Las 100 mejores canciones de guitarra

¿Qué hace que el sonido de una guitarra —un riff, un solo, una zapada— te cambie la vida? Lo que resuena en estas canciones únicas es furia, desesperación y felicidad, en muchos casos todo eso a la vez. Podés escuchar el blues, el gospel y el rockabilly que los precedió, transformados por la necesidad de gritar algo nuevo. Durante medio siglo, el rock fue el sonido de la libertad. La guitarra sigue siendo su voz esencial. Aquí, la última parte de las cien razones para entender por qué.

20
"People Get Ready" - The Impressions 1965
El mas profundo de los himnos de Curtis Mayfield a la lucha por los derechos civiles de los negros abre con una elocuente interpretación de su guitarra en afinación abierta: el ritmo remite a los nuevos sonidos que venían de Jamaica, y el solo es tan expresivo como su canto. Bob Marley luego lo sintetizaría en "One Love".
Aparece en: Ultimate Collection

19
"Purple Rain" - Prince and the Revolution 1984
Prince no habia mostrado mucha inclinación por el gospel antes de esta canción, pero si su solo no es una plegaria, nada lo es. Parcialmente grabada en vivo, la canción lleva un ritmo ascendente durante ocho largos minutos, y la guitarra de Prince funciona como una extensión de su voz.
Aparece en: Purple Rain

18
"Blitzkrieg Bop" - Ramones 1976
No hay solos de guitarra, porque Johnny Ramone odiaba los solos. Pero sus acordes están imbuidos del punteo de Dick Dale y el rasgueo de Bo Diddley. Joey Ramone una vez dijo que, en la guitarra de Johnny, él podía escuchar, al menos, un órgano, un piano y otros instrumentos más que en realidad no estaban allí.
Aparece en: Ramones

17
"Black Sabbath" - Black Sabbath 1970
A la fuerza, Tony Iommi inventó la guitarra en el heavy metal: perdió la punta de dos dedos de la mano con la que marcaba las notas y utilizó pequeñas prótesis y afinaciones graves para que tocar le resultara más fácil. Su riff disonante (también llamado "el acorde del diablo") se convirtió en la base de miles de canciones metaleras.
Aparece en: Black Sabbath

16
"Cowgirl in the Sand" - Neil Young with Crazy Horse 1969
Los solos de Young en este tema de diez minutos son una maraña arrítmica y zumbante, y es por eso que suenan increíbles. Bien por el guitarrista Danny Whitten, que crea con sus cuerdas un gran espectro de texturas y ritmos.
Aparece en: Everybody Knows This Is Nowhere

15
"My Generation" - The Who 1965
Antes de que destrozar guitarras fuera un cliché, eso causaba impacto. Y la canción emblema de los Who representa esa época, desde el riff de dos acordes de Townshend hasta su súbito silencio mientras John Entwistle arremete con un solo de bajo hasta el acople fenomenal que cierra la grabación original del tema.
Aparece en: My Generation

14
"Born to Run" - Bruce Springsteen 1975
Todo el dramatico romanticismo de los primeros trabajos de Bruce Springsteen está contenido en este riff de guitarra inspirado en Duane Eddy. Y es sólo la más notoria de las capas de trabajo de Fender en esta canción, que incluye desde el wah wah en el puente hasta ese solo resonante.
Aparece en: Born to Run

13
"Layla" - Derek and the Dominos 1970
"Yo no lo hice. Fue Duane", dijo Eric Clapton riéndose en 1988. El guitarrista invitado, Duane Allman, creó uno de los pasajes más excitantes y memorables del rock retomando la línea vocal de "As the Years Go Passing By", de Albert King, para luego acelerarla.
Aparece en: Layla and Other Assorted Love Songs

12
"Voodoo Child (Slight Return)" - The Jimi Hendrix Experience 1968
Esta es la obra cumbre de Hendrix: una explosión magistral toma por asalto la tradición blusera. Hendrix improvisó el riff con wah wah mientras un equipo de televisión filmaba. "No estábamos pensando en lo que tocábamos", dijo.
Aparece en: Electric Ladyland

