotografía para encontrarme con la experiencia de otras personas –explica–. Me gusta mostrar mi obra a públicos no relacionados con la fotografía. Quiero luchar por eso."

Es el flamante director artístico de Buenos Aires Photo 2015 –feria que se exhibe hasta hoy en el Centro Cultural Recoleta– y estudia gestión cultural en la Universidad Nacional de Avellaneda. Si bien se formó en fotografía, sus inquietudes lo han llevado a un contrapunto teórico y conceptual que abarca la historia del arte y al arte contemporáneo. "Un fotógrafo es alguien que saca fotos, un pintor, pinta. Un artista puede utilizar esas herramientas para producir obra como puede no hacerlo, hacerlo solo por un tiempo, para un único trabajo o incluso contratar a alguien que lo haga por él –señala–. El lenguaje fotográfico estará agotado en la medida en que se cierre en sí mismo y no haya una apertura hacia el arte contemporáneo. Creo que uno de los errores más comunes en los fotógrafos es que no saben resolver materialmente lo que aparece en las pantallas de sus computadoras."

Por Daniel Merle

• Arte

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