11
"Whole Lotta Love" - Led Zeppelin 1969
Esta atronadora reescritura de "You Need Love" de Muddy Waters muestra tres especialidades de Jimmy Page: riffs monomaníacos, una producción innovadora y los solos de salvaje maestría que desarrollara cuando era cesionista en los años previos a Zeppelin.
Aparece en: Led Zeppelin II

10
"Smells Like Teen Spirit" - Nirvana 1991
Nirvana grabó "Teen Spirit" en tres tomas. Pero esa crucial intro de Kurt Cobain requirió una sobregrabación. "Eso le molestó mucho", recuerda el productor Butch Vig. Sin embargo, el esfuerzo valió la pena: ese riff, junto con la dinámica fuerte-despacio-fuerte, definió el rock de los 90.
Aparece en: Nevermind

9
"Statesboro Blues" - The Allman Brothers Band 1971
En 1968, Gregg Allman fue a visitar a su hermano mayor, Duane, por su cumpleaños número 22. Duane estaba en la cama, enfermo, y Gregg le llevó un frasco de píldoras para la fiebre y el disco debut del guitarrista Taj Mahal. "Dos horas después de irme, sonó el teléfono", recuerda Gregg. "«¡Hermanito, hermanito, vení a casa ya!»" Cuando Gregg llegó, Duane ya había tirado las píldoras y arrancado la etiqueta del frasco para usarlo como un slide para tocar "Statesboro Blues", la vieja canción de Blind Willie McTell que Taj Mahal había versionado. Duane nunca había tocado con slide, dice Gregg, pero "apenas lo tomó, comenzó a arder. Fue algo natural". La canción pronto se convirtió en parte del repertorio de la Allman Brothers Band, y la guitarra slide de Duane resultó crucial para su sonido. "Statesboro Blues" fue el primer tema de su legendario disco doble en vivo de 1971, At Fillmore East, y desde entonces, los sombríos acordes iniciales han conmovido a los fans en los shows. "No era algo que Duane tocara de la misma manera todas las noches", dice el actual guitarrista de los Allman, Warren Haynes, uno de los muchos que ocuparon los zapatos de Duane desde que él muriera a finales de 1971. "Pero en nuestras cabezas, ésa es la manera en que suena." Hay algo que la actual banda no intenta replicar de la actuación de At Fillmore East: en el final del sublime solo de Duane en "Statesboro", el guitarrista toca una nota equivocada que Gregg llama "la nota del infierno". Dice Gregg: "El la dejó porque sabía que yo la odiaba". Y agrega que ese error suma a la leyenda de la canción. "Era en vivo. Fue algo que simplemente sucedió."
Aparece en: At Fillmore East

8
"Stairway to Heaven" - Led Zeppelin 1971
"«Stairway…» cristaliza la esencia de esta banda", le dijo Jimmy Page a RS en 1975. Es una obra maestra del crescendo dramático: el punteo acústico de Page desemboca en resonantes acordes que introducen el solo, una brillante sucesión de frases que se mueven sin pausa hacia el éxtasis del rock & roll.
Aparece en: Led Zeppelin IV

7
"While My Guitar Gently Weeps" - The Beatles 1968
Esta es la historia de dos gigantes de la guitarra y su encuentro cumbre: George Harrison, que escribió el tema con una acústica en la India, y Eric Clapton, que amplificó la angustiada voz de Harrison con una catarata de notas bluseras. Es el mejor ejemplo de su sonido filoso de finales de los 60.
Aparece en: White Album

6
"Eruption" - Van Halen 1978
Esta declaración de principios de 102 segundos es una pieza inventada arriba del escenario: un solo que demuestra su dominio del tono y la técnica, notable por la avalancha de notas que emite haciendo tapping sobre el diapasón. Ejércitos adolescentes intentarían imitar su estilo, común a las bandas metaleras de los 80.
Aparece en: Van Halen

5
"Brown Sugar" - The Rolling Stones 1971
"Satisfaction" puede ser el riff más reconocible de los Rolling Stones, pero este hit de Sticky Fingers –basado en una parte de guitarra ideada por Mick Jagger– es el máximo exponente de la lascivia guitarrera de la banda. El arma secreta de Keith Richards: toca una guitarra a la que le falta la cuerda más grave.
Aparece en: Sticky Fingers

4
"You Really Got Me" - The Kinks 1964
Al principio era "una melodía tipo jazz", dijo el cantante de los Kinks, Ray Davies; y la línea de dos acordes estaba pensada para un saxo. "Eso era lo que me gustaba en esa época." Luego su hermano Dave la tocó con la guitarra, conectada a un amplificador que había pinchado con agujas y tajeado con una hojita de afeitar: "Era una Gillette de una sola hoja", contó Dave. El solo –una maraña de notas en zigzag– anunció el nacimiento del rock de garage de los 60 y del punk rock, todo al mismo tiempo. "Dije que nunca iba a escribir otra canción como ésa", dice Ray. "Y no lo he hecho."
Aparece en: The Kinks

3
"Crossroads" - Cream 1968
Eric Clapton una vez describió la música de Cream como "blues antiguo y moderno". Este tema lo demuestra. No tenía ni 23 años cuando tocó esta versión a alta velocidad del clásico de Robert Johnson en el Winterland de San Francisco, el 10 de marzo de 1968. Todo en los solos de Clapton se basa en el vocabulario del blues, pero apunta hacia el futuro. "Cuando Clapton arremete con un solo, escribe maravillosas sinfonías sobre la base del blues clásico con ese tono fantástico", le dijo Little Steven Van Zandt a Rolling Stone en 2004. "Uno puede cantar sus solos como si fueran canciones."
Aparece en: Wheels of Fire

2
"Purple Haze" - The Jimi Hendrix Experience 1967
Este riff es puro blues, la misma estructura que Hendrix tocaba todas las noches en los clubes de R&B, como acompañante de Little Richard y los Isley Brothers. Pero en "Purple Haze", el segundo single británico de Hendrix y primer tema de la versión norteamericana de su disco debut, él se declara un hombre libre y revela un nuevo lenguaje en la guitarra, repleto de ansias espirituales y de la poesía que puede hallarse en la electricidad y la tecnología de estudio. "Uno puede tocar la guitarra o trascenderla", dijo Neil Young cuando incorporaron a Hendrix al Rock & Roll Hall of Fame, en 1992. "Jimi me mostró eso. Lo escuché, lo sentí, y lo quise hacer." Hendrix escribió la base de "Purple Haze" en un nightclub de Londres en diciembre de 1966 y grabó las pistas con su banda, la Experience, dos semanas después. Pero el viaje galáctico llegó con las sobregrabaciones del 3 de febrero de 1967: los solos de Hendrix, sumergiéndose en el eco, fueron procesados por un octavador y replicados al doble de velocidad. En menos de tres minutos, Hendrix abrió una nueva era expresiva para su instrumento. Una era que no ha terminado.
Aparece en: Are You Experienced

1
"Johnny B. Goode" - Chuck Berry 1958
"Si queres tocar rock & roll, tenés que empezar por acá", le dijo el guitarrista de Aerosmith, Joe Perry, a Rolling Stone en 2004. Grabado hace cincuenta años, el 6 de enero de 1958 en los legendarios estudios Chess Records de Chicago, "Johnny B. Goode" fue el primer gran registro que versaba sobre las alegrías y la satsifacción que implica tocar rock & roll con la guitarra. Este single también contiene la mejor intro del rock & roll: una emocionante explosión de notas dada por el punteo trepidante de Berry, seguida por una sección rítmica que traduce a las cuerdas un riff de piano de boogie-woogie. "He could play guitar just like a-ringing a bell (tocaba la guitarra como quien toca una campana)", canta Berry en el primer verso, dando una descripción perfecta de su estilo, su potencia primitiva y la influencia que su sonido y sus reverberaciones ejercerían en todo el rock de guitarras, desde los Beatles hasta los Stones, y de ahí en adelante. "Era hermoso, fluido, y su timing era perfecto", dijo alguna vez Keith Richards, uno de sus más legendarios discípulos. "Es el maestro supremo del ritmo." Chuck Berry escribía a menudo sobre el rock & roll y sobre por qué era bueno para uno. Ejemplos de eso son "Roll Over Beethoven", de 1956, y "Rock and Roll Music", del 57. Pero Berry nunca logró plasmar tan bien todo lo que sentía y pensaba al respecto como en "Johnny B. Goode", una historia real sobre cómo el hecho de hacer música puede cambiarte la vida para siempre.
Aparece en: The Definitive Collection

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